Ouf ! La catastrophe est évitée : c'est qu'après l'indigent " Storytelling ", on avait peur pour Belle and Sebastian. Peur que Stuart Murdoch et ses amis d'Ecosse aient perdu, dans cet exercice de style (la BO), leur innocence et leur candeur si attachantes. Peur qu'après le départ d'Isobel Campbell, l'ambiance s'électrifie et les mélodies en pâtissent. Peur que toute cette troupe de vieux ados franchissent trop vite le seuil de l'âge adulte et y laissent leurs plumes d'éternels " freshmen ". Bref, peur que la magie s'éteigne. Ouf ! On a eu chaud. Parce qu'il faut bien dire que ce cinquième (sixième, avec la BO) album des Belle and Sebastian est une totale réussite, un rêve (de gosse) qu'on n'osait plus trop imaginer. Belle and Sebastian reste bien ce groupe un peu midinette qu'on chérit avec tendresse, qui ose toujours revendiquer ses penchants pour une pop un peu désuète, limite variet', sans jamais pour autant s'engluer dans de la guimauve de ménagères, tendance FM. Stuart Murdoch est l'un des (trop) rares songwriters actuels qui n'a pas peur d'en rajouter une couche, au risque de dégoûter toujours davantage ses détracteurs les plus féroces. Les autres s'en délecteront jusqu'à la crise de foie, certains qu'écouter cette pop savante remplacera toujours n'importe quelle cure de jouvence… Cerise sur le gâteau : la voix de plus en plus juste de Murdoch, qui ne chevrote plus à la moindre émotion, et la production, lustrée et clinquante, de Trevor Horn. De lui aussi, on avait peur : qu'il transforme nos fidèles compagnons de la chanson en copies carbone de Tatu ou de Frankie Goes To Hollywood. L'horreur. Heureusement, Stuart n'a pas lâché ses rênes d'équilibriste pop, même si on sent clairement l'influence de Trevor Horn sur un titre comme " Stay Loose ", très… Human League. Pour le reste, c'est du Belle and Sebastian grand cru, plein de cuivres, de violons, de chœurs et même de boogie-woogie (" Roy Walker "). Une véritable renaissance, et un grand disque de plus.
Il y a deux ans, " The Newton Plum " avait bluffé son monde : cette musique post-pop sophistiquée, empruntant ses mystères autant au free jazz qu'à Robert Wyatt et Mark Hollis, nous laissa coi et rêveur. Si la beauté musicale devait avoir un nom, celui de Bed (alias Benoît Burello) lui siérait le mieux. Perdue dans la laideur FM ambiante, la musique de Bed ne franchit jamais le Rubicon qui la séparait du monde extérieur et de ses projecteurs, préférant rester cachée et insaisissable, à l'abri de toutes tentatives de vulgarisation, et de toute concession. Avec " Spacebox ", la jolie boîte à musique de Bed se pare de couleurs plus chatoyantes, non pas pour appâter le chaland, mais parce que Burello n'aime pas le surplace. Le piano, omniprésent sur " The Newton Plum ", se fait ainsi plus discret, laissant plus de place aux guitares et à la contrebasse. Entouré de trois musiciens au toucher singulier (les excellents Vincent Ferrand, Olivier Mellano et Jean-Michel Pires), Burello peut ainsi déployer son talent d'arrangeur et laisser mûrir son amour pour la pop céleste (The Sea & Cake, Perry Blake) et le post-rock (Bottom) aéré de silences (Sylvain Chauveau, Tortoise). Sa voix, elle aussi, se fait moins timide, jusqu'à taquiner gentiment ses modèles, Wyatt, Lindsay et Kozelek. Voilà du travail d'orfèvre, qui s'écoute religieusement : des morceaux comme " Wondertalk " et " The Wood Bunch " ne sont pas seulement magnifiques, ils dégagent un sentiment de sérénité qu'on a rarement la chance d'entendre en ce bas monde. Ce " Spacebox " est une splendeur, et c'est peu de le dire.
Originaire de Philadelphie, ce quartet est spécialisé dans le blues et le R&B électrique. Un style qu'il pratique en libérant un max de puissance. David Mowry en est le chanteur guitariste, mais surtout le leader. Il est épaulé par son fils Adrian à la guitare, Richard Glover à la basse et le Canadien Jeff Sheard à la batterie. David est originaire du Massachusetts. Il a longtemps vécu à Woodstock, avant de s'établir à Philadelphie. En 1977. Toutes les compositions sont signées par les Mowry. "Love breakin' down" constitue leur second album. Il fait suite à "Blooming on Harm's limb".
La plage maître ouvre le feu. Epaulés par Wally Smith, invité pour jouer du piano, les deux guitaristes impriment un tempo rock. Des chœurs féminins soulignent les vocaux de David Mowry : ceux de Candice et Lenesha."Cup o'Tea" est bâti sur le riff de "Help me" ; ou plus exactement de "Green onions". A cause de la présence de Wally à l'orgue Hammond. "Sweet to sour" persévère dans le même style. Un R&B pas trop éloigné de Memphis. La voix rocailleuse du leader passe très bien la rampe dans ce registre. "You and I" marque un changement radical de style. L'ambiance latino-américaine y est beaucoup plus proche de l'univers d'un Carlos Santana. L'orgue, les chœurs féminins et les percussions sont de rigueur. "Baptized in the blue" baigne au sein d'une solution sonore intimiste, laidback même. Face au piano électrique, la guitare est toujours inspirée par Santana. "Cowboy kids" renoue avec le R&B très propre. L'assise rythmique titille les oreilles. Le piano introduit une partie de guitare gouailleuse, bien dans l'esprit rock'n'roll. Ballade lente, très soul, contaminée par le Philly sound", " Close the book " bénéficie d'une partie de guitare réussie ; économe dans les notes mais pas dans la sensibilité ! Les percussions d'Edgardo Anderson reviennent à la surface pour nous entraîner dans un nouveau voyage aux Caraïbes ; mais sous une forme plus jazz et dansante. A l'instar de "Carousel" et de "Runaway walk". En final, la texture de "The servant" monte doucement en régime. La musique de Beaucoup Blue est d'excellente facture, mais pourquoi avoir entamé l'elpee par quatre plages au tempo dit 'fort', avant d'emprunter un format davantage atmosphérique ?
Flash-back! En janvier 69, les Fab Four acceptent de se réunir, à la demande de McCartney. Au sein des studios de Twickenham. Objectif : enregistrer un concert pour la TV assorti d'un documentaire. Au bout d'une dizaine de jours, le groupe se rend compte qu'il ne parviendra pas à atteindre son objectif, et émigre au sous-sol de son QG d'Apple, pour y répéter. Après deux bons mois de travail (NDR : c'est de cette époque que date le fameux concert improvisé, accordé sur les toits des célèbres studios londoniens)… et de conflits, ils confient les bandes à Glynn Johns, leur ingénieur du son. Mais ses propositions successives ne récoltent jamais l'aval des quatre de Liverpool. Pire encore, le groupe se sépare, sans jamais avoir pris la moindre décision. Un mois après ce split, le 8 mai 1970 très exactement, le projet est refilé à Phil Spector. Ce dernier y travaille d'arrache-pied, et y porte sa griffe en y apportant force arrangements et orchestrations. Ce qu'on appelait déjà le fameux " wall of sound ". Nonobstant le veto de Mc Cartney, l'elpee sort sous le titre " Let it be ", alors qu'à l'origine, il devait s'intituler " Get back ". Trente-trois ans plus tard, Paulo tient sa revanche, puisqu'il est parvenu à convaincre la compagnie Apple et la multinationale EMI de ressortir l'opus sous sa version originelle. Enfin, c'est ce qu'on veut nous faire croire. Car si les nouvelles versions sont incontestablement épurées, elles sont aussi le fruit d'un travail de recomposition et de remasterisation. En outre, " Dig it " et " Maggie Mae " ont été écartés au profit de " Don't let me down ". Maintenant, il est vrai que la nouvelle mouture ne manque pas d'allure. Les plages épousent même une sensibilité tellement proche du double blanc. A un tel point qu'en écoutant les nouvelles versions d'" I me mine " ou de " For you blue ", j'en avais la gorge serrée. Chez " The long and widing road " et " Let it be ", le piano de McCartney est davantage mis en exergue. Sans oublier les claviers si caractéristiques de Billy Preston qui donnent une toute autre coloration aux compositions. Le disque recèle un bonus CD partagé entre témoignages de répétitions et morceaux de conversation émaillés d'altercations. Mais surtout un film réalisé à l'époque par Michael Lindsay-Hogg, sous le format du Dvd.
Dès le premier morceau, on reconnaît directement la patte Anti-Pop Consortium : ce flow haché plaqué sèchement sur un squelette de beats eighties, plus proche de l'électro racée d'Autechre que du hip hop platiné de Californie ou de New York. Pour son premier album solo, Beans creuse donc le sillon laissé béant par son ancien groupe, dont l'" Arrhythmia " ne cesse d'ailleurs encore de surprendre, un an plus tard. Fort heureusement, Beans ne se limite pas à ressasser les mêmes recettes qui ont fait le succès d'APC : sans les compromis que lui imposaient certainement les intérêts d'un collectif, Beans peut désormais se lâcher et assouvir ses envies les plus triviales. Comme s'amuser à singer le r'n'b (" Phreek The Beet ", " Hot Venom "), oser le rap sans musique (" Sickle Cell Hysteria ", comptine anti-came), parodier APC (" Slow Broken " rappelle " Get In Motion, en plus décharné) ou s'amuser à remplacer lui-même les machines (la beatbox humaine de " Crave "). Sur ce morceau, Beans vitupère d'ailleurs qu'" il y a trop de MC's pour trop peu d'auditeurs " : une remarque audacieuse, si l'on en juge par les partis pris du bonhomme… Car " Tomorrow Right Now " emprunte parfois des détours ardus, limite casse-tête. Sans concessions, il s'apprécie seulement après plusieurs écoutes… Ce que la plupart des auditeurs, déjà " si peu nombreux ", n'ont plus l'habitude de faire. Dans un monde musical formaté, le hip hop futuriste de Beans se pointe peut-être trop tôt. C'est le lot des visionnaires… Fans de hip hop mutant, d'électro qui déraille, de beats cardiaques, de machines rutilantes, revenez donc dans cinq ans pour apprécier ce disque à sa juste valeur.
Bas Bron, le type derrière Bastian, doit aimer les gadgets Moulinex : on dirait qu'il a composé son album avec des machines achetées en solde chez Vanden Borre. Son électro-funk de supermarché tourne en rond comme un vieux mixer de grand-mère : paraît pourtant qu'il y a deux ans, son premier album (" Ready ") posait les bases de l'élektroklash. Mouais : mieux vaut se méfier des communiqués de presse… Parce que ce truc-ci, avec ses synthés lo-fi et ses guitares à la Van Halen, ça ressemble plus à du Benjamin Diamond de bazar qu'aux tubes glam-trash de Miss Kittin. " Peut mieux faire " pourrait être la devise nationale en Hollande : après Brainpower en rap, Krezip (et Anouk !) en rock et Arling & Cameron en électro, il est bien normal qu'on fasse un peu la moue et qu'on retourne à nos moutons. Parce qu'à part le foot et la beu, les Pays-Bas sont loin d'avoir le monopole du bon goût côté musique. " Boeeeeereeeen! ! ! "
Pour ce troisième album, Felix Buxton et Simon Ratcliffe ont décidé d'inverser la vapeur et de se poser, là. Après des années de bourlingue festive sur les dance-floors du monde entier, le duo a semble-t-il décidé de ralentir le tempo et de laisser, le temps de quelques titres, sa panoplie de ravers hédonistes au vestiaire. Exténués par des mois de tournées incessantes, Buxton et Ratcliffe ont préféré cette fois composer leurs morceaux sans forcément penser aux BPMs. Il y a bien ces guitares 'flamenco' qui les trahissent encore (sur " Lucky Star " et " Tonight "), mais ici ce sont les voix qui en premier l'emportent. Et quelles voix : Lisa Kekaula des Bellrays sur l'énorme " Good Luck ", le rappeur Dizzee Rascal sur l'épileptique " Lucky Star ", Meshell Ndegeocello sur " Right Here's The Spot " ainsi que le doux " Feels Like Home ", JC Chasez (des affreux Nsync) sur " Plug It In " ; et surtout Siouxsie Sioux sur l'elektroklash " Cish Cash " : une claque. Il n'empêche qu'on ne change pas un homme, surtout quand ils sont deux : du Basement Jaxx première cuvée, on retrouve ainsi avec bonheur cette incroyable faculté à brasser les genres sans jamais nous servir de la soupe : électro, pop, rock, funk, soul, disco, samba, blues,… L'éclectisme engageant de Basement Jaxx impressionne toujours et laisse des traces sous les aisselles : du sacré bon boulot, qui confirme à l'aise le talent de ces deux enfants terribles de l'électro britonne. Toute résistance s'avère dès lors futile.
Robin Banks est née au Canada. A Chatham, dans Ontario. En 1992, elle fonde son propre groupe : le Robin Banks Blues Band. Elle n'enregistre cependant son premier album, "Permanent Record", que cinq ans plus tard. En 1999, elle se fixe au Texas. A Dallas très exactement. Depuis, elle a décidé d'y poursuivre sa route, en s'entourant de musiciens issus de la scène locale, et en particulier du guitariste Pat Boyack, devenu son collaborateur le plus régulier. Elle commet son second opus, "Honestly", en 2001.
Lors de l'enregistrement de ce disque, elle avait reçu le concours de sa section rythmique : Drew Allain à la basse et Marc Wilson à la batterie. Mais aussi de toute une panoplie de guests texan(e)s notoires : côté guitares, Hash Brown, Holland K Smith et Pat Boyack, Tim Alexander (Asleep at the Wheel) au piano et à l'orgue ainsi que le mythique harmoniciste des Rockets d'Anson Funderburgh, le vétéran Mr Sam Myers. Des musiciens qui passent à tour de rôle à l'avant-plan. Miss Robin a un peu tout fait sur cet album. Elle a écrit toutes les chansons, s'est chargée des arrangements et de la production.
Blues léger, "Don't ya love me like that?" ouvre l'elpee. Hash Brown est aux cordes et Sam à l'harmo. Mais les choses sérieuses débutent par "The whiskey song". Pour ce shuffle puissant, Holland K Smith assure le rythme sur sa guitare, Robin met de l'intensité dans ses cordes vocales, alors que Hash Brown est passé à l'harmonica. Mené à la texane, "Thinkin' bout you" est un blues lent typique. Pat Boyack est à la guitare et Tim Alexander au piano. Son "Work it out" rétablit le rythme. Elle le dompte avec une autorité qui me rappelle Candye Kane. Holland K Smith y produit une nouvelle fois un remarquable solo. Merveilleuse ballade R&B toute en douceur et en mélodie, "I'm in love with another man" baigne dans l'orgue Hammond d'Alexander. Les rythmes de la Nouvelle Orléans plantent le décor pour introduire "I need a lovin' man", traversé par l'harmonica de Sam Myers. Très laidback, le tire maître s'étire langoureusement sur un mid tempo. Holland K prouve encore une fois qu'il est sans doute le guitariste le plus intéressant du lot. Le prix roots de l'album revient à "None 'A nothin". Le duo Hash Brown/Sam Myers ouvre pour Miss Banks, en exsudant un flux d'émotion à fleur de peau. Une émotion toujours aussi palpable lorsque résonnent les riffs qui entouraient nombre des compositions de Howlin' Wolf. "My kinda lover" maintient le haut niveau de l'album. Brown joue très en rythmique et l'ancêtre Myers se sent largement inspiré. "Hold on to my baby tonight" est une ballade joyeuse sculptée dans un style fort proche de la Marcia Ball contemporaine. Robin chante avec une flamme dans les yeux et une passion dévorante, "I'd be everything to you". Un blues merveilleux et brûlant au cours duquel Holland K signe un solo assez exceptionnel. Une réponse du Dallas Blues à celui d'Austin! Pat Boyack se réveille et intervient, avec beaucoup de bonheur, sur le très tonique "Evil things". Il n'a pas perdu une once d'agilité dans les doigts, le Pat ! L'album demeure excellent jusqu'au bout. Sam Myers revient pour interpréter "Thunder and lightnin". Il hurle pour répondre au chant de Robin. En finale, "I say a little prayer" reste dans le ton. Un album et une artiste à découvrir !
" After dark " constitue le dernier album de Miss Banks. Un disque paru l'an dernier et enregistré 'live' à Dallas, en août 2002. Au club qui porte le nom de cet opus. Robin est épaulée par sa fidèle section rythmique : Drew Allain à la basse et Marc Wilson aux drums. Hash Brown est à la guitare et, plus surprenant, Christian Dozzler se réserve le piano. Ce longiligne autrichien est un remarquable musicien. Un ex-membre du Mojo Blues Band qui lance la machine instrumentale par un tonique "Rompin' after dark". L'elpee a été enregistré en public ; les plages sont donc naturellement plus longues et laissent davantage de champ libre aux solistes pour s'exprimer. Illuminé par les parties de piano de Christian, et souligné d'une intervention retenue de Hash Brown, "My daily wish" est un blues lent classique. "Rock this house" hausse le rythme. Une cover de Jimmie Rogers qui libère un maximum de swing. Brown est ici dans son élément! Le texan de Dallas joue dans le plus pur style jump avant de laisser Dozzler évoluer dans un registre qui lui va comme un gant. Au sein de cet environnement, Robin prend toute sa dimension de chanteuse et d'entertainer. C'est une chanteuse typiquement texane, mais profondément marquée par le blues de Chicago. Elle aborde ensuite "I'm walkin' (by myself)", avec beaucoup de brio. Elle poursuit par le classique "Built for comfort" de Willie Dixon. Elle nage ici tout à fait dans son élément. Dozzler se rappelle les bons moments du Mojo Blues Band qui faisait la promotion du Chicago blues, en Europe. Avec un talent certain, il faut le rappeler. Robin chante ensuite son "The whiskey song", un fragment issu de l'elpee "Honestly". Le shuffle est imparable, la machine est parfaitement huilée. Et c'est Hash Brown qui prend ici son pied. L'esprit bien ancré au Texas, elle puise dans le répertoire de Freddie King, en chantant le superbe "Ain't nobody's business. Le piano entoure sa voix suave. Dozzler caresse ses ivoires avec passion. L'émotion est bien présente tout au long de la remarquable adaptation de ce classique. "Hey little girl" est une composition signée par le Texan ZuZu Bollin. Une plage bien rythmée qui libère une nouvelle fois Dozzler et Brown. Zuzu était un excellent bluesman texan disparu en 1990. Il avait collaboré à l'enregistrement de l'album "Hash Brown's Texas Blues Revue", paru en 1999 sur Cannonball. "Blue bird" est un autre blues lent. Une composition somptueuse, minimaliste, sur laquelle nous pouvons entendre distinctement chaque instrument qui sort successivement de sa réserve ; et en particulier les interventions brillantes de la guitare et du piano. "Work it out" est une plage rythmée. Les percussions empruntent des accents exotiques. Robin évolue dans un style fort proche de Candye Kane ; et elle s'en sort tout à son avantage. Christian tapote à la louisianaise. Il y prend plaisir ! Cet opus de bonne facture s'achève dans le même registre, par "Whole lotta love" (NDR : non pas celui-là!!). Si vous en avez l'occasion, n'hésitez pas à aller l'applaudir cette artiste lorsqu'elle se produira en compagnie de la crème de nos musiciens belges et hollandais. Vous ne le regretterez pas !
Avec un titre pareil, on était déjà sûr d'une chose : ce Devendra Banhart est un original. Ce que la bio, d'ailleurs, confirme : à 21 ans, il traversa le désert du Grand Canyon pour rejoindre son père emprisonné au Venezuela ( ? !). Puis partit bivouaquer en France pour revenir à New York, loger dans des squats. Voilà qui suinte le vécu : ça peut faire un bon disque. De fait, ce " Oh Me Oh My… " impressionne dès la première écoute, même si c'est pas une sinécure : Banhart chante avec une voix saturée et chevrotante, avec pour seul accompagnement une guitare et une boîte à rythmes. Du fait maison que cet album, décousu mais émouvant : un genre d'Antifolk à la Moldy Peaches, mais sans les rires et les déguisements. Et même si ses paroles sont tordues (" Lend Me Your Teeth " suffira comme exemple…) et sa musique artisanale, il s'en dégage une sincérité telle qu'on avale la pilule sans problème. En 22 chansons courtes mais captivantes, Devendra Banhart pourrait même piquer la vedette à Daniel Johnston, et devenir le nouveau Nick Drake du quatre-pistes ! Même Michael Gira (ex-Swans) ne s'y est pas trompé, puisqu'il a emmené le bonhomme en tournée, en plus d'avoir dessiné la pochette de l'album… Un album de folk anémié qui ne cesse de surprendre, tout à la fois bizarre, surréaliste, effrayant, drôle, déroutant, triste et magique. Du grand art avec trois fois rien, mais beaucoup de talent.
Un vent doux de violons et d'orgue souffle sur la lande désolée d'Islande, c'est l'hiver. Au loin brille une apaisante lumière : celle d'une étoile ou peut-être est-ce une maison, dans laquelle un couple se réchauffe au coin du feu, en buvant un vin chaud ? La fille susurre à l'oreille de son homme qu'il est temps d'aller au lit, tandis que grésillent, à la radio, de légers beats mélancoliques, seules traces d'un présent si fragile. L'homme n'est pas fatigué : il s'installe au vieux piano dans le coin de la chambre, égrène quelques notes à l'intention de sa belle, les laisse s'évanouir dans l'espace confiné qui le sépare de ce corps qui l'attend. " C'est une berceuse ", lui avoue-t-il dans un soupir, ses joues rougissant comme un enfant. " Je t'aime ", lui répond-elle, et l'enlace dans ses bras menus, le couvrant de baisers. Sur eux, le temps glisse. La ballade qu'il lui dédie s'intitule " Follow ", " It's Alright ", peu importe. Sur le piano traînent quelques cd's : " Adore " des Smashing Pumpkins, Morcheeba, Air, Erykah Badu, The Supremes, Joni Mitchell. Penchée sur lui, elle entonne d'une voix câline, en chœur avec sa voix si fine, des refrains d'amour : à deux, ils forment un beau couple, uni par la musique. Lui s'appelle Bardi Johannsson. Elle Esther Talia Casey, Phoebe Tolmer, Keren Ann, Nicolette, Daniel Haraldsson (Gus Gus), c'est selon. Ils s'aiment, c'est sûr. Leur musique épurée pourrait venir du ciel. Servir d'aphrodisiaque. Eux n'en ont pas besoin. Ca coule de source. Tout est parfait dans le meilleur des mondes. C'est même trop beau pour être honnête. Pour eux, ça n'a pas d'importance. Au nom de l'amour, ils sont prêts à tous les sacrifices. Dehors c'est le grand froid, pas une âme qui vive. Seule luit cette lumière qui, de loin, ressemble à celle d'une étoile. Elle lui dit " Viens ", et ils s'endorment l'un dans l'autre, les notes de piano encore suspendues dans l'air moite de leurs étreintes.
" La Telerana De Sus Ojos " laissait augurer du meilleur : une guitare acoustique, une belle voix caverneuse (Abel Hernandez, chanteur de Migala)… Ouaip, on aurait pu y croire, façon Robert Smith à l'espagnol et Arab Strap en backing band. Pas pour longtemps malheureusement, puisque après on se coltine un collage d'interférences radio à la Scanner et des guitares saturées post-rock pendant une demi-heure. Parfois, un synthé (Coque Yturriaga, de Migala lui aussi) et quelques rythmes ouatés nous réservent quelques surprises (" Juguetes En Sus Manos ", proche de Tarwater), mais c'est bien peu de choses face à ces bleeps funestes, grésillants comme un vieux poste FM en rade. A la fin, Emak Bakia reprend pourtant la mélodie de la chanson d'ouverture, comme pour se dédouaner de cet entre-deux d'un ennui mortel (" Vista Aérea Del Viaje A Tsukiji ")… Un peu tard, les amis. Mais deux bonnes chansons, ce n'est déjà pas si mal : ça aurait pu faire un chouette single.
Quel chemin parcouru depuis la sortie de son premier album, "From the inside out" ! Une autoproduction parue en 1997. Michael est alors repéré par Bruce Iglauer, réputé pour son flair, qui le signe pour Alligator. Dans la foulée, un premier album sort en 2001 : "Make it rain". " I smell smoke " constitue son tout dernier opus. Mr Burks pose encore sur la pochette, armé de sa redoutable Gibson Flying V. S’appuyant sur Steve Potts aux drums et David Smith à la basse, la section rythmique est bien soudée et solide. Mais les autres musiciens sont aussi performants. En l’occurrence Vasti Jackson à la rythmique et Ernest Williamson aux claviers.
L’album s’ouvre par "All your afffection is gone". Les accents de la guitare de Michael sont à la fois métalliques et mélodiques. Sa voix est claire et purement soul. A sein de ce blues très urbain, clairement électrique, de nombreuses notes largement amplifiées s’échappent, pour notre plus grand plaisir. Michael est encore un jeune bluesman. Né en 1957, à Milwaukee, ses racines familiales procèdent de Camden, en Arkansas, où il allait d’ailleurs émigrer par la suite. L’impression laissée par le morceau d’ouverture est encore renforcée par le puissant et ravageur "One more chance". Les notes bien maîtrisées de la guitare remplissent tous les espaces libres et flirtent constamment avec la sur-amplification. On ressent facilement le rôle joué par Jim Gaines à la production, une fonction qu’il partage cependant avec Bruce Iglauer. J’aime beaucoup la plage titulaire" très soul, R&B, "I smell smoke. Assez proche d’"I’ll play the blues for you", sa ligne mélodique est convaincante. Albert King n’est pas loin. Sa guitare est néanmoins bien plus saignante ; mais l’orgue de Williamson est pour beaucoup dans la réussite de ce titre. La voix de Michael rayonne sur "Time I came in cut of the rain". Au cours de cet exercice du blues lent, les cordes vocales dégagent une puissance naturelle surprenante. L’émotion est au rendez-vous, car l’homme a du feeling à revendre. "Hard love" est un blues rocker. Toujours aussi percutant, Burks concède des notes acérées pouvant parfois rappeler un Son Seals des meilleurs jours. Il manifeste, en outre, un évident savoir-faire pour contrôler toutes les phrases qu’il produit. "Miss mercy" est issu de sa plume. Encore un titre très électrique. La section rythmique assure le riff de base, pendant que l’ami Billy Gibson souffle dans l’harmonica. Burks reprend le "Let the door knob hit you" de Latimore. Une plage soul, mais qui, pour une composition qui vient de chez Malaco, consomme une forte dose de guitare. L’homme prend ensuite un peu de recul. Il invite ses musiciens à conserver un niveau sonore réservé. Il se fait poignant pour chanter "Lie to me". La voix se détache avec aisance de son environnement sonore, tout au long de ce R&B lent. Du grand art ! Williamson se réserve l’introduction tempérée de "Willing to crawl". Un des meilleurs moments de l’album. Le solo est parfaitement construit, mais très (southern) rock. Superbe ! Des sonorités inhabituelles chez les artistes de ce label. ; mais qui caractérisent bien le style de Burks. Michael se calme pour interpréter son "I hope he’s worth my pain", en empruntant une expression sonore proche du titre maître. Burks remet une bonne dose de vibrations rock pour aborder "Good man bad thing". Une plage aux accents southern rock, mais dont l’exécution ne peut être opérée que par cette voix noire d’exception. "Snake eggs" est une conclusion très "downhome" blues à cet opus qui porte bien son nom. Elle se limite à Michael aux vocaux, sa guitare, et l’excellent Billy Gibsont à l’harmonica. Elle aurait pu se révéler une belle tranche de Delta blues ; mais la Flying V reste bien branchée à l’ampli. Mr Burks demeure incontestablement un bluesman fort intéressant…
Lydia Wever a fondé Brown Feather Sparrow il y a quatre ans, mais c'est seulement maintenant que son premier disque sort dans les bacs. La vie d'artiste n'est pas facile, surtout en Hollande, pays d'Anouk, de Krezip et des courses de patin à glace en dessous du niveau de la mer. La musique de Lydia Wever n'est pourtant pas en dessous du niveau de celle d'An Pierlé, de Low ou de Nona Mez : on y plonge avec délectation, et sans bouteille parce que les mélodies, dès les premières notes, se dévoilent à nous de façon limpide. Il y a bien du vague à l'âme dans ces compositions feutrées, mais jamais n'y risquons-nous notre bonne humeur - c'est triste, mais pas sans fond, comme ses musiques à l'écoute desquelles ne s'aventurent que les plus intrépides, tant l'on y voit que dalle. Ici donc, que du bonheur ou presque : Brown Feather Sparrow milite pour une musique onirique où les riffs s'étirent et les rythmes flânent. Un piano égrène doucement ses notes avec parcimonie, tandis qu'une voix, en apesanteur, coule comme un long fleuve tranquille. C'est beau, aérien, genre slowcore (Low). Parfois, la tension monte d'un cran (" Box of Spring "), mais c'est pour mieux apprécier la quiétude qui suit, réparatrice (" Water "). Le genre de disque qu'on écouterait bien tout l'hiver, au chaud sous la couette… jusqu'au retour des premières hirondelles (la pochette), des bourgeons et du soleil.
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