Le climat du Colorado est peut être aride mais le blues y reste vivace. Alors, une fois n’est pas coutume, mais je vous propose de nous y arrêter. Pour découvrir un certain Easy Bill Towber, un jeune musicien dont le point d’ancrage se situe dans les fifties ; et plus précisément la scène urban blues de Chicago.
Dès l'ouverture, vous être envoûtés par le climat sonore de ce premier opus. La production opérée par Nick Moss est impressionnante. Si vous appréciez Mark "Tee" Thijs, vous ne pourrez qu’adorer Easy Bill. Le "Gonna tell your mother" de McCracklin est un véritable brûlot. Une claque ! A cause de la sonorité de la guitare, mais aussi de la puissance et de la conviction du lead singer, que les autres musiciens soutiennent en chœur. La section rythmique est placée bien en avant. La basse de RD Jones et la batterie de Kyle Roberts constituent une base sûre et idéale pour cette musique propulsée dans ce 21ème siècle encore naissant. Deux autres instruments tirent encore ici leur épingle du jeu : l'harmonica de Gerry Hundt et le piano de Mark Richardson. Le rythme demeure aussi franc pour aborder "Starving for your love", une composition au cours de laquelle les cuivres renforcent l'impact de la guitare. Tout est parfaitement mis en place. Tous les musiciens ont posé leurs marques. Ce qui leur permet d’intervenir à tour de rôle. Tout au long de "Swinging on a vine", un R&B que n'aurait pas renié les Blues Brothers, le saxophone de Ken Plum, le piano et bien sûr la guitare s’en donnent à cœur joie. Quant à la voix de Big Bill, elle se joue des événements. Les néons s'éteignent. Les couples d'étreignent sur la piste de danse. Vous l'aurez deviné, le rythme ralentit. Une ambiance fin de soirée s'installe. Au milieu des volutes de fumées, Mr T-Bone Walker donne le ton : "Live to love" est un plaisir des oreilles. Les saxes de Ken susurrent des mots doux. La retenue d'Easy Bill impressionne. Dynamisé par les rythmes sautillants de la Nouvelle Orléans, "Shooty booty" reproduit une ambiance plus festive. Le saxophone et le piano s'envolent. Inspiré par le son southside de Muddy Waters, le vif "Whiskey drinking woman" opère un retour vers Chicago. Gerry y souffle comme Little Walter. Tous ces musiciens ont bien assimilé l'esprit du passé : celui de Chicago, de la Louisiane, mais aussi les ambiances plus feutrées de la West Coast. Le swing et la légèreté sont au rendez-vous. Et "Down boy", ainsi que "Spending time", un fragment au cours duquel le piano se fait jazzy, tant il swingue, en sont les plus belles démonstrations. Easy Bill mène son petit orchestre de main de maître sur l’excellente plage, "One more kiss", une bonne dose de joie de vivre dans la voix. L'harmoniciste Gerry Hundt opère un retour sur la plage titulaire. Responsable de la production (NDR : qu’il assure avec un rare bonheur), Nick Moss a ramené dans ses valises "Awful thoughts", une composition tellement imprégnée du Chicago des fifties (NDR : celui de Muddy Waters, bien sûr) qu’elle en devient un réel plaisir. Et lorsqu’Easy Bill délivre parcimonieusement ses notes, l'émotion ne peut que passer. L'album s’achève par "Side-track", un instrumental imprimé sur un rythme proche du célèbre "Honky Tonk" de Bill Dogett qui met en exergue le travail du saxophoniste. Si vous appréciez Tee, Nick Curran, Little Charlie & the Nightcats, je vous recommande cet opus qui est, je le confirme, une véritable réussite.
Décidément, Rough Trade signe en ce moment des groupes à la pelle. Eastern Lane : quatre jeunes Anglais de la rase campagne écossaise, qui s'ennuyaient ferme à gratter en vain leurs guitares, et rêvaient de lendemains meilleurs. En tête d'affiche du festival de Glastonbury, par exemple. Signés sur le prestigieux label londonien, Eastern Lane peut y croire, même si ses chansons n'ont rien de très original. La meilleure carte de visite du groupe, c'est cette faculté étonnante de changer de registre : du rock tenace de " Dead July " et " Holy Arms " (qu'on croirait piqués aux Strokes) à l'americana branque de " Humard " et " Portrait of Tuesday ", genre Jason Molina et Neil Young (ce qui revient au même)… Il est toujours difficile de choisir son camp, alors autant ne pas choisir : Eastern Lane, c'est de l'indie rock accouplé à de la country malade. The Pixies at Saint Quentin. Du Starsailor charcuté par Phil Spector et repris en chœur par la troupe de Palace (" No Salvation "). Du rock new-yorkais envoyé paître chez Sparklehorse. Ca vous fait une belle jambe, ce jeu des sept familles ? Le travail du chroniqueur se révèle parfois une tâche ardue (et pourquoi pas " Jack White à la place de Bob Dylan dans " Pat Garrett et Billy le Kid " ou " I Am Kloot jouant son va-tout lors d'une partie d'échecs acharnée avec Gram Parsons et David Pajo " ?) A vous de jouer : imaginez les meilleures comparaisons, jeux de mots et contrepèteries.
Ca commence dans un souffle. En sourdine. Comme si Daniel Burton, le chanteur, n'osait pas trop nous bousculer, quémander notre précieuse attention. Un peu comme ces concerts où le groupe se met à jouer pendant que les gens discutent toujours, en buvant une bière. C'est peut-être une condition sine qua non pour apprécier ce genre de musique, lente, timide, qui ne déploie ses charmes qu'après un certain temps, à laquelle on ne prête attention qu'au fur et à mesure, pour terminer très attentif, les yeux rivés sur la scène, les oreilles collées au baffle. Et cette bière toujours en main, mais désormais chaude, sans mousse. Ce serait donc ça, l'effet Early Day Miners : " lentement mais sûrement ", pourrions-nous dire. Une constante, donc, chez les groupes slowcore (écouter Low, Arab Strap, Pinback, At the close of every day, Transmissionary Six,…), dont EDM fait assurément partie. " Jefferson at Rest " est le troisième album de ce groupe américain à géométrie variable (cette fois ils sont 7). La différence avec les précédents : un son un peu plus rock, plus nerveux. Il faut dire qu'avec trois guitares et une basse, EDM peut tisser ce qu'il veut, de la sophistication reposante des trois premiers morceaux aux envolées sourdes des titres de fin. Parfois, un violon ou un synthé jouent les renforts, de quoi rendre l'atmosphère moins étouffante. Reste encore cette voix, traînante et désespérée, qui donne un peu le cafard. EDM n'a toujours pas envie de sourire... Tant pis : leurs disques resteront bien planqués dans notre discothèque. En cas de déprime, ça vient toujours à point.
Présenté comme le premier album de tous les temps à avoir réussi la fusion entre le rock gothique et le néo metal, "Fallen" révèle davantage de points communs avec Lacuna Coil et Within Temptation qu'avec Korn et Soulfly. Propulsé par la B.O. du film 'Daredevil', ce groupe américain commence à envahir les ondes des radios nationales un tant soi peu ouvertes aux nouvelles tendances du rock. Gothique, élégant, aérien, le metal du groupe de la ravissante Ami Lee prend de la hauteur, allie puissance des riffs à la beauté des mélodies, surprend par ses multiples aspects typiquement européens ; à l'image d'un Lacuna Coil, sans nul doute sa principale influence. A contrario de l'Europe, les groupes à chanteuse sont loin d'être nombreux et populaires Outre-Atlantique. Ce qui rend cet opus d'autant plus attrayant pour les amateurs du genre. Superbement ficelées, et gonflées par une production digne d'un Metallica ou d'un Ozzy Osbourne, les onze compositions naviguent entre metal traditionnel et new wave années 80 ; une musique hybride et succulente, enrichie par de belles mélodies au piano et des cordes judicieusement posées. Une belle reconversion pour le guitariste Dave Fortman, ex Ugly Kid Joe, pur produit de la vague metal US de la fin des nineties. Caractérisé par son refrain rappé, le single déjà populaire " Bring Me To Life " est peu représentatif de l'ensemble de l'œuvre ; une œuvre qui contribue davantage à l'épanouissement des liens qui se créent entre le rock mainstream et le heavy metal. Vivement un second album!
Dirty Ali, Funky Farid et Monsieur Club font sans doute partie de ces 'cinéphages' avertis qui hantent les coins sombres des vidéo clubs de province, à la recherche de la perle qui les fera frémir encore une fois. Leurs films favoris : ceux qui foutent la pétoche, hanté de violons stridents tendance " Psychose " ou de nappes de synthé glaçantes façon " Halloween ". Carpenter, justement, se retrouve samplé sur le " Main Theme " de cet album hommage, fausse BO d'un film SF que les trois Eternals ont imaginé chez eux, à Toulouse. Au menu, un vrai " soundtrack " à l'américaine, avec ses génériques de début et de fin (de l'électro d'alunissage de " Zero Gravity " à l'excellent " Strange World ", roucoulé par Benjamin Diamond), ses montées d'adrénaline et ses temps morts. Au hasard des scènes, on rencontre beaucoup de robots (Kraftwerk sur " Emergency ", Daft Punk sur " Walk For Me ", Cybotron et Madkatt Countship sur " Astropioneers (Main Theme) "), plus quelques autres créatures aux circuits calcinés…. " We Are Living In A Strange World ", chante Diamond juste avant l'apparition du mot " The End " sur notre écran mental : étrange, certes, mais d'une beauté venimeuse. La BO de l'année… Mais d'un film imaginaire.
Le revival post punk/no wave a le mérite de mettre en avant des groupes qui jusqu'ici n'avaient pas la chance de faire la une des magazines. Et d'être en écoute à la Fnac, entre la dernière compile de Yes et le live d'Indochine. En plus ici, ce sont des filles. Avec des guitares. La castration, ce genre. Musicalement, ça décoiffe, même si les guitares sonnent comme un ongle qui crisse sur du verre. Crispant! Heureusement il y a la basse, hypnotique, bandante. Et cette batterie, métronomique. Mon tout donne une musique enivrante parce que minimaliste, squelettique, épileptique. 13 chansons, 27 minutes : il n'en faut pas plus pour se sentir vidé, les nerfs tendus comme de la corde à linge. Après Siouxsie (la voix), ESG (la rythmique) et Theoretical Girls (la hargne), Erase Errata persiste et signe… Et quand les femmes se mettent au punk, mieux vaut se tenir à carreau.
On connaissait le bonhomme un peu neurasthénique, pour l'avoir déjà fréquenté quatre albums durant sous le pseudonyme de Third Eye Foundation. Avec ce cinquième opus signé sous son propre nom, Matt Elliott semble s'être encore un peu plus enfoncé dans la mouise et le brouillard, celui duquel surgissent nos pires cauchemars. Cette fois, plus de breakbeats désossés, de BPMs affolés : sa musique, partagée entre silences pesants et ambiances mortifères, se fait de plus en plus menaçante. Des voix dépressives résonnent tandis qu'un piano déglingué expire son dernier souffle (" The Mess We Made "). Une boîte à musique achetée aux puces grésille sous la poussière d'une vielle rengaine malsaine (" Let Us Break ") . Des guitares malades étirent leurs arpèges dans la douleur (" The Dog Beneath The Skin "). De vieux marins chantonnent une complainte suicidaire pendant que leur bateau coule (l'effrayant " The Sinking Ship Song "). Un banjo fantôme précipite tout espoir dans un ravin sans fond (" Forty Days "). " The Mess We Made " fait partie de ces albums qui donnent la nausée, tellement l'atmosphère y est glauque. A la fin, quand le disque s'arrête, on respire. Voilà un album d'une tristesse insondable, aux couleurs sépia et aux sonorités délavées : un peu comme ces spectres qui hantent le purgatoire en attendant de retrouver leur âme.
Hanin Elias n'est autre que la furie féministe et gueularde d'Atari Teenage Riot. Mieux vaut donc rester sur ses gardes, car cette " riot-grrrl " postmoderne n'aime pas trop qu'on l'embête. Au programme de ce second album solo (après " In Flames "), Hanin Elias ne prend pourtant guère de risques. Tout juste y décèle-t-on un peu plus de rythmes posés. Mais de là à dire que la bête s'est calmée… Toujours en guerre contre cette société machiste et conservatrice, la compagne d'Alec Empire crache son venin sur des beats crades et méchants, éructant de vaines diatribes apprises par cœur chez Marx, Darwin et Crowley. C'est qu'Hanin Elias, à force de déverser son fiel comme Linda Blair dans " L'Exorciste ", ressemble davantage à une vieille harpie à la Diamand Galas qu'à la nouvelle anarchiste qu'elle prétend être. A vrai dire, on n'y croit pas trop, à ses grossières jérémiades, même si sur certains titres, la vilaine fille tente de calmer le jeu (le slow " No Games No Fun "… du moins pendant deux minutes). Pire : elle qui s'est toujours montrée hyper-chienne de garde se trouve ici entourée d'une cohorte de mâles, de Jay Mascis au Neubauten Alex Hacke. Bien sûr, Alec Empire est également de la partie, pour un " You Suck " très… ATR, quoique relevé d'une touche hip hop étonnante. Avec " Rockets Against Stones ", Elias se frotte aux bruits blancs de Merzbow, un invité en fin de compte attendu, quand on connaît la carrière de la dame. " You say Fight With Me / I say Fuck You ! " : toujours la même rengaine, fatigante à la longue… Le reste croupit, ni plus ni moins, dans les eaux troubles de l'électro industrielle (les titres avec C.H.I.F.F.R.E.) et du métal strident. Pas très fun, c'est clair… A part, peut-être, pour les fans hardcore d'Atari.
Issu de la région de Brighton, ce blues band anglais s'inspire largement de B.B King. Très 'british' ces gentlemen accordent une grande importance à l'aspect mélodique de leurs compositions. Ils appartiennent à un mouvement qui a fait autrefois et encore aujourd'hui largement recette dans l'Albion ; et dont Eric Clapton et Peter Green incarnent certainement les plus parfaits symboles. Les Elevators me font également penser à un autre blues band anglais aujourd'hui malheureusement disparu : les Producers.
John Whippy en est le leader, chanteur et guitariste. Au sein du groupe, il joue le rôle de Peter Green. Phil Greaves, l'autre guitariste celui de Clapton. Martin Robinson à la basse et Mick Hill à la batterie complètent le line up. Une formule qui tient bien la route, car lorsqu'un des guitaristes exerce la fonction de soliste, le second assure aussitôt la rythmique.
Les Elevators se penchent tout d'abord sur le répertoire de B.B King. Ils interprètent ainsi "Understand (I'll survive)" avant de passer avec beaucoup de talent au fameux "Everyday I have the blues". Renforcés par les Brass Monkeys, une section de cuivres au sein de laquelle Miss Jane Stimpson nous réserve un solo à la trompette, ils reprennent le "That's what I'll do" de Robert Cray, dans un style plus saignant. "Seven L-O-N-G days" est une plage nerveuse. Le chant est situé entre Clapton et Green. La partie de guitare est assez originale. Les aficionados de John Mayall et de Peter Green vont être ravis d'entendre la reprise de "A hard road". Elle constituait la plage titulaire de l'album des Bluesbreakers impliquant Green. La version est très agréable. La guitare rythmique sans faille. J'apprécie toujours autant le son réverbéré de la Gibson Les Paul. Le répertoire demeure très classique. A l'instar du "My time after a while" de Buddy Guy, un titre que Clapton aimait interpréter ; du "All over again" de BB King, un savoureux slow blues modestement cuivré ; ou encore du "Double Trouble" d'Otis Rush dont Peter Green s'acquittait si bien à l'époque où il côtoyait Mayall. Pour la circonstance, John Wippy chante avec l'intonation de la voix et le phrasé de guitare de Peter. Wow! Signé Little Walker, "Mean old world" aligne un bien agréable défilé de solos : John tout d'abord, Miss Claire Mathews au sax alto, Paul Satchwell au trombone, Jane à la trompette, Simon D'souza au sax tenor et enfin Phil pour conclure. Autre titre de BB King, "3 O'clock blues" emprunte le style de Clapton. Blues très très lent, "Nightlife" de Willie Nelson est joué avec un maximum de passion et de feeling. Une chaleureuse sensation de douceur nous étreint. Le célèbre "I'd rather go blind" s'attarde dans le registre lent. L'opus nous réserve un titre caché. Un instrumental signé Freddie King : "Hideaway". Le style british blues de cet opus est imparable.
" Danger ! High Voltage " était un des singles de l'année dernière : boombastic, furieux, jouissif, totalement addictif. En guest, un certain John S. O'Leary hululait des insanités, sur fond de disco-garage fantasque et festif : certains affirment que derrière ce pseudonyme se cacherait en fait l'idole des jeunes rockeux, Jack White des White Stripes. Selon Dick Valentine, le chanteur lubrique d'Electric Six, il s'agit sans plus d'un mécano de Cleveland qui aurait gagné un concours pour participer aux chœurs (voir notre interview) : cette anecdote confirme l'humour potache de ces cinq tarés de Detroit. Rien que leurs noms de scène sonnent déjà comme une bonne blague : The Colonel, Johnny Na$hinal, Frank Lloyd Bonaventure, M., et Dick Valentine (+ aux synthés, Tait Nucleus). Remarqués sur la compile bootleg des 2Many Dj's, les zozos d'Electric Six (ex-Wildbunch) auraient donc pu être catalogués " bêtes de foire rock'n'roll " ou "Messieurs Loyal du cirque médiatique "… Mais ces gars-là n'ont rien d'un boys band dérisoire pour fans de nu-blues rouge et blanc : leur musique, un amalgame déjanté de rock, de punk, de garage, de disco et de funk, n'est en rien un gros pétard mouillé fabriqué par l'industrie du disque. Au contraire, " Fire ", et ses 13 bombes larguées directement sur le dance-floor, souffle tout sur son passage. " I wanna make it last forever ", hurle Dick sur " Dance Commander ", possédé tel un diable par ces riffs crochus et cette batterie groovy : nous aussi, on veut que ça dure. Chance : ça continue, et pour le meilleur. " Electric Demons In Love " fait sauter nos dernières craintes : ça suinte, ça bouge, ça swingue ! Dick alterne voix grave et falsetto, à la Mike Patton. Ou comment MC5 et les Stooges se retrouvent bourrés dans un night club, avec Chic et les Bee Gees derrière les platines. " SOLO ! ! ! ", crie Valentine sur " ! ;Naked P ictures (of Your Mother) ", et ça pète grave, tous aux abris. Les paroles font aussi bien rire : réduites à quelques mots-clés (" fire ", " electric ", " nuclear ", " dance ", " night "), elles s'apprennent par cœur en deux écoutes, de quoi chanter en compagnie de Dick sous la douche, devant le miroir ou dans la cuisine. Au centre de ces appels à la transe : le sexe, source d'inspiration inébranlable (sic). " I was born a dancer in your disco fire ! " (" She's White ") : Electric Six sont les nouveaux Sade, à la sauce rock'n'roll. Et la guerre ? Rien à foutre : " KILL BUSH ! ! ! ", gueulent-ils en riant (voir interview), la seule bataille qui vaut la peine étant celle du dance-floor. Danser partout, sans tabous (" Improper Dancing ")… " Nuclear war on the dance-floor " : Electric Six sont les rois de la piste de danse, parce qu'ils mettent le feu au cul et au reste. " I'm the Bomb " : tout juste. Ces Mister 100000 Volts jouent du bon rock qui vous explose à la gueule. Du " clit rock " comme dirait leur amie Peaches (dont ils ont repris le " Rock Show ") ? Pourquoi pas … Leur cible : le Point G. G comme Grandiose, Glamour, Gabba Gabba Hey ! " STOP ! CONTINUE ! " (" Improper Dancing "): ce disque tourne en boucle dans notre stéréo, parce qu'il est le parfait exutoire à tous nos petits tracas. Une bombe dont on ne se lassera jamais, comme de faire l'amour ou de s'envoyer en l'air sur le dance-floor. Yeeeeeeeeeaaaaaaahhhhhhhhh ! ! ! " Have sex with the Six ", " Rock the clit et make it last forever " ! ! !
A la production de cet album hors normes, un type qu’on connaît bien : Steve Albini. C’est sans doute en partie à cause de lui qu’Electrelane lorgne maintenant davantage du côté de la no-wave que du post-rock ambient. Le premier album de ce quatuor féminin de Brighton n’était en effet parsemé que de nappes à la Stereolab et d’atmosphères krautrock, sans aucune parole. Ici, les guitares fusent, la batterie se fait plus épileptique, la basse se la joue Peter Hook. Verity Susman chante avec l’ironie de Sadier et l’emphase de Siouxsie. Derrière elle, ses trois copines martèlent des mélodies qui rappellent parfois Blonde Redhead (« Take the Bit Between Your Teeth »), Blurt (le saxophone sur « Only One Thing is Needed »), voire The Slits (« On Parade »). Ce mélange de rétro futurisme (les synthés), de punk et de post-rock donnent une tambouille surprenante, au goût sans pareil. L’affolement de nos papilles auditives étant atteint par « The Valleys », hymne presque gothique avec ses chœurs déplacés et son harmonium pesant (écouteraient-elles Bathory avant d’aller dormir ?). Les paroles sont de Siegfried Sassoon, un poète. Plus loin, c’est Nietzsche qui se voit déclamé avec force, sur le joli « This Deed », tout en douceur malgré le son massif de la batterie. Ce disque est une des bonnes surprises de ce début d’année. Gageons qu’il le restera au moins jusqu’à la fin de l’année.
Cet album est quasiment impossible à définir. En fait, il faut se laisser emporter ou non, par l'étrangeté qu'inspire ce disque. Et justement, comme il revêt un caractère étrange, il en devient "cafardant". Ce qui ne gâche rien à la beauté des mélodies, des voix - Sinead O 'Connor pour "Tears from the moon", et Chemda qui revient plus souvent sur cet album - mais le mélange de ces voix et du fond sonore magnifique mais lugubre, n'est pas à mettre entre les mains d'une personne déprimée. Malgré les basses et le rythme, les chansons agissent sur nous (et notre moral !!) comme des mélopées afghanes ou rappellent également "Enigma" ou pire encore "Era" ! Ceci est surtout vrai sur "Years" où le sinistre l'emporte sur le beau. Heureusement que "Conjure One" comporte un deuxième CD, vraiment excellent. Et heureusement que sur ce deuxième CD, les remixes ont été opérés à partir des meilleures chansons du premier volume. Ainsi "Sleep" et "Tears from the moon" deviennent de purs moments de bonheur. N'exagérons rien, mais tout de même, on se verrait bien "jumper" sur les beats qui alternent lenteur et reprise encore plus forte, plus brutale. Le meilleur des remixes est sans doute celui de "Sleep", réalisé par Christophe Chantzis et Erik Vanspauwen, qui introduisent à la troisième minute une techno tout droit sortie des années 80, aux frontières de la hard house. S'il fallait qualifier ce "Conjure One", en le réduisant à un mot, il conviendrait de dire 'spécial'.
Comment ne pas maudire son rédacteur en chef quand celui-ci vous invite, en pleine période festive, à chroniquer l'album d'un groupe sorti de nulle part, qui sévit (NDR : parait-il !) depuis 1995, est à l'origine d'une petite quinzaine de hits (voir titre???) et porte un nom aussi accrocheur que The Fucking Champs? La pochette est belle comme une photo de première communion, la musique moins excitante qu'un documentaire de chasse, la production aussi soignée que la démo d'un groupe de grind core roumain, et l'hommage à Jean Sébastien Bach (NDR : en plage 5) relève du pur sacrilège. Bon, ben finalement, j'reprendrais bien un morceau de cette bûche dégoulinante de crème au beurre.
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