Lors de la sortie de leur premier album éponyme, j'en avais conclu que si vous aimez ou avez aimé Jesus & Mary Chain, le Velvet Underground, My Bloody Valentine et Joy Division, vous adorerez la musique de BRMC ! A cause de leur rock'n roll sauvage, ténébreux et bruitiste, dont les ballades lancinantes, fiévreuses et soniques s'impriment sur un tempo implacable. " Take them on, on your own " ne se contente cependant plus de reproduire le même schéma. Il va plus loin. Oh oui ! Bien sûr ! L'électricité est toujours aussi subversive, venimeuse, féroce, croustillante, menaçante, implacable, et j'en passe. Rappelant inévitablement, sur plusieurs fragments, J&MC. Les vocaux nonchalants, visionnaires, qui véhiculent des lyrics tantôt philosophiques, tantôt psychotiques, tantôt rebelles, continuent de macérer dans un climat ténébreux, en projetant des images en noir et blanc peuplées de personnages aussi controversés que Lester Bangs, Marlon Brando, Jim et William Reid, Iggy Pop ou encore Noël Gallagher. Et même de Bush et de toute sa clique. A travers une chanson dont le titre est sans équivoque : " U.S. governement ". Mais le champ des influences s'est considérablement élargi. A un tel point, qu'au plus je l'écoute, au plus j'en découvre. Depuis le magnétisme malsain exercé par " Gimme shelter " des Stones sur " We're all in love " à la frénésie stoogienne dispensée tout au long de " Going under ", en passant par la noisy de type 'shoegazing' (Ride ?), concédée tout au long de " Shade of blue ", la ligne claire instituée par Sad Lovers & Giants (NDR : à force d'en parler, vous finirez bien par vous pencher sur ce mythe mésestimé) qui illumine le très beau " Suddenly " et la britpop hymnique, électrique et vivifiante puisée dans l'Oasis de " Defenitely Mabe ", chez l'implacable " Stop " et le vibrant " In like the rose ". Sans oublier le très beau et soft " And I'm aching", un fragment purement est simplement sculpté dans les cordes de la guitare acoustique. En finale, les sept minutes de " Heart + soul " replongent dans l'univers glauque de J&MC, en libérant une adrénaline à la fois malsaine et redoutable. Un must !
Neal Walden Black Nous vient du Texas, mais vit aujourd'hui à Mexico. Agé de 44 ans, ce chanteur/guitariste est depuis si longtemps sur la route, qu'on pourrait l'imaginer usé par ce parcours de globe trotter. Chez lui, à San Antonio, il a d'abord écouté de la musique country, avant de goûter au blues des Johnny Winter, Hubert Sumlin ou Earl Hooker. Il fonde alors Dogman and the Shepherds. Il émigre ensuite à New York où il y monte ses Healers flanqué de Gib Wharton à la pedal steel guitar. Le groupe commettra deux albums : "Neal Black and the Healers" en 1992 et "Black Power" en 1994. Il rentre au Texas en 1998, pour y poursuivre sa vie de hors-la-loi désenchanté. Il concocte "Gone back to Texas" en 2000, avec le concours de l'harmoniciste Gary Primich.
Ce nouvel opus a été enregistré à Guadalajara, au Mexique. Un disque qui démarre dans un vrombissement de percussions. Les riffs profonds émanant des cordes de Black et l'harmonica gouailleur d'Oscar Michel embraient. Une belle entrée en matière, particulièrement électrique. Très hard, la guitare est prolixe. La voix de Neal est graveleuse, terriblement ravagée. Elle témoigne que l'homme a dû vivre d'excès. Mais l'ambiance explosive devient soudainement plus sereine, laissant alors la place à la voix suave de la Mexicaine Sara Valenzuela, le dobro de l'ami Gib Wharton, la guitare acoustique de Werther Ellerbrock et le banjo du leader. Quelle contradiction! La plage titulaire est un blues plutôt lent. Neal y récite ses paroles. Le piano d'Ivan Ocampo tisse des lignes mélodiques. La guitare s'aventure dans des phrases typiquement latino rock, largement amplifiées ; mais le doigté demeure très sensible. Résultat de luttes fratricides entre la guitare de Mr Black et la pedal steel de Wharton, "Take me" est une plage sculptée dans le country rock vivace. Neal chante de sa voix fatiguée "Hotel room in Mexico", une douce ballade très roots. Sa slide se réverbère dans un écho d'où se détachent un accordéon et une trompette. Ecrit par Willie Dixon, "It don't make sense" est un très beau blues atmosphérique. Le jeu de l'orgue Hammond est empreint d'une grande tristesse. Le désespoir est omniprésent. Le piano et l'harmonica se fondent dans l'ensemble. Et le duo vocal échangé avec Miss Valenzuela accentue davantage la douleur. En finale, Neal fait gémir sa guitare. Le mal de vivre nous envahit. "Shut up and confess" est imprimé sur un tempo rapide. La slide est torturée. Elle subit les derniers outrages avant d'être rejointe par le violon électrique de Cecilia Torres. Superbe instrumental, "Pigalle 4 am" baigne au sein d'une ambiance latino américaine de nuit parisienne enivrée. La guitare est d'une beauté immaculée. Une forme d'apaisement vous envahit. Une sensation renforcée par le piano de Ramirez et les percussions d'Hector Aguilar. Signée Link Wray, "Fallin' rain" est une jolie ballade pour deux voix, une guitare et un harmonica. L'album s'achève par une autre ballade : 'You're gonna make it". Interprétée sur un ton grave, elle sied bien à l'artiste. Le sentiment de détresse est amplifié par la slide, pendant qu'un bijou de sax est arraché des lèvres de Nathalie Braux.
Kiss-Offs et Black Lipstick ont la particularité de partager les mêmes guitaristes/chanteurs ; en l'occurrence Philip Niemeyer et Travis Higdon. Mais si la première formation citée est surtout branchée sur la 'dance', la seconde cherche à remettre au goût du jour l'héritage du Velvet Underground circa 69. Même les drums sont conjugués au féminin, puisque le rôle de Moe Tucker est ici accompli par Elizabeth Nottingham. Dans un style, bien sûr minimaliste, métronomique (NDR : hormis pour " Yesterday's horoscope was right ", dont le tempo mod semble avoir été emprunté à Jam !). Et difficile de comprendre comment le groupe parvient à éviter le piège du revivalisme, lorsqu'au fil de l'opus les spectres de Sonic Youth (les 9 minutes de l'épique et torturé " Texas woman " valent leur pesant de comparaisons !), Violent Femmes et de Television commencent à vous hanter l'esprit. Même le timbre vocal lymphatique, de Philip campe un hybride entre celui de Tom Verlaine et de David Byrne. Sans oublier les sonorités de guitares tour à tour, écorchées, sales, malsaines, tumultueuses ; et la ligne de basse ténébreuse. Pourtant le quatuor ne nous vient ni de New York, ni de Milwaukee, mais d'Austin. Et c'est sans doute ce qui explique pourquoi ils possèdent l'art de mettre en valeur le détail sophistiqué qui les rend à la fois si attachants et contemporains.
Ecouter ce disque est une expérience. Extrêmement jouissive ou totalement insupportable. Pour ce quatuor basé à Brooklyn, les limites à ne pas franchir n'existent pas : du rock, de l'électro, du jazz, de la musique concrète, peu importe quels genres, pourvu qu'ils soient maltraités, souillés, étirés, écartelés. Assez proche de la démarche expérimentale et improvisée de ses compatriotes Jackie-O Motherfucker, Black Dice n'éprouve aucune peur à tenter l'impossible, c'est-à-dire n'importe quoi. De ce chaos bruitiste où s'entrechoquent batterie folle, riffs atrophiés, machines endiablées, flûtes orientales (" Endless Happiness "), bruits d'oiseaux et de ressac, cris de possédés, voix déformées, ressort une impression tenace d'assister à la genèse d'un nouveau genre, sans cesse en ébullition, né sur les cendres d'un rock mutant qui aurait rendu l'âme face à toute cette démence. La seule évidence tient donc dans la manière de réagir : c'est certainement une expérience hors du commun, qui touche à tous nos sens… Mais le résultat, lui, est à l'appréciation personnelle. Soit on adore, et c'est la transe, soit on déteste, et c'est l'indifférence. Plus fort que Can et Montage, plus violent que Sonic Youth et Throbbing Gristle (" Big Drop " et ses hurlements tétanisants), la musique de Black Dice, en fin de compte, se vit plus qu'elle ne s'écoute. Basées avant tout sur la répétition, source d'hypnose (les vagues d'" Endless Happiness ", à l'effet relaxant), les cathédrales bruitistes de ce " Beaches & Canyons " n'auront certes d'impact que sur les plus coriaces, mais une fois leurs effets ressentis, à travers l'épiderme, et jusqu'au cerveau, c'est l'addiction assurée.
Camper Van Beethoven reprenant l'intégrale du "Tusk" de Fleetwood Mac peut vous paraître absurde. D'autant plus qu'il s'agit d'un double album. C'est pourtant ce challenge que le groupe a accompli. Pas récemment. En fait, les sessions d'enregistrement datent de 1986. A l'époque, les membres du groupe étaient en vacances. Histoire de se relaxer, avant d'entamer l'écriture de leur troisième opus. Mais le drummer s'est brisé accidentellement le bras. En faisant du ski. Pour ne pas rester inactif, le combo s'est donc lancé dans cette aventure récréative. Elle aurait dû le rester, car le résultat est loin d'être concluant. Il faut même croire que la formation ne l'avait pas trouvée à son goût, puisque qu'elle n'avait pas voulu le sortir. En outre, les bandes ont été (volontairement ou involontairement/ biffer la mention inutile) égarées. Et puis, au cours de l'année 2001, elles sont (miraculeusement ou malheureusement/ biffer la mention inutile) revenues à la surface. Quant à savoir qui a eu l'idée d'éditer ce disque, c'est une autre histoire. Une chose est sûre, ce n'est pas l'originalité qui l'étouffe. Les covers sont même largement inférieures aux versions originales. Conclusion, procurez-vous plutôt le Fleetwood Mac… c'est un des rares elpees incontournables de l'époque folk pop commis par la formation britannique.
L'amour parfait n'existe pas, et Cali l'a bien compris. Ses chansons, véritables terrains minés sur lesquels tout couple ‘idéal’ y laisserait son innocence, n'ont que faire des compromis. L'amour est un plat qui se mange froid, et la vaisselle d'être cassée sur les murs de la cuisine comme seul défoulement possible à la tromperie, le mensonge et la routine. " Le bonheur ", certes, " s'agrippe mal aux gens seuls ", mais les " lamentables démissions du cœur " valent parfois mieux qu'une vie d'habitudes sans plus d'étincelles dans le bas ventre. Ce qui choque chez Cali, c'est donc ce verbe cru et cette sincérité à toute épreuve, comme chez Miossec il y a quelques années, voire chez Dominique A… Mais le pire, nous vient de la musique : au lieu de nous conter ses histoires de trahison sur un mode mineur, en demi-teinte, le Français nous fait le (sale) coup de la valse à mille temps (" Le Grand Jour "), du piano sautillant (" Il y a une question ") et du cabaret-fanfare (" J'ai besoin d'amour "). L'auditeur, tiraillé entre les textes d'un désespoir à fleur de peau et la musique guillerette, ne sait sur quel pied danser : faut-il s'apitoyer ou taper du pied, pleurer ou danser ? Les deux à la fois : voilà la grandeur (décadente) de ce disque torturé, d'une honnêteté terrifiante. Cali a décidé que " mourir d'amour n'était plus de son âge ", et il a bien raison : le dire en chansons vaut mieux que tous les supplices, surtout si la femme d'en face ou d'à côté affiche son bonheur d'ailleurs avec une satisfaction et une indifférence écœurantes. En plus de sa répartie, notre homme a du goût, en littérature (la référence à Salinger dans " Il y a une question ") et en musique (voir plus haut). Ses expériences de couple n'ont peut-être pas été à la hauteur de sa verve discographique, toujours est-il qu'il sauvera bien des hommes (et des femmes, tant qu'à faire) du suicide/crime passionnel. " Quand on a que l'amour ", chantait l'autre : dans le cas contraire, il y a toujours " L'amour parfait ".
Quatrième album pour Joey Burns et John Convertino, enregistré sous le patronyme de Calexico. Un duo qui a quand même reçu le concours d'un nombre invraisemblable d'invités (des cuivres, des cordes, une slide, etc.), pour la plupart issus de la scène locale. De Tucson, en Arizona, si vous l'ignoriez encore. Ce qui n'empêche pas Joey de se concentrer sur la guitare, la contrebasse, l'accordéon, le banjo et les synthés et John de se réserver les drums et les percussions. Pour un disque qui flaire le sud-ouest des Etats-Unis. Ses vastes étendues désertiques. Ses cactus. Son soleil brûlant. La poussière de couleur ocre. On est ici pas très loin de la frontière mexicaine. Et cette proximité se ressent dans la musique de Calexico. Ce n'est pas neuf. Mais tout au long de " Feast of wire ", les sonorités mariachi ne sont plus omniprésentes. Le tandem a voulu élargir son horizon sonore. Est-ce un bien ? Est ce un mal ? A vous de juger ! Personnellement, je reste attaché au style qui a consacré leurs albums précédents. Et en particulier à " Hot rail ", " The black light " et à " Spoke ". Surtout lorsqu'il est alimenté de sonorités latines propices aux visions les plus 'morriconesques'. Et c'est le cas chez " Close behind ", " Across the wire ", " Dub latina " et " Güero canelo ". Quatre titres perdus au milieu d'une multitude d'instrumentaux. Enfin, pas seulement. Il y a bien la valse lente " Sunken waltz ". " Black heart ", un titre de trip hop mélancolique et sophistiqué que Portishead aurait pu inscrire à son répertoire (NDR : avec arrangements de cordes et tout le Saint Tremblement !). Le jazz cool " Crumble ". " Pepita ", tout au long duquel la guitare acoustique est jouée en picking à la manière d'Ed Kuepper. " Attack el robot ! Attack ", fruit d'un hypothétique fragment électro revu et corrigé par Tom Waits (NDR : mais sans la voix de Tom Waits !). Et le poppy " Not even Stevie Nicks ", chanté en hommage à l'ex chanteuse de Fleetwood Mac. Mais la forme intimiste est un peu trop envahissante à mon goût. Et chez Calexico, ce que je préfère, c'est lorsque le combo cuisine sa country alternative à la sauce mexicaine ou cubaine. Et la plus épicée possible… Qu'on retrouve cependant encore sur un des trois bonus tracks.
Hormis dans le domaine du cinéma et de l'opéra, John Cale n'avait plus rien sorti de consistant depuis " Walking On Locusts ". En 1996. Sur ce nouvel album, le Gallois semble vouloir redorer son blason d'avant-gardiste pop-rock, en misant sur l'électronique alors que les guitares reviennent partout en force. Le premier titre, " Zen ", s'ouvre ainsi sur une rythmique ambient particulière, avant que n'arrive la voix de Cale, singulier mélange de gravité et de pédanterie qui résume toujours aussi bien le personnage… Mais réduire John Cale à un timbre vocal, aussi unique soit-il, serait une grossière erreur : depuis le Velvet Underground, Cale n'a cessé d'étendre sa palette créative, et cette fois-ci encore il fait mouche. Si les deux morceaux suivants, " Reading My Mind " et " Things ", sont d'une facture rock assez conventionnelle (comparée du moins à certains pics imaginaires de sa carrière), la suite renoue joliment avec le Cale de " Paris 1919 " et de " Music For A New Society ", ses chef-d'œuvre d'innovation et d'expérience. Sur " Look Horizon ", on retrouve le violon de " Venus in Furs ", tandis que " Magritte " rappelle combien John Cale est un homme de culture et d'idées avant d'être un (incroyable) joueur d'archet… Quelqu'un qui, au-delà d'un talent certain de songwriter atypique, se veut l'un des derniers grands artistes post-moderne (à l'instar de Bowie), recyclant les genres pour mieux les sublimer. Il faut certes du temps et de la patience pour apprécier l'art multiforme de John Cale… Qui a la chance de le comprendre, voire de l'apprivoiser, en ressort exalté et repus, sûr d'avoir naïvement contribué à l'élévation d'une certaine idée de la musique pop.
Après deux albums pop un peu bancals parce que trop proprets (" Something Sweet " en 99 et " Great Fun " en 2000), les Bordelais de Calc ont cette fois mis les bouchées doubles en nous gratifiant d'un " Any Downs At All " de toute beauté. Pour donner forme à cet écrin pop qui n'a rien à envier aux albums d'Elliott Smith (cette voix !), Julien Pras et ses potes se sont adjoints les services de Rudy Coclet (Sharko, Arno,…). Résultat : aux harmonies vocales dignes des Beach Boys s'ajoutent la justesse des mélodies et l'éclectisme de l'orchestration (du theremin à la flûte traversière), érigeant l'ensemble au titre de meilleur album de pop française de ces derniers mois. Moins précieux que Tahiti 80, plus intime (et moins dansant…) que Phoenix, Calc n'a d'ailleurs pas à rougir face à ses collègues anglo-saxons, des (feu) Boo Radleys à Divine Comedy. Pourtant, le meilleur n'arrive qu'à la fin, c'est à dire après une demi-heure de classicisme pop-rock déjà surdoué : d'abord sur " Cracks in a Wall ", splendide ascension vers les plus hautes cimes musicales, et enfin avec " Drunk Operator ", dont le piano et la batterie au ralenti nous arracheraient presque une larme. En déroulant calmement ses charmes tout au long de ces onze titres, Calc nous rassure quant à l'avenir de la pop anglophile made in France. Un avenir qui, s'il est à l'image de ce disque, s'annonce radieux.
Ne pas donner de titre à son disque, c'est déjà une déclaration d'intention, surtout s'il s'agit du quatrième : avec ce nouvel album, Caesar entend donc bien prouver qu'il n'a pas dévié de sa ligne de conduite originelle, à savoir proposer une power-pop de qualité, sans esbroufe mais pleine d'étincelles. Autrement dit, si vous avez aimez les trois précédents, dont ce " Leaving Sparks " produit par Albini, vous aimerez sans doute celui-ci, puisqu'on y retrouve à l'identique ce qui plaît chez le trio hollandais : des guitares accrocheuses, du piano primesautier, des chœurs féminins à la Bettie Serveert, des mélodies qui font taper du pied, bref de la bonne pop bien produite, entre Fountains of Wayne, Pavement (" Dark Matter "), Pixies (" The Safeword ") et Supergrass (" El Cat Race "). Roald Van Oosten, Semmi Automatic et Claire Obscure ne révolutionneront pas l'histoire du rock, mais là n'est pas le souci : du moment qu'ils se marrent et nous avec, ce n'est déjà pas si mal… Rendons donc à Caesar ce qui leur appartient.
C-Rayz appelle son rap ‘The Art of Energy’. Il se distinguerait des autres fonctionnaires du hip hop par son flow enlevé, ses rimes étranges et ses samples hippies (des flûtes hindoues aux trompettes de la mort). Du soleil ou de l'infini cosmique, C-Rayz semble tirer son inspiration (NDR : voir la pochette). Pourtant, son rap n'est pas baba, à peine sent-il la marguerite (rappelez-vous le " Daisy Age " et les Native Tongues - De La Soul, A Tribe Called Quest, etc.). On y parle aussi de flingues, de règlements de compte et de massacres… Mais de massacres de phoques (" Seal Killer "), et d'" armes d'éléphants " (" Elephant Guns "). Du rap goa, du hip hop new age ? Sur le fond peut-être, mais pas vraiment sur la forme : à part quelques sons de harpe (à la Rodney Jerkins), des barrissements et des samples limite bollywood, c'est du gros son bien burné… Mais inventif. A la Def Jux, quoi ! C-Rayz dénote un peu dans le paysage ultra balisé du hip hop tendance FM : tant mieux. C'est avec un réel bonheur qu'on écoute son " Ravipops " haut en couleurs, et en tubes (" The Essence ", " The Line Up " avec Vast Aire, MF Doom, " We Live ", " Battle Me "). Comme un léger vent de fraîcheur (en direct des paradis artificiels ?), cet album vient balayer tous les préjugés tenaces qui collent aux baskets (Adidas) du rap US. En ces temps de canicule, ça fait du bien.
Amateurs de stoner rock et surtout du son de Detroit forgé par MC5 et The Stooges, c'est à vous de jouer ! Car Custom Made Scare est un groupe à découvrir. Véritablement underground, il possède toutes les qualités pour séduire les fans de Peter Pan, des Fuzztones et de Reverend Horton Heat. Accro aux sonorités les plus crades des seventies et à la country déjantée, il se qualifie de trucker-cowpunk band. L'énergie est au service de mélodies imparables, les riffs se succèdent sans jamais décevoir et le chant est tellement proche d'un certain Iggy Pop qu'on se croirait presque revenu à l'époque de "Raw Power". Plus punk que metal, mais plus metal que rock, Custom Made Scare brasse différentes influences, comme les Strokes ou The Datsuns, l'esprit 100% garage en plus. Un voyage en bahut qui mérite le détour.
Culture, honorable représentant de la vague reggae roots, sort cette année son trentième album. Si à l'origine ce trio vocal évoluait dans un registre fort proche de Burning Spear, aujourd'hui il est surtout associé à Joseph Hill. Chanteur principal il continue à mener la barque en compagnie d'Albert Walker. Mais cet autre membre fondateur se contente ici de participer aux chœurs. Ecrit et enregistré avant le lancement de l'offensive américaine en Irak, cet album est habité par le thème de la guerre. Les lyrics de Hill analysent la situation actuelle, tout en restant fidèle à l'optique positive qui est depuis longtemps la sienne. Enregistré en compagnie d'une formation complète (basse, batterie, section cuivres, fait rare dans la production jamaïcaine d'aujourd'hui), " World Peace " est un opus plaisant et de bonne facture. Certes il n'y a rien ici qui atteigne les sommets conquis par la formation au cours des seventies (" Two sevens clash ", " Peace and love "), mais l'ensemble réserve de très bons moments. A l'instar de " Sweet Freedom ", " Never Get Weary " ou encore de " Selection Train ", une énième relecture du " People Get Ready " de Curtis Mayfield, tant apprécié par les artistes jamaïcains. Culture poursuit donc sa route, auréolé de tous les honneurs ; si toutefois vous ne connaissez rien des travaux de Joe Hill, jetez d'abord une oreille sur ses précédents albums ; et en particulier sur " Trod On " (NDR : également chez Heartbeat) ou encore " Two Sevens Clash ", un elpee qui avait séduit les punks en 1977.
Chansons à boire, chansons à danser, chansons d'étudiants, chansons d'amour et... chansons de marins : ce disque est un véritable trésor pour les animateurs de soirées de mariage, de communion, de bleusaille et de noces en tous genres, qui souhaitent renouveler leur répertoire de farandoles. C'est vrai que depuis que le Grand Jojo a pris sa retraite, il n'y a plus guère sur Jean-Luc Fonck, qu'ils peuvent compter. Les pieds dans la Semois (NDR : ils ont originaires du sud de la province du Luxembourg, en Belgique) et un verre de rhum (NDR : pas de Sttellla) à la main, ce quatuor rêve de galions remplis d'or, de belles aux cheveux rouges flamboyants et d'îles aux trésors. L'un gratouille sa guitare, l'autre chante à tue-tête, le troisième tripote les boutons de son accordéon et le dernier fait jaillir des sons bizarres de son clavier en goguette. C'est probablement ringard, mais ça ne maque pas de charme, surtout lorsque la musique tutoie le folk celtique, au sein d'un univers sonore qui me fait parfois penser à Renaud…
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