24 heures dans la vie des Leeds, ça doit être amusant : on se lève de bon pied le matin en écoutant Magnapop et Eden (" 24 Hours "), puis on déjeune sur la terrasse en plein soleil, en fredonnant le dernier tube de Belle and Sebastian, la bouche pleine de Special K… Une fois l'estomac bien rempli, on part en promenade dans la campagne environnante, à pied ou à vélo, voire en van multicolore, comme au temps béni du Flower Power. Après quelques kilomètres de sain batifolage, on s'arrête dans une clairière ombragée et on déplie la couverture : c'est l'heure du pique-nique. On sort la guitare acoustique et les flûtes (" Napoli "), puis, histoire de bien digérer le saucisson et la salade (Salad ?) de pommes de terre, on se couche entre les marguerites, le temps de piquer un petit somme à l'ombre des bouleaux en fleur. Vers 18h00, on est réveillé par le bruit d'un tracteur : ça pète, ça vrombit, autant mettre les voiles (" Pain In The Ass "). Sur la route du retour, on pense déjà au bon gigot qui nous attend à la maison : en sifflotant des airs pop-rock bien connus, on accélère la cadence, pressés d'être rentrés. Il est 19h30 et le soleil se couche : dans la lumière réconfortante du crépuscule, on s'attable avec empressement, l'odeur de la viande épicée (" Laziness ", à la Calexico) aguichant nos papilles avec force et malice. Bon appétit ! Une fois la dernière côte grignotée et le pantalon déboutonné, il est presque l'heure d'aller coucher. Juste avant, on termine la soirée avec une petite veillée au coin d'un feu préparé à la sauvette : quelqu'un a pensé à prendre des trompettes. On s'amuse à souffler dedans comme dans un Alcotest (" You'll Never Know "), " Come Out to Play "), parce qu'il faut bien le dire, on est un peu pompette. C'est çà les vacances, et ce disque nous les rappelle avec tendresse.
Robin Leduc ‘lutte pour le droit à la diversité’. C’est très bien parce que, franchement, ça commençait à bien faire : Pagny qui se plaint du contrôle fiscal, Obispo qui se prend pour Michel Polnareff, Garou qui (malheureusement) « Reviens », Johnny qui n’en finit pas de revenir, Claude François qui ressuscite par la grâce d’un autre Belge,… Tout ça c’est bien moche, parce que non, « On n’est pas tous des Cloclo » : la preuve par Robin Leduc, qui lui au moins ne se prend pas la tête. D’accord, ces paroles ne sont pas des plus intelligentes, et son accent est un peu lassant… Mais ses arrangements valent toujours mieux que ceux de Goldman (qui puent les pieds comme le suggère le titre de son dernier album). D’accord, Robin Leduc n’est pas un génie. Sans doute qu’il restera toujours dans l’ombre d’un Biolay ou d’un Murat, mais qu’importe : ses chansons d’amour restent tout à fait valables. On évitera donc tout jeu de mot stupide avec Leduc, parce que non, franchement, ce ne serait pas très sympa.
Leave est une formation française originaire de la Picardie, quelque part entre Amiens et Beauvais. Sous la forme d'un trio, le groupe a commis deux démos (" Lick the pavement " en mai 2000 et " Perfect Skin en automne 2001), avant d'élargir le line up à un quatuor tout en procédant au remplacement du drummer. Sous ce format le band décide de passer à la vitesse supérieure et signe chez Furtive Records. Il enregistre " The June parade " qui devait être leur premier EP. Malheureusement, le label met la clef sous le paillasson, et le projet demeure dans les cartons. A première écoute, la musique de Leave fait immédiatement penser à Radiohead et surtout à Muse. Les guitares sont cinglantes, les mélodies hymniques et la jolie voix de Christophe possède un timbre haut perché, fort proche de Matthew Bellamy. Un bémol, dès que les compos se calment, il éprouve plus de difficultés à la poser. Sur le premier morceau de plastique, " Life & death of a vegetable " et " Save this dance for me " épousent des envolées de guitares métalliques empruntées à Queen. Une tendance qui s'amplifie sur " Schizoid disorder ", le dernier-né de Leave. Les compos y sont plus musclées et s'aventurent même parfois dans le métal prog. A l'instar de " Nasty girl " et de " Brutal tango ". La formule me plaît moins. Surtout à cause du style trop démonstratif du soliste (NDR : savoir jouer, c'est bien, mais en remettre deux couches, c'est un peu beaucoup). En outre, le mixing a un peu trop négligé les nuances de jeu aux drums. Ce n'est pas une raison pour jeter le bébé avec l'eau du bain, car Leave possède un énorme potentiel. Il lui faudra cependant et impérativement trouver un meilleur équilibre pour pouvoir prendre son envol. C'est tout le mal qu'on lui souhaite.
Trio qui se mue en quintette selon les envies, LSB se tapit en marge, au sein d’une culture alter musicale. C’est sûr. Ce besoin d’exprimer la différence, cette diversité se traduit à tous les niveaux. D’abord, parce que le line up du band repose sur la formule du trio basse/basse/batterie. Comme ils disent, les portes sont ouvertes et d’autres énergumènes complètent parfois le groupe. Dans la langue utilisée ensuite. Pas de franglais, ni d’anglais francisé pour bercer nos oreilles. Non, plutôt une éructation dans une langue hirsute, faite de râles, de cris et autres onomatopées. Attention, pas de Sigur Ros à l’horizon. Non, LSB n’est (vraiment ?) pas là pour se taper des cars de midinettes en chaleur. Et le tout sans regrets... Je ne m’avance pas les gars, hein ? Dans le style musical ensuite. Vous l’aurez compris, LSB ne fait pas dans la variétoche tubesque. Fusion jazzy noise jusque dans les encoignures, on se met à rêver à l’envergure du groupe s’il était estampillé Skin Graft, par exemple. Ensuite, en matière de tournée. Là encore, c’est l’alternative. Les salles réputées pour leur intransigeance, leur éclectisme et leur engagement dans la propagation d’une idée qui ne se veut pas unique. Bientôt notre primate convolera en noce de miel dans les salles comme La Zone de Liège ou encore le Magasin 4 à Bruxelles. Dans notre plat pays, c’est significatif. A la croisée du squat, de la galerie d’art ou des clubs, ces salles respirent la tolérance, la curiosité, la remise en question et le débat. Pour clore l’aspect ‘tournée’, LSB donnera une série de concerts en soutien à la toute jeune CNT belge. Finalement le style de vie détermine le style musical. Ce mini CD 5 titres reçu voilà bien longtemps annonçait la sortie d’un véritable album. A attendre de pied ferme donc.
Fondé en 1999, ce trio chicagolais vient de commettre son second disque pour le label Fat Wreck. Un concept album emballé dans un visuel soigné et original. Un œuvre consacrée au monde du cirque. Découpée en 14 morceaux et expédiée en un peu plus d'une demi-heure, cette idée pour la moins saugrenue reste fidèle au merveilleux précepte punk des albums courts. Bénéficiant de la présence de deux chanteurs aux styles très différents, les Lawrence semblent hésiter entre deux écoles très différentes. D'un côté des titres punk-pop un peu nunuches comme on les entend souvent sur MTV (NDR : pensez à Blink 182 ou à Good Charlotte). De l'autre des morceaux au cours duquel leur bassiste s'évertue à imiter le regretté Dee Dee Ramone, sur des morceaux hardcore, comme il se pratiquait dans les années 80. Les compos sont loin d'être de mauvaise facture, mais leur défaut procède de l'uniformité des structures, des mélodies pas toujours inspirées et de cette production mollassonne. Des carences qui empêchent les morceaux de véhiculer l'énergie indispensable qui sied à un disque de rock'n'roll. Car, au vu des longues tournées qu'il effectue aux Etats-Unis et en Europe, de l'énergie, ce groupe doit en avoir à revendre…
Mousta Largo vient de fêter ses dix années d'activité scénique. Et pour fêter l'événement, ce personnage incontournable du paysage musical belge vient de commettre son deuxième opus. A l'instar de nombreux albums contemporains de world, " Argana " est un disque politique mais pas poussif. Une réflexion sur l'état du monde et un plaidoyer pour le retour à des valeurs humanistes. S'il puise essentiellement son style dans la musique arabo-andalouse, Largo opère également quelques incursions dans l'univers afro-cubain et le reggae. Un répertoire interprété avec beaucoup de bonheur par l'ensemble de musiciens dont il s'est entouré pour enregistrer ce disque. Largo chante surtout en arabe et en français ; mais il pousse aussi la chansonnette en italien lorsqu'il reprend " Bella Ciao ", l'hymne des partigiani (NDR : Combattants antifascistes italiens de la seconde guerre mondiale). C'est pourtant lorsqu'il privilégie la langue arabe que ce disque marque des points. Il suffit d'écouter les excellents " Cordobes ", " Ya Malika ", " Almeria " et le titre maître, pour s'en convaincre. Des chansons qui démontrent son talent de chanteur-compositeur, particulièrement à l'aise lorsqu'il mélange tradition et modernité. Hormis quelques passages plus anecdotiques, comme " The Prince of Sahara " ou encore " Lilli ", un bon morceau malheureusement déforcé par la voix limitée de Sapho, l'ensemble ne manque pas d'allure…
‘Chouette, le nouvel Add n to (x)’, j'entends dans mon dos. "Non, Large Number" je m'empresse de répondre. Sans concertation aucune et au gré de conversations en maints lieux de débauches musicales diverses, le même constat revenait sans cesse : les espoirs portés par Add n to (x) s'effilochaient au fil du temps. Scéniquement, de la claque sonique assenée pendant l'édition 1998 du festival de Dour, aux prestations endiablées qui s'ensuivirent pour les éditions suivantes de cette même manifestation, en passant par les sets accordés en salle, jusqu'au concert de l'Ancienne Belgique à Bruxelles en 2002, au cours duquel votre humble serviteur alla même jusqu'à quitter, fâché et déçu, la salle en plein milieu du concert (voir la review éloquente de Grégory à ce sujet), les avis sont unanimes : Add n to (x), on aime ! Vraiment. Je suis fan, c'est dire. Sur disque, l'évolution est continue et sans cesse renouvelée. De l'hermétisme expérimental de "Vero electronics" à "Loud Like Nature", le son s'est poli, les mélodies sont apparues, le chant aussi. A partir d'"Add insult to injury" (Mute, 2000), les rôles dévolus aux compositeurs sont devenus tellement flous que d'inévitables questions ont commencé à surgir. Et en particulier le rôle d'Ann Shenton, jusqu'alors touche féminine, sexy, groovy du band. J'ai donc été étonné, excité même ; mais je suis demeuré sceptique lorsque l'aventure s'est poursuivie par "Loud Like nature", un opus paru en 2002. D'autant plus que la tournée accomplie pour le promouvoir a frôlé le ridicule. Shenton absente, Add n to (x) se recentre autour des deux frankenstein en perfecto : Honer et Claydon. Mais la formule assourdit et ennuie le public par une bouillie sonore sans saveur et inutilement agressive. Leurs propos accordés lors de certaines interviews sont sans appel : le torchon brûle et les sarcasmes pleuvent. Mais que fait Ann ??? A l'electroklash d'avoir eu un porte-drapeau, un digne représentant. Fin de l'acte un. Acte deux : on répond à la question : Ann Shenton a formé Large Number, yeah !!! Et le groove de revenir dans les chaumières. Ca se contorsionne, ça s'enlace et ça sourit, la b.o. parfaite pour des nuits endiablées et suaves. Comme toujours hautement cinématographique, Large Number foisonne d'influences puisées dans la culture musicale pop (Bowie sur "Crazy" par exemple), rap (le flow de Shenton sur "Pink Jazz"), électro (l'ensemble). Entourée de musiciens qui lui veulent du bien, transfuges d'Add n to (x) comme Rob Allum aux drums (Lee Hazelwood, High Llamas, Turin Brakes) et Robert Weston au banjo, Shenton ravive toute l'excitation vécue il y a quelques années. Et pour votre information, sachez que " Spray on sound " a bénéficié de la co-production de Pierre Duplan, mieux connu pour son implication dans le hip hop (The Real tuesday weld). Add n to (x) est mort, longue vie à Large Number.
Daniel Lanois est un personnage qui mérite le respect. Ingénieur du son, puis producteur, il a bossé en compagnie de monstres sacrés comme Brian Eno, Peter Gabriel, U2 et Bob Dylan, parmi bien d'autres. C'est même lui qui avait remis le Zim en selle en 1989, en assurant la mise en forme de l'album " Oh Mercy ". La même année, il enregistrait son premier album solo " Acadie ". Un superbe album à travers lequel transparaissaient ses racines cajuns. Il faudra attendre 1993, pour qu'il commette son deuxième opus, " The beauty of Wynona ", un disque beaucoup plus féroce et électrique. 10 ans plus tard, il nous revient donc avec ce " Shine ", un disque pour lequel il a reçu le concours du batteur de jazz, Brain Blade ; mais surtout de Bono, avec lequel il partage la composition et le chant chez " Falling at your feet ", une chanson que vous avez certainement déjà eu l'occasion d'entendre sur l'une ou l'autre station radiophonique. Et puis d'Emylou Harris, pour un duo vocal échangé sur " I love you ". Ce sont deux des trois (très) bons fragments de l'opus. Mais aussi les plus commerciaux. Proche d'un Johnny Dowd, mais sans l'âpreté du timbre, le country-jazz " As tear roll by " surprend par l'originalité de ses sonorités 'percussives'. Le reste du disque oscille entre indolence countryfiante, et semi-psychédélisme trop nébuleux pour vraiment accrocher. Parfois, à l'instar de " Space kay ", Daniel parvient à évoquer le climat minimaliste d'un Durutti Column, mais il n'a pas le doigté de Vini Reilly aux six cordes. Tramé sur de superbes harmonies vocales et de judicieuses contre-voix, " Slow giving " marche sur les traces de Crosby, Stills, Nash & Young. Cependant, les guitares sont trop discrètes pour toucher la grâce de leur art. Un peu comme si le son avait été raffiné à l'extrême. Je me demande même si le défaut de cet opus n'est pas la conséquence d'un acharnement à vouloir en gommer les aspérités. Car, en général, les mélodies sont très belles. Mais l'absence de relief leur est plus que préjudiciable. Et ne parlons pas de l'instrumental " Matador ", une démo électro-boudin que n'importe quel néophyte aurait pu bidouiller sur son PC. Une grosse déception !
Quand Laika est apparu il y a 10 ans, c'était en pleine tempête trip-hop : à l'époque, on y croyait déjà plus trop, et tous les groupes nés de la cuisse de Portishead semblaient bien fades à côté de l'excellence du groupe de Barrow et Gibbons. A l'écoute de ce best of, il faudra pourtant se rendre à l'évidence : Laïka ne faisait pas partie de ces ersatz pseudo-bristoliens aux trajectoires filantes et à l'éclat bien terne. Trop vite catalogué comme membre de la nébuleuse trip-hop, Laïka rata donc sa cible (les fans de musique extra-terrestre), et nous poussa à aller voir ailleurs. Il aura fallu dix ans et une compile pour qu'enfin Laïka soit considéré à sa juste valeur. Parce que ce groupe mariait avec bonheur le krautrock et le post rock, le trip-hop (quand même) et la pop, les rythmes de l'Afrique et la musique électronique. Comme une étoile, dont la luminescence, la flamboyance ne nous arrive qu'en temps décalé, des années plus tard… Le premier disque regroupe les meilleurs morceaux du groupe (" Breathe ", Bedbugs ",…), le deuxième propose peel sessions, remixes, live et faces B (dont une reprise de Wire, " German Shepherds "). La plupart des étoiles que l'on voit briller dans la nuit sont en fait déjà mortes : ce décalage, toujours. Que ce best of scelle la fin du groupe serait dommage, même si leur talent, déjà en 93, fut étouffé dans l'œuf du trip-hop alors en vogue. " Lost In Space " ? A notre firmament, Laïka brille encore pourtant de milles feux. Peut-être que dans dix ans on en reparlera (" 2013, l'odyssée de… ", titreront les magazines de rock)… Jusque-là, on a le temps de réécouter tout ça avec plaisir, seul avec ces bugs cliniques, ses rythmes tribaux et ces voix venues d'ailleurs.
Si vous êtes convaincus que les pyromanes de Rammstein sont les précurseurs du metal martial imprimé sur des rythmes electros et chanté en allemand, précipitez-vous sur le succulent "Jesus Christ Superstar" de Laibach, sorti en 1996. A l'écoute de ce pur chef d'œuvre de metal indus, on croirait entendre le meilleur album du combo qui aime tant jouer avec le feu. Après cette trop longue absence (NDR : de plus de 7 ans !), la formation slovène, visionnaire pessimiste, a connu de nouveaux conflits et l'effondrement global des relations internationales. Et le moins qu'on puisse écrire, est bien que les différents évènements chaotiques ne les aient pas rendus plus confiants. Laibach vient donc de commettre un album fortement influencé par l'actualité, une oeuvre nettement plus dépouillée, et surtout électronique. Alors que "Jesus Christ Superstar" avait séduit le monde du metal, ce "W.A.T." risque fort de ne plus déclencher la même réaction. Si les ambiances étaient déjà très froides sur les plaques précédentes, elles sont aujourd'hui complètement glacées et plus sèches que jamais. De l'époque "Jesus Christ", seuls subsistent quelques apparitions de grands et sublimes chœurs féminins ainsi qu'un chant masculin grave, calqué sur celui de Rammstein (NDR : mais rappelons encore que Laibach s'est formé bien avant les auteurs de"Mutter", que nous aimons beaucoup malgré cette récupération). Névrotique autant qu'hypnotique, nettement inspiré par la vague allemande électro des années 80, mais surtout taillée pour les dance floors, cette plaque s'adresse uniquement aux amateurs de la nouvelle vague électro gothique ou aux nostalgiques de DAF, Grauzone et autre Borghesia.
En juillet 2001, Lullacry commettait le très rafraîchissant " Be my God ". Le deuxième opus de cette formation finlandaise, dont la blonde et rondelette chanteuse Tanya polarisait toute l'attention. Véritable bombe de scène, elle possédait un organe étonnant, rappelant aux moins jeunes les performances de Lita Ford voire même des sœurs Wilson de Heart. Evincée du groupe, pour d'obscures raisons de divergences musicales, elle a cédé le relais à une sirène à la plastique bien plus avantageuse, mais dont la voix dénature le heavy rock atmosphérique de Lullacry. Ironiquement, cette remplaçante porte le même prénom que la précédente vocaliste. Résultat des courses, cet elpee manque cruellement d'originalité et d'inspiration. En perdant son moteur, le combo a perdu son identité. A la limite, on a l'impression de ne plus être en présence du même groupe. Une bévue qui risque de mettre l'avenir de la formation en péril. La vie est ainsi faite...
« Globe Trotter » est le genre d’albums qui sied autant aux initiés qu’aux amateurs. La partie solo est vraiment très agréable à écouter car on voyage virtuellement de la Russie à l’Andalousie en passant par Venise. Et pour ajouter à ces ambiances de villégiatures pour le moins dépaysantes, le fond électro, les enchaînements très subtils prouvent que cette première partie du double album n’est pas si ‘grand public’ qu’on aurait pu l’imaginer. Autrement dit, on perçoit la finesse du violoniste, héritier digne de Stéphane Grapelli, son langage si particulier, qui nous surprend vraiment, et que nous écoutons avec beaucoup d’attention. Les puristes préfèreront sans doute le deuxième album, concocté avec ‘le new quartet’, dont on retrouve aussi l’intérêt pour les voyages. Chaâbi algérien, ou maloya réunionnais, voilà de quoi se sont inspirés les quatre jazzmen de talent, Benoît Sourisse, André Charlier, Stéphane Guillaume, et bien sûr, Didier Lockwood. Et ne soyez pas freinés par l’idée que le jazz est réservé à une élite. Suivez plutôt les conseils de Didier Lockwood » : « il faut écouter la musique sans se soucier du langage ; c’est juste une question de ressenti et d’appréciation ».
Groupe de scène avant tout, Les Hurlements d’Léo nous viennent de la région de Bordeaux. Un ensemble constitué de huit musiciens responsable d’une musique qui mêle allègrement swing, punk, java, musette, jazz, ska et musique tzigane sur des textes contestataires, mais tellement réalistes et contemporains. Dans un style qui rappelle, sous sa forme la plus énergique, Noir Désir et surtout Les Négresses Vertes. Et la conjugaison des voix rauques de Laulo et de Rl Wallace, n’y est pas étrangère ( ?!?!?). « Ouest terne » constitue son troisième opus. Un disque qui laisse également la place à l’une ou l’autre chanson sentimentale. Un choix qui fait un peu tâche d’huile dans un ensemble qui exige énergie et enthousiasme pour atteindre son objectif : faire la fête !
Ted Leo & The Pharmacists
En 1993, Ted avait commis un elpee fort intéressant, « Hearts of oak ». Un disque enregistré en compagnie de son groupe : les Pharmacists. Sur ce mini album, son backing group n’intervient plus que sur un seul fragment : le titre maître. Et encore, ce titre de punk pop qui trahit de nombreuses affinités avec Joe Jacskon, figurait déjà sur l’opus. Découpé en neuf fragments, ce mini album recèle trois covers. Tout d’abord « Dirty old town », une compo d’Ewen Mc Coll popularisée par les Pogues. Une version soul punk du « Ghosts » de Jam. Et enfin la reprise du « Six months in a leaky boat » de Split Enz. Trois fragments que Ted reprend ‘live’ et qui constituent autant d’hommages à des légendes qu’il appréciait et apprécie toujours autant. L’elpee recèle cependant quatre inédits dont le dispensable et pseudo expérimental « (Decaying artifact) », “The sword in the stone”, compo sculptée dans le punk alternatif, et puis deux morceaux qui démontrent bien qu’il incarne la réplique américaine à Billy Bragg (NDR : Ted est issu du New Jersey). Soit l’échevelé et punkysant « Bleeding powers », et puis la protest song hymnique « Loyal to my sorrowful country ». Le disque inclut enfin une version solo, minimaliste, de « The high party », digne du meilleur Elvis Costello. En mélangeant humour teinté d’ironie, perspicacité intérieure et conscience sociale, Ted ne se contente pas de prendre un chemin parallèle à Bragg, mais il marche aussi sur les traces de Springsteen, de Paul Westerberg, d’un Paul Weller des débuts et puis surtout de Woodie Guthrie. Et ça, c’est une référence !
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