D'abord des piaillements d'oiseaux, puis une voix au vocodeur, froide, impersonnelle, mécanique, avant qu'une déflagration sonore pleine d'échos ambient (Eno ? My Bloody Valentine ? Tangerine Dream ?) achève de nous surprendre. M83 ? Un duo français d'Antibes qui s'invente une musique vaporeuse, presque abstraite, construite à base de synthés pénétrants, de rythmes martiens et de riffs étouffés par la calotte glaciaire. Dans cette ambiance de fin du monde, Anthony Gonzalez et Nicolas Fromageau sculptent la matière sonore à coups de scalpel électronique. Parfois, une voix-fossile s'égare dans ces paysages crépusculaires. Peut-être un vestige d'une époque révolue, d'avant les " cités mortes " (le titre) ? Sur " In Church ", un orgue hanté rappelle pourtant à l'ordre tous les fidèles. En vain : il ne reste plus personne, que des fantômes dont on entend à peine les murmures. La musique électro-noisy de M83 semble figée dans le temps et dans l'espace : à l'auditeur d'oser y plonger, même si l'apnée peut s'avérer dangereuse. A la surface, pas une âme qui vive : juste ces bruits blancs et ces réverbs abrasives, derniers reflets d'une quelconque présence humaine… Serions-nous en plein rêve ou victimes d'une expérience hallucinatoire ? Ce disque, c'est un peu comme le monolithe noir de " 2001, l'Odyssée de l'Espace " : on ignore ce que c'est, et ça nous obnubile. SOS Terre : nous voilà pris au piège comme des couillons !
On avait quitté Tom McRae avec abattement : ce type, avec ses chansons tristes et dépressives, n'était décidément pas un joyeux luron. Ce " Tom McRae ", d'une beauté certes indubitable, n'était pas notre compagnon le plus cher lors de nos matinées ensoleillées : plutôt à écouter tard le soir, quand la nuit étouffante recouvrait de son manteau noir nos espoirs les plus secrets. Tom McRae, le nouveau héraut de nos doutes et de nos errances, avec sa voix haut perchée et ses hantises qui frôlaient souvent l'emphase, nous mettait presque mal à l'aise. Avec ce " Just Like Blood " d'une pesanteur certes encore marquée, l'Anglais semble s'être un peu assagi et détendu ; en témoigne le morceau d'ouverture et ses samples… africains ! " Welcome back… " : tels sont les premiers mots de ce " A Day Like Today " lumineux et reposé, à des lieues déjà de ses anciennes compos. Tom McRae donne ainsi le ton : finies les introspections larmoyantes, et en route pour la joie ! Peine perdue, déjà, à la fin de ce titre en trompe-l'œil : si l'Anglais nous accueillait avec une gentillesse étonnante, voilà qu'il nous gratifie, en toute fin, d'un " I love you to death " de triste mémoire. Triste, en effet : c'est avec ces deux mots qu'il composa la bonne moitié de son premier album… " La mort, l'amour, c'est du pareil au même ", semble nous dire Tom McRae : et de fait, il remet ça tout au long de ce " Just Like Blood ", avec plus ou moins de bonheur (ou plutôt malheur). C'est qu'on ne change pas un homme en une chanson, fut-elle imprévisible : Tom McRae continue donc, dans une veine rouge sang, à graver des chansons sombres et pas drôles, à écouter les larmes aux yeux et les dents serrées. Parfois, l'étau se desserre (" Karaoke Soul " et ses envolées de cordes), mais la couleur de l'album reste noire de chez noir. Il n'empêche que des chansons comme " " Overthrown ", " Walking 2 Hawaii " et " Mermaid Blues ", trio gagnant du milieu de l'album, confirment le talent de Tom McRae pour transcrire à merveille ce sentiment de détresse qui nous tenaille tous, un jour ou l'autre, au lendemain d'une rupture. Tom McRae : à la fois bourreau (des cœurs) et victime (consentante) de ses propres faiblesses ? Tout juste. De la pop SM, en somme.
Ceci n'est pas un nouvel album de Mclusky, mais une réédition de leur premier elpee paru chez 'Fuzzbox', en novembre 2000. Faut dire que le deuxième elpee, " Mclusky goes to Dallas ", avait récolté un joli succès. Des conditions qui ont donc décidé 'Too Pure' à le rééditer. Un disque sur lequel on retrouve les singles " Joy " et " River is mine ", mais surtout des compositions sauvages, furieuses et incendiaires. Rien n'est sacré chez ce trio Gallois, de Cardiff très exactement, sauf le rock expérimental américain, et en particulier sa scène hardcore (NDR : pensez à Hüsker Dü, Shellac et aux Pixies), ainsi que le post punk de Fall ou le funk blanc de Gang Of Four. Une formation dont la principale ambition est de devenir le groupe le plus bruyant du monde. Ce qui vous donne une petite idée de l'intensité qui hante les 15 fragments de ce morceau de plastique. Une intensité accentuée par les textes composés par Andy Faulkner. Des textes contestataires, provocateurs, qui démontrent tout son art à manier l'ironie comme une arme sauvage et anticonformiste. A cet égard, des titres tels que " Whiteliberalonwhiteliberalaction " ou " Rock vs. single parents " sont suffisamment évocateurs.
La plupart des compositions qui figurent sur ce double album relèvent d'une des plus grosses tournées opérées aux Etats-Unis en 2002. Un périple qui avait déjà été immortalisé fin 2002 sur " Back in the USA " ; mais cet autre double opus n'est sorti qu'aux States. Si une majorité de titres de cette nouvelle mouture figuraient déjà sur la précédente, on y remarque quand même quelques différences dont des morceaux enregistrés au Japon et au Mexique. En fait, ce " Back in the world " précède la nouvelle tournée, européenne cette fois, de McCartney. Et de son groupe, of course. Au sein duquel on retrouve la plupart de ceux qui ont participé à la confection de son dernier elpee studio (" Driving rain "), paru début de l'an dernier. Mais le plus important à retenir ce sont les 22 titres des Beatles qui figurent sur cette œuvre. Sur trente-six fragments. Les meilleurs, c'est incontestable. Parce que son " best of " des Wings fait un peu pâle figure. Faut dire que cette aventure fut certainement la plus creuse de sa carrière. D'un point de vue créatif, bien sûr, pas commercial. Mais revenons aux interprétations des chansons du répertoire des Fab Four, qui malgré le temps, continuent toujours à me faire flasher. D'autant que Paul n'a oublié ni Lennon, ni Harrison. Je ne vais pas vous faire l'injure de citer tous les classiques qu'il a voulu célébrer. Simplement, il leur a donné une nouvelle dimension sans trahir la sensibilité qu'ils véhiculent…
L'ex-chanteur/compositeur de Prefab Sprout est mal en point. Victime d'un décollement des rétines, il est aujourd'hui atteint de cécité. A l'âge de 46 ans, c'est assez dur à encaisser. Une opération est cependant envisagée. Ce qui lui laisse un espoir de guérison. Ce coup du sort ne l'a pourtant pas empêché de concocter cet opus. Un disque d'easy-listening symphonique, mais aux accents circonstanciellement baroques ou jazzyfiants. A des années-lumière de ce qu'il avait commis à la tête de son germe préfabriqué. Enfin, pas tout au fait, car Paddy a toujours été hanté par des musiciens tels que Burt Bacharach, Gershwin, Dvorak ou même Satie. En outre, il n'y chante pratiquement pas. L'opus n'est cependant pas exclusivement instrumental, puisqu'il nous invite à voyager au cœur même de son existence, tout au long des 22 minutes du titre maître. A travers un poème récité par Yvonne Connors. Ensuite, lors d'un exercice de style (" I'm 49 ") truffé de collages en tous genres. Enfin, son timbre vocal fait une brève apparition sur " Sleeping rough ". Si dans ses meilleurs moments, " I trawl the megahertz " peut rappeler les passages orchestraux réservés à la B.O du film d'animation " Yellow submarine ", au fil de l'écoute, on se demande si cette musique n'est pas davantage adaptée à la sonorisation des supermarchés. La question reste posée…
Il y a 7 ans que Mc Almont et Bernard Butler n'avaient plus collaboré ensemble. C'était à l'occasion de l'enregistrement de l'elpee " The sound of Mc Almont & Butler ", un disque qui avait quelque peu déçu. A cause du manque d'équilibre entre les exercices vocaux de Mc Almont et l'emphase des orchestrations 'philspectoriennes'. Et puis de la relative discrétion de Butler à la guitare. Au cours de cette longue période, les deux artistes ont eu le temps de faire mûrir leurs idées et surtout de penser à ne plus reproduire les mêmes erreurs. Et cette remise en question a porté ses fruits, puisque " Bring it back " est enfin à la hauteur des espérances. La soul de type 'motown' est toujours au goût du jour. Celle de Curtis Mayfield, de Marvin Gaye, des Temptations, de Smokey Robinson, des Supremes ( ?!?!?) et même des Isley Brothers. Les arrangements toujours aussi 'philspectoriens', parfois même flamboyants. Mais le groove est d'une nature beaucoup plus viscérale, profondément ancrée dans les sixties et les seventies. Le soprano cristallin, falsetto, angélique de Mc Almont se fond davantage dans l'expression sonore, plutôt que de l'étouffer. Et puis la guitare de Bernard se paie quelques bonnes tranches d'électricité sonique, stimulante, gémissante. Les mélodies sont le plus souvent contagieuses et tellement hymniques qu'on se plairait même à les siffloter sous la douche. A l'instar de l'excellent " The theme from Mc Almont & Butler ". " Beat ", le dernier fragment, aurait même pu figurer sur " Dog man star " de Suede. A cause de cette sensibilité tellement glamour. Une bonne surprise.
Souvent comparé au regretté Otis Spann, le légendaire musicien de Muddy Waters, David Maxwell est un pianiste blanc. C'est est aussi un fervent adepte de Sunnyland Slim et de Pinetop Perkins. Il sévit sur la scène blues de Boston depuis la fin des 60s. Au fil du temps, il s'est forgé une solide réputation, derrière de prestigieux bluesmen comme Jimmy Rodgers, Otis Rush, James Cotton, Hubert Sumlin, Buddy Guy, Junior Wells, et bien d'autres…. Il a également participé à l'aventure des Broadcasters de Ronnie Earl. Il comptait également un premier opus à son actif : "Maximum blues piano". Un disque paru en 1997, sur le label Tone-Cool. Il en compte des amis notre David ! Ce qui explique pourquoi il a sous-titré son elpee "& Friends". Au premier rang, on y relève la présence de la section rythmique des Broadcasters : Per Hanson aux drums et Michael "Mudcat" Ward à la basse.
L'album s'ouvre par "Backseat of a greyhound bus", une plage lente au cours de laquelle nous ressentons ce toucher si proche de celui d'Otis Spann. La voix de David n'est pas désagréable, mais elle manque d'expression. En seigneur, Ronnie Earl se réserve la guitare. Maxwell a écrit tous les titres de cet album. Toujours proche d'un Muddy Waters, il s'inspire largement du fameux Chicago blues urbain. Il en fait la plus belle démonstration tout au long de "Thanks for all the women", une plage au cours de laquelle James Cotton est venu donner un petit coup d'harmonica, pendant que Ronnie Earl et Hubert Sumlin en décousent aux guitares. L'instrumental "Twisted tendons" épouse la formule trio pour. Un boogie woogie alerte qui met en exergue Hanson et Mudcat. Imprimé sur un rythme élevé, "Long distance driver" est un blues qui baigne dans un style proche de "Got my mojo working". Au sommet de son art, Kim Wilson mène la danse. Il se réserve le chant et l'harmonica et pousse Maxwell dans ses derniers retranchements, pendant que Ronnie Earl décolle à son tour sur les cordes. Une des meilleures plages de l'album ! Kim Wilson joue aussi de l'harmonica sur "Sticky buns" Richard Studhome est à la guitare. Parcouru par un orgue Hammond et des cuivres, "What's the use" opère un changement total de registre. David échange les vocaux avec Liane Carroll, dont le timbre chaleureux flirte avec le gospel. Le prix du meilleur slow blues revient sans aucune contestation, à "Moving out of this world". Dommage que la voix soit si terne, car l'empreinte d'Otis Spann est de nouveau marquante, pendant que Ronnie Earl et Duke Robillard se partagent discrètement les guitares à l'arrière. "Coming home baby" procure un moment très roots. Hubert Sumlin chante et gratte. Maxwell joue comme un Sunnyland Slim à la sensibilité exacerbée. Son duo échangé avec le vieux Pinetop Perkins est un autre moment chargé d'émotion. Baptisé judicieusement "Thank you Pinetop Perkins", il a été écrit pour une voix et deux pianos. Cet album de bonne facture s'achève par le titre maître. Une composition qui baigne dans une atmosphère funky et jazz. La bonne humeur festive de la Nouvelle-Orléans y règne en maître. Avec force cuivres.
Après s'être distingués dans la musique d'objets chirurgicaux (" A Chance To Cut Is A Chance To Cure "), Martin C Schmidt et Drew Daniel dépoussièrent avec entrain les mythes guerriers et les oripeaux médiévaux. Sur " Regicide " et " Jealous Order of Candied Knights ", le duo californien s'amuse avec un Orgue de Barbarie et d'autres vieilleries de la Renaissance, pour un résultat cocasse où les aspérités électroniques finissent quand même par enrayer la machine (de guerre). Une rythmique martiale s'ajoute à la cacophonie ambiante, avant qu'un bruit SF nous replonge dans le futur, bref aujourd'hui, ou du moins c'est ce qu'on croit… Matmos aime brouiller les pistes et se jouer du contexte (musical, politique, technique) : forcément inclassable, sa musique est à la fois faite d'anachronismes vertigineux et d'avancées soniques encore sous-estimées. En utilisant des instruments d'un autre âge et d'autres accessoires d'une origine douteuse (la fourrure d'un lapin sur " Pelt and Holler "), Schmidt et Daniel ne font, en fin de compte, que recycler. De véritables maîtres-composteurs ! Qu'ils s'amusent avec nos nerfs (les chip tunes de " The Stars and Stripes Forever ") ou nous ménagent avec du folk en apesanteur (" la fin de " Y.T.T.E. " et " For The Trees "), les deux Américains ne font pas dans la dentelle. Sauf si c'est celle de Bruges, datée d'époque, à coudre au plus vite sur leurs costumes de fiers chevaliers de la cause postmoderne.
De l'art de continuer à faire de la musique quand on est tout seul, sous le nom d'emprunt d'un trio devenu légendaire. De l'art ou du cochon ? Loin de nous l'idée d'accuser 3D de pédophilie : la question n'est pas là… Sauf que 3D n'est pas Massive Attack, et Massive Attack n'est pas 3D. Mushroom parti il y a trois ans, c'était toute la couleur hip hop, soul et dub du groupe qui partait en fumée : ces demi-teintes qui avaient fait la réputation du trio (le trip hop, rappelez-vous). Que reste-t-il de Massive Attack ? Un seul homme, donc. Daddy G, lui aussi, est parti. Poudrer le pet de son gosse. A l'écoute de " 100th Window ", on sent le 3D bien dépourvu : sans les deux âmes black qui faisaient le charme (dévastateur) du groupe de Bristol, ses deux bouées de sauvetage, Robert Del Naja pique du nez, et coule. La musique de Massive Attack s'est transformée en bateau ivre voguant à sa perte, recyclant à veau l'eau la recette de " Mezzanine ", mais sans la sublimer. Réduite comme une peau de chagrin aux exigences punk-new wave du blanc-bec, ce " 100th Window " sent le trip hop rance, n'en retenant que le trip (bad). Plus de hop, donc. Et plus grand chose d'autre. Même Horace Andy, pensionnaire de longue date, semble s'ennuyer ferme. Quant à l'autre invitée, n'en parlons pas : Sinead O'Connor, avec sa voix horripilante et sa tête à claque, nous rend l'écoute encore plus rédhibitoire. Mais que fait la police ? Avec ses ambiances de fond de tiroirs, ses attractions linéaires, ses mélodies en pilotage automatique, cet album sent la mort. La mort d'un grand groupe, dont les empreintes sur la musique de ces quinze dernières années se faisaient encore et toujours prégnantes… Dommage. Devrons-nous désormais parler de Massive Attack comme un groupe du passé, alors qu'il représentait toujours le futur du rock, de l'électro, du hip hop ? Parce que jusqu'à nouvel ordre, son influence devrait s'arrêter net, à dater de ce " 100th Window " suffisant et chiant comme la pluie. Rarement un groupe d'une telle ampleur n'aura suscité une telle déception. Massive, vraiment.
Excellente découverte que voici ! J’irais même jusqu’à l’officialiser comme disque de la semaine, du mois et de l’année. La tendance allant aux mélanges à priori improbables depuis quelques mois, voire pour les plus précoces, des années, The Mass enfonce le clou de manière totalement personnelle et efficace. Autrement dit, tout au long de « City of dis », se côtoient en minimum 3 minutes tout se qui se fait comme rock pur et dur. Les références sont légion, sans jamais prendre le dessus sur la griffe du groupe. Lâchons en vrac Mr Bungle (en moins rigolo), Shellac, Zorn, Dillinger, Slayer, Napalm Death, Suicidal Tendencies. Autrement dit, The Mass propose une relecture ‘années 2000’ de ce que pouvait faire Zappa dans les années 70. Parrainage impeccable. Ajoutons l’emploi du sax (ô bonheur jamais de manière « ska »), même si là encore l’ombre de Zappa plane. Produit par Tim Green (The Fucking Champs, autre ovni chroniqué sur le site par Grég) et Nations Of Ulysses (un des meilleurs groupes du label Dischord), The Mass possède toutes les aptitudes pour se faire une place au soleil. Dernière info, le groupe tourne en compagnie de Cutthroats 9 (side project de Chris Spencer d’Unsane et Amber Asylum, rejeton de l’écurie Neurosis). Bref que du bon !
A l’issue du split d’At The Drive In, la moitié du groupe s’en est allé fonder Sparta, et l’autre, c’est à dire Omar Rodriguez Lopez et Cédric Bixler Zavala, The Mars Volta. « de-loused in the commatorium » constitue son premier elpee. Produit par Omar et Rick Rubin, il a bénéficié du concours de Flea des Red Hot, venu donner quelques bons coups de guitare et de percus. Autant vous dire de suite, la surprise est de taille ! Bonne pour les uns, mauvaise pour les autres, elle ne laissera pas indifférent. D’abord, une certitude : les musiciens sont des virtuoses et Cédric, le chanteur, possède une sacrée voix. Ses vocalises sont ainsi capables d’osciller entre les timbres de Robert Plant (Led Zeppelin), Jon Anderson (Yes), Matt Bellamy (Muse) et de Perry Farrell (Porno For Pyros, Jane’s Addiction). Les compositions sont très longues. Entre 7 et 12 minutes. En outre, les lyrics s’inscrivent dans le cadre d’un même concept : la tentative de suicide d’un de leurs proches. Et la musique très complexe, baroque, n’accorde que peu d’espace aux mélodies. Vous me voyez donc arriver avec mes gros sabots. Oui, on en ici en présence de musique progressive. Néo progressive, si vous préférez, brassant à la fois du métal, du jazz, du funk, du psychédélisme (NDR : ou plus exactement du space rock), du hardcore, de l’électro, un peu de dub et autant de world, ainsi que de l’ambiant. On est ici à des années-lumière du punk d’ATDI ! Et je dois avouer que je n’écoute plus guère ce genre d’élucubrations sonores depuis presque un quart de siècle. Mais, il faut le reconnaître, Mars Volta a le mérite de remettre au goût du jour une musique qui, à premier abord, n’intéressait plus que les babas-cools. Et peut-être, à travers leurs références, de susciter l’envie, au sein de la génération actuelle, d’aller à la découverte des albums incontournables (NDR : souvent les premiers) de Pink Floyd, King Crimson, Genesis (NDR : celui de l’Archange Gabriel, hein !) et pourquoi pas de toute l’œuvre de Peter Hammill (avec ou sans le Van Der Graaf Generator). Il y en a d’autres, mais ce sont ceux qui risquent de vous familiariser le plus avec la prog. Sans oublier les quatre premiers elpees du Led Zeppelin. Mais là, on navigue plutôt dans le nec le plus ultra du métal. Parce qu’au plus vous allez avancer dans la décennie des seventies, au plus vous allez comprendre pourquoi ce mouvement a accouché de « dinosaures » et provoqué la réaction du mouvement punk. Et comme l’histoire n’est qu’un éternel recommencement…
Depuis le split des Smiths en 1987, Johnny Marr a participé à de multiples projets musicaux. Et le qualificatif est faible, puisqu'il a collaboré, à des degrés divers, pour les Banderas, Beck, Andrew Berry, Black Grape, Billy Bragg, Bernard Butler, A Certain Ratio, Charlatans, The Cult, Electrafixion, Electronic, Everything But The Girl, Bryan Ferry, Neil Finn, Haven, Impossible Dreamers, Bert Jansh, Denise Johnson, K-Class, M People, Kirsty Mc Coll, Marion, Moodswings, Oasis, Beth Orton, Pet Shop Boys, Pretenders, Quando Quango, Stex, Talking Heads et The The (NDR : ouf !). Excusez du peu ! Pour la toute première fois, il se pose donc en leader d'un groupe : Les Healers. Rien à voir avec ceux de Fred Lani, puisqu'on y retrouve le fils de Ringo Starr, Zak Starkey, aux drums, et l'ex bassiste de Kula Shaker, Alonsa Bevan. Johnny ne se contente plus de jouer de la guitare. Il chante également. D'une chouette voix, dont le timbre campe un hybride entre Crispian Mills et Tim Burgess. En y ajoutant parfois un peu de reverb. Premier opus du trio, " Boomslang ", fait la part belle à la britpop. Tantôt psychédélique, tantôt semi acoustique, tantôt house, elle navigue à la croisée des chemins des Stone Roses, de Kula Shaker, et des débuts d'Oasis. Infecté épisodiquement d'une petite touche de blues. Mais c'est dans sa phase la plus électrique que la formation se révèle la plus excitante, et surtout la plus efficace. A l'instar de l'atmosphérique " The last ride ", réminiscent de Ride, de l'effervescent " Caught up ", du très enlevé " Need it ", écorché par un harmonica grinçant, de l'hypnotique " Long gone " et du dynamique " Bangin' out ". Le reste se dilue un peu trop souvent dans la pop ordinaire. M'enfin, pour un coup d'essai, Johnny Marr vient de commettre une œuvre plus qu'encourageante. Devrait aussi soigner ses lyrics. Enfin, pour ceux qui comprennent la langue de Shakespeare…
Le cœur de ce trio bordelais saigne sauvagement d'une rancœur maladive, à l'écouter battre la chamade comme si le gouffre au bord duquel il tangue n'avait pas de fond… Le cri, face au vide, s'éternise et renvoie son écho sur les parois moites d'une chambre capitonnée, celle d'un cerveau déconnecté, victime d'électrochocs à courts intervalles, puissants, hypnotiques, libérateurs. Dans l'obscurité de cette solitude qui le tenaille, le corps de Maria Blonde est parcouru de spasmes terrifiants. La fin semble proche, malgré l'appel à l'aide, époumoné des entrailles… La tension, dès les premières notes douloureuses de ce disque jusqu'au-boutiste, est à son comble : les violons, menaçants, blessent nos cœurs sans langueur monotone, et les guitares, en équilibre sur le fil du rasoir, se cognent aux mélodies qui flirtent avec le néant. Le pouls, sans cesse, accélère, et les yeux se révulsent, avant le coma, la perte des sens. Ces décharges sourdes, ces crises d'épilepsie rythmique et ce vacillement guttural soufflent sur nos têtes pressurisées un vent de panique d'une violence extrême. Après le déluge, ne subsiste que le souvenir d'une musique désespérée, aux confins d'un monde où le bonheur n'est qu'illusion, et le repli sur soi la seule issue.
Dan Snaith aurait-il pété un câble ? Alors qu'on croyait le jeune Canadien féru d'électronica coriace (" Start Breaking My Heart ", son premier album), le voilà qu'il nous revient déguisé en vieux beatnik post-Summer of Love, avec 10 nouveaux morceaux au psychédélisme tranquille. D'entrée, ces percussions, ces guitares, cette voix éthérée à la Jason Pierce : nous voilà bien de retour en pleines années soixante, à l'époque ou Syd Barrett avait encore toute sa tête et Robert Wyatt ses deux jambes. " Skunks " et " Hendrix With KO " (déjà les titres…) continuent d'ailleurs sur cette lancée hippie : trompettes, harpe, flûte, chœurs chabadabada,… Avec quand même une touche de synthé et de breakbeats, parce que Snaith travaille avant tout sur laptop (tant pis pour les puristes). Un peu comme si Love avait découvert l'ecstasy en 1969 et s'était mis à faire du Can avant l'heure. La suite nous plonge encore dans le passé, mais toujours avec ces touches d'électronique qui font la différence. Batterie, violon, tromblon, harmonium, bruits d'oiseaux et de verre qui se brise, voix en canons,… Manitoba revisite avec bonheur ces belles années de franche défonce, en compagnie des fantômes de Sun Ra et des Grateful Dead. Pareil voyage à travers les Portes de la Perception ne nous était plus arrivé depuis le " Ladies and Gentleman … " de Spiritualized… Bienvenue, avec " Up In Flames ", dans la quatrième dimension.
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