De Suède, on connaît Fireside, Soundtrack of Our Lives, The Hives et bien d'autres. On ne connaissait pas encore Isolation Years. Pourtant, on retrouve Pelle Gunnerfeldt (Fireside) à la production, et toujours cette touche scandinave qui en ce moment fait recette : de la bonne pop un peu country, un peu rock, des mélodies accrocheuses, de la candeur acoustique. C'est enjoué. Il y a aussi des cuivres (" Frosted Minds "), des chœurs, du banjo, des gars qui sifflotent (" Let's Step Aside "), des synthés (" Open Those Eyes "), du xylophone (" Three-Minute Convert "). La formule fait parfois penser à du Go-Betweens, du Calexico, de l'Echo & the Bunnymen (la voix). C'est vrai que ça ne mange pas de pain, et on qu'on en reparlera sans doute dans un mois, à la prochaine livraison suédoise ou norvégienne. On ressortira sans doute les mêmes phrases et les mêmes références, à peu de choses près. Quelqu'un dira peut-être qu'on radote, qu'on use de clichés, et il n'aura pas tort. On lui répondra qu'il est parfois difficile de séparer le bon grain de l'ivraie, et on lui conseillera d'écouter avant d'acheter. On en restera là, et on rangera notre cd parmi les dizaines d'autres déjà chroniqués sous l'étiquette " la grande famille pop-rock du nord de l'Europe ". Dans quelques années, peut-être, on les revendra, parce qu'on se rendra compte qu'on ne les a plus écoutés depuis leur chronique. Ca nous fera un peu d'argent de poche, qu'on dépensera un vendredi soir à boire des bières avec des amis. Les cd's, parfois, ça fait une belle monnaie d'échange.
On avait un peu perdu de vue Ken Ishii depuis son " Sleeping Madness " de 1999, sur lequel il balançait la sauce en compagnie de Talvin Singh, Mike Ladd et DJ Spooky. Après un " Flatspin " (2001) passé inaperçu, le Japonais revient, en bonne forme. Rien de très original, certes (toujours cette mixture de techno martiale et d'électro funky), mais là n'est pas le problème : du moment que ça chauffe sur le dance-floor, le contrat est rempli. Au menu, donc, du BPM qui déménage (" Melting Point ", " Presto ", " Beep Twist "), de l'acid comme au bon vieux temps (" Auburnia ") et du copiage en règle des aïeuls de Detroit (May, Atkins, Saunderson). Ce qui est bien aussi, c'est la manière dont Ken Ishii a construit son album : comme un mix, avec son départ en douceur (les 3 premiers morceaux), son climax (de " Future Is What We Are " à " Beep Twist ") et ses moments d'accalmie (" Fadeless ", au milieu, plus chill out, et " Strobe Enhanced ", à la fin, de l'électro pure qui permet de lever le pied de la piste). " Future In Light " a beau sonner un brin daté et Ken Ishii souffrir de la comparaison avec les nouveaux ténors du dance-floor (de Dj Hell à Ellen Allien), il n'empêche que l'ensemble s'écoute encore avec plaisir, comme on regarde un bon vieux film. En gros, le Japonais fait partie de (no)s meubles. A vous (et lui) d'y voir un compliment ou une insulte.
Si "Brave new world" avait, à l'époque du grand retour de Bruce Dickinson, provoqué unanimement un sentiment de victoire au sein des fans purs et durs de la Vierge de fer, il n'en est pas de même aujourd'hui. Certes, on savait que la bande à Steve Harris allait devoir viser très haut pour donner un digne successeur à l'album de la reformation, mais on était loin de s'imaginer qu'il aurait fallu des écoutes répétées de ce "Dance of Death" pour en apprécier certaines plages. On n'ose évoquer le titre du très inégal "No prayer for the Dying", car le Maiden nouveau n'est pas aussi catastrophique, bien qu'il donne également l'impression d'avoir été enregistré sans motivation. Des titres trop longs comme la plage titulaire ou "No more lies" sont même dépourvus d'intensité, au point de devenir ennuyeux. Jamais nous n'aurions pensé qu'un jour on parlerait d'un album de Maiden en ces termes, mais de toute évidence "Dance of Death" ne marquera pas la carrière d'un des plus brillants groupes de heavy metal de ces deux dernières décennies. Heureusement, tout n'est pas négatif sur cette nouvelle livraison, et il subsiste quelques titres remarquables typiquement 'maidenesques', à l'instar de l'énorme "Paschendale" et ses superbes orchestrations, de l'épique "Montsegur" taillé pour la scène ou encore du très surprenant "Journeyman", titre acoustique fortement marqué par les influences progressives d'Harris n' co. Mais ce n'est pas suffisant pour Iron Maiden qui est au metal ce que la série télévisée "Le Prisonnier" - qui a donné son titre à un morceau de Number of the Beast - est à la culture british. Une référence absolue! On croise les doigts, et on espère mieux pour la prochaine fois.
Iron & Wine = Sam Beam, jeune folkeux de Miami qui préfère s'enfermer dans sa cuisine à composer des ballades minimalistes que de parader sur la plage, la planche de surf sous le bras. " Chacun son truc ", diront les plus bronzés à l'écoute de ces 11 vignettes country-folk qui n'ont pas vu le soleil. Sam Beam s'en fout : il est bien dans sa cuisine, et même qu'il n'a pas besoin d'amis, puisqu'il fait tout absolument seul. La guitare, le banjo, les voix, l'enregistrement. Harry Smith serait passé par-là qu'il l'aurait sans doute rajouté sur sa compile d'" American Folk Music ". Dommage qu'il soit mort. Sam, lui, est bien vivant, même s'il est blanc comme un cadavre. Sa musique, heureusement, ne sent pas la pierre tombale : d'accord c'est triste, mais c'est beau, aussi. Serein. Délicat. Sam ne connaît sans doute pas ce qu'écoutent les gars de la plage (du rap, du nu-métal), et à vrai dire il s'en tape : dans sa discothèque, il n'y a qu'une dizaine de disques. Neil Young, Nick Drake, Gene Clark. Rien de bien neuf. Il paraît qu'il a quand même acheté un ordinateur au magasin du coin : c'est mieux que ce 4-pistes qui faisait toujours des siennes. Voilà pourquoi ces 11 chansons sonnent si bien ! On croirait presque qu'elles sont produites par Mark Linkous ou Kurt Wagner… Du bon boulot, pas lo-fi pour un sou. La prochaine étape ? La rue, le quartier, la ville, le pays, le monde : Sam sur les routes, avec sa guitare et sa crème solaire protection 36, à chanter ses poèmes bucoliques devant des fans de folk neurasthénique ? Quel délire ! Reste à savoir si les sièges seront munis d'oreiller ou si ce jour-là on n'aura rien d'autre à faire. A vrai dire, mieux vaut écouter ce disque à la maison, seul, sous peine d'être traité de fan de musique chiante ou de membre d'une secte de hippies suicidaires. Et oui, la passion musicale est parfois à ce prix.
Inspiral Carpets n'a jamais eu l'aura d'un Happy Mondays ou des Stone Roses, mais ils se sont classés bien plus souvent dans les charts que leurs condisciples de Madchester. 4 top 20 pour les albums " Life " (1990), " The beast inside " (1991), " Revenge of the goldfish " (1992) et " Devil hopping " (1994), ainsi que treize fois dans le top 40 entre 1989 et 1994, avec notamment " Joe ", " Dragging the moon ", " Saturn 5 ", " This is how it feels ", "Caravan", "Two worlds collide", "I want you" (NDR: caractérisé par la présence de Mark E Smith), " She comes in the fall ", et "Keep the circle around", chanson enregistrée en compagnie du premier chanteur, Basil Clarke. Tous des hits (NDR : 20 en tout !) qui figurent inévitablement sur le premier disque de ce box de 3 CDs. La deuxième plaque épingle 17 fragments partagés entre raretés, versions alternatives (jamais gravées sur CD à ce jour) et covers, parmi lesquelles figurent le " Paranoid " de Black Sabbath, " 96 tears " de ? and The Mysterians et une version époustouflante du " Tainted Love " de Soft Cell. Meilleure que l'originale (NDR : les mauvaises langues me répondront que ce n'est pas difficile). Enfin, le troisième morceau de plastique est consacré à un DVD réunissant des vidéos, des morceaux enregistrés 'live', quelques bonus tracks cachés et une interview. Chez cette formation de garage punk par excellence, les claviers rognés par le vétéran Clint Boom ont toujours été une marque de fabrique. Des sonorités dont les fortes réminiscences sixties pouvaient faire penser aux Searchers voire aux Doors, mais qui servaient des mélodies pop à la fois contagieuses, énergiques et mélancoliques, des mélodies caressées par la voix de Tom Hingley, dont le timbre était aussi velouté que celui de Dave Gahan. Dommage que leur premier flexi disc, " Garage full of flowers " et le premier véritable single, " Planetcrash ", n'aient pas été inclus. Un véritable testament !
Pour célébrer le 25ème anniversaire de la sortie de son premier elpee, " Look sharp ", Joe Jackson a décidé de remonter le line up qui avait participé à la confection de ses trois premiers opus ; et d'enregistrer ce " Volume IV ". Puis de partir en tournée promotionnelle, en leur compagnie. C'est à dire le guitariste Gary Sanford, le drummer Dave Houghton et surtout son fidèle bassiste Graham Maby. Un disque que Joe a voulu voir réverbérer les accents de sa célèbre trilogie. Quoique l'artiste s'en défende, ce projet est empreint de nostalgie. Mais si les compositions renouent avec l'énergie âpre, tonifiante du rock'n roll des débuts et ressuscite l'esprit particulièrement acerbe de ses lyrics, elles conjuguent la profondeur émotionnelle et la sophistication musicale des derniers opus. Et ce mélange d'adrénaline sonique, de perspicacité lyrique et de soin consacré à l'écriture des chansons passe plutôt bien la rampe. Bien sûr, tout n'est pas parfait, mais le disque recèle suffisamment de bonnes vibrations pour nous mettre de bonne humeur. Et je pense à l'introspectif " Chrome ", un morceau superbe, mais surtout un hit potentiel. Au stimulant " Fairy dust ", fruit de la rencontre entre le jazz (piano, drums) et le funk (guitare, basse). A l'hymne glam rock " Little bit stupid ", conçu en forme de clin d'œil à Adam & The Ants. Ou encore au power/punk/pop tribal, enlevé, " Bright grey ". L'œuvre laisse bien évidemment une place à la mélancolie, que Joe souligne si bien de sa voix si poignante en s'accompagnant au piano (NDR : ces sonorités aux ivoires me flanquent toujours des frissons dans le dos !). Il concède également un track plus hymnique, plus 'Remesque', à travers " Still alive " ; et nous propose une excursion ska (" Thugz "). Seul reproche qu'on puisse adresser : deux compos trop proches de l'univers d'Elvis Costello. Pas qu'elles soient de mauvaise facture, mais elles apportent de l'eau au moulin aux détracteurs qui ont toujours insinué que les deux artistes étaient cousins. Pour la circonstance, on a même l'impression que Joe a bénéficié du concours des Attractions. Après avoir fait les beaux jours de la new wave (NDR : à moins que ce ne soit l'inverse), trempé dans le jazz, le classique et écrit de la musique de film, il a retrouvé son beat crazy. Et on ne s'en plaindra pas !
Une country-blues anémique dévoile ses charmes mutants sur fond de free jazz psychédélique, tandis qu'une voix caverneuse susurre des mots doux, coincée entre un harmonica malade et une mandoline rouillée… Jackie-O Motherfucker est un collectif de musiciens biberonnés au blues famélique de Robert Johnson, au folk cosmique du No-Neck Blues Band et aux expériences limites des Boredoms. Leur musique, de l'improvisation hors-catégories où se côtoient violence et épure, sagesse et turbulences, prend aux tripes, intoxique.
" Change ", leur huitième album mais le premier à bénéficier d'une véritable promotion internationale (via Textile, un label français), décharge son trop-plein d'émotions sans jamais tomber dans l'obscurantisme, même si l'expérience se révèle parfois éprouvante (trop de genres, trop d'influences, trop d'idées, souvent dans un seul titre). Si " Everyday " rappelle le blues des années trente, mais un blues carbonisé, atomisé par une recherche constante de sons nouveaux, la suite ne sait jamais sur quel pied danser : psychédélisme fumeux teinté de jazz électrique (" Sun Ray Harvester "), transe chamaniste, bruitiste et apocalyptique (" Bus Stop "), Frip(p)eries ambient et post-rockeuses (" Fantasy Hay Co-op "),… " Change " ne décevra pas les amateurs de musiques de traverse, difficiles mais démentes. De l'exorcisme salvateur pour les amateurs de sensations fortes et d'illuminations sonores.
Acoustic Music est un label allemand qui accorde un soin tout particulier à la qualité de ses enregistrements. Etablis en Allemagne, le chanteur/guitariste Chris Jones et l'harmoniciste Steve Baker ont décidé d'unir leurs talents. Baker est tout juste âgé de 50 ans. Il est originaire du sud de Londres. Ses premières influences, il les a puisées chez Paul Butterfield ainsi que chez Duster Bennett (NDR : ce compatriote disparu enregistrait pour Blue Horizon). En 1975, il rejoint Have Mercy (Jug Band), un groupe de folk blues composé de quatre harmonicistes : Henry Heggen, Rory McLeod, John Echols et Steve. Le groupe émigre à Hambourg l'année suivante et récolte un certain succès. Vers 1980, Steve partage un duo en compagnie de Tom Shaka, puis de Tony Sheridan. Un peu plus tard, il transite par Tough Enough, une formation destinée ( ?!?!) à rivaliser avec les Fabulous Thunderbirds... En 1993, il commet un album en compagnie de Have Mercy (NDR : sur Crosscut) et deux autres avec Chris Jones, "Slow roll" en 95, et "Everybody's crying mercy" en 98. Chris Jones compte 45 ans balais au compteur. Il est originaire de Reno, dans le Nevada. Après avoir effectué son service militaire à Wiesbaden, il décide de rester en Allemagne. Nous sommes alors en 1976. Il est l'auteur d'une multitude d'albums, enregistrés en solitaire ou en duo.
Les sessions de cet elpee ont été immortalisées live au "Backstage" de Fulda et au "Manufaktur" de Schorndorf, en avril et mai 2002. Au programme : une musique intimiste faite de blues, de folk et de ballades. Chris Jones est responsable de l'écriture d'une bonne partie des titres. Dont le très doux "Soul storm comin'" qui ouvre les hostilités. Leur reprise du "Bourgeois blues" de Leadbelly met en exergue le jeu d'harmonica de Baker. Au sein de cette ambiance dépouillée, son exercice de style est brillant. Cependant, il ne faut pas négliger les qualités de jeu en picking de Chris Jones. Cette plage en est la plus parfaite démonstration. Au sommet de son art, le duo est vraiment excitant tant il vit sa musique. Les deux musiciens sont très complémentaires. Ils le démontrent tout a long de "God moves on the water" et du remarquable "If walls could talk" de Bobby Miller. Baker y signe une intervention remarquée et remarquable. La reprise de "Willing" de Lowell George est très poignante. Il est vrai que Jones est un vieux fan de Little Feat et en particulier de son regretté guitariste. Chris Jones possède également un talent tout à fait évident de compositeur ; mais ses chansons relèvent davantage du folk. A l'instar de "Roadhouses & automobiles", de "Long after you're gone" et de "Cold creature", ponctué d'une dernière intervention de très haut niveau signée Baker. L'album s'achève par une longue version du classique "St James infirmary". Une adaptation exécutée avec une sensibilité débordante, émaillée de délicats échanges entre les instruments.
En entrant dans la galaxie Joan Of Arc, il ne fait aucun doute que votre portefeuille va en prendre un sérieux coup. En effet, si vous aimez cette formation, il y a de fortes chances que vous tendiez une oreille sur tous les projets parallèles des membres du band ; et par la même occasion à ceux de la quasi-totalité du label. Si vous avez succombé au même principe utilisé par Tortoise en son temps, vous n'êtes pas sortis de l'auberge (certains y sont toujours). Donc Joan Of Arc, c'est un peu Red Red Meat, Owls, Califone, Chicago Underground Duo, Cap n' Jazz, Euphone ou Isotope 217 (constitué - tiens, tiens - par Jeff Parker, Rob Mazurek, Johnny Herdon et Dan Bitney qui jouent avec Tortoise...). Pour rappel, Joan Of Arc a commis une plaque incroyable en 2000, "The Gap" (NDR : que j'avoue avoir encensé, en âme et conscience). Aujourd'hui, ce véritable nouvel album est donc la continuité logique de l'ep "How can anything so little..." (2001). "The Gap" mêlait l'électronique à une certaine forme de folk; "How can..." commençait à dissocier ces 2 éléments, "So much..." enterre visiblement l'électronique pour se concentrer sur une certaine forme de classicisme rock. Ville natale aidant (Chicago), on pourrait facilement classer Joan Of Arc dans le post-rock. Et la tentation est grande ! Pour en revenir à ce qui nous préoccupe, "So much..." s'installe brillamment et facilement sur les platines rendant l'espace de l'appartement tout de suite très aérien et ensoleillé, même si votre ville essuie un terrible orage. Je ne réitérerai malheureusement pas mon enthousiasme de l'année du bug, car aujourd'hui, malgré la qualité du groupe, je ne retrouve plus trop ce qui le rendait si intéressant.
Après avoir commis un premier album assez proche des délires free jazz de Sun Ra, Joakim (alors Joakim Lone Octet) aurait pu passer pour un drôle de zigue, à l'instar d'un Arnaud Rebotini ou d'un Sébastien Tellier… A l'heure qu'il est, le Français semble avoir retrouvé la raison. Moins casse-tête, plus accueillant, ce disque sympa en est la preuve. Pourtant, en intro (" Into "), le boss de Tigersushi voudrait encore démontrer son savoir-faire : ces xylophones hypnotiques, on dirait presque Steve Reich ! Mais dès les premières notes d'" Are You Vegetarian ", on remise nos critiques au placard : c'est bien sur le dance-floor, et pas en classe de l'IRCAM, que Joakim veut nous emmener. Cette basse, ces " claps " en cadence, ces bleeps de laser : depuis Metro Area, on n'avait plus entendu pareille house, intelligente et entraînante, qui s'adresse aussi bien au cerveau qu'à nos guiboles. La suite ressemble à un film noir. Katerine, en acteur inquiet, se demande quelle mouche a piqué " John " : une sombre histoire à la Melville qui met en scène François de Roubaix aux claviers et Alan Vega dans l'ombre. Egrenant doucement ses notes de piano sur des nappes bruitistes à la Pole, " L'amour c'est pas pour les caniches " n'est pas moins cinématographique. Mais la piste nous rappelle, avec " Cotton Gun " et son beat à la Carl Craig (Innerzone Orchestra ?) : c'est le quart d'heure américain, avant la pause punk funk et ses vocodeurs eighties (" The Minimum of Life "). Sur " Resistance on an Island ", Joakim nous refait une démonstration de musique répétitive, mais passée au filtre house : 8'30'' de bonheur. " Come Into My Kitchen " frise l'exercice elektroklash tendance Playgroup, comme si le Français voulait montrer à tout prix son éclectisme… Pour conclure, deux morceaux calmes, à l'hébétude reposante. A l'arrivée, tout le monde est content : on en a eu pour notre argent.
Treize ans que Jane's Addiction n'avait plus sorti d'album. A l'époque, " Ritual de lo Habitual " posait les bases du mouvement grunge, et même davantage, en osant mixer psychédélisme, folk, métal, progressif et spiritualisme. Autant dire qu'il s'agit ici du come-back de l'année, mais en rien une reformation de vieux rockeurs juste prêts à renflouer leur tiroir-caisse. Parce que ce " Strays " surprend par sa qualité et sa prestance : on croirait avoir quitté Jane's Addiction seulement hier, tant ces 11 nouvelles chansons respirent la jeunesse et le groove. Le temps semble n'avoir aucune prise sur Perry Farrell, Dave Navarro et Stephen Perkins (à la basse, un petit nouveau, Chris Chaney).
Le rock n'est pas mort, on le sait. Jane's Addiction n'en a jamais douté : il suffit d'entendre les soli démoniaques de Navarro pour s'en rendre compte. " Here We Go ! ", gueule Farrell avant que la machine s'élance, dévastatrice. Jeff Beck, Jimi Hendrix et Kurt Cobain les regardent se défouler du septième ciel. Ca mouline du côté du playboy tatoué, tandis que Farrell hulule comme un possédé défoncé au patchouli, de cette voix androgyne reconnaissable entre mille. A l'heure où les guitares reviennent en force, celles de Jane's Addiction s'avèrent toujours les plus flamboyantes. Treize ans, mais rien n'a changé : le rock de Jane n'a pas déclaré forfait. Comme ces pales d'hélicoptère que l'on entend en intro, la musique de Jane's Addiction nous donne le tournis : la claque ! Un disque à écouter plein tube, pour se persuader qu'on est bien vivant. Même les titres plus calmes dissimulent une énergie maligne, en témoignent " Price I Pay " et " The Riches ", sans doute les deux meilleurs morceaux du lot. Mais le reste est du même tonneau, machiavélique, aérodynamique (" Just Because ", " Hypersonic ", " Superhero ", sur lequel Farrell s'essaie au flow rap), sculpté dans le meilleur bois (vert) par le meilleur des luthiers (Bob Ezrin à la production, l'homme derrière " The Wall ", " Berlin ", " School's Out ", pas moins). Qu'un groupe qu'on croyait mort ressurgisse avec un disque pareil et nous mette sur les genoux, c'est franchement balèze. De cette addiction-là, c'est sûr, on n'est pas prêt de décrocher.
Jan James est originaire de Detroit. Sa voix est chargée de vécu. Pas pour rien que le timbre de cette chanteuse est souvent comparé à celui de Janis Joplin, de Tina Turner ou encore d'Aretha Franklin. Mais elle met cette voix au service d'un style différent. Qui n'emprunte pas la route conventionnelle du blues, mais bien plus souvent celle du hard rock. Elle avait fondé les Flying Tigers en compagnie du guitariste Craig Calvert, un musicien issu d'un groupe punk. Ensemble, ils se sont alors mis à écrire des chansons, en mêlant rock, soul, gospel et blues. Lorsque le duo émigre à Chicago, il décide de se produire sous le patronyme de la chanteuse. Son premier album "Last train", est paru 1995 (NDR : sur le label hollandais Provogue). Depuis, elle a commis "The color of the rose" en 1996, "Rebel desire" l'année suivante (toujours chez le même label), et récemment "Promise me".
" Limousine blues " constitue donc le dernier opus de la chanteuse blonde. Les notes d'ouverture nous transportent dans le Delta ; et très rapidement la puissance électrique entre en action. La voix autoritaire et infectieuse de Jan perce l'écran sonore. Elle se montre très autoritaire sur ce "Build me a man". Son fidèle guitariste, Craig Calvert, opère à la slide. Et c'est dans ce registre que j'apprécie le plus Miss James. Qu'il soit chargé d'intensité électrique ou patiné de rock, ce nouvel album sent bon le blues. La première impression était vraiment la bonne, car tout au long de ce bon blues rythmé, "I got a feelin" maintient le cap. La voix ne force pas. La guitare de Calvert n'en fait pas trop. Blues lent, "Rise above" est trempé dans l'orgue Hammond de Bob Long. Toujours aussi tonique, "Did what I did" accroche par sa ligne mélodieuse. "Montgomery" opère un virage à 180°. Craig empoigne sa guitare acoustique : direction plein sud ! L'atmosphère sent bon les fleurs de coton. Jan emprunte la voix de Janis. Pas trop éraillée, elle laisse éclater, ça et là, sa réserve de puissance. "Young man" reproduit le schéma ; mais pour la circonstance, c'est le piano de Bob Long qui domine le sujet. Pas trop éloigné du style pratiqué par Albert King, le titre maître est un blues plus funky. Une impression renforcée par la plage suivante : "Chain of fools". Signée Don Covay, elle constitue la seule reprise de l'album. Du Memphis R&B, époque Stax garantie ! Et la voix se complait dans ce style. Jan respire ses vocaux tout au long de "Fool of me", une composition légère, parfumée délicatement de jazz et de swing. L'effet est très réussi. L'album s'achève par un instrumental taillé dans le blues rocker : "Pack my suitcase". Nous sommes probablement en présence du meilleur album de Jan James ; et certainement de son opus le plus proche du blues…
La chronique de " A Livingroom Hush " à peine dans ces colonnes, voilà que Jagga Jazzist nous revient déjà avec un nouvel album, tout aussi bluffant que son prédécesseur. Pour rappel, Jagga Jazzist est une sorte de big band électro-jazz de la banlieue d'Oslo, dont la musique mutante rappelle en même temps Squarepusher, Soft Machine, Supersilent, Frank Zappa, Talk Talk et Tortoise. Un sacré topo d'influences, pour un disque heureusement amène et frétillant, qui dépasse la citation pour asseoir son propre univers, génial et décalé. Pour ceux que les mélanges étranges (électro, jazz, rock, impro, etc) angoissent, un seul conseil : écouter, et se laisser aller. Comme carte de visite, un " Kitty Wu " fera l'affaire : du xylophone, du tuba, de la flûte traversière, des guitares, à peine maîtrisées par une batterie métronomique doublée d'une boîte à rythmes et de bleeps affolés. Tous les ingrédients sont là : de l'acoustique et de l'électronique, de l'organique et du mécanique. Rarement le mariage de telles forces antagonistes, qui le plus souvent s'annulent ou se gênent, n'aura provoqué une si belle débauche de sons et de couleurs, d'impressions et de relief. On ne vous avait que trop conseillé l'écoute de " A Livingroom Hush "… On persiste et signe : Jagga Jazzist rules !
Même si cet album est sorti il y a plus de deux ans en Norvège, pays d'origine de ce big band électro-jazz-fusion de haute volée, il n'a toujours pas, depuis lors, quitté notre lecteur de salon. C'est que " A Livingroom Hush " (notez la contrepétrie) ne fait pas partie de ces disques qui s'apprivoisent en une écoute. Imaginez Aphex Twin, Tortoise et Herbie Hancock tapant le bœuf en plein désert arctique, avec Tom Jenkinson et Nils Petter Molvaer servant du vin chaud entre chaque impro décervelée. Jagga Jazzist, ce serait donc un délirant Big Bazar, un supergroupe aux pensionnaires infidèles (on les retrouve aussi chez Supersilent, Jazzkammer, Bugge Wesseltoft, Biosphere, etc), qui malaxent le jazz, l'électro et le rock en toute innocence, comme si rien avant eux n'avait existé. Comme si tout était encore à faire. Parce que la musique mutante de Jagga Jazzist ne ressemble à rien de connu ; et c'est ça qui la rend si attachante.
" Animal Chin ", le morceau d'ouverture, sonne ainsi d'abord comme du Tortoise, pour se transformer brutalement en drum'n'bass plein de flûtes et de cuivres, jusqu'à l'explosion finale, parasitée d'interférences. La suite (" Going Down ") accueille des guitares acoustiques et des bleeps timides, alors que, de temps en temps, une contrebasse, un tuba, un xylophone, un sampler s'en mêlent, sans se tirer la couverture. Pour se partager tous ces instruments aux sonorités chaudes et tactiles, aux contacts desquels tous les genres se confondent, il fallait du monde : Jagga Jazzist compte ainsi dix personnes (!), dont le leader reste incontestablement le batteur, Martin Horntveth, d'une technicité impressionnante. En tout cas, rarement pop music et avant-gardisme auront fait si bon ménage… Car malgré l'aspect parfois revêche (ces cassures) de ce magma sonore sans cesse bouillonnant, les compos de Jagga Jazzist restent étonnamment joviales et séduisantes. " The Stix ", leur deuxième album, vient de sortir. Si vous fondez pour ce genre de musique organique, qui bat en brèche tous les lieux communs du rock, du jazz et de l'électro, un conseil : achetez directement les deux… Vous ne serez pas déçus !
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