Depuis plus de dix ans, John Darnielle publie ses chansons cafardeuses sous le nom de The Mountain Goats, que ce soit en solo, en duo avec Peter Hughes (comme ici) ou avec d'autres musiciens, le plus souvent sans l'intermédiaire d'un studio d'enregistrement. " Tallahassee " change un peu la donne : cette fois-ci, peu de titres en 4-pistes captés dans la cuisine entre deux crises de nerfs, puisque Darnielle s'est adjoint les services de Tony Doogan (Mogwai, Belle & Sebastian, The Delgados,…) et compte bien conquérir le petit monde de la country lo-fi et de l'antifolk le plus chétif avec un son plus costaud et une production qui va avec. Un seul morceau en témoigne : cet " Oceanographer's Choice " de premier choix, plus exotique et travaillé que l'intégrale des Guided By Voices. Le reste, même accouché en studio, reste quand même encore fort primaire et désossé, comme si Darnielle refusait toute enjolivure - un gros mot dans sa bouche, lui qui chante seulement les brisures et les désillusions de couples, les divorces du cœur et de l'âme, les drames familiaux et conjugaux. En privilégiant l'émotion la plus intacte (ç'est à dire sans esbroufe) à l'orchestration putassière, Darnielle ne fait donc qu'enfoncer le clou d'une discographie bâtie sur le folk le plus âpre et la sincérité la plus touchante. C'est, comme on dit, à prendre ou à laisser. Nous, on prend.
On vous parle régulièrement de la série « In The Fishtank » : des compilations imaginées par le label hollandais Konkurrent, dont l’objectif est de réunir deux groupes dans un studio pendant quelques jours et les laisser délirer comme bon leur semble, aux frais de la Reine Beatrix. Cette fois (le n°11 a déjà été chroniqué en ces pages), ce sont les Norvégiens de Motorpsycho et de Jaga Jazzist qui s’y collent. Le résultat est détonnant, avoisinant sur certains titres le psychédélisme jazz d’allumés notoires comme Pharoah Sanders et Steve Coleman, voire le prog et le krautrock seventies chers à Weather Report, Can et Blue Oyster Cult (un bien beau mélange !). Encore une fois, la confrontation de deux univers plus ou moins différents (l’électro-jazz-post-rock de Jaga Jazzist, dont on retrouve seulement ici la section des cuivres, et le rock dégénérescent de Motorpsycho) fonctionne à merveille, même sur la cover de « Theme de Yoyo », pourtant du funk blanc aussi subtil qu’un album de Bowie (justement) période Tin Machine. Le dernier des cinq titres ici proposés, « Tristano », lorgne lui du côté du jazz rock le plus famélique : 21 minutes de délire free au compteur, qui passe comme une lettre à la poste. A condition bien sûr d’être un amateur de ce genre de jams un peu démonstratifs, gratinés de cuivres infatigables et de soli homériques. Qui a dit pouet pouet ?
L'histoire de Mother Tongue débute en 1990 à Austin. Mais dès l'année suivante, le quatuor texan déménage à Los Angeles, parce qu'il estime que sa musique correspond beaucoup mieux à la scène de cette cité californienne. L'idée semble plutôt judicieuse, car signée par Epic, la formation sort son premier elpee. Malheureusement, en proie à des conflits internes et à de multiples changements de line up (dont celui du guitariste Jesse Tobias, qui va transiter par le Red Hot avant de rejoindre le backing band d'Alanis Morisette), le combo se sépare juste avant de commencer l'enregistrement de son deuxième opus. Il faudra attendre 1999, pour que le groupe décide de recommencer l'aventure. Nonobstant le départ de leur drummer originel, Geoff Habba, l'année suivante, M.T. commet l'excellent " Streetlight ". Produit par Mario Caldato Jr (Beastie Boys) il allie le meilleur des Red Hot avec le son roots du blues, voire de la soul. Curieusement, c'est en Allemagne que ce disque remporte un franc succès. Et " Ghost note ", qui bénéficie de la mise en forme de Robert Carranza (Beck, Folk Implosion, Supergrass, Jane's Addicition) semble épouser la même trajectoire. Probablement à cause de leur style qui semble profondément ancré dans les seventies. Depuis les Doors à Led Zeppelin, en passant par le Free, le Cream, Hawkwind et Fleetwood Mac. Pas mal de connotations blues et psychédéliques, donc. Mais le tout revisité tantôt par le funk blanc d'un Red Hot Chili Peppers, le métal fusion de Rage Against The Machine ou le punk menaçant de Jane's Addiction. Les lyrics ont, en outre, le bon goût de véhiculer des messages sociopolitiques aussi pertinents que chez Fugazi Pas trop difficile, donc, d'imaginer l'énergie que peut libérer le musique de ce Mother Tongue, tout au long de cet elpee. Excellent !
Mostly Autumn appartient à cette poignée de jeunes groupes 'prog' qui montent. S'il doit autant à Pink Floyd qu'à la musique celtique, il dispose comme atouts d'un guitariste surdoué (il cumule, avec talent, le rôle de compositeur), d'une bonne chanteuse (par ailleurs assez mignonne) et d'une multi-flûtiste fort efficace. En quatre ans, le groupe a commis autant d'elpees tout à fait charmants (NDR : dont un projet alternatif destiné à concocter sa propre version du 'Lord of the Rings'). De concerts en festivals, il s'est ainsi taillé une solide réputation sur scène. C'est dire si le nouveau CD de cet 'espoir' était attendu. Même si on est d'emblée impressionné par la qualité de la production, l'album commence de façon inquiétante, par des plages formatées FM : la première lorgne très fort vers Fleetwood Mac, la deuxième présente peu d'intérêt et la troisième, tout en restituant un peu de l'univers du groupe, est plutôt sirupeuse. Elle introduit pourtant Heather nouvelle façon. Mais si la chanteuse paraît très assurée, elle est surtout ici standardisée. La suite s'avère heureusement beaucoup plus intéressante: dès la quatrième plage, 'Bitterness Burnt', une belle ballade acoustique, on retrouve tout le charme de Mostly Autumn (flûte, violon, influence celtique), tandis que 'Caught in a Fold', un brin ambitieux, évoque à la fois Jethro Tull et Curved Air. A l'instar de 'Simple Ways', la deuxième moitié du CD renoue avec l'esprit des albums précédents, nous réservant son lot de soli de guitare assassins, jolies harmonies vocales, mélodies plaisantes, refrains imparables et finals qui décoiffent. Mention spéciale pour les dix minutes de bonheur que constituent la plage titulaire et l'instrumental 'Distant Train' qui lui succède. Le groupe a donc diversifié son propos. Il oscille parfois entre ses héritages floydien et celtique et une certaine variété anglo-saxonne. Les claviers sont quant à eux plus présents. Globalement, 'Passengers' est un bon album qui devrait plaire aux fans. Espérons qu'il permettra au groupe d'élargir son audience. Il le mérite assurément !
Ce cinquième album du Texan aux rouflaquettes s'écoute avec plaisir, même si les 13 chansons qui le composent n'apportent aucune nouveauté au genre, depuis longtemps en panne d'inspiration ou plutôt d'un leader qui mettrait un peu de carburant dans cette machine qui ronfle (l'Americana de Bruce Springsteen et de Tom Petty). C'est quand Morgan s'essaie aux ballades hivernales qu'il surprend le plus (" Waiting ", " Middle of the Night "), voire quand il imite avec brio un Johnny Dowd rouillé (" Round Every Bend ") ou un G-Love à la sauce tex mex (" Train "). A noter également deux reprises plutôt convenues (" She Belongs to Me " de Bob Dylan avec Johnny Hickman de Cracker et " No Such Pain As Love " de Willy Deville) et quelques invités de marque venus taper le bœuf (Joey Burns et John Convertino de Calexico, Ken Coomer de Wilco,…), comme quoi le Morgan sait s'entourer de la crème de l'alternative country quand on lui dit qu'il faut savoir plaire aux jeunes. Au final, tous ces ingrédients font de " Freight " un disque agréable mais loin d'être sensationnel… En gros, le genre de galette qu'on écoute deux/trois en faisant la vaisselle, puis qu'on range dans sa collec' pour ne plus jamais l'en sortir.
Robert Henke et Gerhard Behles ont déjà commis quatre albums d'électro-ambient minimaliste sous le nom de Monolake. Celui-ci ne déroge toujours pas à la règle du glitch qui grésille et du beat qui tape en sourdine, même si cette fois certains titres s'avèrent plus orientés dance-floor… Mais un dance-floor d'after, peuplé de zombies en marcel crissant des dents, levant les bras à chaque embardée de BPMS machiniques. Dans les coins de la salle, quelques couples vautrés à même le sol, contemplant le jeu des lumières avec leur pupille dilatée par l'injection buccale de substances interdites… De ces paysages sonores en demi-teinte (dub par-ci, indus par-là), ils ne retiendront, une fois le cerveau retapé après dix bonnes heures de sommeil, que l'effet océanique, quand ils ne faisaient qu'un avec la masse ondulante des autres corps en extase sudatoire.
La première caractéristique de ce nouveau groupe de cyber-metal est d'avoir un nom absolument impossible à prononcer. Les animateurs de radio qui se risqueront à programmer un extrait de "Mechanical Spin Phenomena" devront faire preuve de la plus grande dextérité logopédique lorsqu'ils présenteront l'auteur de cette nouvelle petite bombe. Néanmoins, il serait dommage de passer à côté de ce premier effort très prometteur qui consolera les fans du défunt Fear Factory et enchantera ceux de Meshuggah et de Strapping Young Lad. Mnemic maîtrise avec brio l'aspect robotique et technique de ces trois groupes qui allient rapidité, brutalité et sonorités futuristes. Sur des titres tels que « DB'XX'D » et « Zero Gravity », la voix n'est pas sans rappeler le chant clair de Burton C. Bell, tandis que les claviers plongent l'auditeur dans des atmosphères digne des films cybers à la Matrix. Profitant de la présence d'un vrai batteur, là où certains auraient cédé à la facilité d'une boîte à rythmes, ce nouvel espoir du metal de demain, affirme une véritable identité, même si ses références sont plus qu'évidentes.
12 titres en 30 minutes, le quatuor de Milwaukee aime la concision. Hébergé par Estrus et sa cohorte de groupes “culte” (The Mummies, Soledad Brothers, Man or Astro-man ?), The Mistreaters s’est adjoint les services de Jim Diamond des Dirtbombs à la production. Lorsqu’on sait que les Dirtbombs constituent une influence des groupes en “The”, apparus au cours des derniers mois, The White Stripes et The Von Bondies en tête, vous l’aurez compris, les guitares riffent comme jamais, la batterie amortit les chocs, le charleston s’emballe, et les mains clappent à s’en fouler les poignets. Et pour votre information sachez que cet opus a reçu la collaboration de Deanne Iova, membre chez The Sirens (tiens encore un “The”), habillée en rouge et noir pour la circonstance. Ca ne vous rappelle rien, vous ?
Miss Kittin s'est fait connaître il y a deux ans, en commettant le fameux " Frank Sinatra ", une ritournelle amusante très vite devenue le premier hymne (avec " Emerge " de Fischerspooner) de la nouvelle scène glam electroklash. Depuis, on l'a vu aux côtés de Sven Väth, de Golden Boy, de Detroit Grand Pubahs et de Felix da Housecat… et un peu partout derrière les platines. L'une des seules DJ-starlettes de France, et forcément l'un des seuls sex-symbols de la scène électro mondiale, se devait donc un jour de passer par la case de l'album mixé. De quoi montrer aux indécis, s'il en reste, qu'elle en a vraiment dans la culotte. Après " Miss Kittin on the road " (passé inaperçu), la Grenobloise nous revient avec ce mix touchant et personnel, espèce de journal intime et de 'best of' maison des morceaux qui l'ont marquée et influencée. " This is Radio Caroline. This is my life ", introduit-elle avant de balancer la sauce, en référence à la première radio pirate britannique apparue en 1964 ; et parce que derrière le pseudonyme se cache une jeune femme répondant au prénom de Caroline, qui n'hésitera pas, durant tout le mix, à ponctuer ses morceaux choisis de commentaires sur sa vie, son œuvre, sa passion (la musique, le Djing). " Every record is a soundtrack of my life ", explique-t-elle en anglais francisé, de sa voix mutine et inimitable. " A place, a friend, an emotion, a form, a flavour, a journey, a day, a colour, a noise, anything… even without words ". De ces disques qui ont rythmé sa vie, et peut-être désormais la nôtre, on retiendra l'éclectisme : valeurs sûres (Marshall Jefferson, Blaze), têtes chercheuses (Autechre, Pan Sonic, Delarosa & Asora), dub, trip hop, techno, electronica,… La sélection est impeccable et a le mérite d'éviter le surplace et les redites, de privilégier les découvertes et les contrastes, de proposer un panel intéressant de ce qui compte aujourd'hui en musique électronique. A l'image, finalement, de ces mixes en clubs, toujours différents et s'interdisant tout purisme.
Peu importe quel fût le miracle dont ces quatre rockeurs parlent, il semble évident qu'il ne s'agit pas de leur musique : de l'indie pop formatée pour les College Radios d'Amérique, évidente mais pas très finaude. Si la plupart des 12 titres qui composent cet album n'ont pas grand chose à envier à ceux de Fountains of Wayne et d'Everclear, il s'en dégage une impression tenace de nonchalance appliquée qui finit vite par agacer. C'est encore quand Miracle of 86 lâche les gaz qu'il émeut le plus : " Call of the Cops ", " I Think You Meant to Say No ", " Your Quicksilver Moment " et " Sleep All Damn Day ", plus en nuances folk, parviendraient presque ainsi à nous faire oublier ces moments de franche rigolade power pop qui sévissent tout le long de l'album, d'une puérilité en tous points condamnables. Dans un tel contexte, celui du moindre effort, on préfère passer son tour. Dans la cour des miracles pop rock, ces types passent pour des clowns.
The Minus 5 est le projet à géométrie variable de l'ex Young Fresh Fellow Scott Mc Caughey, auquel participe régulièrement Peter Buck, le guitariste de REM. Pour enregistrer son cinquième album, Scott a ainsi reçu le concours des musiciens de Wilco ; c'est à dire Jeff Tweedy, John Stirratt, Glen Kotche et Leroy Bach. Ce qui explique le titre de l'opus. Mais également de Ken Stringfellow (Posies) et de Sean O'Hagan (High Llamas), parmi les plus notoires. Sorte de prolongement de " Yankee Hotel Foxtrot ", " Down with Wilco " épouse une forme de country/pop alternative qui a rendu légendaires Big Star au début des 70's, les dB's dans les 80's, ainsi que Teenage Fan Club durant des 90's. Et à la limite les Byrds au cours de la seconde moitié des 60's. Mélodies contagieuses, harmonies vocales limpides, 'brianwilsonesques', instrumentation luxuriante mais bien équilibrée, nonobstant le rôle fédérateur des guitares et/ou du piano, et arrangements somptueux, parfois même dignes d'E.L.O., alimentent les 13 fragments de cet opus. Un seul reproche : l'absence de compositions plus nerveuses. Ce qui ne m'a pas empêché de tomber sous le charme de l'aquatique " The town that lost its groove supply ", du légèrement torturé " Where will you go ? ", du dramatique et visionnaire " Life left him there ", de la vaslse psyché/folk " What I don't believe " (Sparklehorse ?), du ténébreux et 'lenonnesque' " Dear employer (The reason I quit) " et du hit potentiel " I'm not bitter "…
Dieu sait si le ‘langage du corps’ de Kylie Minogue nous secoue les hormones. Les jambes aussi, depuis que la belle s'est refait une santé critique et commerciale avec son épatant " Can't Get You Out Of My Head ". A part ça, il faut bien dire que la carrière de Kylie Minogue a connu davantage de bas que de hauts, et que l'écoute de ses albums, une fois passée celle du single, s'avère souvent des plus décevantes. En gros, on attend le best of… Parce qu'encore une fois, ce " Body Language " aguiche le chaland par un single dévastateur (" Slow ", d'une langueur à faire bramer un eunuque), pour ensuite lui faire regretter d'avoir trop vite succombé à ces miaulements bubblegum … " Slow ", OK, mais après ? Entre les tubes FM certifiés platine mais sans substance (" Red Blooded Woman ", " Obsession ") et les roucoulades guimauve de jolie chatte aux ongles bien limés (" Chocolate ", " After Dark "), ce " Body Language " ne fait pas l'effet auditif escompté : celui, équivalent, de ce qu'on voit dans les clips de l'Australienne… Autrement dit une fille canon qui se trémousse dans un minishort à tomber, comme si tout était normal. Et nous, dans l'histoire ? A-t-elle pensé aux crises conjugales provoquées par ses déhanchements suggestifs ? Aux nuits d'insomnie à rêver d'elle et de ses cuisses luisantes ? Est-elle seulement consciente des jalousies et des fantasmes que génère l'apprentissage amateur de son " langage du corps " ? A la limite, on se passerait presque de la musique, tant son image nous contente. De toute façon, il paraît que ça rend sourd…
En 1998, Minière signe chez Lithium un double album ambitieux : "La nuit éclaire le jour qui suit" (un disque chanson, l'autre "électro warpien"). Son actualité se place aujourd'hui encore sous le signe du chiffre 2. Au-delà de la simple bonne nouvelle de retrouver cet artiste attachant (NDR : non seulement sur les platines, mais aussi de manière plus sentimentale), il nous propose en même temps deux albums distincts, diamétralement opposés, mais totalement complémentaires ("Herri Kopter" et le "Petit cosmonaute" dont question dans cette chronique). Lors d'une récente interview, Minière a justifié l'origine de son alter ego électro-expérimental Herri Kopter (voir critique sur le site). Et les pièces du puzzle s'assemblent : "Lui (Kopter) vient la nuit, moi je travaille le jour". La boucle se boucle, les rôles se définissent maintenant plus clairement. A l'instar de Boogaerts, qui en avait "marre d'être deux" à une époque, ce Français plonge dans une autre forme d'anonymat en s'exilant au Québec, pour revenir en nos contrées quelques 5 années plus tard. Musicalement donc, Minière distingue apparemment de manière définitive ses inspirations en deux projets autonomes. Reprenons : "le petit cosmonaute" regroupe 14 historiettes où on retrouve tout ce qui fait le charme du chanteur. A savoir : simplicité des paroles, des mélodies, des sentiments, véracité des émotions, beauté des images mais surtout une certaine idée de la douceur. Textuellement, Minière conserve une force et un impact certain, le tout bonifié par le temps et la distance. Et mettre en exergue des extraits "entre guillemets" relève de l'exploit tant cet album de pure poésie est un délice. Pour mettre en musique ces états d'âme, l'artiste a choisi un accompagnement musical à la structure classique (les sonorités électroniques sont très discrètes). Guitare, basse et batterie en constituent l'ossature principale. Attachant et devenu comme par un évident miracle, indispensable, Minière se doit de passer de l'artiste méconnu à celui de connu, mais surtout reconnu. Venez rejoindre la tribu.
Au sein de Mojave 3, on retrouve Rachel Goswell et Neil Halstead, deux musiciens qui avaient sévi chez Slowdive, une formation de noisy pop responsable de trois albums. Après avoir commis un opus solo l'an dernier, Neil a donc réuni toute son équipe pour enregistrer ce quatrième elpee. Habillé d'un superbe digipack, " Spoon and rafter " évoque des sentiments surréalistes et ineffables, propices à la rêverie. Une impression entretenue par une musique dont la forme éthérée, pastorale, veloutée et mélancolique s'enrichit régulièrement d'une panoplie instrumentale, lorsqu'elle ne se charge pas d'électricité rafraîchissante et vivifiante. Tantôt on pense à Mercury Rev (pour les arrangements somptueux), à Wilco (à cause des accès de country alternative), à Grandaddy (lorsque le timbre de Neil épouse celui de Jason Lytle, évidemment ; mais aussi en raison des subtiles infiltrations d'électronique) ou encore à Belle & Sebastian (dès que les mélodies partagent la même insouciance fragile et allègre) ; mais l'œuvre dégage tellement de charme et de sérénité qu'elle en enfante une beauté toute personnelle…
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