A l'instar de Lambchop, Willard Grant Conspiracy pratique de la dark country. Mais davantage chargée de nuances. D'abord à cause de l'instrumentation qui implique, bien sûr la six cordes acoustiques ; mais également le piano, la mandoline, la trompette, les boucles et le violon. Un peu comme chez le South San Gabriel des débuts. Encore qu'au fil de l'elpee, on relève des traces de Calexico, d'Howe Gelb, de Triffids, d'American Music Club et même d'Ed Kuepper, lorsque le tempo devient plus allège. Et je pense tout particulièrement au contagieux " Soft hand ". Mais ce qui frappe immédiatement, c'est la voix envoûtante de Robert Fischer. Un baryton qui campe un hybride entre Léonard Cohen, Nick Cave et Johnny Cash. Mais en plus chaleureux. Et puis le violon gémissant mais si volatil de Josh Hillman. Sur les 11 fragments de cet opus, quatre sont des chansons traditionnelles que le groupe a enrichies de lyrics personnels. Des lyrics qui traitent le plus souvent de l'imperfection humaine, alors que la musique projette des images de paysages désolés, austères. Pour enregistrer cet opus, WGC a reçu le concours de toute une série de collaborateurs dont Kristin Hersh au chant pour le spectral " The ghost of the girl in the wall ". Et puis Chris Eckman des Walkabouts, Paul Austin ainsi que Jess Klein, parmi les plus notoires. Un superbe album dont " River in the pine " et " Rosalie " sont à mes yeux (NDR : mes oreilles ?) les plus beaux joyaux.
Usons de notre perspicacité : "2" constitue inévitablement le deuxième album de cette formation. Usons à nouveau de cette perspicacité : "Zombie eaters" est un titre du premier album de Faith No More avec Mike Patton au chant (The Real Thing, donc). C'est dingue ce qu'on peut deviner sans avoir écouté une seule seconde de musique ! Trop fort !
Passons à l'écoute, maintenant. A l'époque de "Bruit(r)iste" paru en 2001, l'accueil de la presse spécialisée a semble-t-il été plutôt positif. Les bons papiers devraient être encore cette fois de la partie. Il est finalement assez malaisé de ranger cet album dans une catégorie précise ; ce qui peut être perçu comme un compliment. Clairement, chaque titre pourrait être isolé pour figurer dans des catégories musicales assez différentes. Des grandes lignes, mais surtout de grands noms se dégagent malgré tout : Deftones en tête, Faith No More (tiens, tiens !) de près et dans une moindre mesure Watcha et/ou Pleymo. Deftones pour toute cette tension et ce crescendo dans les compos; Faith No More pour tout le côté ‘branque’ dans les vocaux ou les breaks; Watcha/Pleymo pour l'aspect ‘message’. Finalement exemplaire, ‘Le parti des plus nombreux’ collaboration Zombie-Eaters/Les Hurlements d'Léo conforte l'impression que le groupe n'a vraiment peur de rien et est prêt à tout. Une impression vraiment positive, quoi !
Susumu Mukai est né au Japon, mais il y a longtemps qu'il séjourne à Londres. C'est au Royal College of Art qu'il rencontre Mike Silver, alias Sonovac. Signé sur Output, le label de Trevor Jackson, Mike encourage Susumu à se lancer dans l'aventure musicale… lui qui bidouille dans sa chambre, entre deux couv' pour Sleazenation et Confused (Susumu est aussi illustrateur). Chance : Mike fonde son propre label, Flesh Records. Susumu pourra enfin graver ses galettes. Très vite, le buzz enfle : c'est que Susumu, rebaptisé Zongamin, aime le rock et la dance, qu'il mélange avec doigté dans ses premiers vinyles pressés à quelques exemplaires. Ca tombe à pic : on est en pleine résurgence punk-funk, de The Rapture à Out Hud. De fil en aiguille, Susumu se retrouve sur toutes les compiles branchées du moment : le 2 Many DJ's, le DJ Kicks de Playgroup et le Colette n°4. " Serious Trouble " et " Tunnel Music " deviennent rapidement des nouveaux classiques du dance-floor. Ce qui plaît chez Zongamin, c'est clairement ce mix explosif de guitares et de beats. La basse omnipotente, la batterie vitupérante et les synthés qui grincent et grondent donnent des fourmis dans les jambes, et des crampes dans le ventre. Entre Mr Oizo, DFA, ZTT, le disco et la surf music, la musique non identifiée de Zongamin pète une durite et ignore les bonnes manières. Ici, au diable les préjugés, les bruits de chapelles : big beat kung fu (" Whiplash "), électro-Morricone (" J. Shivers Theme "), Pierre et le Loup version dance-floor (" Tunnel Music ", plein de hautbois, de percus et de samples), postpunk mécanique (" Painless "),… Zongamin mange à tous les râteliers du rock, de la techno, du punk et de la new wave. Parfait comme antidote sudatoire, et surtout méchamment jubilatoire, cet album est une vraie bombe. Chaud devant !
Sorti au début de la vague du eighties revival, leur premier album, était plutôt passé inaperçu. Enfin, excepté ce " Living in a Magazine ", un joli tube régressif, fiévreux et vintage pour les fans de Visage, Yazoo et des Buggles. Pour ce deuxième album, les frères Blake et Stuart Price (alias Jacques Lu Cont des Rythmes Digitales) semblent, à force d'avoir écumé les dance-floors et gobé trop d'Ecstas, s'être réveillés d'une mauvaise gueule de bois. Résultat : " Zoot Woman " sonne comme un lendemain qui chante, se la joue profil bas, abandonne toute excentricité, le souffle au cœur et les oreilles bourdonnantes. Il fait gris au pays des beats sudatoires (sédatifs ?) et des refrains qui claironnent : " Grey Day " ouvre ainsi l'album sur une pointe d'amertume, carburant davantage à l'essence qu'aux hallucinogènes… La boule à facettes s'est brisée sur le macadam, et Zoot Woman se cherche une nouvelle jeunesse, moins frivole, plus mature. " Grey Day " donne donc le ton, plus mélancolique, mais n'en est pas moins fantastique : lors d'une écoute distraite, on croirait presque que Queens of the Stone Age s'est invitée en backing band. Ca roule à vive allure, comme si l'électro pop du trio anglais défilait à du 120 sur une autoroute déserte… Le son est, de fait, bien huilé : sur " Taken It All ", les beats, plus downtempo, rappellent ainsi les productions Crydamoure (le label de Daft Punk), voire le " Sometimes " des… Rythmes Digitales, avec Nik Kershaw au chant. " Gem " se veut plus ‘catchy’, une basse à la Peter Hook conduisant la manœuvre avec classe et fierté. " Hope in the Mirror " (ses nappes élégiaques, ses bleeps certifiés d'époque et cette beatbox métronomique) finit par nous convaincre : Zoot Woman a changé, en mieux. Confirmation par " Snow White " et sa guitare folk moulée dans un bain d'amiante : une jolie preuve qu'à l'ère du tout digital, certains savent encore composer de belles ballades. La mélodie un peu couillonne de " Woman Wonder " nous ferait presque sourire si la fin de l'album ne distillait pas un sentiment toujours plus sombre et nostalgique, dépouillé de toute envie festive. Sur " Half Full of Hapiness ", des violons synthétiques à la Carpenter annoncent ainsi le prochain tournant d'une électro dont les Zoot Woman étaient devenus les plus fervents apôtres : une électro de plus en plus adulte, davantage basée sur le songwriting, qui délaisserait un temps le dance-floor pour réfléchir à son avenir.
Troisième album pour Sasha Voorop, alias Zop Hopop ; un disque qui recèle neuf covers, deux inédits et une nouvelle version de " Western ". Sans oublier le clip de Bouli Lanners consacré à cette même chanson. Une adaptation dont l'aspect latino a été accentué, dans un style qui me rappelle les débuts de Vaya Con Dios (NDR : une différence, mais elle est de taille, la voix de Sasha est ample et légèrement éraillée). Tout comme sur " My wedding man ". Signé Dominique A, ce titre figurait sur le premier elpee de Françoiz Breut, la copine de Dominique. Ce morceau très rafraîchissant constitue, à mon humble avis, un des meilleurs fragments de l'opus. A l'instar du " Passion of lovers " de Bauhaus ou de l'inédit, " Poor Burt ", deux plages éclaboussées généreusement d'électricité vivifiante. Instrumental, le titre maître est également d'excellente facture. Une autre compo personnelle qui était destinée à Françoiz, mais qui n'est jamais parue. J'ai aussi beaucoup apprécié l'adaptation du " Sol sunset " des Virgin Prunes, une mélopée funèbre délavée par l'harmonium. Abordée dans l'esprit de Nico, elle emprunte progressivement une forme plus ensoleillée, et ses pépiements d'oiseaux frappent peut-être à la porte de l'Eden. " Ashes to ashes " (Bowie), " The power of love " (Franky Goes to Hollywood) et "Be my babe" on été traités sous une forme minimaliste très personnelle. L'épuration est telle, que l'aspect émotionnel de chacune des compositions est ici mis à nu et en devient même parfois difficilement soutenable. Enfin, il reprend Elvis (" It's now or never "), Petula Clark (" Cœur blessé ") et UB40 (" Kingstown town ") dans un registre très (trop) proche des bals populaires. Il n'y manque plus que l'odeur du jus de houblon tiède… C'est sans doute aussi une manière de démontrer l'éclectisme de ses goûts. Faudrait maintenant voir quelle tournure va prendre ces titres sur les planches. Car paraît-il, Zop Hopop s'y montre comme un poisson dans la bière, pardon dans l'eau. Et ce n'est pas un " Interlude "…
Crammed Discs est en fête : après la réédition de douze de ses albums mythiques (de Tuxedomoon à Colin Newman), le label bruxellois sort une compile de live et de remixes de Zuco 103, leur plus beau fleuron en matière de world, d'électro et de nu jazz. Au programme : 6 morceaux enregistrés chez nous (5 à l'Ancienne Belgique, 1 à Werchter), 8 à Amsterdam en " unplugged ", plus trois remixes (deux plutôt lounge-house, et un davantage hip hop). La réputation live du groupe hollandais n'est plus à démontrer : ceux qui les ont déjà vus sur scène en ont encore des fourmis dans les jambes. On retrouve sur cette compile un bel échantillon de leur discographie, et toute cette chaleur humaine qui fait de Zuco 103 l'une des formations " nu-world " les plus exaltantes du moment. Mention spéciale à " To Life ", onze minutes de transe bossa-tech-house au cours desquelles Stefan Schmid (claviers), Stefan Kruger (batterie, percus) et surtout l'irrésistible Lilian Vieira (d'origine brésilienne, rappelons-le) s'en donnent à cœur joie, et nous avec. On s'y croirait presque, ce qui témoigne de l'excellence de la prestation, et de sa captation. Du beau boulot, en attendant la suite.
Deux ans après le split de Smashing Pumpkins, Billy Corgan nous revient avec un nouveau groupe : Zwan. C'est vrai qu'entre-temps, il avait apporté sa collaboration à une multitude de projets. Mais rien de vraiment personnel. Au sein de sa nouvelle formation on retrouve l'ex Chavez, Mattew Sweeney, Paz Lenchantin (A Perfect Circle), David Pajo (Tortoise, Slint) et son drummer (in)fidèle Jimmy Chamberlain. Soit un line up constitué de trois guitaristes, un bassiste et un drummer ; Corgan se réservant, bien évidemment le chant. Une voix nasillarde, gémissante qui rappelle inévitablement les Citrouilles Fracassantes. Flanqué de trois guitaristes, on aurait pu imaginer que le groupe allait casser la baraque. On est loin du compte. Seuls le contagieux et vivifiant " Ride a black swan " et surtout le complexe, climatique, aventureux et envoûtant " Jesus I / Mary star of the sea " retrouvent toute la magie du défunt combo. Un fragment remarquable de 14'04 qui aurait pu figurer sur " Mellon collie and the infinite sadness ". Si cet elpee avait été enregistré par Smashing Pumpkins, il aurait été considéré comme le maillon faible de sa discographie. En fait, en éliminant les aspects les plus ténébreux de sa musique, la dépression, la colère et la rage qu'ils engendraient, Corgan a en quelque sorte vendu son âme. Résultat des courses, nonobstant une bonne dose de décibels, l'essentiel de ce disque baigne dans un rock/pop dont les mélodies souvent accrocheuses (" Lyric ", " Declarations of faith "), parfois tramées dans l'instrumentation semi-acoustique (" Of a broken heart ", " Come with me "), rivalisent de banalité. On a même droit sur " Yeah ! " à des guitares cornemuses réminiscentes de Big Country. Dispensable !
Pour enregistrer son deuxième album, Yel a reçu le concours de Mark François (Ozark Henry, Zornik, Novastar, Vaya Con Dios) au mixing et à la masterisation. Un disque dont le thème commun gravite autour de la manipulation. En posant une réflexion, le groupe tente ici d'établir un constat sur les intrigues relationnelles qui peuvent exister entre le monde et nous. Musicalement, les influences majeures puisées dans le passé, chez Noir Désir et Aston Villa, transparaissent toujours en filigrane. Mais elles ne sont plus aussi évidentes. En entrant dans le domaine de la symphonie métallique, plusieurs fragments épousent même le profil tourmenté, torturé, d'un Muse. A l'instar d'" Un autre jour ", d'une " Sombre histoire " et du final " Amertume ", un instrumental au cours duquel les guitares profitent amplement de leur liberté. D'autres nous plongent dans un univers davantage ténébreux, presque gothique. Et je pense tout particulièrement à " Reality record ", une diatribe à peine voilée de la 'Starac' ; et nonobstant le vocal haut perché de Jean-Christophe, cette plage me fait curieusement penser à Mission. Ou encore à " Sex my brain ", dont la mélodie est littéralement écorchée par des riffs tellement féroces et punkysants, qu'il est difficile de ne pas penser au premier opus de Placebo. Mais mes coups de cœur vont à l'hymnique et 'U2esque' " Nil novi sub sole ", à la valse électrique, déchirée entre amour et haine, " Et pourtant ", ainsi qu'à la remarquable ballade " Laisse-toi ", une chanson dont la mélancolie infectieuse porte les accents du Cure…
Le célèbre trio new-yorkais compte aujourd'hui 10 années d'activisme musical, une attitude émaillée d'autant de sorties diverses et variées que de reconnaissance à travers le monde. Si, si ! Pour fêter l'événement, en quelque sorte, YLT nous a déjà gratifié cette année de l'EP "Nuclear War" (NDR : énervant, je le rappelle) ; et aujourd'hui d'un véritable album découpé en 13 chansons, en attendant la prochaine sortie prévue pour septembre. S'il existe une qualité avouable à YLT, c'est bien leur impeccable ligne de conduite qui parcourt leur discographie. Prolongement normal de "And then nothing", ce "Summer sun" en est un nouvel exemple. A l'époque, nous avions laissé notre petit groupe peinard, en famille, entre potes, tranquilles, apaisés et sereins sous le porche d'une maison typiquement américaine. Nous avions, tout à peine, été troublés par un bref sursaut électrique perdu au milieu de l'opus. Aujourd'hui, les choses sont encore plus claires : "Summer sun" s'écoule d'un bout à l'autre de façon inoffensive. Définitivement trop bruyants pour bébé, les amplis rangés au garage ne défriseront plus les voisins. Pourtant, l'espoir est toujours permis pour les spectateurs de voir et d'entendre ce qui reste les passages noisy les plus longs et les plus intenses qui puissent exister. Faudra quand même vérifier si la flamme brûle encore, lors de leur tournée européenne qui débute dès les premiers jours de mai. Car un éventuel problème pourrait surgir : comment expliquer à la ménagère de moins de 50 ans, susceptible d'assister à un de leurs sets, qu'avant "Summer sun", YLT incarnait le fer de lance du genre ?
Attention : voici du garage certifié d'époque, empreint d'une rugosité et d'une violence inouïes, trente-cinq ans après son enregistrement ! Michael Yonkers a pondu cette galette démente en plein psychédélisme, tandis que des types se pâmaient dans les champs de coton en fumant la moquette, proclamant que ‘ tout le monde il est beau, tout le monde il est gentil’. Yonkers n'était pas vraiment beau, et à écouter ce disque, pas vraiment gentil non plus. Trente-cinq ans ! Et voilà que vos certitudes rock'n'roll vacillent, une fois de plus. The Electric Prunes, The Sonics, Jefferson Airplane,… Du pipeau. Qu'ils aillent braire chez leur mère, parce que cette chose, ce bruit qui tue, ce punk-rock avant l'heure, aurait dû rentrer dans l'histoire, laisser des traces dans le cerveau bousillé des fils à papa sous acide. Mais non, justement : cet album n'est jamais sorti. Trop dur, trop brut, trop précurseur. Sans doute qu'il faisait peur à toute cette frange de hippies shootés au bonheur béat fleurant le patchouli de chez Airwick. Et merde : à cause de tout ça, Yonkers a fini par péter un câble, genre Syd Barrett en plein trip nauséabond, ayant trop vite franchi le point de non-retour. Heureusement, un type a retrouvé les bandes, et s'est fendu comme mission de redonner vie à ce chef-d'œuvre depuis trop longtemps en péril. 2003 : ce " Microminiature Love " donne l'air d'avoir été enregistré hier, aux studios Toe Rag de Londres, là où les Kills et les White Stripes ont enfanté leurs dernières tueries. Michael, lui, n'a que faire de cette mode garage-punk déclinée aujourd'hui à toutes les sauces : 35 ans qu'il est dans l'œil du cyclone, sans le savoir. A l'époque, il avait même inventé un appareil pour donner aux distorsions de sa guitare une puissance démoniaque, pour décupler la force de frappe de ses riffs déjà monstrueux : le ‘Fuzzin Bark’, une machine ahurissante que les mecs artys de la No Wave auraient bien rachetée en brocante. Ca s'entend sur certains titres, et ça donne froid dans le dos, comme si Elvis ricanait de l'enfer en faisant claquer son pelvis squelettique. Yonkers ose même la ballade gothique avec " Returning ", une chanson d'amour mais qui se termine dans un bain de sang, façon Tobe Hooper version Nuggets. C'est énorme. Durant les seventies, Yonkers a encore sorti quelques disques en solo. Vu l'état du bonhomme en 68, gageons qu'ils doivent être encore plus terrifiants. En sa mémoire (dérangée), prions qu'ils soient eux aussi réédités, parce qu'il nous tarde de connaître, trente ans plus tard, la suite.
" Moving Up Country ", le premier effort discographique de James Yorkston paru l'année dernière sur Domino, enchantait l'oreille par ses comptines country-folk taillées dans le bois le plus vert. Depuis lors, l'Anglais n'avait plus trop donné de ses nouvelles. Le voilà de retour avec un ep aux saveurs plus traditionnelles, comme si Yorkston s'était retiré du cirque médiatique pour vivre une existence d'ermite folk, en priant Saints Bert Jansch et Gene Clark de lui accorder leur bénédiction. Seul face à lui-même, le songwriter s'est mué en barde à la Alasdair Roberts, reprenant à son compte des folksongs d'un autre âge, sans les charger d'instrumentation redondante ou d'électro bien pensante. Que l'essentiel, donc : une voix pleine de vague à l'âme, une guitare acoustique plutôt timide et une cornemuse pour la patine. Sans ses Athletes, JamesYorkston chante l'amour bucolique, la mélancolie pastorale. Le silence parfois se glisse et laisse entrevoir un avenir serein pour le compositeur, loin de toute velléité commerciale, loin des modes à rebrousse-poil et du tout électro (ou rock'n'roll). James Yorkston se pose ainsi en digne descendant de ces musiciens solitaires (voir plus haut) qui n'avaient pour seule compagnie que leur guitare en bandoulière et leur plume fine et limpide. Au-dessus de sa colline, il chante pour le monde à ses pieds, perdu dans une course effrénée contre le temps qui passe et les revivals qui défilent.
Ce New-yorkais a donc déménagé au Texas, en 1987. A Dallas, très exactement. Depuis, il a sorti trois albums, "Famous & Poor", "The worst!" et "Black 'n' jews". Son quatrième opus est éponyme.
Les cris d'une slide nous invitent à la partie texane. "Josh's breakdown" est une plage instrumentale. La carte de visite du leader de ce trio yankee ! Pour interpréter "Strike a match", le JAB adopte un riff familier, tout droit sorti du Memphis des 50's. Une composition signée par le duo Leiber/Stoller. Ecrite en 1955 pour un certain Howlin' Wolf, elle est demeurée inédite à ce jour. Pourquoi et comment est-elle revenue à la surface ? Le mystère reste entier! Pourtant, cette compo, c'est du solide et du tout bon ; et c'est l'ami local, le grand guitariste Hash Brown, qui se paie la part d'harmonica. Constituée de Robby Garner à la basse et de Derek Rougeot à la batterie, la section rythmique crée le riff funky, avant d'être rejointe par un sax et une trompette, pour aborder "When a poor man gets rich". Une slide n'est jamais aussi présente que dans le répertoire du Delta. "Rollin' and tumblin" le démontre. Un canon du blues signé Muddy Waters, qui reçoit ainsi un excellent traitement. Pas révolutionnaire, mais efficace. Dans la foulée, le trio reprend "Highway 61 revisited". Un classique de Bob Dylan. Mais sur un mode très rock, très soutenu, à la manière d'un George Thorogood contenu. Pourtant, c'est surtout l'emprunte de l'albinos de Beaumont, Johnny Winter, qui plane en toile de fond. Pas étonnant, dès lors, de retrouver la reprise de "Mean town blues". La slide est ici encore dans son élément de prédilection. Elle est même capable de disserter sur fond de percussions. Le vélouté "Her City" baigne au sein d'une ambiance feutrée, fin de soirée, cool jazz. Bernard Wright, un ancien musicien de Miles Davis, est à l'orgue. Le solo de Josh sur les cordes me fait curieusement penser à une trompette avant de libérer les saxes de Fathead Newman et de Bill Eden. Le blues rock bien rythmé reprend le large sur "No one owns the blues". Une plage écrite par Josh et, paraît-il, jouée chaque soir par Bugs Henderson, un autre célèbre texan! Et puisque nous parlons de ce dernier, il me semble que le style des deux musiciens est fort proche. C'est une évidence tout au long de l'instrumental R&B, "The Honey dripper". Une cover de Joe Liggins, qui bénéficie de nouveau du concours des invités Eden et Wright. L'opus s'achève par "As chanukah passes me by", une chanson déjà parue en single, dont le style est bien éloigné du blues. Une chanson illuminée par la clarinette de Jeffrey Barnes. Cet album était sorti l'an dernier sur Black Cracker. Merci à Topcat de le distribuer à une plus grande échelle!
Phillip Walker est aujourd'hui âgé de 65 ans. Ce bluesman texan a entamé sa carrière en 1954. Auprès de Clifton Chenier. Comme guitariste. Il monte ensuite sa propre formation : les Blue Eagles, qui jouent alors régulièrement à El Paso. Son premier elpee, "Bottom of the top", date de 1973. Ses deux derniers ont été commis en 95 et en 1999. Intitulés respectivement "Working girl blues" et "I got a sweet tooth", ils sont parus chez Black Top.
Ce nouvel opus a été enregistré 'live'. En juin 2002. Au Biscuits & Blues de San Francisco. Il est entouré de son band au grand complet et d'un quatuor de cuivres : Bobby Lester au sax ténor, Joe Campbell à la trompette, Earl Mallory au sax baryton et Carl Vickers qui se partage sax alto, ténor et trompette.
"Think" est une version tonique et diablement intéressante d'un classique de Jimmy McCracklin. Phillip la chante en duo avec une autre représentante du blues texan, Miss Angela Strehli. Une plage marquée par le solo imparable de Charlie Musselwhite à l'harmonica. "Crying for my baby" est une plage tout aussi stimulante. La section rythmique est bien soudée. Aaron Tucker aux drums et James Thomas à la basse soutiennent le front des cuivres qui déménage dans toutes les directions, permettant même au sax alto et à la trompette de s'évader successivement. "Respirator blues" est un slow blues signé Luther Tucker. Phillip le chante d'une voix chaude, plutôt râpeuse. Le piano d'Alvee Ventura suit ses inflexions à la trace. La guitare est bien sentie. La version de "Mary Ann" de Ray Charles est superbe. Un R&B d'excellente facture, caractérisé par ses changements de rythme, au cours duquel les cuivres s'emballent à la première occasion. "Reconsider baby" de Lowell Fulsom est un blues on ne peut plus classique. Rick Estrin de Little Charlie & the Nightcats y souffle dans son harmonica comme un possédé. Le concert est de très haut niveau. La guitare se déplace au cœur des cuivres. A l'instar de "Breaking up somebody's home" et de "90 proof", sans doute le blues le plus brûlant de l'album. Mais aussi le meilleur ! Et pas seulement parce que Alvee est passé à l'orgue. R&B très dansant "I've got a problem" épanche ses riffs cuivrés. Walker chante divinement pendant que Ventura pianote dans les aigus sur "Along about midnight". Un nouveau slow blues composé par Little Willie Littlefield, dont la nouvelle version, nonobstant sa longueur, est vraiment superbe et jamais ennuyeuse. Cet excellent set s'achève par "Linda Lu" de Ray Sharpe. Un festin sonore au cours duquel Phillip ne peut plus retenir ses cordes. Un superbe album pour ce bluesman de première force!
Quatre titres sur la démo de ce quintette niçois à la recherche d’une production pour l’enregistrement de son album. Et vu la qualité de ces plages, il serait incompréhensible qu’il ne parvienne pas à cet objectif. Des textes fouillés, poétiques et intelligents qui racontent chaque fois une histoire de la vie quotidienne. A l’instar de Dominique A. Même la voix d’Olivier Dargelles épouse certaines de ses inflexions. On pense aussi tantôt à Souchon, William Sheller voire à Indochine, pour le sens mélodique particulièrement contagieux. Et puis lorsque l’électricité s’intensifie, devient vivifiante, incisive, à Dominic Sonic (« I comme »). A Church également ou encore à House Of Love (« L’eau claire ») lorsque la guitare emprunte un profil ‘ligne claire ». Epatant !
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