Présentée comme du 'cinéma pour l’oreille’, la musique de Franck Vigroux est le fruit d’un mélange de bruitisme, de minimalisme et d'avant-gardisme, saupoudré de collages sonores. Et pour compléter le portrait, sachez que tout est ici improvisé. La première plage associe harpe et guitare électrique en exploration, avant de se transformer en narration chuchotée. La seconde, 'Ne prends pas ma bouche', introduit au synthé un dialogue de voix masculine et féminine en incantation. Le produit de la rencontre entre percussions, voix, cordes et bruits revient à la plage 'Les arpenteurs'. Après 'J'ai quitté l'Europe', texte récité sur un lit de guitare sèche et de percussions 'maison', 'Triste lilas' opère un collage sonore de films italiens. La suite est de la même veine, introduisant ici une guitare fretless, là un gong ou une voix lyrique… Sauf pour un mordu d'impro expérimentale, la technique révèle vite ses limites. Même si 'Lilas triste' esquisse des voyages intéressants ou lance des idées séduisantes, l'œuvre reste embryonnaire. La mélodie est inexistante et la recherche véritable ne sort pas d'un périmètre réduit et déjà largement balisé. Les quelques trouvailles mériteraient une place plus valorisante au sein de vraies compositions. Idéal pour une expo d'art moderne, il faut le reconnaître…
Il y avait déjà Urban Trad et Perry Rose. Il faut maintenant y ajouter Wild Turkey, nouveau groupe belge à la musique teintée de celtique. Si on est loin des métissages chers à Urban Trade, le nom de Perry Rose vient souvent à l'esprit à l'écoute du présent CD. A ceci près que chez Wild Turkey la facette 'Rock' est prédominante. Un power rock souvent simple, direct et un peu écorché ('Heroes change', 'Desert' ), joué avec énergie et chanté avec rage et passion. On pense même parfois à Mud Flow. Les guitares, électriques et acoustiques, dominent le propos, parfois complétées par quelque clavier ou mandoline. La touche celtique, outre quelques plages d'inspiration traditionnelle, est surtout le fait du violon, tantôt plaintif, tantôt rythmique, mis en avant ou papillonnant autour de la ligne mélodique de base. Toujours judicieux en tout cas, et à mon sens un des atouts majeurs du jeune groupe, qui offre aussi quelques belles harmonies vocales. Le tout s'écoute volontiers d'une traite, tandis que la plage titulaire révèle quelque ambition et que 'Desert', l'avant-dernière et la plus en colère, rappelle Manic Street Preachers jusque dans la voix. Il n'y a ma foi rien à jeter dans ce coup d’essai. Si le mélange Power-rock/celtique vous tente, testez en confiance ce CD inspiré et agréable. Et on ne peut que souhaiter à Wild Turkey de parvenir à se faire une bonne place dans notre paysage musical.
Déjà qu'avec Marmoset, ce n'était pas l'ambiance… Pourtant Jorma Whittaker, le leader du groupe, a décidé de creuser un peu plus encore, à mille lieues sous la terre, là où la lumière n'a plus du tout droit de passage. Ce piano lourd accompagné d'un synthé lugubre et d'une batterie traînante, et cette voix suffocante : sur " Clocks In The Sun ", Whittaker ferait presque passer le Robert Smith de " Pornography " pour un comique. Après un instrumental à la John Fahey, le songwriter d'Indianapolis lâche pourtant un peu la bride, le temps d'une chanson pop-folk d'une beauté maligne, malgré son titre (" If It's Over "). Mais l'orage gronde (le rock de " Molly Melancholy "), et le spleen revient vite à la charge (" Favorite "), contaminant tout espoir de revoir un jour le soleil. A force, on s'habitue à cette obscurité, y ménageant même un petit coin cosy, pour dormir plus tranquille : c'est alors qu'on se surprend à chantonner sur " Walk/Throw " et " Man With Money ", une reprise des Everly Brothers. De Jacob Golden à Maximilian Hecker, le pathos a toujours fait bonne école. Jorma Whittaker n'est certes pas le plus drôle de ces ménestrels au teint pâle, mais sa sincérité le sauve du ridicule. Et quand il s'entiche des Pixies (" Fall In Love ") ou de la cold wave (" Birds Are Falling Through The Sky "), c'est toujours avec classe et bon goût. Dans le noir, on peut parfois avoir les jetons. Grâce à Jorma, on ose y siffloter sans crainte.
Un exemple même de la dévotion : alors que Whirlwind Heat batifolait dans les eaux troubles du grunge (Mudhoney, Melvins, Sonic Youth), ne décident-ils pas de tanner les indispensables Arab On Radar (NDR : barrés et signés chez Skin Graft) pendant une de leur tournée américaine, en leur demandant d'ouvrir, chaque soir, leurs shows. Acharnement payant. Depuis, remarqué par Jack White (NDR : ni plus ni moins), le trio sort une première plaque digne de tous les intérêts. Sur le propre label du co-leader" des White Stripes, s'il vous plaît ! Par les temps qui courent, avouons que le parrainage vaut son pesant des cacahouètes et attisera assurément les curiosités les plus aiguisées. D'ailleurs, pour ceux qui traîneraient aux States en juillet, les 2 formations partageront leur bus de tournée (NDR : et inévitablement l'avion !) A quoi donc peut s'attendre le public des Stripes ? Un public dévoué à la cause d'une certaine idée du rock 'revival' qui nous submerge actuellement. Un set énergique, bordélique, sûrement court. Un matraquage sonore en bonne et due forme. Originalité toute relative chez Whirlwind Heat, accompagné ici surtout par sa cohorte de sons crades, noisy et punks, le bon vieux moog a remplacé la guitare. Ce qui doit laisser pas mal d'espace à David Swanson pour exploser son pied de micro ou arpenter une scène en tous sens. Affichant une moyenne d'âge de 20 ans, le groupe a tout l'avenir devant lui. Nous pouvons donc encore espérer recevoir d'aussi bonnes nouvelles du band. D'autant qu'XL Recordings est un rameau de V2... Quand même, cette grande famille du wock n' woll !...
Weathy Beggar nous vient de Tilburg, aux Pays-Bas. Un quintet qui a bénéficié du concours de Michel Schoots (Urban Dance Squad) pour coproduire cet EP six titres. Dans ces conditions, vous imaginez peut-être que la formation pratique une forme de funk métal. C'est une erreur. De funk, il n'en est guère question ici. De métal, oui. Mais sur la moitié des compositions. Un métal épais, lourd, qui détonne avec leur sens mélodique particulièrement contagieux. Heureusement, les trois autres fragments révèlent une toute autre dimension. Superbe chanson hymnique, " Selling the vibe ", conjugue guitares funk (NDR : une exception qui confirme la règle !), boucles, boîtes à rythmes et de superbes harmonies vocales dignes de Tears For Fears. Un peu à la manière de Soulwax. Et lorsque le combo emprunte un format semi-acoustique, le sens mélodique se fait davantage britpop (Starsailor ?). A l'instar de la ballade mélancolique " Care " et puis du mid tempo " Keep on firing ".
Saviez-vous que la naissance des Waterboys remonte à 1982 ? Un fameux bail pour un groupe dont le line up, il faut l'avouer, n'a jamais été très stable. Faut dire que son seul dénominateur commun, le compositeur/chanteur/guitariste/pianiste et bien sûr leader, est un type particulièrement tourmenté. Et pour cause, Mike Scott n'est jamais parvenu à faire le choix entre entreprendre une carrière solo ou poursuivre l'aventure des Waterboys ; mais aussi entre se consacrer à la big music ou à la formule acoustique (parfois même celtique). Déchiré entre ces quatre pôles, vous imaginez donc facilement les incessantes volte-face opérées depuis ses débuts. Pour enregistrer " Universal hall ", il a donc remonté les Waterboys. Aujourd'hui réduits à un trio. Au sein duquel on retrouve Steve Wickham, en compagnie duquel il travaille régulièrement, et en particulier depuis l'enregistrement de " Fisherman's blues ", en 1986. Et puis un certain Richard Naiff. Ex Catacoustics, ce claviériste avait déjà participé aux sessions d'enregistrement de " A Rock In The Weary Land ", en 2000. " Universal hall " est l'endroit au sein duquel Mike a enregistré son nouvel opus. Un théâtre sis à Findhorn, en Ecosse, où il a vécu pendant presque une décennie. Il y a trois ans, il y avait même accordé un concert devant 400 personnes. Une foule composée exclusivement de sa famille, de ses proches et de ses amis. Essentiellement acoustique, cet opus replace Mike dans la peau d'un troubadour des temps modernes. Des chansons tantôt intimistes, tantôt mystiques, rédemptrices même (" This light is for the world ", " The Christ in you "), mais toujours empreintes d'humanisme et de sagesse qui ne manquent jamais leur cible. Mais elles prennent une toute autre dimension lorsque le violon de Steve Wickham entre dans la danse. A l'instar du très beau et ondoyant " Peace of iona " ; ou encore du gaélique " The dance at the crossroads ". Exception qui confirme la règle, " Seek the light ". Un fragment dont les accents à la fois technoïdes et torturés sont plutôt surprenants et inusités dans le chef d'un Mike Scott. Serait-ce un indice de changement pour le futur des Waterboys ?
Si on ne tient pas compte de leur premier mini elpee 6 titres, "Phoenix album" constitue déjà le deuxième album de cette formation issue de Los Angeles. Une formation dont le line up est assez impressionnant, puisqu'il implique deux drummers, un bassiste, un claviériste et la bagatelle de quatre guitaristes, parmi lesquels Bobby Hecksher (NDR : le leader/compositeur) se réserve, en outre, le chant et l'harmonica. Et parmi les invités, on retrouve le vétéran et ex Spacemen 3, Sonic Boom. Pour changer, à la guitare ! Spacemen 3, c'est d'ailleurs le premier nom auquel on pense en écoutant cet opus. A cause de leur musique fondamentalement psychédélique et très électrique. Mais au fil de l'écoute, on y croise une foule de spectres passés et présents. En autres, les Dandy Warhols, sur l'hymnique " Shake the dope out ", les Stones " tout au long de " Hurricane heart attack ", sorte de frère bâtard du célèbre " Street Fighting man ", quoique joué avec une lenteur titanesque et torturé par une voix démoniaque. Loop, chez le tribal et hypnotique, " Inside outside ", déchiré par un harmonica grinçant. Jesus & Mary Chain tout au long de " Stone hearts ", à cause des oscillations noisy qui canalisent le fragment. Quicksilver Messenger Service (West coast oblige !), sur le visionnaire et sinistre, mais très mélodique, " Baby blue ". Syd Barrett pour l'allègre " The dope feels good " et le Floyd sur le space rock ténébreux "Cosmic letdown". Luxuriant, évoluant sur un mid tempo, " Moving and shaking " lorgne plutôt vers Archive, alors que les 15' de " Oh shade " s'aventurent dans l'expérimentation krautrock d'un Faust, voir d'un Neu. Toutes ces références bien subjectives ne sont destinées qu'à vous donner une petite idée du climat qui règne tout au long de cet opus. D'ailleurs, si vous êtes un adepte du psychédélisme, vous ne pouvez passer à côté de cette plaque. Et après vous l'être procurée, un bon conseil : oubliez tout ce que je viens de raconter, et laissez-vous transporter l'univers tellement fluide, intense et coloré des Warlocks… vous ne le regretterez pas !
Des cigales entonnent leur chant estival sur un instrumental country-folk limite mariachi, genre Calexico dans le Sud de la France. Puis un piano déboule sans crier gare (" Sad, Sad Song "), comme si Ed Harcourt avait pris le maquis, le temps d'une pause rafraîchissante en compagnie d'une Chan Marshall (les chœurs) toujours aussi timide. Pourtant, on n'est ni en pleine fournaise pyrénéenne, ni chez l'Anglais dandy fan de Brian Wilson : on est en Oregon, pays de cocagne de Matt Ward, songwriter encore mésestimé dont ce " Transfiguration… " est le troisième album, après " Duet For Guitars #2 " (1999) et " End of Amnesia " (2001). Sans forcer (une guitare, un piano, une batterie et un harmonica), Matt Ward écrit quelques-unes des plus belles pages du folk américain, mais un folk réservé, rongé par le doute, dénué de tout oripeau trop voyant. De l'anti-folk, diront certains, si ce n'est que Matt Ward sait chanter, d'une voix paisible et sereine, qui contraste joliment avec la tristesse de ses textes. Epaulé d'une belle brochette de musiciens aguerris (d'Howe Gelb à Deeana Varagona de Lambchop), Matt Ward convainc avec tact et finesse, là où d'autres ne susciteraient qu'ennui et bâillements polis. Du jazzy " Poor Boy, Minor Key " à la cover anémique du " Let's Dance " de Bowie, Matt Ward ne cesse de nous surprendre et de nous émouvoir. Une véritable transfiguration, comme il dit. Menée de mains de maître.
Les Walkabouts vouent une grande admiration à Nina Simone. A travers cet Ep cinq titres, cette formation américaine mythique n’a pourtant pas voulu rendre un hommage à la célèbre chanteuse de jazz et de rythm’n blues américaine, mais proposer des versions alternatives et élégiaques de son répertoire. Bien qu’elles y figurent, « The desperate ones » et « Lilac wine » ne sont d’ailleurs pas signés par Simone. Des exercices de style austères, méthodiques, intimistes, minimalises, parfois même légèrement psychédéliques, qui démontrent une nouvelle fois leur art à adapter le patrimoine d’autrui. « Cotton-eyed Joe » trempe même dans le pseudo cabaret, alors que l’interprétation spectrale, incantatoire, de « Lilac Wine » (NDR : une chanson écrite par James Shelton), nous entraîne, nonobstant la voix féminine de Carla Torgerson, dans un univers dramatique réminiscent d’un certain Peter Hammill…
Concocter un "best of" des Walkabouts n'est pas une mince affaire. D'autant plus qu'ils ont commis une bonne quinzaine d'albums en presque deux décennies d'existence. Aussi, ne retenir que 13 chansons sur 9 albums me paraît fort réducteur. C'est pourtant ce que nous propose ce " Shimmers ", un disque qui épingle deux reprises incontournables (" Man from Reno " de Scott Walker et " Poor side of town " de Johnny Rivers), une version 'live' de " Findlay's motel " ; et puis les grands classiques " The light will stay on ", " Prayer for you ", etc. Bref, un opus à conseiller exclusivement à celles et ceux qui voudraient découvrir la country-folk orchestrale aux accents dramatiques de cette formation à géométrie variable ; mais toujours drivée par Carla Torgerson et Chris Eckman…
Bien qu'installé à New-York, depuis maintenant 9 ans, Steve Wynn a décidé de retourner à Tucson, pour enregistrer son nouvel album. Au studio 'Wavelab'. Un studio situé au beau milieu du désert de l'Arizona, pour être plus précis. Un périple qu'il avait déjà effectué pour commettre son précédent opus, " Here come the miracle ". Et toujours sous la houlette de Craig Schmacher, devenu par la force des choses, un habitué des lieux ; puisque c'est également lui qui se charge, le plus souvent, de la mise en forme des elpees de Calexico et de Giant Sand. Steve a de nouveau reçu le concours de son pote et ex claviériste de Green On Red, Chris Cacavas ; et puis de son nouveau groupe The Miracle 3. Une formation au sein de laquelle on retrouve le bassiste Dave DeCastro et de la drummeuse Linda Pitmon, c'est à dire l'incontournable section rythmique qui l'accompagne lors de ses tournées ; mais aussi d'un second guitariste, Jason Victor, qui complète depuis quelque temps le line up du combo. Sans oublier un quatuor à cordes qui apporte une nouvelle dimension à ses compositions les plus mélancoliques. A l'instar de la très belle symphonie douce-amère " Maybe tomorrow ". Parce que si Steve n'a pas perdu son goût pour l'électricité la plus vivifiante, la plus décapante, il nous rappelle qu'il est aussi capable d'écrire des chansons plus pop, plus contagieuses. Et on en a ainsi la plus belle démonstration, tout au long du country/folk tempéré " What comes after ", du morceau caché dylanesque, de la ballade hymnique " Charcoal sunset " et même de l'élégant " The ambassador of soul ", imprimé sur un tempo new wave ( ?!?!?). En outre, l'électricité n'est pas toujours dispensée suivant un même processus. " Keep it clean " rôde ainsi au cœur d'un climat énigmatique, presque vaudou. " One less shining star " baigne au sein d'une forme de psychédélisme que ne renierait pas les Dandy Warhols. "Hollywood" libère un groove funk irrésistible. "A fond farewell" nous rappelle que le Velvet Underground constitue une des influences majeures de Wynn. Et puis le furieux et hallucinant " Candy machine " ainsi que l'implacable et le déchirant " Amphetamine ", qui déboule sur un rythme ferroviaire, évoluent dans le plus pur registre du Paisley Underground. La palpitation propulsive des drums, la fluidité de la basse, les lacérations du clavier, et les guitares de Steve et de Jason qui se querellent comme des faucons en plein ciel, y font merveille. Un régal ! Côté lyrics, si Steve partage les mêmes paysages mentaux que les fictions de Denis Johnson et de Thom Jones, la plupart des lyrics de cet opus projettent des images relatives à la mort, au regret, aux lendemains incertains, au soleil qui dépérit. Tout un programme !
A l'instar de " Schleep ", son précédent opus, " Cuckooland " été enregistré dans les studios de Phil Manzanera, à Londres. Si Philip Catherine n'est plus de la partie, la tromboniste Annie Whitehead ainsi que les deux ex Roxy Music, Brian Eno et Manzanera y apportent leur contribution. Tout comme Paul Weller, David Gilmour (le guitariste du Floyd) et surtout Karen Mantler. La fille de Michael et de Carla Bley chante (NDR : dans un registre tellement proche de sa maman), joue un peu de saxophone et se réserve l'harmonica. A l'instrument chromatique, elle affiche d'ailleurs avec une sensibilité digne de Toots Thielemans. Et elle nous en fait la plus belle démonstration sur " Life is sheep ", le meilleur fragment de l'opus. Un disque pour lequel Robert fait un retour au jazz et aux sujets politiques. Pour le jazz, ce n'est guère étonnant, puisqu'il le pratiquait déjà 30 ans plus tôt. Mais un jazz mâtiné de pop, un peu comme sur les chefs-d'œuvre " Rock bottom " et " Ruth is stranger than Richard ". Pour la politique, non plus, lorsqu'on connaît sa préférence pour la couleur rouge. Mais si à l'origine, son épouse se contentait du design des pochettes, depuis 3 albums (" Dondestan ", " Schleep " et ce " Cuckooland "), elle participe de plus en plus activement à la confection des textes. Et dans ce domaine, sa vision du monde contemporain est encore plus critique. En outre, elle commence également à écrire la musique. Et on ne s'en rend pas compte, tant le couple est devenu fusionnel. Si Robert joue davantage de cuivres, il se réserve, bien sûr, l'essentiel des parties vocales. Depuis qu'il est devenu paraplégique, il considère d'ailleurs sa voix comme son principal instrument. Faut dire que son falsetto est toujours aussi bouleversant. Bref, nonobstant ses 58 balais, Rober Wyatt vient encore de commettre un album intemporel et incontournable.
Cet album a été enregistré en 84. A Lubbock, au Texas. Il manifeste un éclectisme qui flatte instantanément l'oreille. Big Joe Maher chante "Lots of flame", une plage très swing, empreinte d'une sensibilité jazzy. Cet éminent spécialiste du style l'interprète… sans ses baguettes. Tous les instruments sont bien en place ; et en particulier le piano de Kevin McKendree, les solos de saxes accordés par Don Wise et ceux de flugelhorn dispensés par Terry Townson. Particulièrement dansant, "Deeper shade of blue" maintient le tempo. Tout au long de cette plage Teresa James chante d'une voix suave qui épouse bien la musique. Les vertus du rerecording permettent aux saxes de Don d'être omniprésents. Le jazz et le swing ne sont jamais loin du cœur de la musique. A l'instar de "Lonely island", chanté par le bassiste George Hawkins Jr. Les musiciens sont excellents. Et pour cause, au cours des dernières années, Hawkins et le guitariste Todd Sharp ont joué en compagnie de Delbert McClinton ; mais aussi apporté leur collaboration au Mick Fleetwood's Zoo, à Lindsay Buckingham ainsi qu'à Christine McVie de Fleetwood Mac. Teresa James revient chanter le très dépouillé "Louisiana moon". Nous sommes plongés dans les marais louisianais. L'environnement musical est très sobre. Il permet d'apprécier distinctement chaque instrument ; et en particulier la basse et les synthés de Terry Wilson ainsi que le sax du maître. La musique demeure très cool. Elle avance au pas sur la suite "Shoppin' for clothes". Un fragment que Don chante ; ou plus exactement récite, en s'appuyant sur Butter Phil Ayte, préposé au(x) chœur(s). La sonorité de la guitare qui introduit "He had the shoes" n'appartient pas à albert King, mais à Steve Williams. Elle tapisse l'ambiance rythmée et syncopée. "The new is me and you" s'ébroue par un riff de guitare signé Todd Sharp. Toujours cool, funky, la trame permet au sax de décoller ! Chanté avec talent par Gary Bunton, face aux solides chœurs masculins R&B, "You come first at last" se révèle dansant et accrocheur. L'orgue de Nick Connolly est solidement planté dans le décor. "Ride" adopte le même régime, nonobstant le passage de Steve Bassett au chant. Son superbe timbre mérite l'appellation 'blue eyed soul'! La plage titulaire conclut l'album. Un superbe instrumental qui me rappelle, à plus d'un titre, le fameux "Honky Tonk" de Bill Dogett. Une plage au cours de laquelle le sax atteint les sommets et le piano très boogie de Kevin McKendree fait merveille. Et pour ne pas rester sur sa faim, cet instrumental revient encore à deux reprises. Dans le même style. Sous la forme de bonus tracks. Excellent!
Le onzième morceau du troisième album des Wisdom of Harry s'intitule " Cuckoo ". Or, le coucou, très à la mode ces derniers mois (cfr I Am Kloot et Robert Wyatt), est un oiseau qui squatte le nid des autres plumitifs pour pondre ses œufs. Profiteur et malappris, le coucou n'a pas que des amis, et c'est bien mérité. Pete Astor, lui, ne squatte rien du tout, puisque sa musique est unique : à peine ouvre-t-il son album sur une reprise d'Ann Briggs, folksinger dont la discographie, comme celle d'Astor, ne dépassera sans doute jamais le petit cercle des amateurs éclairés. Pete Astor, donc, ne copie personne, encore moins ne s'installe-t-il grossièrement dans la tanière de ses voisins de label (Yo La Tengo, Cornelius, Guided By Voices,…) ou de palier. Certes, la voix d'Astor ressemble, de temps en temps, à celle de Matt Johnson (The The). Et cette faculté (nouvelle) à écrire des mélodies limpides nous fait penser, le cœur serré, à Elliott Smith (paix à son âme)…
L'électro lo-fi des deux premiers albums n'a cependant pas disparue : sur " The Capsule ", on retrouve ce vieux Harry un peu las et solitaire, sorte de Loup des Steppes indie-rock qui n'aime toujours pas frayer avec ses semblables. Mais Astor, toujours épaulé par le fidèle David Sheppard, se présente quand même aujourd'hui à l'auditeur sous son plus beau ramage : à part la cagoule (cfr pochette), notre ami semble vouloir faire un effort, jusqu'à balancer de gros riffs (" Great Inventor ") et même un tube, le sympathique " Beercan Crown ". A la fin, Astor voudrait qu'on le laisse tranquille en tentant l'apitoiement (‘Ladies and gentlemen, I've lied to you, I'm done’, etc.) Pas de chance, parce que dès maintenant, on suivra sa carrière de plus près : faudrait pas qu'il termine poignardé dans sa cuisine, gisant dans son sang comme un pauvre type incompris et malade.
Nederlands 
Français 
