Dora Dorovitch ou la répétition du non-même
Art, indépendance, sincérité, ambition, poésie, diversité,… : tels sont les maîtres mots de ce nouveau label français, dont l’épicentre se trouve en plein soleil, dans le Sud, installé en périphérie pour mieux exploiter le centre, loin des contingences mercantiles et des bruits de la ville. Dora Dorovitch, par sa volonté d’exploser tous les carcans, musicaux et autres, ne se définit d’ailleurs pas comme un label (c’est trop réducteur) : il s’agit d’une « manufacture de projets matériels et immatériels, cherchant à échapper à la ‘répétition du même’, à la cristallisation des bonnes idées, des genres, des limites à ne pas dépasser ». La musique des pensionnaires de Dora Dorovitch fourmille pourtant de bonnes idées, mais comme le dit leur manifeste aux allures situs (voir le site, doradorovitch.com), il ne s’agit pas d’idées vaines et molles, qui tournent en rond une fois énoncées. La musique, ici, ne cesse de bouger, d’évoluer, sans tabous. Quand on sait qu’à la tête du « label », on retrouve Francisco Esteves (bassiste d’Experience) et Cédric Salvestri, satellites bien vivants de la nébuleuse ex-Diabologum, on ne s’étonne guère de ces prises de position parfois radicales, mais toujours pertinentes. Revue des troupes :
Téléfax : La locomotive du label ? Formé par Frank Valayer et Francisco Esteves, ce groupe à géométrie variable (Thomas Mery de Purr y chante parfois) pratique un post-rock (-jazz) sombre et languissant qui laisse souvent rêveur. Leur premier album, intitulé « Des courbes de choses invisibles », devrait bientôt être chroniqué en ces pages.
Mika A. : Bassiste de Téléfax et guitariste de Rio Torto, autre groupe du label, Mika A. aime aussi les projets solo. Timide mais lumineuse, son électro maison lorgne du côté de l’ambient pastorale, entre Boards of Canada et Susumu Yokota.
Rio Torto : « Echapper à la ‘répétition du même’ », disait le manifeste ? Justement, Rio Torto, c’est un peu de Téléfax, de Purr et de Mika A., bref de la popote interne à la Dora Dorovitch. Produit par Rudy Cloquet (Arno, Sharko,…), la musique de ce groupe recyclé rappelle assez fort Expérience, mais un Expérience sous amphés, qui aurait chopé la grippe. Pour ceux qui aiment le (slow-)(post-)rock.
Panti Will : Bosco et Michel Cloup (Expérience, ex-Diabologum) coincés dans un studio, cela donne Panti Will, de l’électro décalée en panne d’électricité, lorgnant parfois du côté du hip hop le plus cérébral, ou du rock le plus désossé. Projet instrumental sans queue ni tête, Panti Will s’amuse à brouiller les cartes tracées par les guitares, les samplers et les vieux Casio.
Novö : L’ambient bucolique à la Skam, ça les connaît : comme Mika A., ces Français aiment les bleeps mélancoliques, les ambiances délétères et les matins qui (dé)chantent. Novö : pas si sûr (déjà entendu chez Boards of Canada (encore)). Mais bien quand même.
Ananda T. : Seul(e) avec ses machines, Ananda T. se rêve en chef d’orchestre de films muets, dans lesquels Nosferatu flirterait avec Maria le robot : rythmes décalés, guitares désaccordées, samples qui flanchent,… La BO des films d’Ananda T. semble sortir d’une boîte à musique rouillée, belle à l’extérieur mais cassée à l’intérieur.
Honey Barbara : Ce trio américain basé au Texas joue un rock lugubre et minimaliste, comme si Andy Partridge avait rencontré John McEntire lors d’une soirée antifolk. Après avoir séduit le label Emigre, Honey Barbara débarque chez nous avec un nouvel album, « I10 & W Ave »… Texas, Chicago, puis la France. Demain, le monde ?
Loisirs : Chez ces quatre ‘hardcore’ de Poitiers, on aime l’EMO, tendance Fugazi, Q and Not U, voire Oxbow. Mieux que Lofofora ou ces tapettes de Pleymo, Loisirs mixe allègrement électronique Bontempi, guitares revêches et vocaux bestiaux. La France aurait-elle trouvé en Loisirs son At-The Drive-In à elle ?
Izaera : De la nouvelle scène basque, voici d’autres amateurs d’emocore brûlant, à manipuler avec précaution sous peine d’explosion soudaine. Pour une fois, l’Espagne ne nous refourgue pas un énième Migala : pas qu’on n’aime pas Acuarela (au contraire…), mais il manquait au pays un groupe avec de vraies corones. C’est chose faite.
Lisabö : Autre ambassadeur venu d’Espagne, Lisabö pratique lui un post-rock plus convenu (Acuarela, donc…), mais pas pour autant ennuyeux. D’un déluge de riffs, d’une pluie de voix téléphonées, Lisabö fabrique une musique lunaire, plus proche des terres retirées de Patagonie que des plages touristiques de la Costa del Sol.
Kapla : Trio de jazz déliquescent aux confins de l’électro et de l’avant-hop, Kapla ne s’embarrasse pas des conventions : sur les traces de Jagga Jazzist et d’Anticon, il ose lui aussi enjamber toutes les barrières, et navigue en terra incognita.
Dora Dorovitch cultive la différence et l’intransigeance, en témoignent tous ces groupes qui refusent les étiquettes et empruntent des chemins de traverse – rock, jazz, électro, hip hop, hardcore, chanson française,… Le « retour du même » n’est donc pas inscrit dans leur programme : chez ses Français du Sud, on aime tâtonner, expérimenter, triturer, sans avoir peur des accidents, sans avoir peur de perdre le Nord. Petite sœur espiègle d’Acuarela et de Thrill Jockey, Dora Dorovitch n’en fait déjà qu’à sa tête, et c’est tant mieux : on a toujours préféré les vivants aux morts, les esprits frappeurs aux grincheux pinailleurs.
Archie Edwards est né en 1918 à Union Hill, en Virginie. Il partagera son enfance au milieu de cinq frères et de six sœurs. Son père Roy travaillait à la ferme et distillait son propre whisky de maïs. Le paternel était également musicien et jouait de l'harmonica, du bottleneck et du banjo. Archie fréquente ainsi la bonne école et apprend la guitare. Il fait ainsi ses débuts à Franklin County, en 1933. A l'âge de 37 ans, il prend son bâton de pèlerin et part à l'aventure. Il atterrit cependant à Washington DC, en 1946. Il exerce alors successivement les jobs de garde de sécurité, de chauffeur de taxi et surtout de barbier. Mais, il consacre également son temps libre à jouer le blues.
Au cours des 60's, il fréquente Skip James, John Jackson, John Cephas Phil Wiggins et Mississippi John Hurt. Il continue à hanter la scène locale durant les années 70 et 80. Il enregistre plusieurs singles entre 1977 et 83, dont on tirera un Cd en 91. Archie est mort en juin 1998. Dans son lit, chez lui, dans le Maryland. Les enregistrements de cet opus ont été immortalisés dans un studio de Toronto, en juin 1986.
Mr Edwards est seul avec sa guitare. Il joue dans le style Piedmont, en fingerpicking. Il possède une voix agréable pour chanter ce blues venu de l'est de la Virginie. Son style aux cordes est très clair. De très bons moments émergent de ces sessions canadiennes. Il interprète ses maîtres à travers "One thin dime blues" et "Easy rider" de Blind Lemon Jefferson, ainsi que "I'm down today" et "Take me back baby" de Mississippi John Hurt. On y retrouve quelques airs bien connus dont le "Sitting on top the world" des Mississippi Sheiks. Lorsqu'il attaque "I called my baby long distance" de sa slide, il pense certainement à Robert Johnson. Il est bouleversant lors de son interprétation du célèbre "How long", signé Scrapper Blackwell/Leroy Carr. Il injecte également beaucoup de sensibilité dans ses propres compositions. A l'instar de "Pittsburgh Blues" et de "Poor me", une chanson qui fustige les mauvais jours de l'administration Reagan. Ce très bon album de country blues s'achève par "Meet me in the bottom", un classique écrit par Buddy Moss dans les années 30…
DJ basé à Chicago mais de réputation internationale, Jordan Fields sort enfin son premier album, après des années de bourlingue à travers le monde et quelques maxis signés sous divers pseudonymes (Surreal Fields, Tropical Underground, Club Orchestra,…). " Moments In Dub " regorge évidemment de bombes dance-floor (" Paradise Garage " et " We Can Make It " en priorité), mais aussi de titres plus downtempo, comme ce " Soho Loungin " tout en douceur, parfait pour " comater " après s'être trop défoulé. Au rayon des influences, on retrouve Larry Levan, Dave Clarke, voire Roger Sanchez, bref que du beau monde… Mais c'est quand Fields se lâche que l'on passe les meilleurs moments, avec par exemple ce " What You Want " coté hip hop - une tentative étonnante de la part d'un DJ connu avant tout pour ses matraquages de BPMs. Pas mal pour un début, et peut-être le signe d'une renaissance du côté de chez Mo'Wax… On peut toujours rêver.
Fondé en 1997, sur les cendres des Melting Hopefuls, Elk City s'était illustré lors de la sortie de son premier elpee par une cover particulièrement réussie du " California dreamin' " des Mamas and The Papas. Ce trio new-yorkais d'adoption peut compter sur deux excellents chanteurs, par ailleurs complémentaires. Ce qui ne gâche rien. Peter Langland-Hassan, tout d'abord. Dont les inflexions chaleureuses rappellent tantôt Ira Kaplan, tantôt Dean Wareham. Renée Lobue, ensuite. Son timbre éthéré, limpide, s'inscrivant davantage dans la lignés des groupes arty du label 4AD. " Hold tight the ropes " constitue le deuxième opus d'Elk City. Un disque partagé entre ballades countryfiées vaporeuses, claires-obscures, aux sonorités élargies (NDR : pensez à Mazzy Star) et compositions chargées d'intensité électrique, parfois même trempées dans les claviers fluides (NDR : sorte de rencontre hypothétique entre Galaxie 500, Lloyd Cole et Concrete Blonde). En outre, leur mélange de psychédélisme de la fin des 60's, de folk du début des 70's, d'indie rock de la mi 80's et de lo fi de la fin des 90's se traduit par un style à la fois aventureux et mélodique ; mais en même temps et paradoxalement anachronique et novateur ( !?!?!). Un peu comme chez Yo La Tengo et Young Marble Giants. Le combo tirant aussi bien parti de l'instrumentation basique que de la technologie moderne. Pour cette dernière, heureusement sans excès et très judicieusement. A l'instar des arrangements symphoniques apportés au bouleversant " Smile ". Etonnant !
On avait découvert Faultline il y a trois ans avec "Closer Colder", un album d'électro sombre et torturée, où se mêlaient violons malades, beats dépités et jazz à bout de nerfs. Derrière cet album sorti de nulle part, à des encablures du gotha trip-hop et big beat alors en vogue, se cachait un certain David Kosten, inconnu des pages d'or du monde techno, échoué sans passeport sur le label Leaf et jamais invité aux fêtes médiatiques. Pourtant, ceux qui auront eu la chance de croiser cet homme invisible via leurs platines n'en sortiront pas indemnes, sûrs d'avoir trouvé un nouvel ami pour la vie, timide mais fort attachant. Et voilà qu'aujourd'hui, David Kosten sort de son trou et se fend d'un deuxième album encore plus fort, plus écrit, plus mature. Fini les contrats d'anonymat et les fins de mois difficiles : Kosten se paie les plus grandes voix de la pop pour accompagner ses chansons (Chris Martin de Coldplay, Michael Stipe de REM et Wayne Coyne des Flaming Lips), sans pour cela vendre son âme au show-business. Au final, "Your Love Means Everything" sonne comme un chef-d'œuvre d'électro-songwriting baroque, assez proche en cela des travaux de DJ Shadow et de Brian Eno, mais pourtant sans équivalent ni concurrence. Plus formaté "chanson" que "Closer Colder", mais toujours aussi surprenant, cet album risque fort de devenir un (autre) classique ; et cette fois-ci, c'est sûr, sans passer inaperçu.
Quatuor issu de Berlin, Mina mixa benoîtement électro bontempi et rock alternatif. Cet " Expander " n'est d'ailleurs qu'un prétexte à en rajouter une couche, puisqu'il s'agit d'un album remix de leur précédente livraison, " A to B ". Au programme, l'électro-jazz du Notwist Micha Acher (" Boyroc/Lovers Rest "), la techno futée de Freischwimmer (" TBA "), la pop synthétique de Sitcom Warriors, croisement entre PIL et Bryan Ferry (" N° 6 "), l'instrumental samplant jeux vidéo et le " Low " de Bowie (Mina eux-mêmes, avec la reprise du " Theme From Arkanoid "), etc. La scène allemande se porte bien, merci pour elle… Bien que tout de même, il y a ici à boire et à manger. Certes pas mal comme exercice de relecture, mais tant qu'à faire, autant écouter le " Versus " des Kings of Convenience.
Burd Early est américain. Agé de 25 ans, il vit aujourd'hui à New York City. Burd aime raconter des histoires. Des contes poétiques, mélancoliques, intimistes, impressionnistes, qu'il épanche sur un ton nonchalant de sa voix profonde, fragile, vulnérable. Un peu comme chez Smog, Lambchop, Bonnie Prince Willie ou encore Songs : Ohia. Bref, à première écoute, on ne rigole pas beaucoup dans le monde de Burd Early. Pourtant, les douze fragments de cet opus ne manquent pas de charme. Sculptés dans la lo fi ou la country alternative, ils baignent même au sein d'une atmosphère paisible, vibrante, frémissante. Et puis, les superbes mélodies tissées par la conjugaison de l'instrumentation basique (piano, drums, guitares acoustique, électrique et slide, basse, claviers) et électronique (boucles, boîtes à rythmes, samples) avouent parfois également des propriétés contagieuses. A un tel point que parfois elles restent ancrées dans votre mémoire…
Pour enregistrer son troisième opus, Richard Warren a reçu le concours de Flood à la production. Un personnage célèbre pour avoir mis en forme certains albums de Depeche Mode, de U2 et du défunt Smashing Pumpkins. Un disque qui est loin de démarrer sur les chapeaux de roues, car les quatre premières plages sont étouffées par une boîte à rythmes aussi primaire qu’agaçante. Le pire, c’est qu’« Automatic eyes » et « Don’t destroy me », les deux premiers fragments du morceau de plastique, étaient annoncés comme des hits potentiels. N’importe quoi ! Mais le plus triste procède du traitement infligé à « Comfort of the hum », une très belle chanson, digne de Joe Jackson, véritablement massacrée par un ‘tchack tchack boum’ obsessionnel (NDR : manque plus que le pouet pouet !). Mais alors que j’étais prêt à siffler la fin de la récréation, la suite des événements a soudainement pris une tournure beaucoup plus intéressante. Beaucoup plus sombre aussi. D’autant plus que le ‘tchack tchack boum’ s’est mué en tempo plus new wave, plus hypnotique, lorsqu’il ne s’est pas totalement effacé. A l’instar du trip hop atmosphérique « High speed in love ». Le reste est cependant et manifestement influencé par le début des eighties. Epousant des mélodies sombres mais envoûtantes. A l’instar du gothique « Fun in you », du ‘joydivisionesque’ « Lately lonely », de « Good on T.V. », sorte de pop song californienne des sixties écorchée par une basse cold, mais revisitée par l’esthétisme glacé d’un Duran Duran. De « Wasted spaces », un fragment sculpté dans un funk blanc réminiscent d’A Certain Ratio que Chemical Brothers aurait pu remixer. Et enfin de « Nicely all the time », un blues industriel tramé sur fond de psychédélisme brumeux.
Voilà que la pop lo-fi des Limbourgeois de Fence se taille une place respectable dans les hit-parades de Flandre et de Wallonie, avec ce " Family " bondissant comme un bon Weezer, entraînant comme une rengaine de Pavement, sympathique comme un air de Fountains Of Wayne. Avec en prime deux inédits pas désagréables (" Suzie, the lone crusader ", gentil, et " Walking nun ", bien accroché au plancher des vaches avec sa grosse basse), ce maxi est la preuve par trois que Fence devient une valeur sûre de la pop belge.
La bande à Richard Patrick s'est fait connaître au milieu des années nonante avec " Hey Man Nice Shot ", un tube metal-indus que n'aurait pas renié Trent Reznor. Au menu de ce troisième album, on prend les mêmes recettes et on recommence : guitares abrasives, voix tonitruante et slows FM pour détendre parfois l'atmosphère… Malheureusement, rares sont les passages qui accrochent vraiment l'oreille, tout au plus l'auditeur éprouve un plaisir simple mais anodin à l'écoute de ces 12 titres pas mauvais, mais loin d'être exceptionnels. Les Américains de Filter mériteraient quand même une plus grande reconnaissance de ce côté-ci de l'Atlantique, ne serait-ce que pour leur détermination et leur ambition… Mais l'envie d'être reconnus internationalement et de donner du " fun " suffit-elle à faire un grand groupe ? Certes non, d'autant plus qu'à force d'exporter leur " American Dream " dans nos chaînes hi-fi (" " I'm a American and proud of it ", déclame Patrick sur leur site officiel), il se pourrait que Filter en agace plus d'un… Il ne faut pas mélanger carrière musicale et arrogance patriotique, sous peine de passer pour d'affreux réactionnaires (WTC ou pas). " American Cliché " titre le deuxième morceau : c'est celui qui le dit qui l'est.
Alex ‘Easy Baby’ Randle est né en 1934. A Memphis, dans le Tennessee. Chargé de son éducation, sa grand-mère et son oncle lui enseignent l'harmonica. Il fait la connaissance de Howlin' Wolf, de James Cotton, de Joe Hill Louis et de quelques autres illustres musiciens, en jouant dans les juke joints de Memphis En 1956, il s'installe à Chicago. Pendant 20 ans, il va y fréquenter régulièrement la scène de Chicago, tout en assumant le job de mécanicien. Aujourd'hui, il ne se produit plus guère. Il a quand même commis un elpee en 1979 : "Sweet Home Chicago Blues", sur Barrelhouse. On y retrouve Eddie Taylor en personne à la guitare et Kansas City Red à la batterie. " If it ain't one thing, it's another " contitue donc son second album. S'il ne peut plus compter sur le fabuleux Eddie Taylor aux cordes, il bénéficie du concours des deux fils de l'ancien guitariste de Jimmy Reed. Timothy Taylor se réserve ainsi les drums sur quatre plages, tandis qu'Eddie Jr partage la guitare avec Johnny B. Moore. Eddie Jr est aujourd'hui âgé de 30 ans. Il n'a commis qu'un seul opus à ce jour : "Looking for trouble".
Sous-titré "A tribute to Eddie Taylor" (sur Wolf également), il est sorti en 1998. Cet elpee constitue déjà le 57ème volume des Chicago Blues Sessions du célèbre label autrichien. Il s'ouvre assez curieusement par "Lovey dovey", un rock'n'roll imprimé sur un bon rythme. Titre signature, le blues lent "Call me Easy Baby" nous ramène dans le Westside de Chicago. Il nous rappelle assez bien la démarche de Magic Sam ; mais ici, c'est l'harmonica qui est sur le devant de la scène. La voix transpire le vécu. Descriptive, un tantinet chevrotante, elle me fait penser à celle de Sonny Boy II. Flanqué de Johnny B à la guitare acoustique, il reprend d'ailleurs aussitôt "Let me explain", du même Sonny Boy. Ce qui démontre que Rice Miller est une de ses influences majeures. Bien saignant, imprimé sur un rythme galopant, "Baby you fine" permet au sémillant Alan Batts de se mettre en évidence. Easy pousse de courtes phrases, entrecoupées de silences, sur son harmo. La même formule est reproduite sur "Beggin' woman". Il empoigne son instrument chromatique pour amorcer un nouveau slow blues : "Sittin' here worryin". Une composition qu'il chante de manière remarquable, totalement naturelle, pendant qu'Eddie dispense avec retenue des grappes de notes, derrière son leader. Ce qui n'empêche pas, ensuite, les deux guitares de tirer leur épingle du jeu. Easy Baby accorde alors une version acoustique du 1er blues qu’il n’ait jamais appris : "Good morning little schoolgirl" de Sonny Boy I. Mais l'instant le plus poignant est sans doute son travail vocal sur "Good morning, Mr Blues". L'homme vit totalement ce qu'il chante. Omniprésente, sa sensibilité est fragilisée par les cordes de Johnny B. Inspiré sans nul doute par Muddy Waters, l'excellent "All pretty women" intègre bien la slide ; alors qu'en finale, la plage générique est consacrée à un spiritual. Un fragment au cours duquel le piano roulant de Batts et l'harmonica chromatique sont assez irrésistibles. Une découverte !
Une excellente nouvelle : Arab Strap entraperçoit la lumière ! Après deux albums mornes et dépressifs (" Elephant Shoe " et " The Red Tread "), Malcolm Middleton et Aidan Moffat se mettent enfin au technicolor, convoquant trompettes, ensemble à cordes, cornemuse et guitares bouillonnantes. " Monday at the Hug & Pint " sonne ainsi le glas des ballades amères et renfrognées, rongées par l'échec et souillées par le vice. D'entrée, " The Shy Retirer " donne le ton : avec ces violons et cette boîte à rythmes toujours aux aguets (la seule trace de leurs méfaits antérieurs), on croirait presque les deux Ecossais heureux et détendus. Une aubaine ! Les titres qui suivent confirment notre surprise : la pop a forcé la porte de ces vieux bougons, annihilant tout sentiment morbide et rafraîchissant leur intérieur d'un courant d'air salvateur. Une sensation vraiment grisante, qui sur " Flirt " prend des allures encore plus inattendues : voilà t y pas qu'on danse, alors qu'avant l'écoute d'un Arab Strap foutait plutôt le cafard, direction le pieu ou la pharmacie. Et sur " The Week Never Starts Round Here ", on croirait presque entendre les Flaming Lips ! Ben tiens ! On oublie tout : Arab Strap est un groupe joyeux, rigolard et positif. Qui s'amuse aussi parfois à faire péter les guitares, comme sur ce " Fucking Little Bastards " sensationnel, d'un lyrisme chaotique à faire passer Mogwai pour des imposteurs. Comme on dit, et Arab Strap l'a enfin compris : mieux vaut aller de l'avant que s'apitoyer sur son sort.
Après avoir commis "Scary Monsters", Bowie s'est mis à pédaler dans la choucroute. Pendant une bonne dizaine d'années. Une période au cours de laquelle il a succombé à la déviance lucrative post " Let's Dance ", essuyé plusieurs flops cinématographiques et vécu une expérience aussi ha(sa)rdeuse que stérile au sein de Tin Machine. Bref, en 1993, David commence à digérer toutes ses illusions, et décide de reprendre son bâton de pèlerin. En gravant " Black tie / White noise ", un opus aussi raffiné qu'inspiré. Raffiné, à cause de la production magique de Nile Rodgers (Chic). Inspiré parce que les différentes nuances musicales engagées (house, jazz, rock, pop, soul et techno) se fondent délicieusement en un même coloris sonore riche et somptueux. Tellement riche que trois des meilleures compositions sont instrumentales. David au saxophone et Lester (Bowie) à la trompette rivalisant alors d'éloquence pour nous précipiter dans le monde fiévreux de l'acid-free-jazz. " The wedding song ", summum de l'œuvre a d'ailleurs subi un traitement identique. Mais il a été épicé par la voix volontairement sous-exposée de Bowie, de manière à donner davantage de profondeur à l'interprétation. Et le reste du CD ne manque pas d'étoffe, impliquant une cover très romantique de Morrissey (" I know it's gonna happen "), une autre plus classique du Cream (" I feel free "), et puis de solides compositions parfumées tantôt d'exotisme (Japan ?), de synthétisme ou d'électricité (" Station to station " ?) ; une électricité alternative, puisque partagée entre la râpe de Reeves Gabrels (Tin Machine) et de feu Mick Ronson (Mott The Hoople, Spiders of Mars). Le tout saupoudré, la plupart du temps, de cuivres tantôt rutilants, tantôt feutrés… Une œuvre qui nous réconciliait, enfin, avec l'artiste… Habillée d'un très joli packaging, cette réédition reproduit l'intégralité de l'œuvre originale, mais révèle également des raretés, des remixes et quelques inédits. En outre en bonus CD, un DVD épingle 3 vidéo-clips et un documentaire enrichi d'interviews consacrées à l'artiste.
"Chocolate to the bone" constitue déjà le sixième opus de Guy pour le label Red House. Le dernier, "Give in kind", date de l'an dernier. Guy Davis vit à New York City. Chanteur, compositeur, mais aussi acteur, il joua à Broadway le rôle de Robert Johnson dans la pièce "Robert Johnson : Trick the devil". En 1993. Son 1er album, "Stomp down rider" remonte à 1995. Ce tout nouvel album est parsemé de dédicaces adressées aux gens qu'il apprécie. Et, le plus souvent à ses deux grands-pères, deux ouvriers des chemins de fer, ainsi qu'à Nina Simone et John Jackson.
Guy ouvre les hostilités par "Limetown". Ecrit par Sleepy John Estes, il rend hommage à ce célèbre citoyen de Brownsville ; mais David y a ajouté quelques nouveaux versets, issu de sa plume. "Tell me where the road is" est une bien jolie composition. Elle relate ses relations amour/haine rencontrées sur la route. Guy reprend le traditionnel "Step it up and go". Il ne sait à qui l'attribuer : Leadbelly ? Josh White ? Ou John Jackson ? Qu'importe, il l'interprète en pensant à Blind Willie McTell. Howard Johnson y assure les parties de basse… au tuba. Son regard remonte un demi-siècle en arrière lorsqu'il exécute "I believe I'll lose my mind" de John Lee Hooker. Et quand Mr Davis écrit, il a régulièrement un bluesman de naguère en tête. A l'instar de "Right on time", dédié à Furry Lewis ou encore de "Set a place on me" de nouveau à Blind Willie McTell. Tramée par l'orgue Hammond de Tommy "T-Bone" Wolk et les cordes de guitare à la beauté immaculée de Nerak Roth Patterson, cette dernière plage embrasse une bien jolie mélodie. Le morceau traditionnel "Shortnin' bread" est dédié à son oncle, Pete Seeger. Et le "Drifting blues" de Charles Brown à la fois à Buddy Guy ainsi qu'à la mémoire de son compère, Junior Wells. Une version que Guy réussit brillamment. Son "Sho'nuff satisfied" dégage beaucoup de gaieté et de bonne humeur, avant de vibrer pour le "Matchbox blues" de Blind Lemon Jefferson. Guy embraie alors par un hommage à ses dieux musicaux. Tout d'abord Jorma Kaukonen, le guitariste de Jefferson Airplane et de Hot Tuna, à travers "Honey babe". Ensuite, Willie Dixon, tout au long d'un "Back door man" chanté à la manière de … Howlin' Wolf! Le "Railroad story" ne manque pas son but. Qui ne connaît pas le célèbre "Whoopin' style" de Sonny Terry ? La conclusion est brillamment réservée à "Saturday blues". Une adaptation consacrée à Ishman Bracey, son compositeur, derechef enrichie par les curieux effets du tuba. Tout bon! Mr Guy Davis possède une superbe voix, une voix idéalement sculptée pour chanter ce type de répertoire…
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