Kid Ramos est incontestablement chouchouté par son label, car il est ici encore une fois entouré par du beau monde! Evidence a donc décidé de miser sur le kid de LA. Surtout après le succès récolté par ses 2 autres albums "Kid Ramos", en 99 et "West Coast Party", l'année suivante. Une chose est sûre, il est respecté par ses pairs. Pas moins de sept harmonicistes figurent sur la liste des invités. Et tout le who's who des souffleurs de la West Coast signe présent.
Le quatuor de base est constitué de Kid à la guitare et parfois au chant, de Tom Mann au piano, et d'une super section rythmique réunissant Jeff Turmes à la basse et Richard Innes à la batterie ; c'est à dire des anciens membres du James Harman Band et du Hollywood Fats Band.
L'album s'ouvre par la plage titulaire. Un instrumental qui démontre tout le savoir-faire du kid dans le jump style. "Chicken hearted woman" est un blues lent. Ouvert par les cordes reproduisant le cri de nos gallinacés favoris, James Harman chante cette plage avec toute la maîtrise que nous lui connaissons. James chante aussi "Low down woman" au cœur d'une ambiance très country blues et "Gratitude is reaches", dans le style Chicago Southside, pendant que la slide de Ramos sonne comme la jumelle de celle d'Elmore James. L'entrée en lice d'un de mes harmonicistes favoris de toujours, Charlie Musselwhite, est bouleversante. Il a composé ce "Charlie's old Highway 51 blues" qu'il chante de cette voix immédiatement saisissable. Charlie est une légende vivante du blues. Un artiste attachant et authentique ; et les interventions de Ramos ne font qu'accentuer l'effet. Charlie revient chanter avec autorité le blues très dépouillé "Rich man 's woman". Paul deLay a certainement été l'une des meilleures découvertes des années 90. Il possède un style tellement personnel. Une voix cassée, puissante, qui transpire le vécu! Il est présent sur deux titres qu'il a écrits : "Say what you mean, baby", cuivré par Jeff Turmes, et "Ain't gonna holler". L'harmoniciste le plus proche de Kid est sans doute Mr Richard Duran, alias Lynwood Slim. Ils sont tellement complices que lorsqu'ils jouent ensemble, tout semble couler de source. Ils donnent ici une parfaite leçon de west coast jump lors de la reprise du "I don't care who knows" de Willie Dixon. Ensemble, ils apportent un traitement rockabilly au classique de Bobby "Blue" Bland, "Hold me tenderly". L'énergie reste présente. Le rythme s'intensifie avec l'entrée en lice du joyau de Sacramento, Rick Estrin (de Little Charlie and the Nightcats). Sa voix nasillarde et son harmo offensif s'acquittent parfaitement de "It's hot in here". Estrin aime aussi le blues pur. Il est merveilleux quand il pense au génial Little Walter. A l'instar de "Marion's mood", un fragment de derrière les fagots. Le virtuose Rod Piazza change de registre pour se consacrer à l'instrumental "Devil's foot". Il prend indéniablement une direction jazz et swing. Kid se met même à sonner comme Charlie Christian. La machine à vapeur s'emballe pour aborder "Mean ol' lonesome train". Une composition écrite par Lightnin' Slim et superbement rendue à la vie grâce au vieux Johnny Dyer. La Ramos party s'emballe pour la finale. Un tonique "Harmonica hangover" qui adresse un double clin d'œil à Charlie Musselwhite et à Rick Estrin. Un superbe album !
La grande salle était bourrée comme un œuf pour accueillir le spectacle accordé par Arno Hintjens, ce mercredi 22 janvier, à la Maison de la Culture de Tournai. Honnêtement, je dois reconnaître qu'il y a des lustres que je n'avais plus vu autant de monde assister à un concert rock, dans la cité scaldéenne. Comme quoi, même s'il n'existe pratiquement aucune structure rock à Tournai pour organiser un tel événement, il existe bien un public pour ce style de musique. N'en déplaise à ceux qui pensent que dans la cité de Cinq Clochers, il n'y a de la place que pour les 'coulonneux' et les faits divers…
Arno aime le blues. Il a même monté un groupe, à une certaine époque qui répondait au patronyme de Charles et les Lulus. Il nous le rappelle dès son premier morceau. Et épice régulièrement son set de chansons sculptées dans ce style. En s'accompagnant même parfois d'un harmonica. Il aligne, ensuite quelques nouvelles chansons. Millésimées Arno, elles devraient donc figurer sur son nouvel album. Première constatation, l'Ostendais peut s'appuyer sur une solide formation. Faut dire que son drummer et son claviériste/pianiste l'épaulent depuis plus de vingt ans. Il nous le rappellera à la fin de son concert… Complètent le line up un guitariste plutôt habile, un bassiste particulièrement efficace (NDR : pas cher, ajoute-t-il par boutade : il est Yougoslave !) et un accordéoniste impressionnant de virtuosité qui joue debout en tirant parti au maximum de ses pédales de distorsion. Arno est en forme. Et n'a pas (n'est pas ?) trop consommé… Il ne manque pas de sortir ses vannes scatologiques. Mais pas seulement. Son histoire du Delhaize. On n'y comprend pas grand-chose. Sauf quand il précise que sa femme (son ex ?) habite Lyon… Episodiquement, Arno s'assied. Pour interpréter l'un ou l'autre titre plus tendre. Comme le très beau « Dans les yeux de ma mère ». Il nous réserve également quelques reprises. Celle du « Bon Dieu » de Brel. Une autre encore, mais complètement méconnaissable du « Mother's little helper » des Stones. Et que dire alors de celle de « Drive my car » des Beatles ? Le public s'enflamme. Et Arno de sortir des cymbales (NDR : ça rime !). Puis ses incontournables covers de TC Matic : « Putain putain » et un « Oh la la la », sur lequel l'accordéon fait voler un sulfureux vent d'Est. Le public est debout. Ben oui, avant il était assis. Pour celle des « Filles du bord de mer » d'Adamo, les spectateurs répondent en chœur. Arno peut donc les remercier et s'en aller. Mais ils en veulent encore. Même s'il est, en général, programmé le rappel fait partie des institutions. Un rappel au cours duquel il va nous léguer son très beau « Lola » et puis le classique des classiques : « Vive ma liberté ! ». Tout un symbole ! En tout cas du tout grand Arno…
Les soirées rock made in Namur sont toujours de qualité : c'est que la scène locale est soutenue par quantités d'associations actives et passionnées, telles le Bear Rock, pour n'en citer qu'une. Ce soir pourtant, pas de Namurois au programme. Peu importe... A Namur, on n'est pas chauvin : pour preuve avec le groupe d'ouverture, My Little Cheap Dictaphone, des Liégeois abonnés à la Soundstation. Ou plutôt un : Redboy, grand échalas fan des Pixies et de Grease qui nous a livré l'année dernière un premier album fantastique (« Music Drama »). Ca commence dur avec un « Am I Your Friend ? » survolté, qui met déjà tout le monde d'accord. Le reste passera comme une lettre à la poste, et le public d'être impressionné par ce Liégeois pro du manche, adepte d'un rock classe et sans fioritures. Chapeau Redboy : même les coincés au bar en auront pris plein les tympans, de quoi les détourner un peu de leur verre de blanche de Namur (cela dit onctueuse et goulue).
Ensuite, pause acoustique avec Erlend Oye, échappé de Kings of Convenience, duo norvégien venu sauver les guitares en bois de la casse il y a deux ans, avec un album digne de ces bons vieux Simon & Garfunkel. « The New Acoustic Movement », qu'ils appelaient ça : sans doute qu'Erlend en a eu marre de se voir traité de bobo fleur bleue fan de Nick Drake, puisque son premier album, « Unrest », sent plutôt l'électro tendance de chez Colette (beats eighties, prod' béton et copinage hyper hype). N'empêche que ce soir, le Norvégien n'aura pas failli à sa vieille réputation, en entonnant ses morceaux seul à la guitare, sans claviers ni séquenceurs. Comme quoi, une chanson bien écrite peut se jouer aussi bien avec des BPMs que sans tambours ni trompettes (ou bien c'est le contraire ?). Et avec un petit « Remind Me » ressorti du répertoire de ses amis Royksopp (la voix, c'est lui), les buveurs de bière, un peu bruyants, l'auront au moins écouté trois minutes. Chapeau Erlend : t'as même fait craquer les minettes avec ta grosse moustache et tes lunettes ringardes. A quand le look Erlend branché dans les soirées aware de Bruxelles et d'ailleurs ?
Enfin, les Allemands de Schneider TM, plutôt pénibles dans une version pouet-pouet de leur électro pourtant pas si mauvaise, auront (presque) clôturé la soirée. C'est qu'Erlend, trendy jusqu'au bout, nous aura fait le coup du DJ-pousse disques à l'éclectisme sans failles : Michael Jackson, Wham !, Felix Da Housecat et j'en passe. Ce type est trop cool, y a pas de doute. Dommage qu'il n'aura mixé (sic) qu'une demi-heure, parce que c'était drôle, surtout de le voir danser sur Jimmy Sommerville. Quelle teuf !
Cet excellent quintet batave vient d'enregistrer son troisième album. Un disque beaucoup plus intimiste, paisible, lo fi que " Seaborne West " ou encore " Happy Trauma ". La plupart des chansons baignant dans une forme de mélancolie douce réminiscente de Belle & Sebastian. Jelle Paulusma, le leader du groupe, se limite même au chant et à sa six cordes acoustique sur deux titres : " Swords & words " et le morceau maître, pour lequel il a quand même pris le soin de napper la mélodie d'une légère bruine de claviers. Les musiciens de Daryll-Ann reconnaissent pour influence majeure Neil Young. Celui des Byrds et de Buffalo Sprinfield. Ce qui explique pourquoi, les chansons se chargent parfois d'intensité électrique. A l'instar du psychédélique brumeux " A piece of work (I'm trying her) ". Les Beatles également. Feu George Harrison, en particulier. Les harmonies vocales sont donc soignées, limpides. Et la somme de toutes ces influences se manifeste à travers le contagieux " It's only love ". Un hit potentiel ! Daryl-Ann se montre cependant le plus audacieux lorsqu'il teinte ses compositions de jazz cool singulier. Un peu à la manière des High Llamas. La sonorité des claviers aquatiques y est certainement pour quelque chose. Mais également le ton plus frivole, plus ensoleillé, plus guilleret…
Fondé en 1985 par Jay Mascis et Lou Barlow (NDR : futur Sebadoh et Folk Implosion), Dinosaur Jr a laissé une trace indélébile dans le paysage alternatif du rock, influençant au passage des formations aussi illustres que Sonic Youth, Nirvana, les Lemonheads ou encore Buffalo Tom ; alors que le groupe reconnaissait lui-même pour influence majeure, le Crazy Horse de Neil Young. Les dix fragments qui composent cet elpee sont issus de sessions d'enregistrements accordées à la BBC entre 1988 et 1992. Ce qui explique pourquoi on retrouve encore, sur certaines compositions de cet opus, la basse aventureuse de Barlow. Ce sont également les plages les plus féroces, les plus urgentes, véritables brûlots d'électricité rugissante, chargés de distorsion et de feedback. A l'instar de " In a jar ", " Budge " ou encore de " Raisins ", rehaussé par la présence d'une voix féminine. Car la voix de Mascis était et est toujours aussi écorchée, gémissante. On a cependant droit, avec " Keeblin " et " Get me ", à deux versions acoustiques, démontrant par là que Dinosaur Jr était également capable d'évoluer dans un registre plus paisible ( ?!?!?). Un document !
Corey Harris est déjà devenu une référence alors qu'il est à peine âgé de trente ans. Originaire de Denver, dans le Colorado, ce bluesman est respecté par tous ses pairs. Ce musicien de la rue avait effectué ses débuts sur "Between midnight and day" en 1995. Il était alors hanté par les fantômes de Robert Johnson, de Lightnin' Hopkins et de Howlin' Wolf. L'album "Fish ain't bitin" est paru en 97, suivi deux ans plus tard par "Greens from the garden". Il commet en 2000 "Vu-du Menz", un elpee enregistré en duo avec le pianiste Henry Butler. Corey Harris a produit ce nouvel opus en compagnie de Jamal Millner. Le travail est soigné, le son absolument superbe. Passé les quelques effets sonores, la voix puissante émerge d'un environnement à la richesse très dense. Voix et instruments se mêlent. Composée de Vic Brown ou de Houston Ross à la basse et de Johnny Gilmore à la batterie, la section rythmique pousse les deux chanteurs guitaristes, Harris et Millner, au sein d'un univers sonore agrémenté de cuivres et d'orgue.
"Money on my mind" évolue dans le delta blues électrique et contemporain. Un héritage trafiqué en un cocktail détonant, au cours duquel les surprises fusent de partout. La voix de Harris est très puissante. Elle domine sans forcer son entourage ; et il en faut pourtant de la force pour le dominer ; car l'accompagnement est résolument électrique. A l'instar de "Don't let the devil ride" et du traditionnel "Keep your lamp trimmed and burning", infectés par cette slide saturée. Son comparse, Millner, incarne peut-être l'élément modérateur. Son "Capitaine" est ainsi une douce ballade instrumentale pour deux guitares acoustiques. Millner chante aussi, mais d'une voix beaucoup moins agressive et marquante. Le retour de Harris coïncide avec la mise à feu de "Fire" ( !?!?), une messe incantatoire, décapante, au cours de laquelle les cordes flirtent avec ivresse vers des sommets déjantés. "bb" est un joyeux instrumental. Talonnées par le piano du grand Henry Butler, les guitares explosent dans la joie. Chantée partiellement en français, "Sister Rose" baigne au sein d'une musique créole, exotique, toute droite sortie des Caraïbes. Nous restons au cœur de cette atmosphère des îles, très latine, pour aborder "Black Maria". Sans aucun doute le sommet de l'album pour sa richesse et sa beauté mélodique. Un état de grâce qui se prolonge tout au long de l'atmosphérique "Chinook".
‘Il faudra bien que ça arrive, je partirai’. Ouvrir un album posthume par cette phrase, il fallait oser. C'est pourtant ce qu'avait proposé Gilbert Bécaud et qu'a réalisé son fils Gaya. Écrire, composer, chanter, le père avait fait tout ce pour quoi il était indispensable. Il a laissé le matériau brut à ses héritiers et ses amis qui ont pris soin d'y apporter la touche finale, de tout mettre en valeur sans rien trahir.
On retrouve ici quelques amis, via un duo avec Serge Lama ou des extraits de comédie musicale interprétés par Annie Cordy (le poignant " Bravo " sur la rafle du vel'd'hiv). Et puis, surtout, on constate que Bécaud vivait bien avec son temps. Sur " On marche ", il prend même des accents rap et scratch pour ironiser sur ce monde de gagnants : " Tu n'marches pas, t'es foutu/Les autres te marchent dessus/il faut marcher mordant/Ou t'es perdant ". Et il fait même un cadeau aux écolos en prenant la défense du loup face aux chasseurs intempestifs : " L'homme n'est pas en danger/le loup tue pour manger/Les loups tuent pour ne pas mourir/Les hommes tuent par plaisir ". N'y voyez pas de l'opportunisme : le respect de la nature, Bécaud le chantait dès 1976 dans " Mr Cousteau ", " Le Rhône " ou " La légende de l'esquimau ".
De couleur noire, ce guitariste milite au sein d'un milieu dont les stars sont toutes blanches : Junior Watson, Kid Ramos, Alex Schultz, Rusty Zinn,… Mais à l'instar de ces dernières, il est un adepte du style jump, cher aux musiciens californiens. Originaire de Lakewood, en Californie, il a été très top imprégné du son des années 50 et 60. Et en particulier par le grand BB King. Il n'a que 27 ans, et a déjà côtoyé des musiciens de blues contemporain aussi notoires qu'Al Blake (NDR : le leader du Hollywood Fats Band), Lynwood Slim et Jr Watson. Il a participé à de nombreuses sessions pour John Stedman, le boss de JSP. Il a d'ailleurs commis son premier elpee chez ce label : "I'm here and I'm gone. En 1999. Il figurait également sur l'excellente collection "Blues across America : the Los Angeles Scene", un disque paru sur le défunt label Cannonball. Tout récemment, il a transité par le backing band de Kim Wilson et des Fabulous Thunderbirds. Aux côtés de Kid Ramos. Quel beau monde! Boss de Crosscut, Detlev Hoegen a eu le nez creux. Les sessions de cet album se sont déroulées aux studios Valley, près de L.A. Les invités sont de grosses pointures et se partagent les vocaux : Kim Wilson, la sulfureuse Janiva Magness et Finis Tasby. Parce que Kirk gratte mais ne chante pas.
Cet elpee s'ouvre par un instrumental : "Blues for Boo Boo. Bien rendu par l'orgue Hammond de Red Young, le climat trempe dans le Memphis R&B. Pourtant, aussi étonnant que cela puisse paraître, c'est le son de la guitare qui occupe le devant de la scène. La section rythmique impose un swing léger. Mais si Kenny Sara exerce son rôle à la batterie, les parties de basse sont produites par les pédales de l'orgue. Bonne entrée en matière ! Red Young est un claviériste texan. De Dallas Fort Worth. Il drive sa propre formation : le Red Hots Trio. Un combo au sein duquel on retrouve Sara aux drums. "Bad boy" est un de mes blues favoris. Une histoire de mauvais garçon composée par le grand Eddie Taylor. Cette version bénéficie ici d'un bonus décisif. Kim Wilson le double au chant et à l'harmonica. Il y a une éternité que Kim l'interprète en compagnie des ses FabTs. Janiva Magness revient chanter une version très personnelle de "Little by little". L'univers sonore est très proche du morceau qui ouvre l'opus. Très Memphis, ce fragment est dominé par l'orgue Hammond. Kim Wilson chante "My home is a prison" de Jay Miller. Sa voix reste distante sur ce blues des swamps louisianais chargé d'émotion. Kirk joue dans un style bien éloigné du jump, libérant une bonne dose d'intensité dramatique. La machine est désormais parfaitement huilée. Kim est toujours au poste pour se lancer dans le "Country girl" de BB King. Un West Coast swing d'excellente facture émaillé d'échanges de grande classe, entre la guitare et l'harmonica. Chanteur noir californien, Finis Tasby interprète "Welfare blues", un blues lent, brûlant, écrit par Jimmy Dawkins. Du Chicago blues ! Red Young est passé au piano. Eli Fletcher se sent comme un poisson dans l'eau pour exécuter ce fragment au style orthodoxe. Signé Willie Dixon, "Don't go no further" est ici rendu de manière très originale. L'atmosphère roots se teinte de jazz. Janiva Magness est au chant. Red au piano. Jeff Turmes à la basse et à la guitare acoustique. Kim repart de plus belle. L'inspiration féconde, il souffle avec puissance sur son instrumental "Club Zanzibar". Quelle pêche ! Faut dire que Kim a ramené une fameuse section rythmique. En l'occurrence Ronnie James Weber (ex-Little Charlie & the Nightcats, Fab Ts) et Richard Innes (ex-Hollywood Fats Band, Fab Ts). Finis Tasby chante encore de sa voix claire et puissante le "Down home woman" de Mark Goldberg (ex Canned Heat) et le classique de Percy Mayfield, "The river's invitation". "That's why I'm cryin" est sans doute le moment le plus intense de l'album. Un blues lent classique, à vous flanquer des frissons partout. Tout au long de cette plage signée Magic Sam, Janiva susurre une dernière fois au sein d'un univers sonore déchiré entre orgue Hammond et guitare…
Dans le passé, le label hollandais Black Magic nous a souvent plongés au sein de l'univers du blues de Nashville, la capitale du Tennessee. Earl Gaines, Al Garner, Johnny Jones, Freddie Waters et James Nixon ont ainsi et notamment pu bénéficier d'une attention toute particulière. Roscoe Shelton et Gene Allison on joué ensemble chez les Skylarks, et commis leur premier disque au sein de cette formation gospel.
Roscoe était né à Lynchburg, dans le Tennessee. En 1931. A l'origine, il reconnaissait pour influences majeures Amos Milburn et Ivory Joe Hunter. En 1958, il change de style et devient chanteur de R&B. A l'instar de son ami d'alors, Sam Cooke. Dans la foulée, il enregistre pour Excello. Début des 60s, il travaille pour différents labels. "Strain on my heart" obtient un succès national en 63. Fin des années 60, il signe chez un petit label qui appartient à Ted Jarrett (Ref-O-Ree).
Les neuf premières plages de cet album qui lui sont consacrées procèdent essentiellement de cette période. Du R&B d'excellente facture qui tombe au beau milieu d'une époque où Stax dominait le monde depuis la ville voisine de Memphis. Toutes les compositions sont signées Ted Jarrett. Elles mettent bien en évidence la voix chantante et forte de Roscoe, appuyée par des chœurs féminins. Enregistrées entre 1968 et 73, "I can't love nobody but you" et "Realty" sont à souligner. Elles bénéficient du concours des guitaristes Johnny Jones et Mac Gayden. Paru chez T-Jay, à la fin des 70s "It's almost sundown" est un superbe blues. Roscoe est réapparu au cours des années 90, en commettant plusieurs albums chez Appaloosa, Black Top et Cannonball. Il nous a malheureusement quittés voici quelques mois à peine.
Gene Allison est né en 1934, à Nashville. Après avoir transité chez les Skylarks, il a aussi enregistré pour le producteur Ted Jarrett. Tout comme Larry Birdsong, par ailleurs, et à la même époque. Son "You can make it if you try", qui figure sur cet elpee, emportera un énorme succès en 1957, atteignant la 3ème place des charts R&B. Ce titre obtiendra une consécration mondiale, quelques années plus tard, à travers l'adaptation réalisées par les Rolling Stones. Gene chante aussi le blues "It's almost sundown", en s'appuyant sur la même orchestration. Deux reprises différentes lui sont consacrées. Si on pouvait m'expliquer ! J'aime beaucoup le très électrique "How long's the train been gone", un fragment mené à la manière d'un Rod Stewart devant ses Faces. Allison chante encore "Having a party", de Sam Cooke, à la manière de… Sam Cooke.
Les dernières plages sont consacrées à des enregistrements antérieurs, qui remontent à 1956. En particulier celui du Jimmy Black Orchestra, commis à l'époque sur Calvert et Champion. Entre autres, le bluesy "You're gonna be sorry", le rythmé "Now we're together" et le swinguant "If things don't change".
JW Jones est un jeune chanteur guitariste. Agé de 21 ans, ce Canadien vit aujourd'hui à Ottawa. Je l'avais découvert lors de la sortie de son précédent album, "Defibrillatin".
"Flattine" ouvre l'elpee. Une plage qui met en vitrine les atouts musicaux de tous les membres de cette formation. Constituée de Matt Sobb aux drums et de Nathan Morris à la basse acoustique, la section rythmique est la hauteur. Vive, rythmée, elle swingue. JW Jones se révèle assez exceptionnel à la six cordes. Faut dire qu'il a beaucoup appris en écoutant de nombreux guitaristes californiens talentueux tels que Junior Watson, Kid Ramos, Rusty Zinn et Rick Estrin. Et au milieu du jeu de quilles de cette intro percutante, vient se mêler le piano virevoltant de Gene Taylor, des Fabulous Thunderbirds. "Jump tonight" persiste est signe un West Coast blues de classe. JW chante d'une manière sobre, sans trop de puissance ni de grand relief dans la voix. Mais lorsque South Steve Marriner fait son entrée, c'est avec force et fracas. Le souffleur du Band n'a même pas 18 ans, et il tire ici son épingle du jeu. "Ain't soon enough" combine boogie et rock. La guitare imprime le rythme. Taylor reçoit son billet de sortie au piano ; et il profite de cette liberté avec beaucoup de bonheur. Marriner embraie pour un exercice individuel, et confirme tout le bien que l'on pense de lui. "Sweet sugar Mama" puise son inspiration dans les rythmes syncopés de la Nouvelle Orléans. Les ivoires de Gene Taylor impriment le tempo. La guitare libère un son complètement pourri, presque impossible à décrire, dans un style finalement pas tellement éloigné de celui du gratteur des Mighty Flyers, Rick Holmstrom.. Les variations de rythme mettent en valeur cette composition, au cours de laquelle Marriner chante, lorsqu'il ne souffle pas avec vigueur et virulence dans son harmonica. La voix caractéristique, chaude et puissante de Kim Wilson réchauffe généreusement "Time to move on". L'atmosphère est sereine. Tortoise Blue (NDR : un compatriote préposé aux claviers et à l'harmonica au sein du band de Big Daddy G) se réserve l'orgue Hammond. Nouvelle tranche instrumentale de choix, la plage titulaire démontre les profondes affinités de JW pour les styles de Junior Watson et consorts. "Without you" sent bon le sud profond. Celui de la Louisiane ; et en particulier celui qui est pratiqué dans les quartiers chauds de Baton Rouge. La simplicité, la nonchalance et la sérénité du piano et de l'orgue Hammond colorent le jeu brillant de Jones. "Don't tease me" est un titre nerveux. La trame funky. Southside Steve prend son pied à l'harmo. Son souffle est puissant et vindicatif. L'instrumentation brille avec une égal bonheur, tout au long de l'opus. La guitare très west coast, mais aussi fort personnelle alimente "Understanding a woman". "Don't sugar coat it" atteint le sommet. Kim Wilson se démène à l'harmo. Il va même au delà d'une petite participation amicale, car au sommet de son art, il module avec générosité et originalité, ses phrases à la perfection. Pendant tout ce temps, South Side Steve se limite aux vocaux. Il y prend même la leçon. "Heard the news" épouse un swing naturel. Gene Taylor est brillant derrière son piano. La section rythmique lui emboîte le pas. Marriner est passé à l'instrument chromatique. Ces jeunes gens sont vraiment doués ! "You forgot to come back" marque le retour à l'ambiance paresseuse des swamps. Pour la circonstance, Miss Roxanne Potvin, une jeune copine de moins de vingt ans, est passée au chant. Sa voix claire, excellente, est capable de monter en puissance, avec une facilité déconcertante. L'insatiable Kim Wilson revient chanter le rapide "Blind date woman". Le jeune Marriner profite de l'occasion pour prononcer quelques phrases à l'harmo. Avec sobriété. Question d'impressionner le maître ! Cet excellent album s'achève par une tranche instrumentale bien jazzy. Un exercice de style au cours duquel JW se sent alors hanté par Charlie Christian. Mais dans un style jump, devant basse, drums et piano. Chapeau bas jeunes gens !
Lil' Ed Williams est né en 1955 dans le West Side de Chicago. J.B. Hutto, son oncle, lui apprend tous les rudiments du blues. Un des plus grands 'slide guitarists' de la grande époque du Chicago blues, avec bien entendu Elmore James et Hound Dog Taylor. La première incarnation de son groupe, les Blues Imperials, date déjà de 1975. C'est le boss d'Alligator qui les a découverts et leur a permis d'enregistrer sur son célèbre label, "Roughhousin" en 1986. Lil' Ed va écumer toutes les scènes nationales et internationales. Depuis l'Europe au Canada, en passant par le Japon et Australie.
"Chicken, gravy & biscuits" est paru en 89 et "What you see is what you get" en 92. Quelque temps plus tard, on retrouve sa trace sur le double album live, "The Alligator Records 20th Anniversary Tour". C'est pourtant à cette époque qu'il décide de suspendre les activités des Blues Imperials et de disparaître dans un certain anonymat. Il remonte pourtant le vaisseau en 1998 ; et dans la foulée grave "Get wild". Si on se réfère aux photos reproduites sur la pochette, Ed semble toujours aussi souriant. Et très fier de son beau fez au sommet du crâne. Il est épaulé par son fidèle bassiste James "Pookie" Young. Son demi-frère qui l'accompagne depuis les débuts. Le line up est complété par deux musiciens blancs : Mike Garrett à la guitare et Kelly Littleton aux drums.
"Heads up!" ouvre l'opus judicieusement. Sur "Woman in the castle", le rythme est très rock'n'roll. La slide rugit dès la première note. Elle sent bon le parfum de Hound Dog. "Never miss your water" maintient le tempo soutenu. De sa voix dominatrice, Lil' Ed chante avec férocité. Il libère de courtes phrases à la guitare, comme autant de lames de rasoir. Le son est terriblement métallique. Impressionnant ! Le bonheur est toujours au beau fixe chez "Natural man". La slide épouse le motif classique du Chicago blues. Le son dur et abrupt évolue, c'est une certitude, au sein d'un univers plus proche de Hound Dog que d'Elmore James. Long slow blues, comme Muddy Waters pouvait nous le prodiguer depuis le cœur du South Side, "The creeper" est un véritable régal. Toute l'intensité dramatique s'y libère. La voix puissante se joue des obstacles. La slide joue son rôle à la perfection. Le rythme revient au grand galop dès "My mind is gone". Un morceau signé Pam Williams. La slide est lancée à vive allure, comme un train qui écrase tout au passage. Les percussions sémillantes de Kelly Littleton renforcent cette impression du chemin de fer. "Four leaf clover" nous renvoie plutôt vers le Westside de la Cité des Vents. Le style a changé, et c'est Mike Garrett qui dirige la manœuvre aux cordes. Leçon de cuisine, "Lil'l Ed's home cooking" nous maintient un peu à l'écart du travail sur la slide. Toujours un pied dans l'Ouest de la ville, la guitare reprend brillamment "Black night". Un canon du blues lent, écrit par Jessie Robinson, au cours duquel la guitare, dont le feeling coule à travers les veines de l'artiste, atteint un maximum d'intensité. Un sommet! "Empty house tour" marque le retour au tempo rapide. Ed et Mike s'échangent les soli. Ils décochent tour à tour des flèches meurtrières. "Computer girl" libère un maximum de groove. La guitare se montre de plus en plus agressive. Le travail instrumental opéré sur "Ed head's boogie" est un véritable régal pour les oreilles. On n'entend d'ailleurs plus guère de nos jours une slide jouée avec autant d'expression! Chanté d'une voix très passionnée, "I still love you" constitue le dernier blues lent. Un fragment bien long, brûlant, au cours duquel les notes dispensées par la guitare sont réservées et limitées. Cet excellent album se termine un peu comme il avait débuté. Par un shuffle poignant. Intitulé "I love my baby", il marque un dernier retour victorieux de la slide. Superbe!
La sortie d'un nouvel album de Mississippi Heat suscite toujours une certaine émotion dans nos chaumières belges ; et un petit accès de chauvinisme, difficile à cacher, nous envahit dès que nous pensons à Pierre et Michel Lacocque. Pierre, c'est l'artiste, l'harmoniciste de format international. Michel, le frère, le manager. Qui confesse n'être qu'un spectateur ; mais lors de chaque développement du Heat, son importance est cruciale. Il y a déjà trente ans que nos deux compatriotes ont élu domicile dans la capitale du blues. Depuis, ils ont eu tout le temps nécessaire et indispensable pour assimiler le feeling du blues local!
Mississippi Heat est né en 1981. Avant d'enregistrer " Footprints on the seiling ", il comptait quatre excellents albums à son actif. Le premier, "Straight from the heart", date de 92. Il réalisait déjà cette symbiose entre les éléments noir et blanc, un contraste cultivé par les Lacocque! Côté white, on retrouvait Pierre et l'excellent slider Billy Flynn ; côté black, Robert Covington, Bob Stroger et James Wheeler. "Learned the hard way" est paru en 1994. Il saluait la participation d'une chanteuse noire de talent : Miss Deitra Farr. A l'exception d'Allen Kirk qui avait repris le siège de Covington, les autres musiciens avaient été reconduits. Et en 95, "Thunder in my heart" avait été enregistré sous le même line up. Il faudra attendre près de 4 ans (NDR : donc en 1999) pour voir sortir "Handyman". Sans aucun doute l'elpee le plus accompli. Paru tout d'abord sur le label maison Vanderlinden, il bénéficia l'année suivante d'une distribution internationale : celle de Crosscut. Un disque enrichi de deux titres supplémentaires. Dans l'intervalle, le groupe avait subi quelques remaniements. Katheryne Davis avait pris le relais vocal. Barrelhouse Chuck celui du piano. Ancien gratteur de Junior Wells, George Baze a été, tout un temps, préposé à la guitare; mais il est malheureusement décédé en octobre 1998. Sans oublier les invités de marque parmi lesquels ont transité Billy Boy Arnold et Carl Weathersby.
"Footprints on the ceiling" constitue le cinquième opus de Mississipi Heat. Et il faut avouer que nous n'avons pas le droit d'être déçus. L'intensité du son dispensée tout au long de "Goin' home" est une bonne surprise. Inetta Vistor possède la voix de l'emploi. C'est une digne héritière de Deitra et de Katheryne. Toute l'envergure du style de Pierre est bien présente. Si au départ ses influences incontournables répondaient au nom de Junior Wells et de Big Walter Horton, il s'est forgé aujourd'hui, et de manière indéniable, son style 'Lacocque' que l'on reconnaît immédiatement. Un style qu'il impose sur l'instrumental "Jean's jive", une compo dédiée à une amie de longue date, Miss Jean, malheureusement gravement malade. La puissance mélodieuse, cette faculté à imaginer l'existence de deux paires de poumons, se révèle à son écoute. Chris Winters se met en évidence à la Gibson Les Paul sur "She's got everything", une chanson d'amour écrite pour sa femme et son fils. Roger Weaver l'épaule au piano. Mais quel régal d'écouter la voix de Billy Boy Arnold sur "What kind of man is that?" ! Il s'autorise également un petit solo à l'harmonica sur un titre acoustique au son très vintage. "That ain't love" nous replonge avec le même bonheur au cœur de l'album précédent. Inetta prend bien le rôle de Miss Davis. Le son est épaissi par la présence des cuivres, du piano et de l'orgue. Seule la guitare de Chris se détache. "Blues for George Baze" est un autre instrumental au tempo lent. Réservé à l'harmo, il souffle toute la passion de Pierre, pour faire revivre l'ami disparu qui lui avait encore téléphoné une demi-heure à peine avant de rendre son dernier soupir. "Caribbean sunshine" nous plonge au sein d'une atmosphère des îles, une atmosphère agitée par un rythme très fouillé, latin, communicatif et emprunt de gaieté, une atmosphère que le Heat aime privilégier (NDR : ce qui n'est guère étonnant lorsque l'on sait que Vickie, l'épouse de Pierre, est cubaine). Carl Weathersby chante avec beaucoup de soul dans la voix. Il impose une tonalité incisive à la guitare. Le piano de Pat Bremman roule avec beaucoup de bonheur. Excellent blues lent, "Heartbroken" figurait déjà sur le premier album. Un morceau introduit par Pierre. Inetta chante. L'orgue Hammond de Bremman réchauffe nos cœurs, pousse la slide de Chris Winters avant qu'elle ne cède le relais aux cordes, profilées sur une ligne bien mélodieuse, à Michael Thomas. Terrain fertile pour un duel fraternel entre l'harmo de Pierre et celui de Peter "Madcat" Ruth, " Madcap hop " est un nouvel instrumental qui fait des "Whoopin" à la Sonny Terry. Un interlude très country & western ; ou si vous préférez une invitation à se défouler les jambes. Carl Weathersby chante, avec beaucoup de bonhomie et de paresse dans la voix, " Hobo blues ", pendant que le piano de Roger Weaver imprime un style proche de Fats Domino. "Still havin' a ball" sonne le réveil des troupes. Tous le musiciens sont au sommet de leur art. Carl est au chant. Phil Baron au piano. La guitare est toujours aussi agressive. Pierre décoche un court solo mais terriblement incisif. Billy Boy Arnold opère un retour chaleureux et bienvenu sur "Gonna leave and let her be". L'opus aurait pu s'achever ici, avec un sentiment du devoir accompli. Mais non, un superbe blues lent revient à la surface : "What else can I do" ? "Que puis-je faire d'autre?", chante Inetta avec une formidable dose d'émotion et de sensibilité soutenue. C'est bien cela le blues ! En super forme, le Heat clôt les débats par la plage titulaire : "Footprints on the ceiling". Le groove est total, la puissance au maximum. Un blues qui laisse espérer un monde meilleur, suite aux événements tragiques du 11 septembre 2001. Un superbe album, MM Lacocque!
Christopher Anton Rea est né en mars 1951. A Middlesbrough, en Angleterre. Ses débuts à la guitare sont inspirés par Joe Walsh et Ry Cooder. Il fonde son premier groupe en 1973 : Magdalene. Un combo au sein duquel le futur Deep Purple, David Coverdale, est préposé au chant. Il embrasse ensuite une carrière solo.
Paru en 1978, son 1er album "Fool" ne recueille qu'un succès plutôt discret. Depuis, Chris a commis, presque chaque année, un nouvel elpee. Dont "Road to hell" en 1983 et "Auberge" en 1991 décrocheront la première place dans les charts. Son dernier album, "King of the beach", remonte à 2000. Chris Rea est surtout célèbre pour la beauté naturelle de son chant et son jeu à la slide ; mais manifestement, il est plus apprécié dans les milieux pop/rock que blues. Il serait cependant dommage que ces derniers boudent ce "Stony Road", car il est sculpté dans le Delta blues du Mississippi. Chris a composé toutes les plages. Il a reçu le concours de Martin Ditcham aux drums, Sylvin Marc à la basse, Robert Ahwai à la guitare, Ed Hession à l'accordéon et Gerry O'Connor au banjo.
"Changing times" ouvre le feu. Chris actionne un bottleneck électrique au son poussiéreux. Les musiciens trament la toile sonore du rythme ; et en particulier l'accordéon qui reste toujours en retrait. Authentique, dépouillé à l'extrême, "Easy rider" est très impressionnant. Après quelques notes de dobro, le banjo paresseux commence à distiller quelques petites grappes de notes. Le timbre vocal chaud et graveleux est très présent. Lorsqu'elle se libère, la slide métallique vous flanque un sacré frisson dans le dos. A fleur de peau, minimaliste, l'atmosphère se maintient tout au long de la plage générique. La section rythmique est très effacée. Seule la slide se permet des diversions au sein de ce décor lugubre et fantomatique. Nonchalante et laidback la voix exerce des ravages dans ce style. Mr Rea s'inspire surtout des anciens maîtres du Delta, tels que Charley Patton et Blind Willie Johnson. Sur "Dancing the blues away", Chris injecte du tonus à son blues. Davantage allègre, le rythme autorise l'accordéon et les percussions à participer au festin sonore. Tout au long de "Burning feet", caractérisé par un dobro chargé bourré de feeling, Chris observe un chant personnel, très laidback, qui me rappelle JJ Cale. Un harmonica sautillant introduit le rythme de "Mississippi 2", cette rivière qui coule dans ses veines. Tempéré dans le son et l'énergie, ce boogie est rondement mené. Faut dire que Rea n'est pas un extraverti. Un piano pourri, sorti tout droit d'un barrelhouse, annonce "Slow dance". Une danse pour le R&B. Une plage enjouée, au cours de laquelle l'accordéon et la slide sont distillés goutte à goutte. Le ton devient grave lorsque Chris aborde "When the good Lord talked to Jesus". C'est la parole du père à son fils. Une tristesse infinie nous envahit. La lumière diffuse nous éclaire à peine. Un piano sourd et un accordéon particulièrement sobre entretiennent ce climat tout en retenue instrumentale. Seule la voix rocailleuse se fraie un chemin pour aboutir à la clarté de "Heading for the city". "So lonely", nous ramène au chœur du Delta. La slide se complait au cœur de cet espace volontairement dramatique et toujours aussi dépouillé. Chris est à cet instant tellement proche de ces songsters d'une autre époque. Le diable serait-il à nouveau à la rencontre de carrefours mythiques (Crossroads)? Au cours des dernier mois, Chris a traversé des moments difficiles. De sérieux problèmes de santé ont même miné son moral. Pourtant, il fait preuve d'optimisme mais sans esquisser le moindre sourire, lorsqu'il chante "Someday my peace will come". Le banjo et l'harmonica donnent la réplique à son timbre vocal empreint de douceur, tout au long de "The hustler". Pour achever cette œuvre, Rea se mue en poète ; et à l'instar d'un Leonard Cohen, il murmure d'une voix grave "Give that girl a diamond". Non seulement cet opus est excellent, mais en outre, il constituera une véritable révélation pour les aficionados de blues. Et franchement, je lui souhaite bon vent dans cette nouvelle direction qu'il vient d'embrasser. D'ailleurs, n'a-t-il pas déjà vendu, au cours de ces vingt dernières années, plus de trente millions d'albums ?
Basé à Londres, ce trio pratique un blues aux accents très country. Son leader, Ben Tyzack, est originaire d’Iowa City ; mais il a beaucoup bourlingué entre Charleston et Atlanta. Depuis quelques années il s'est installé à Londres. Il avait fondé les Spikedrivers, voici neuf ans, en compagnie d'un percussionniste. Marqué par Stefan Grossman, Ben privilégie un style qui répond au nom de Piedmont finger picking. Depuis près d'un an, il est épaulé par le batteur irlandais Maurice McElroy, qui joua naguère avec Otis Grand, et d'une bassiste américaine originaire de l'Oklahoma, Constance Redgrave. Encore une ancienne de la bande à Grand !
" Delta roots " constitue leur troisième album. Il fait suite à "Delta boogies" et à "Whiskey river blues". En ouverture, le cri des criquets surgit des marais. Les sons semblent venir tout droit des sources du blues. Ils sont même d'une grande pureté tout au long de "That's no way to get along". A cause de la guitare de Ben, qu'il joue avec concision et adresse. Sa voix s'imposer sur "Front porch swing". La section rythmique épouse bien le timbre de son leader, pendant que la guitare se divertit. Une excellente impression qui se confirme chez le rapide "Soul searchin' blues". Constance et Maurice répondent en chœur au chant de Tyzack qui a empoigné son bottleneck pour l'occasion. L'émotion est bien présente. Lors de l'introduction de "Stop breaking down blues", écrit bien entendu par Robert Johnson, un fantôme passe... Une cover imprimée sur un tempo plus lent que l'original. Le rôle joué par la section rythmique est déterminant. Ben chante d'une voix légèrement chevrotante. Les notes ciselées, sans le moindre empressement, de la slide guitare s'aventurent. "I can't be satisfied" est une autre chanson blues universellement célèbre. Mr Tyzack sait comment ficeler une mélodie. Il le démontre tour au long de son "Midnight Mademoiselle", épicé ça et là de petits mots écrits dans la langue de Voltaire. Constance Redgrave chante deux titres. Tout d'abord "Rhythm guitar" d'Emmylou Harris. Une composition blues de cette artiste country. Ben accompagne la voix de son dobro au son métallique. Et puis "Queen of the one night stand". D'une manière feutrée et un tantinet fragile. Maurice assume son rôle en chantant "Am I high", un titre amusant mais également une invitation à boire un coup. Ainsi que "Clyde" de J.J Cale. S'il possède une voix moins riche que celle de son leader, la version tient parfaitement la route. Et le rôle joué par le bottleneck n'y est pas étranger. Une excellente reprise! "Kansas City Kitty" est une courte plage instrumentale. Les derniers titres sont de nouveau assumés par la voix de Ben. Et c'est un soulagement ! "Life is fine " met en musique un poème de Langston Hughes. Signé Professor Longhair, "How long has that train been gone" exalte par ses changements de rythme bien négociés. En finale, "Hard to get" adopte un tempo nonchalant. A cet instant, le chant de Tyzack est à son meilleur niveau. Un très bon album !
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