Chanteur, guitariste et compositeur, Bill Durst est issu de l’Ontario, au Canada. Un vétéran, puisque qu’il a fondé le groupe de rock Thundermug, en 1970. Il milite ensuite au sein d’un Tribute band consacré à ZZ Top, Tres Hombres. Il publie son premier opus solo en 1983, "Call Billy". Puis il reforme Thundermug. Avant de reprendre son parcours en solitaire. "Good good lovin" constitue son 5ème elpee, paru sur son propre label, Durstwerks. Un disque enregistré sous la formule trio. Il est ainsi épaulé par son ex-partenaire chez Thundermug, le bassiste Joe DeAngelis, et le batteur Corey Thompson. "Good Good Lovin" est découpé en 9 titres signés par Durst et DeAngelis. Et manifestement, tout au long de cet LP, le spectre du ZZ Top de Billy Gibbons plane…
Le long playing s’ouvre par le titre maître, un blues/rock puissant caractérisé par un riff de plomb. La section rythmique soutient parfaitement son leader. "Got love" adopte le même tempo, un blues bien huilé, mais dont la voix quelque peu ravagée, évoque –of course– Billy Gibbons. Une plage très réussie au cours de laquelle Bill se révèle apte à extraire des notes meurtrières. Toujours hanté par ZZ Top, "21st Century blues" reste à l'offensive, une piste particulièrement entraînante. La guitare est overdubbée tout au long du séduisant "I'm alright". La rythmique est bien nerveuse. Les sonorités dispensées par la Gibson sont bien grasses et denses. "Heaven Heaven" est imprimé sur un tempo flemmard. Largement amplifiée, réverbérée, la gratte ronronne de bonheur. Caractérisé par son riff écrasant, "King Snake Prowl" est un blues/rock musclé et âpre. Indolente, "What could have been love" est une plage qui entretient une tension dramatique. Pendant que le chanteur vocifère, la six cordes se met à gémir, alors que la section rythmique se libère totalement. "Northern electric" est un autre rock/blues radical. De bonne facture, cet elpee s’achève par la tendre ballade "I regret to say". La voix est particulièrement cool et les sonorités de gratte se révèlent ensoleillées. Enfin, on soulignera encore l’excellent travail de mise en forme réalisé par Darren Morrison.
Jeff Jensen est né en Californie. En 2004, ce chanteur/guitariste/compositeur monte son propre groupe, le Jeff Jensen Band. Mais dès 2011, il décide de quitter la banlieue de Los Angeles pour s’établir à Memphis où il rencontre l'étoile montante locale de l'harmonica, Brandon Santini. Qui participe à l’enregistrement de deux excellents opus, "Road worn and ragged" en 2013 et "Morose Elephant", en 2015.
"Live : The River City Sessions" a été immortalisé en public, devant un parterre de fans, au studio Ardent de Memphis, en décembre de l’an dernier. Bill Ruffino se consacre à la basse et Robinson Bridgeforth de la batterie. Jeff y a donc privilégié la formule trio. Il signe 9 des onze plages de cet LP d’une durée de 67 minutes.
Jeff attaque le notoire "T-Bone shuffle" de l'inoubliable T-Bone Walker. Il se révèle déjà très à l'aise dans cet exercice de swing et de jump. Sa vitesse d’exécution sur les cordes n’est guère banale. Les notes coulent d’ailleurs à flots. Il embraie par deux plages issues de son opus précédent, "Morose elephant". Tout d’abord, "Make it through', un funky R&B qui se distingue par une belle harmonie. Et même si Jeff n'a pas une voix autoritaire, elle s’intègre parfaitement dans l’expression sonore. Un constat confirmé par "Empty bottles". A la fois gourmand et gourmet, il nous livre des solos parfaitement intégrés, marqués par ses descentes le long du manche de sa Gibson. Son "JJ Boogie" est un nouveau tour de force instrumental. Jeff vit son blues. Le dialogue qu’il établit entre sa voix et la guitare est plutôt éblouissant tout au long de "Find myself all alone", un blues à la fois flemmard, dépouillé, passionnel et captivant. Bref shuffle, "Brunette woman" se distingue à nouveau par une envolée de cordes très originale et complexe. Le titre maître de son dernier LP, "Morose elephant", est un autre instrumental. Une piste exceptionnelle qui met bien en exergue les interventions de basse opérées par Ruffino. Sa version du "Heart attack and Vine" de Tom Waits est superbe. Une claque ! "Can't believe we're through" est un extrait de son tout premier long playing, gravé en 2007 ; une ballade roots imprimée sur un mid tempo qui libère à la fois tendresse et créativité. Et particulièrement intense, l’envol des cordes vagabonde aux confins des univers de Jimi Hendrix ainsi que d'un Alvin Lee au sommet de son art. En rappel, Jensen chante "Ash and Bone", une ballade indolente empreinte d’une grande sensibilité. Et il achève son set par une longue cover du "All along the watchtower" de Dylan, tout en pensant à Jimi Hendrix… Jeff Jensen est un fameux guitariste !
King Mud est un duo circonstanciel réunissant Van Campbell (Black Diamond Heavies, issu du Tennesse) et Freddie J IV (Left Lane Cruiser, de l’Indiana). Deux musicos qui militent donc au sein de duos punk/blues. Pour enregistrer cet elpee, ils se sont enfermés au sein du studio Comp-ny à Glendale, dans la banlieue de Los Angeles, près du Victory Motel. Et ont reçu le concours du guitariste de Radio Moskow, Parker Griggs, pour deux titres. Ils décrivent leur musique comme un cocktail de hard blues, blue eyed soul, heavy rock et de feedback. Arthur Alexander signe la production. Un membre du combo pop new-yorkais The Sorrows (à ne pas confondre avec le groupe beat anglais qui a sévi au cours des 60’s). Dans le style, les Black Keys et White Stripes avaient ouvert une véritable voie royale. Une voie au sein de laquelle Left Lane Cruiser s’est engouffré, s’imposant même comme le leader de la nouvelle génération. Freddie J IV se réserve donc bien le chant et les guitares ; cependant, derrière les drums, ce n’est pas son compère habituel, Pete Dio, qui y siège, mais Van Campbell.
Nous plongeant immédiatement dans le Delta, Freddie ouvre les hostilités par le nerveux "Rat time". Il est rapidement rejoint par Van qui imprime le rythme soutenu du chemin de fer! La musique du duo est suramplifiée, dévastatrice. L’énergie punk, bien présente. Lors de son premier envol, Freddie arme le bottleneck afin d’arracher des larmes de sa slide. "Smoked all my Bud" est un autre blues primaire. Les inflexions vocales sont chargées de désespoir. Les riffs, obsessionnels. Parker Griggs a ramené sa gratte et entame une lutte sans merci, à couteaux tirés, avec Freddie. "Back it up" est toujours aussi contaminé par le blues originel, authentique, du Mississippi. Ravagée, la voix passe bien la rampe au sein d’un environnement sonore déchiré par la slide. Les arrangements sont très réussis, et tout particulièrement la fusion entre cordes amplifiées et métalliques (Resonator). Irrésistible, "Arthur's hooked" bénéficie de la participation de Patrick French à l’harmo, de Jaxon Lee Swain à la basse et d’Alex J. Galvan à l’orgue Hammond. Un sommet de cet opus que magnifie la parfaite symbiose entre la basse et les percussions de Campbell. "Keep it out of sight" constitue la première reprise. Une compo signée Wilko Johnson, c’est-à-dire parue lors de la première aventure du Dr Feelgood. Elle figure d’ailleurs sur l’elpee "Down by the Jetty", gravé en 1975. Faut dire aussi que ces artisans du pub rock anglais étaient eux-mêmes des précurseurs au futur mouvement punk. Le traitement opéré par King Mud est féroce, très speedé, et bénéficie du concours de French à l'harmo. Séduisante et mélodieuse, la slide guide "Take a look", alors que la voix de Freddie J est à l’agonie. Rockin' blues particulièrement énergique, "War dancers" aurait pu figurer dans le répertoire de Motörhead. La cover du "I can only give you everything" du Them est un autre summum de l’opus. Cette compo figurait sur le deuxième long playing ("Them again") de la formation drivée par Van Morrison. Mais le traitement est plus proche de celui opéré par les Troggs (NDR : garage band avant la lettre, il est surtout devenu notoire pour avoir gravé le classique "Wild thing"). Hyper speedée, la gratte est ici triturée par Parker Griggs. "Suzy's Cookies" s’ébroue dans un climat digne du Black Sabbath originel. Les riffs sont écrasants. Le tempo est lent. L’intensité progressivement dramatique. Avant que se manifeste la slide et l'harmonica ; et après un bon coup d’accélérateur, la plage s’achève dans une certaine forme de quiétude… Ce superbe LP s’achève par le nerveux "Blood River", une plage bien punk, au cours de laquelle la slide adopte une nouvelle fois, un profil explosif…
Lylac, c’est le projet d’Amaury Massion (Attica, My TV is Dead). Et en publiant ce nouvel opus, il brode une toile pop/folk qu’il avait déjà tissée précédemment ; et ma foi fort habilement, sur « By a tree » !
“Living by the rules We’re making” s’inscrit parfaitement dans cette continuité. A laquelle l’artiste a ajouté de maturité dans l’art de torcher ses compositions !
Les arrangements sont précis, légers et profonds. La violoncelliste Thècle Joussaud accentue cette envolée boréale ! Lorsque ce n’est pas la guitare acoustique ou les gammes de pianos que l’on entend galoper au gré des morceaux!
L’instrumentation est orchestrée avec humilité ! Elle s’efface parfois, l’air de rien, afin de laisser transparaître l’émotion de celui qui a fréquenté le Conservatoire Royal de Bruxelles. Pour ensuite revenir, de plus belle, emmenant doucement l’auditeur dans un univers onirique propice aux émotions chaleureuses !
Posée sur un lit de tendresse et de subtilités, la musicalité transpire la poésie ! Cette impression se renforce davantage lorsque les sitars apportent une touche gravitationnelle rafraîchissante.
Hormis le bonus track, « La revanche du léger », les lyrics sont exprimés dans la langue de Shakespeare. Les mots glissent naturellement ! Parfaitement huilés, ils sortent un brin éraillés de la bouche de Lylac !
Pour le puriste, cet opus constitue une réussite indéniable. Mais face au mélomane lambda, la configuration élitiste risque fort de manquer sa cible.
C’est très beau, gentil et sincère, certes. Mais, est-ce suffisant ?
A l’issue du concert accordé par And Also The Trees, le 31 mars dernier, à l’Os à Moelle, une petite interview avait été programmée en compagnie de Simon Huw Jones, le chanteur du groupe. L’occasion de parler de son nouvel album, « Born into the waves » (voir chronique ici). Et puis des derniers événements liés à la vie de la formation. Vu le nombre d’aficionados qui souhaitaient tailler une bavette avec les musicos, nous avons alors décidé de la réaliser un peu plus tard, par e-mail. En voici le contenu.
Pour enregistrer « Born into the Waves », vous vous seriez inspirés de vos visites en Europe de l’Est et au Japon. Ont-elles marqué davantage votre musique ou les textes ? Ou les deux ? Peut-on en savoir davantage ?
shj - Ce sont deux voyages différents plutôt qu’une tournée. Si vous êtes capables d’oublier le côté conneries rock’n’roll liées à la ‘route’, ils peuvent susciter l’inspiration. Nous avons toujours été fortement influencés par notre environnement. Et tout d’abord par celui, rural, du Worcestershire où nous habitions ; mais quand nous avons commencé à tourner sur le continent européen, ces périples ont coloré notre musique et mes paroles également. « Slow Pulse Boy » et « The Street Organ » ont été influencés par des séjours en Belgique, au cours des premières années, par exemple. Le son de guitare de Justin s’est inspiré par ceux accomplis en Italie, en Europe de l’Est et aux USA…
Ainsi, pour cet album, nous avons été influencés, il est vrai, par nos voyages en Ukraine, Roumaine, Lituanie et au Japon… c’est autant subliminal qu’intentionnel, cependant. Notre processus d’écriture dans son ensemble est d’ailleurs assez subliminal. La musique et les mots vont assez bien de pair ; c’est-à-dire que ce qui influence la musique influence les mots. La musique d’abord. La musique vient toujours d’abord et trace la voie…
Un groupe qui s’appelle And Also The Trees et accueille le chanteur de Dead Forest Index (Andy Sherry), c’est quand même paradoxal. Et pourquoi pas la prochaine fois, n’inviteriez-vous pas celui du groupe américain Woods, Jeremy Earl ?
shj - Une autre coïncidence, c’est que A Dead Forest Index réunissent deux frères, comme Justin et moi ; et ils ont aussi vécu dans le Worcestershire au cours de leur enfance et… nous ne nous connaissions pas avant de nous rencontrer au Festival de Leira, au Portugal, l’été dernier. Mais le plus incroyable, c’est que nous avons apprécié la musique l’un de l’autre.
Vous avez assuré le supporting act de Cure, dernièrement, à Londres. C’était un peu des retrouvailles. Il n’y a pas eu de jam en fin de spectacle ?
shj - Un jour, alors que j’étais adolescent et ivre, je suis monté sur les planches et j’ai jammé avec un groupe au sein duquel militait un ami ; un ancien membre du groupe rock psychédélique, The Move. Le matin suivant, ce souvenir m’a tellement embarrassé, qu’il m’a presque tué ; et cet épisode me cause encore occasionnellement des cauchemars. Evidemment, j’ai décidé de ne plus jamais participer, dans le futur, à de telles expériences.
C’était chouette de retrouver Robert Smith et Simon Gallup, à nouveau. Il y avait tellement longtemps qu’on ne s’était plus vus. Les concerts étaient épatants et ces quelques jours passés ensemble se sont révélés fantastiques.
Sur « Season & the Storm », « The Sleeper » et « The Skins of Love », le son des claviers me rappelle celui de Genesis à l’époque de l’album « Trespass ». Est-ce une coïncidence ?
shj - Il n’y a pas de claviers sur ces chansons. Ce que tu entends, c’est la guitare de Justin. Quand il a commencé à jouer, un idée lui trottait dans la tête, celle d’en jouer en la faisant sonner le moins possible comme une guitare. C’est ce qu’il continue de réaliser, et avec succès.
Nous n’avons jamais été des fans de Genesis et ne connaissons pas la chanson à laquelle tu fais référence ; pas que nous ne les aimons pas, mais parce que nous n’avons jamais accroché à sa musique.
Lorsque le tempo devient offensif, « Bridge me rappelle le « One of these Days » du Pink Floyd. Vous avez écouté en boucle des disques de musique progressive, lors des sessions d’enregistrement ?
shj - Nous connaissons l’album 'Meddle', mais nous ne l’avons plus écouté depuis longtemps. Ainsi, ce n’est pas une influence. Nous ne cherchons pas à puiser une influence directe dans la musique des autres groupes.
D’après ce que j’ai pu lire, Paul Hill fabrique des percussions à l’aide de cylindres, percus qu’il utilise, apparemment, sur l’instrumental « Naitö-Shinjuku » ? Il en fabrique souvent des instruments insolites ?
shj - Paul a fabriqué des drums à l’aide de pots de colle industriels et les a accordés en y forant des trous. Il aime toujours fabriquer des trucs –pas forcément des instruments– qui ressemblent davantage à des sculptures ou des inventions folles. Il a créé un appareil baptisé Zoetrope qui projette des dessins animés en utilisant des miroirs et des lampes. Je suis sûr que qu’il sera très utile à l’avenir.
« Hawksmoor & the Savage » et « Seasons & the Storms » sont deux superbes compos Mais certains confrères estiment que si elles avaient été plus longues, elles seraient devenues sublimes. Partagez-vous cette critique ou simplement aviez-vous l’intention de créer un manque, pour leur donner davantage d’intensité ?
shj - Pour nous, elles semblaient avoir la bonne longueur. Je ne les ai jamais imaginées plus longues. Mais ces observations ou critiques sont malgré tout intéressantes.
Plusieurs chansons de l’album parlent de l’amour sous sa forme la plus pure, par opposition à la haine. Pouvez-vous nous en dire davantage sur ce sujet ? Ne penses-tu pas que suite aux attentats terroristes perpétrés à Bruxelles, elles collent plus que jamais à l’actualité ?
shj - Le premier pas vers l’écriture de l’album est arrivé quand Justin m’a présenté quatre morceaux de musique à la guitare, qu’il avait écrits, ajoutant qu’il s’agissait d’histoires d’amour issues de différentes parties du monde. Et le concept de l’histoire d’amour, de la chanson d’amour, a été omniprésent tout au long du processus. Je l’ai aimé et ai commencé à décrire ces différentes personnes issues des quatre coins de la terre avec cette même émotion commune. Curieusement cependant, elles sont souvent apparues solitaires et dans des grands espaces ouverts. Ainsi, j’ai observé ou contemplé l’amour dans quelques-unes de ces formes les plus diverses et recherché certains de leurs fils conducteurs dans la musique.
Apparemment, ces derniers temps, vous multipliez les projets personnels. Peut-on en savoir davantage ?
shj - Et bien, je travaille encore sur un second opus en compagnie de Bernard Trontin des Young Gods… Nous l’appellerons « November » et l’enregistrement est terminé. Il nous reste à le mixer, maintenant. J’ai aussi bossé en compagnie d’Olivier Mellano, un guitariste et compositeur français, sur un énorme projet commissionné par l’Orchestre Symphonique de Bretagne. Justin a joué récemment sur l’album de Marc Almond… Mais ce sur quoi nous sommes le plus focalisés pour l’instant, c’est le projet 'Brothers of the Trees', au cours duquel Justin et moi retravaillons des chansons d’And Also The Trees et pour lesquelles nous souhaitons parfois inviter des musiciens… et pour être ouvert à l’improvisation, peut-être du ‘spoken word’ et même des reprises jusqu’à un certain point, si nous estimons qu’elles recèlent quelque chose d’original ou d’amusant.
Le titre de l’album, « Born into the waves », a-t-il une signification particulière ?
shj - Le titre émane des paroles de « The Skeins of Love ». Il colle bien avec l’illustration de la pochette comme avec l’atmosphère musicale générale. Mais il est aussi ambigu.
Qui est Maësharn (« Your guess) ?
shj - Elle est dans la musique. Elle est comme tu la vois.
(Merci à Vincent Devos)
Après avoir pris ses distances avec le supergroupe Down, en 2013, Kirk Windstein a depuis lors eu tout le temps de se consacrer entièrement à Crowbar, band qui fête, cette année-ci, le 20ème anniversaire de sortie de « Broken Glass », son deuxième elpee. L’occasion parfaite pour les Louisianais de sillonner l’Europe en seize dates, et tout particulièrement la ville d’Hasselt. Une soirée frappée du sceau du Sludge, du Doom et du Heavy, qu’illustre les différents supporting acts assurés par Black Swarm et Hedonist, sans oublier le très attendu Trouble.
Il y a maintenant quelques jours que le soleil inonde la Belgique. Grand ciel bleu, pas une once de nuage à l’horizon. On se croirait presque en vacances. En longeant le canal Albert, un labyrinthe de rues rectilignes, tracé à travers le zoning commercial, nous conduit devant une façade peinte en rouge, mais dont les grosses lettres blanches –en capitales– couvrent sa moitié : c’est celle du Muziekodroom. Pas moyen de se tromper ! Les portes d’entrée s’ouvrent ; place à une plongée dans l’obscurité d’une salle où, paradoxalement, l’air est encore respirable, malgré la hausse de température enregistrée en ce début du mois de mai.
Seuls une bonne vingtaine de badauds se sont déplacés pour accueillir Black Swarm, une formation anversoise qui pratique du Metalcore. Vu la chaleur, il serait malvenu de se plaindre de ne pas être, dès le début, collés les uns aux autres. Intense, violent, le set finit très vite par souffrir de la linéarité de ses morceaux. Dans un anglais parfois approximatif, Same De Roeck –visiblement accablé par l’atmosphère, il laisse rapidement tomber le t-shirt, laissant apparaître un ‘Samuel Paul’ en lettres gothiques surmontées d’une croix renversée– hurle à pleins poumons. Une technique bien mieux contrôlée que le chant clair. Heureusement pour les tympans, fort peu utilisée durant les morceaux. Force est de constater également que ceux interprétés dans la langue de Vondel sont nettement plus intéressants et riches. Un choix peut-être freiné par la barrière de l’idiome ?
Quoi qu’il en soit, cette mise en bouche ‘testostéronée’ n’est qu’une première étincelle annonçant une succession de claques. Tout d’abord grâce à Hedonist, originaire de Genk, dont le Sludge/Stoner rond et lourd s’avère particulièrement efficace. Une homologie entre le t-shirt porté par le chanteur, frappé d’un ‘RUN COC’ (en référence à Corrosion of Conformity), et la musique du trio est instantanément palpable. Des compositions nourries au Heavy qui ont très vite raison des nuques des metalheads, les incitant à headbanger au rythme des titres un peu crados. Le public s’est certainement implicitement passé le mot, car une horde non négligeable de trentenaires (à la grosse louche) envahissent à présent les lieux. Y règne une ambiance sereine, cordiale voire confortable ; une pause dans l’espace-temps où se sont donné rendez-vous des amateurs de bon son. Faites comme chez vous : les pantoufles sont disponibles à l’entrée.
Trouble grimpe ensuite sur l’estrade. Ce groupe appartient à une catégorie qui a marqué plusieurs générations mais n’est jamais parvenu à percer, malgré un indéniable talent. Interviewé avant le show, Kirk Windstein, leader emblématique de Crowbar, tête d’affiche du jour, avoue à ce propos être un peu gêné de se produire après Trouble. ‘Ces gars font tout simplement partie de ces groupes qui ont m’ont profondément influencé’, confiera-t-il. Depuis ses débuts, le combo yankee a régulièrement changé de style. Ce soir, il va nous proposer un Heavy sous perfusion de Thrash et Doom. Ecumant les planches depuis 1979 (même s’il a vécu quelques passages à vide illustrés par une absence de gravures), Trouble envoie directement la sauce ; et la conjugaison entre la voix puissante de Kyle Thomas (ex-Exhorder) et les riffs endiablés de Rick Wartell crée un cocktail explosif de sonorités old school. Vu l’accueil reçu, il est fort à parier qu’une majorité des spectateurs avaient fait également le déplacement pour les anciens de l’Illinois. ‘On a eu de la chance ce soir, c’était un très bon concert. C’est comme ça avec Trouble : soit leur son est nickel, comme aujourd’hui, soit c’est un mur de grésillements car il joue trop fort’, explique un fan à l’issue du show.
L’atmosphère est maintenant à point pour accueillir le quatuor issu de la Nouvelle-Orléans. Pas d’entrée fracassante ni même de drapeau frappé du logo du band à l’arrière du podium. A l’ancienne, les musiciens débarquent un à un afin d’effectuer leurs derniers réglages. Matt Brunson, le premier. Il est vêtu d’un gilet sans manches en cuir, de type motard, entièrement customisé à l’arrière ; une grande fleur de Lys (symbole de leur ville d’origine) est surplombée d’un ‘Crowbar’. Le tout a été peint à la main, dans les tons rouges, jaunes et vert, par… Max Cavalera, le leader de Soulfly (excusez du peu !), à l’occasion de son anniversaire alors que les deux teams participaient à une même tournée, fin de l’année dernière. Kirk Windstein prend bien soin de lubrifier ses cordes pendant que Jeff Golden finit d’accorder sa basse et Tommy Buckley s’échauffe en manipulant ses drumsticks. Les quatre musiciens se réunissent finalement face à la batterie, se lancent un regard, approuvent de la tête et font retentir leurs instruments. Les guitares montent dans les aigus, la batterie entre dans la danse et le puissant « Conquerring » peut ouvrir le bal, un titre issu du quatrième elpee studio « Broken Glass », auquel cette tournée fera la part belle dans le cadre de ses vingt ans d’existence. L’artillerie est en marche : le son lourd et expressément lent des maîtres du Sludge envahit la salle limbourgeoise.
La fosse, conquise d’avance, exulte à la fin du morceau. Kirk Windstein revient face à la batterie, où sont disposées ses deux pédales de guitare, voisine de cinq cannettes de Stella Artois prêtes à étancher la soif du vocaliste. La salle est à présent bien remplie et la chaleur ambiante assèche les gosiers. Celui de Kirk est étanché par une demi canette, avalée d’un seul trait. Les autres munitions suivront tout au long du show. Il revient ensuite vers la fosse, se plante au bord de la scène et débute les premières notes de « High Rate Extinction », issu du second LP, l’éponyme. Petit et râblé, arborant une barbe grise courant jusqu’à la moitié de son torse, tel un cousin éloigné de Gimli (NDR : un personnage de la saga ‘Le Seigneur des Anneaux’), Kirk Windstein incarne à lui seul toute la puissance et la force de la musique de Crowbar. Les notes traversent chaque centimètre carré de sa peau et son visage marqué se tord au son de ses riffs. Situé à une trentaine de centimètres à peine de son public, le leader du band offre, à de multiples reprises, de jouissives leçons de guitares. Un instrument, tel une prolongation de ses membres, dont il prend le plus grand soin tout au long du set. En témoigne ce spectateur, quelque peu éméché, qui tentera tant bien que mal de toucher les cordes mais très vite repoussé par l’artiste. On peut être sympa mais faut pas déconner non plus !
En un peu plus d’une heure, les hommes forts de NOLA vont parcourir leurs vingt-sept années de carrière, de « Burn Your World » (NDR : qui remonte quand même à 1993) au relativement récent « Walk With Knowledge Wisely », issu de leur dernier album « Symmetry in Black », paru il y a deux ans. Les plus grands tubes du band ne sont évidemment pas négligés, à l’instar du survitaminé « All I Had (I Gave) », de la ballade virile « Planets Collide » ou encore de l’exutoire « Existence is Punishment », en rappel. Sans oublier « The Cemetary Angels », composition emblématique de « Sever The Wicked Hand », caractérisée par cet incroyable moment qui survient aux deux tiers du parcours, lorsque Kirk Windstein s’époumone, et tel un ordre dicté à ses musiciens clame : ‘BRING IT LOUD !’. S’ensuivent ces riffs typiques, extrêmement lourds, écrasants même et tellement spécifiques, rappelant l’héritage musical laissé par Crowbar dans le monde musical. ‘Crowbar n’est peut-être pas connu, mais est définitivement reconnu dans le milieu’, signale très judicieusement un fan juste avant le show des Américains. Et c’est bien là un des paradoxes magiques de ce band bientôt trentenaire : autant ils ne provoquent par des déplacements massifs de foule, autant la trace qu’ils laisseront dans le Metal est gravée profondément dans le roc pour les décennies à venir. Que ce soit dans le Sludge, le Stoner, le Hardcore ou le Rock bien-gras-un-peu-cras, rares sont ceux qui ne reconnaissent pas en Crowbar une source d’inspiration.
Après treize morceaux, les quatre artistes prennent congé de l’auditoire. Face une demande soutenue, Kirk Windstein –surnommé à juste titre The Riff Lord– va puiser dans son barda un petit sac contenant des médiateurs, afin de les distribuer à quelques metalheads, soucieux de garder une trace physique de ce moment de Rock épais, entre amateurs de musique qui fait du bien par où elle passe.
Setlist : Conquering - High Rate Extinction - The Lasting Dose - New Dawn - Burn Your World - To Build a Mountain - The Cemetery Angels - Walk With Knowledge Wisely - No Quarter - All I Had (I Gave) - Planets Collide - Like Broken Glass // Encore: Existence Is Punishment
(Organisation : HeartBreakTunes)
Trente-sept ans de carrière, c’est un fameux bail ! Et ça se fête ! C'est d’ailleurs ce que compte faire UB40, lors de sa nouvelle tournée mondiale. Qui transitait par l’Ancienne Belgique, ce dimanche 8 mai.
Membre fondateur du combo britannique (NDR : le combo est né en 2008), Ali Campbell avait claqué la porte suite à un différent avec les autres musicos, et tout particulièrement son frère Duncan. Ce dernier avait décidé de poursuivre l’aventure en reprenant le patronyme originel. Mais en 2014, Ali reforme le groupe, en compagnie d’Astro et Mickey (Michael Virtue), réunissant ainsi les 3 membres de départ. Mais Ali a quelque peu changé le nom, en y ajoutant leurs prénoms (‘feat Ali, Astro et Mickey’). Il existe donc aujourd’hui deux variantes de UB40, puisque Duncan a poursuivi son chemin, de son côté, en conservant l’appellation. Un album (« Silhouette »), un Ep acoustique et un live plus tard, la nouvelle mouture de UB40 est donc repartie en tournée.
UB40 est au reggae ce que Madness et The Specials sont au ska. Car si le reggae constitue la charpente de sa musique, il se colore, suivant l’inspiration, de teintes irlandaises, galloises, écossaises, yéménites ou africaines. Et même de blues ! Si le line up du band implique aujourd’hui notre trio de base, c’est-à-dire le chanteur et guitariste rythmique Ali Campbell, l’autre vocaliste Astro ainsi que le claviériste Michael Virtue, il s’est enrichi de la présence de Don Chandler et Matthew Hoy aux basses, de Paul Slowley aux drums, de Michael Martin à l’autre gratte (également une rythmique), de Winston Delandro au trombone, de John Johnson à la trompette, de Colin Graham au saxophone et de Winston Rose aux chœurs.
Une estrade de 2 mètres de haut est érigée à l’arrière, sur laquelle vont s’installer le drummer et le claviériste. Sur laquelle un des bassistes ou des guitaristes va également se planter circonstanciellement. Des images seront projetées sur l’avant du podium et sur une toile tendue au-dessus du batteur.
Beaucoup de souvenirs se bousculent dans la tête de votre serviteur avant que le set ne débute. Il avait 17 ans et un peu de poil au menton. Il avait eu le bonheur de voir Bob Marley, en ‘live’. Puis s’est épris du reggae blanc pratiqué par un combo issu de Birmingham, UB40. Il avait succombé aux rythmes irrésistibles du ska, livré alors par Selecters, Madness ou encore Specials. Puis vécu les prémices du punk, en assistant aux frasques des Sex Pistols, mais surtout vibré à l’écoute du Clash, qui va marquer un tournant dans son éducation musicale. Il ne pouvait donc pas manquer le retour de cette formation insulaire…
Une image apparaît sur les écrans. On peut y lire en grandes lettres bleues ‘We Are’ et jaunes ‘UB40’. Puis les artistes déboulent sur les planches. Le set s’ouvre par « Reefer Madness », qui sert d'intro. Ali a pris du poids. Il tient toujours sa guitare à la manière de Macca, mais sa voix est intacte. A la fin du morceau, Astro s'époumone pour saluer l’auditoire qui applaudit chaleureusement. C’est d’ailleurs lui qui communique le plus souvent avec le public ; Ali, légèrement en retrait, se concentrant surtout sur sa six cordes. Et le voyage vers Kingston peut commencer.
A l’instar de « Keep On Moving », la cover des Wailers, qui figurait sur l’elpee mythique « Soul Revolution ». L’entame du morceau est même légèrement dub. La set list va proposer 12 reprises dont « Wear You To The Ball » (John Holt), « Stick By Me » (The Paragons), « Homely Girl » (The Chi-Lites), « The Way You Do The Things You Do » (The Temptations), « Cherry Oh Baby » (Eric Donaldson), « Please Don't Make Me Cry » (Winston Groovy), Kingston Town (Lord Creator) et « Many Rivers To Cross » (Jimmy Cliff). Des hits à la pelle, dont bien sûr leur « Just Another Girl ». Pour une première partie de 75 bonnes minutes.
Car le rappel va durer trois quarts d’heure. Pendant « Food For Thought », Paul Slowley étale toutes les facettes de son talent. Tous les musicos sont de retour pour aborder « Silhouettes », titre maître du dernier opus studio. Et UB40 va encore nous réserver deux autres adaptations, « Can't Help Falling In Love » (Elvis Presley) et « Red Red Wine » (Neil Diamond).
(Organisation : Ancienne Belgique)
Soirée sous le signe de l’Hexagone, ce vendredi 6 mai, dans le cadre des Nuits Botanique. Le Cirque Royal accueille The Avener, Synapson et Greg June devant un auditoire au départ clairsemé. Compte-rendu.
Greg June est un baroudeur qui puise son inspiration à travers ses voyages accomplis aux quatre coins du monde, mais également ses rencontres (Steve Forward, John Watts, Paul Breslin, Franck Authié), des expériences qui lui ont permis de définir son parcours musical. Découpé en 5 titres, son premier Ep, « One », est paru en septembre 2015. Un disque qui a exigé 8 ans de travail et dont il va proposer plusieurs extraits au cours de son set. Qui s’ouvre à 19h30 précises, soit une demi-heure avant l’horaire prévu. Ce jeune prodige pratique une musique folk/pop teintée de touches urbaines et électro. Il fait déjà très chaud dans la salle. L’artiste se consacre au chant, à la gratte semi-acoustique et aux ivoires. Il est épaulé par un préposé aux machines dont une boîte à rythmes. Souriant, sympathique même, il demande à la foule si tout va bien avant d’attaquer « Hey ». Sa voix est chaude et légèrement rocailleuse. Très interactif, il invite le public à reprendre en chœur le bref refrain. Et il s’exécute de bon cœur. Il utilise à bon escient le peu d’espace qui lui est réservé sur les planches. Il se déplace de gauche à droite (ou de droite à gauche, selon) en accentuant ses expressions à l’aide de ses mains. « No regrets » est un titre nettement plus électro. Et déjà, la fosse se transforme progressivement en immense dancefloor. Armé de sa gratte, Greg n’en oublie pas pour autant « Unify », une compo qui lui tient particulièrement à cœur. Et pour cause, il s’agit d’un vibrant hommage aux victimes des attentats de Bruxelles et de Paris. Ce qui lui vaudra des acclamations nourries… Quoique apparemment plus calme, cette chanson permet à sa voix de monter davantage dans les aigus, en fin de parcours. Le bidouilleur abandonne, le temps d’un morceau, ses machines et percus pour siéger derrière les ivoires. Et le show, de s’achever par le single « We Can't Never Talk ». Greg n’oublie pas de remercier Synapson, dont il assure le supporting act pour la tournée.
Synapson est sans doute le duo électro le plus prometteur, pour l’instant. Responsable de véritables tubes comme « All in You » (feat. Anna Kova) ou « Djoon Maya Maï » (NDR : auquel avait participé le regretté Victor Démé), il suscite énormément d’engouement de la part du public, tant pour ses prestations ‘live’ que lors de ses enregistrements studio. A son actif un Ep éponyme, publié en 2010, et un elpee, « Convergence », paru en octobre 2015, qui caracole toujours au sommet des charts. Paul et Alex ont accompli le tour de l'Hexagone au sein du projet Flash Deep, afin de mettre en exergue une nouvelle scène house française, aussi électronique que mélodique, capable de squatter les playlists, mais surtout destinée à faire danser les foules.
Derrière les 2 bidouilleurs (NDR : un préposé aux synthés et à la boîte à rythmes et un autre derrière les platines), on découvre une grande structure en triangle, sur laquelle est disposée des néons. Et ce light show va impressionner !
L’électro/pop contemporaine du combo est largement contaminée par des percus aux sonorités africaines. Mais elles sont dispensées par des synthés. Electrifiée, la guitare de Sirius Tréma est très susceptible de dynamiter le show. Faut dire que le musicien est doué. Il s’autorise même des solos hendrixiens. Le groove libéré par Synapson est unique en son genre. Originale, la musique vous communique de bonnes sensations dans les jambes, mais sans les fourmis. En finale, la très jolie Anna Kova vient poser la voix sur le tube « All In You ». Ce qui démontre l’ouverture d’esprit du tandem, dont la musique s’inscrit dans la lignée de Hyphen Hyphen. Et finalement, la prestation va mettre le souk dans la fosse. Tout le monde danse, y compris dans les balcons. Surpris et impressionné par l’enthousiasme manifesté par le public, le duo va le remercier à plusieurs reprises.
Tristan Casara s’installe derrière une immense table. Le producteur va bénéficier d’un light show tout aussi blaise. Mais l’ambiance est glaciale. Pourtant chaud, le public ne parvient pas à faire fondre cette glace.
Et ce n’est ni la cover du « Lonely boys » ou celle du « Big Jet Plane » d'Angus et Julia Stone qui changera la donne. Le Niçois clôture son set par une version du « Around The World » de Daft Punk, dans la plus grande indifférence. En se contentant de tirer des sonorités de ses machines, sans leur injecter le moindre feeling, et sans la moindre interactivité avec son public, The Avener ne méritait sans doute pas de figurer en tête d’affiche. Les artistes qui l’ont précédé se sont montrés bien plus convaincants…
(Organisation : Les Nuits Botanique)
The Avener + Synapson + Greg June
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Dans le cadre des Nuits Botanique 2016, la fabuleuse salle du Cirque royal accueillait Yann Tiersen, musicien et compositeur responsable de ballades mélancoliques, dont certaines sont devenues notoires. Et c’est au sein d’une ambiance décontractée qu’il est venu présenter son dernier petit bijou. Intitulé « EUSA », son neuvième opus rend hommage à sa Bretagne bien-aimée. Dix morceaux délicats, oniriques. Un voyage aux effluves bretons, mais qui souffre parfois d’une absence de tressaillements, d’émotions inattendues.
« 48° 26' 19" N 5° 6' 40" W ». Non, ce ne sont pas exactement les durées des morceaux du nouvel elpee de l’artiste récompensé à deux reprises par une Victoire de la Musique pour les films ‘Le Fabuleux destin d’Amélie Poulain’ et ‘Good Bye, Lenin !’ Pour ce dernier essai, Yann Tiersen s’est retranché dans son fief natal, loin du tumulte de la ville, afin de composer de nouveaux poèmes symphoniques. De « Porz Goret » (dont les coordonnées sont communiquées en introduction) à « Lok Gweltaz » en passant par « Penn Ar Roc’h », l’artiste a arpenté les recoins de l’île d’Ouessant en y laissant son empreinte musicale. En effet, chaque plage de son dernier long playing, dont la sortie est prévue pour septembre 2016, a été baptisée suivant les noms des lieux qu’il a visités. C’est un vibrant tribut à la région qui l’a vu naître.
La salle est comble. Sur scène, un piano à queue trône à côté d’un violon, de deux ‘toy’ pianos et d’un mélodica. On connaissait la timidité de l’artiste et il le prouve une fois de plus. Une bière à la main, il s’avance nonchalamment et s’installe derrière ses ivoires. Les premières notes sont hésitantes. Un magnétophone par bande magnétique diffuse simultanément des enregistrements de différents lieux captés sur l’îlot ouessantin. On entend les vagues s’échouer sur les côtes. La symbiose semble tracer une parfaite harmonie. Mais les premières minutes laissent un goût de trop peu. Le temps s’égrène et les compositions manquent d’émotion. Jusqu’à cette ballade intitulée « Penn Ar Roc’h », un morceau dont les suites de croches rendent vigueur à des fragments musicaux jusqu’ici légèrement moroses. La prestation du compositeur, timide et hésitante au départ, monte progressivement en crescendo. Sans doute aussi à cause de son doigté, de plus en plus agile.
La suite s’annonce plus allègre. Le titre « Kadoran » démontre sa virtuosité au piano tandis que celui de « Penn ar Lann », révèle sa sensibilité. Le public est conquis. L’artiste adresse un timide merci entre chaque grande composition, ce qui fait rire l’auditoire. La troisième partie fait la part belle au violon ou au toy piano, qu’il joue de main de maître. Le tube « La dispute » interprété au mélodica et aux ivoires nous replonge dans le film qui a rendu célèbre le multi-instrumentiste. Les mélomanes sont sous le charme. La soirée se termine, en apothéose. Magistral, le violon illumine le fabuleux « Sur le fil ». Et la prestation est unanimement ponctuée par des applaudissements nourris.
Ce dernier LP, aux couleurs ouessantines, joue la carte des émotions et propose un retour aux sources pour le maître des ballades mélancoliques. Ouessant, Eusa en breton, est un lieu où l’artiste a jeté l’ancre. Ses titres sont composés avec beaucoup d’amour. Mais l’ensemble de son chef-d'œuvre manque parfois de mordant, d’un grain de folie. Peut-être qu’en rendant hommage à ces lieux tant aimés, le maestro a oublié d’en explorer d’autres.
Organisation : Botanique + Live Nation
Yann Tiersen
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Depuis 2005, malgré plusieurs changements de line up, Woods continue de briller sur la scène musicale. Une formation issue de Brooklyn qui jamais ne flirte avec le mauvais goût. Et qui, en outre, continue de publier des œuvres incontournables. Et ce « City sun eater in the river of light » ne déroge pas à la bonne règle. Son neuvième album studio est peut être son plus abouti commis à ce jour ; et constitue certainement un des meilleurs de ce premier semestre.
A l’instar des elpees précédents, la bande à Jeremy Earl a assuré le boulot de A à Z : de l’écriture au mastering en passant par l’enregistrement. Et pas seulement ! « City Sun Eater in the River of Light » paraît sur le propre label, Woodsist du band (NDR : une écurie qui héberge notamment Ducktails, Moon Duo et Real Estate) et la production a été confiée au bassiste, Jarvis Taveniere. Si une telle emprise lors de la conception d’un album, sans devoir faire face au moindre ‘contre-pouvoir’, peut se révéler néfaste ; force est de constater que sur cet LP, tout est parfait.
Le long playing commence d’ailleurs très fort par« Sun City Creeps », une piste magnifiée par les trompettes et dynamisée par la guitare. Le temps d’un morceau, Woods nous entraîne du côté de la frontière mexicaine. Avant d’en revenir à un style plus académique, fruit d’un mélange entre folk, rock et psyché. Woods se consacre à la lap steel (« Morning Light »), se réserve l’un ou l’autre solo de guitare (« Creature Comfort ») ou encore tapisse la compo d’orgue (« Can’t See At All »). Il parvient constamment à insuffler de l’énergie à chacune des compositions, à l’instar de l’excellent « The Other Side », un des temps forts de cet album.
Les mélodies sont, en général, atmosphériques et paisibles. Mais surtout elles sont illuminées par le falsetto de Mr Earl.
Woods vient de graver un album tout bonnement remarquable. Et après nous avoir littéralement scotchés, le band new-yorkais va se produire près de chez nous, d’ici un bon mois ; soit le 20 juin à Aéeronef de Lille le 20 juin et le 23 au DOK de Gand.
Bien que née en Louisiane et résidant aujourd’hui à Brooklyn, Julianna Brawick ne tient pas en place. Pour enregistrer le très réussi « Nepenthe », son opus précédent, elle s’était rendue en Islande, profitant ainsi des paysages faits de glace et de volcans, pour en imprégner l’atmosphère de sa musique.
« Will », son troisième elpee, a été écrit entre New York, Lisbonne et la Caroline du Nord, à une époque où elle multipliait les collaborations. En compagnie de Yoko Ono ou des Flaming Lips, par exemple. Pourtant, malgré le changement de climat, on ne peut pas dire que l’ambiance de cet LP soit particulièrement chaleureuse. A l’instar de son précédent essai, Julianna Barwick nous propose de longues plages sculptées dans un électro/folk saupoudré d’effets (NDR : des loops par exemple), des compositions sur lesquelles elle vient paisiblement poser sa voix. Une voix –parfois soutenue d’un backing vocal– noyée dans la reverb. Une expression sonore propice à la méditation ou à la contemplation. Un titre sort quand même du lot, l’excellent « Beached », au cours duquel les nappes de claviers se superposent sans jamais se froisser. Pourtant, l’artiste se sert également d’instruments organiques. Afin d’étoffer l’ensemble. Dont un piano ‘classique’ sur « Heading Home ». Inévitablement, à cet instant, on ne peut s’empêcher de penser à Olafur Arnalds.
Julianna Barwick se produira à Bruxelles dans le cadre des Nuits du Botanique le mardi 7 juin en compagnie de Julia Holter. Une soirée de saine décontraction, en perspective…
Il y a quelques semaines, on avait découvert The Sore Losers, une formation limbourgeoise pratiquant un blues/rock aussi saignant que vintage. Place aujourd’hui à d’autre revivalistes tout aussi énergiques, Birth of Joy. Mais des Bataves. Issus d’Utrecht. Qui tout en puisant davantage dans le garage, colorent leur expression sonore de teintes psyché, afin d’apporter de la subtilité à leurs compos.
« Get Well » (NDR : c’est ce qu’on souhaite à vos oreilles, après avoir subi les assauts répétés de ces Oranges énervées) constitue le 4ème elpee du band. Dont les plages s’expriment à travers des salves stoner (« You Got Me Howling »), de réminiscences bluesy (« Midnight Cruise ») mais aussi progressives (« Numb »)… Puissante, la musique se distingue par sa force de force de frappe. Impressionnante, elle atteint son zénith tout au long du titanesque (NDR : cette batterie !) « You Got Me Howling ». Tous orgues dehors, les allumés de Birth of Joy correspondent à une version psychédélique du Queen of The Stone Age…
Quelle pêche ! Dead Cowboy’s Sluts –Putes de Cowboys Morts (tout un programme !)– nous livre son second opus studio intitulé « Obedience ». Le moins qu’on puisse dire, c’est que ça colle aux bronches. Pendant un peu moins de trois-quarts d’heure, il envoie une volée de bois vert, mais métallique (?!?!?), dans un style difficilement classifiable. Un style qu’on pourrait qualifier de thrasho-metal-core, mais dont les accents sont empruntés à Lamb of God, s’il ne fallait citer qu’eux. La voix puissante de Benjamin Leclerc, soutenue par une batterie rapide et des guitares carrées, ne vous lâche pas d’une semelle. Un mur de son, qui profite de temps à autre d’un break de courte durée pour repartir de plus belle et tout écraser sur son passage. Bien insensible et partiellement sourd celui qui ne ‘headbanguerait’ pas à l’écoute des douze morceaux de ce LP. Un reproche néanmoins : trop d’éléments sont intégrés dans les compositions. Ce qui de temps à autre sature l’expression sonore et neutralise des idées qui auraient pu être davantage exploitées. A l’instar de la plage titulaire de l’elpee, au cours de laquelle l’excellent riff de départ, sensé profiler tout le morceau, aurait pu être mis davantage en exergue, au lieu de le noyer dans la masse. Ou encore de temps à autre ces breaks trop courts que pour être réellement dévastateurs. En trois mots : less for more. Mention néanmoins à « Red Light District », titre à l’architecture atypique sur cet LP. Plus languissant, ténébreux, doté d’une identité particulière, il devrait s’avérer plus que probablement terriblement efficace en ‘live’. Quoi qu’il en soit, « Obedience » est une très belle surprise, un concentré de puissance explosive qui ne demande qu’à être circonstanciellement mieux aiguisée afin de devenir davantage incisive et pénétrer plus profondément dans le gras de la bête. Une bonne fois pour toutes.
Gentleman of Verona s’est donc mis en tête de composer la B.O. d’un film qui n’a jamais existé… Concept original très susceptible de conférer –dans les faits– une liberté absolue à un groupe, dont le passé musical se limitait à un rock/garage bien plus basique ! Une liberté amplifiée par le concours du fameux Warren Ellis –oui, celui des Bad Seeds et de Dirty Three– qui a suivi en personne (mais à distance) la production de cet album… Emporté par la voix puissante et chamanique de Debby Termonia (rappelant parfois celle d’Alison ‘VV’ Mosshart de The Kills), ce trio gantois a créé la bande-son d’un long métrage décidément noir et claustrophobe. Mais cette B.O. lorgne surtout vers celle réalisée depuis belle lurette par la talentueuse Mrs. Harvey ». Caractérisé par son rock lyrique et ténébreux, entretenu par des accords de gratte et des drums bruts de décoffrage, l’univers intriguant –à défaut d’être singulier– de Gentleman of Verona est d’ailleurs très proche de celui cher à la pythie anglaise. En concert ce 5 mai au Café Central à Bruxelles et le 8 du même mois au Mombasa d’Anvers.
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