A chacune de ses sorties, on attend de Troy Von Balthazar qu’il nous administre une nouvelle décharge émotionnelle à l’aide de compos ultrasensibles et à fleur de peau… Premier elpee solo du leader de Chokebore depuis 2012, « Knight of Something » adopte une perspective semblable, regorgeant de morceaux aussi mélodiques qu’écorchés. Exploitant une instrumentation ascétique partagée entre cordes de guitares saturées (« Surfer ») ou acoustiques (« Empire of My Hate »), quelques notes de piano (« Smarter ») ou claviers déviants (« Astrid »), l’Hawaïen parvient à torcher des mélodies délicates et sombres au sein desquelles vient se lover sa voix unique, parfaitement taillée pour vous refiler cette mélancolie ‘lo-fi’, véritable et inimitable signature. Enregistré entre Berlin et le Sud de la France, ce 4ème opus solo ne devrait donc pas décevoir les mélomanes adeptes du sad-folk !
Brothers Brown réunit des musiciens issus de Los Angles et de Nashville. Son style ? Americana. Ou roots. Suivant les avis. Les deux leaders ont le même nom. Compositeur, producteur, chanteur et guitariste, Paul (NDR : le Californien) est un musicien de jazz notoire. A ce jour, il a publié six albums. Brother Paul (NDR : le Tennesséen) est également compositeur et producteur, mais claviériste. Le duo est soutenu par une section rythmique réunissant David Santos à la basse et Pete Young à la batterie. "Dusty road" constitue leur premier opus.
"Cup of tea" est une solide entrée en matière. Parfaitement soudée, la section rythmique évolue dans un style très proche du funky/blues/rock de Little Feat ; et la voix de Brown colle parfaitement au style. Brother Paul double au piano alors que la guitare de Paul s'intègre aisément dans l’ensemble. "Love sake" est un blues lent, cool, flemmard, si vous préférez. Tapissant le décor sonore et communiquant une chaleur intense au morceau, l’orgue Hammond sert de base de lancement au chapelet de notes dispensées par le gratteur. Libérant énormément de groove, "Sweet Cadillac" est un funky blues raffiné par les percus de Young. L’intro de "When all is said and done" met en exergue la subtilité du doigté de Brown. Ses interventions sont parcimonieuses, créatives et chargées de feeling. David et Pete impriment un profil funk aux pistes qui filent vers la planète blues, à l’instar du remarquable "Can't outrun the blues". Ballade roots imprimée sur un tempo nonchalant et alimentée par le piano ainsi que l’orgue de Brother Paul, "The river" lorgne vers le Band. Une plage caractérisée par ses vocaux en couches, dont parvient à s’extraire admirablement, celle de Santos. Dans le même style, Paul Young chante "Drink you off my mind", une piste marquée par une très belle sortie de l’orgue Hammond. La slide du gratteur de Little Feat, Paul Barrère, et la six cordes de La Brown s’autorisent un duel tout au long du rocker vivifiant "Hurricane". Bien jolie ballade funkysante, "Nothin' but love" nous réserve une sortie imparable sur les cordes, alors que la voix se révèle à la fois autoritaire et convaincante. Imprimé sur un mid tempo, "Thos old heart" se distingue par des interventions impeccables de l’orgue et de la guitare. Toujours d’aussi bonne facture, "California" conjugue blues et jazz, grâce aux effets de pédales exécutés par LA Brown. Le titre maître clôt le long playing, une compo balayée de percus exotiques, au cours de laquelle orgue et guitare se réservent des sorties bouleversantes. Excellent !
Impliqué au sein de différentes aventures (Experience, Panti Will,…), depuis la dissolution de Diabologum en 1996, Michel Cloup n’a rien perdu de son tempérament ; et il le démontre encore aujourd’hui à travers son projet solo, Michel Cloup… Duo (?!?!?) Toujours aussi engagé, l’artiste n’hésite pas à dégainer des textes désabusés et foncièrement politiques sur son nouvel essai intitulé « Ici et là-Bas ». Entre uppercuts conscientisés (« La Classe Ouvrière s’est Enfuie ») et dévoilements introspectifs personnels (« Qui Je Suis »), Michel Cloup conjugue l’universel au personnel afin d’accentuer l’impact de textes directement significatifs et souvent impitoyables (« Animal Blessé »). Une poésie urbaine et contemporaine qui s’appuie sur des guitares âpres, métalliques mais efficaces, et un drumming assuré par le nouveau venu Julien Rufié (NDR : ce qui explique la particule ‘duo’), qui remplace Patrice Cartier. Etranger où qu’il soit (sa mère était italienne), le Toulousain se livre à cœur ouvert tout en commentant le monde avec une certaine acuité et un dégoût certain. Et pour y parvenir, il a recours le plus souvent à un forme de ‘spoken word’ plutôt qu’au chant. Il parvient ainsi à créer un univers unique et bouleversant dont le sommet de troublante impudeur est atteint sur les 14 minutes d’« Une Adresse en Italie », où tout mélomane devrait pouvoir piocher des messages qui collent à son expérience quotidienne… entre espoir et désespoir…
Etablie à Nashville en 2001, Stacie Collins est une chanteuse de blues et de rock. Egalement harmoniciste, elle reconnaît pour influences majeures, les légendes du Chicago blues telles que Little Walter et James Cotton. Elle s'est forgée une solide notoriété en cumulant les tournées. Al Collins, son époux, se consacre à la basse. Il milite également au sein de Jason and the Scorchers. Le couple signe la quasi-totalité du répertoire. Dès ses débuts, le ménage est parfaitement intégré à la scène locale. Dan Baird, le leader des Georgia Satellites, se charge de la production et leur apporte régulièrement son concours à la guitare, tout comme Ken McMahan (ex-Dusters) et Warren E. Hodges. Paru en 2013, leur dernier effort (cd + dvd), "Shinin' Live", dépassait les 90’.
Les sessions d’enregistrement de ce nouvel LP se sont déroulées au studio Sound Emporium, à Nashville. Pour la circonstance, elles ont bénéficié du concours de deux gratteurs, Audley Freed (ex-Black Crowes) et à nouveau Dan Baird, la gloire locale, désormais leader de Homemade Sin.
Stacie démarre en force par le dynamique "Lost and found". Elle souffle comme une possédée dans son harmo avant de passer derrière le micro, sur un rythme très rock'n'roll. Elle aborde "King of rock", une composition séduisante au cours de laquelle ses interventions à l'harmonica sont bien plus délicates. Renforcée par celle d’Eric Borash, les grattes balisent le rythme. Michael Webb tapisse "Gonna fly" de son orgue, une plage pop/rock sculptée dans les riffs ‘rollingstoniens’. Imprimé sur un mid tempo, "It's over" ne manque pas de charme, et met bien mieux en valeur le potentiel vocal de Stacie, alors que Freed se libère sur ses cordes. Michael Webb est passé à l’accordéon pour "Heart on my sleeve", une piste country aux accents locaux et à la saveur tex mex. La rythmique implacable de Dan Baird amorce "Jani", un titre qui évolue dans un registre proche des Georgie Satellites, mais enrichi par la voix féminine et féline de Stacie. Elle reprend son harmonica pour "Can't do without you", une plage au cours de laquelle ses courts envols sont ponctués d’effets dramatiques. Et dans la foulée, injecte une fameuse dose de sensibilité au country/blues, "Keep rollin'", un morceau tramé dans les cordes acoustiques. Avant de s’attaquer à "Later than you think", une plage particulièrement blues, imprimée sur un rythme, qu'aurait certainement apprécié Howlin' Wolf. Parsemé d’accents réverbérés, "Blood Moon" clôt "Roll the dice", un des sommets du long playing. Sans doute le meilleur album enregistré Stacie Collins, à ce jour.
Jack and the ‘, c’est avant tout Julien Lonchamp, un Français exilé à Edimbourg. C’est lui l’initiateur et le moteur de cet ambitieux projet qui s’est concrétisé par la sortie de « Melody Cycle ». Il s’agit de son premier album. Deux Eps étaient parus précédemment, en 2014 et 2015. Il a fallu plus de quatre ans de travail et une bonne dose d’abnégation avant de voir paraître cet opus. Les dix-huit morceaux ont été écrits par l’artiste entre Dublin (où il effectuait sa thèse), Edimbourg (où il s’est installé) et Nancy (sa ville natale). Pour la musique, il a fait appel à dix-huit musiciens dont un quintet de cuivres et un orchestre de musique contemporaine baptisé Apostrophe Ensemble » (ce qui explique le patronyme Jack and the ’). Il lui a fallu un an pour assembler toutes les composantes, mais également conférer une certaine homogénéité à l’ensemble. Alors, « Melody Cycle » réussite ou échec ? N’est pas Sufjan Stevens qui veut !
Cet elpee baigne dans un climat pop/folk baroque, bien british, subtilement teinté de jazz. Un climat qui bénéficie d’un supplément d’âme anglo-saxon qu’on retrouve chez les folkeux irlandais et écossais d’une époque révolue. Mais également de mélodies allègres susceptibles de colorer votre imagination de collines verdoyantes sillonnées de murs en pierre sèche… Parfois, la musique de Jack and The ' évoque celle de Belle & Sebastian. Surtout quand elle est enrobée de chœurs. Différence, quand même, Julien Longchamp ne possède pas le même organe vocal que Stuart Murdoch.
Les accents jazzyfiants sont essentiellement entretenus par les ivoires. Parmi les 18 pistes, on décèle quelques instrumentaux. Etait-ce vraiment indispensable ? Car quoique agréable à l’écoute, cet LP semble parfois tirer en longueur. Enfin, pas en fin de parcours, car c’est justement au bout de l’effort que « Melody Cycle » nous réserve de véritables petites perles… Quoiqu’il en soit, Julien Lonchamp n’a pas à rougir de son œuvre. Le travail finit toujours par payer. Et en alliant concision et efficacité, l’artiste pourrait nous réserver une bonne surprise, dans le futur...
Songwriter britannique, Bill Pritchard est actif sur la scène musicale depuis 1987. Discret mais talentueux, ce gentleman est cependant surtout connu en France. A ses débuts, il a ainsi notamment collaboré avec Daniel Darc, Françoise Hardy et Etienne Daho. L’artiste a une haute estime de la musique et tout particulièrement d’une certaine forme de pop haute couture. Inactif depuis 2005, l’Anglais avait cependant refait surface en 2014, publiant « Trip to the Coast », suite à sa signature sur le label allemand Tapete, havre pour quelques vétérans sur le retour –mais qui ont encore de belles choses à raconter– tels que Lloyd Cole ou Robert Forster, plus récemment.
Bill nous propose aujourd’hui un second volet de ce come-back. Tout au long de « Mother Town Hall » on retrouve cette voix si élégante drapée d’une instrumentation d’orfèvre, balançant entre accords de piano et cordes savamment arrangées (« Vampire to New-York »). Dès le très pop « Saturn and Co » qui ouvre l’opus, un titre caractérisé par ses ‘la-la-la’, le mélomane est conscient d’être en présence d’une pop distinguée comme seuls les insulaires sont capables de nous livrer ; à l’instar des Kinks, de Paul Weller ou plus récemment de The Leisure Society. Essayez de résister au refrain de « Mont Saint-Michel » ou au jazzifiant « My First Friendship » ; et si vous ne succombez pas, c’est que vous êtes allergique au sens mélodique. Car la pop de chambre de Bill Pritchard est tout simplement irrésistible, intemporelle (« Heaven ») et belle…
Ce quatuor suédois pratique de l’american mountain music. Ce véritable orchestre à cordes implique une fille et trois garçons. Soit la violoniste Agnes Brogeby, le banjoïste Erling Bronsberg, le violoncelliste Jonas Bleckman et le guitariste Simon Nyberg. Ils se partagent les vocaux. A son actif, un premier album publié en 2014, "The shape of Yada to come". Responsable d’un répertoire varié, le groupe n’hésite pas à mêler compos personnelles à des thèmes traditionnels.
"Georgia Railroad" nous invite à pénétrer dans un univers allègre et dansant. Violon, banjo et guitare se conjuguent. Agnes chante d’un timbre nasillard et légèrement âpre. Le violoncelle assure autoritairement la trame rythmique tout au long d’"Until the devil knows I'm dead", une superbe ballade au cours de laquelle chaque instrument est bien en place. Composition originale, "Sweet by and by" évoque les difficultés rencontrées par la classe ouvrière américaine. Parmi les traditionnels, on épinglera l'entraînant "Cumberland gap", "Tom Dooley", chanté par Jonas, "Lazy John", un folk blues de bonne facture qui met en exergue le banjo, le dansant "Trouble in mind" et l’entraînant "All night long", deux invitations à se secouer tout en chantant à chante à tue-tête… Une pointe d’émotion dans la voix, Agnes interprète la ballade country/folk "I've endured", un titre signé par feu Ole Belle Reed, une chanteuse issue de la Caroline du Nord. La cover du "No one knows" de Queens on the Stone Age est plus surprenante. La voix d’Agnes y est soutenue par l'ensemble des cordes. Féroce et bien rythmée, celle de "Fear and trembling" du groupe punk suédois Disfear est tout aussi étonnante. La version de "Iko Iko", hymne local de la Nouvelle Orléans qui reflète l’ambiance festive du Mardi Gras, est balisée par le violon de Miss Brogeby.
Il y a un peu moins d’un an, Black Mountain se produisait dans le cadre des Nuits Botanique. Une belle opportunité de fêter le dixième anniversaire de la sortie de son premier elpee. Il était de retour ce mercredi soir à l’Orangerie, pour défendre son quatrième opus, baptisé logiquement « IV », un disque encensé par la critique. Un retour magistral à son premier amour.
La première partie est assurée par Guy Blakeslee. L'Américain est surtout connu comme leader du The Entrance Band. Il est venu présenter son premier LP solo, "Ophelia Slowly". Il grimpe sur l’estrade vers 20 heures. Il est seul, armé de sa sèche. Peu notoire sur le Vieux continent, il se produit dans l’indifférence quasi-totale. Faut dire que lors de son set, le public est plus que clairsemé…
Vers 21 heures, les lumières s'éteignent à nouveau. Les choses sérieuses peuvent commencer. Le line up du band réunit la chanteuse Amber Webber, le bassiste Brad Truax, le drummer, Josh Wells, le claviériste Jeremy Schmidt et le chanteur/guitariste Stephen McBeam. Ce dernier est le parfait sosie de Dude (interprété par Jeff Bridges), dans le film ‘The Big Lebowski’. En moins apathique, quand même. Il se plante à gauche du podium, tandis qu’Amber s’installe au centre. Le quintet canadien ouvre le set par deux titres du dernier long playing. Le climat est lourd. Tamisé et minimaliste, le light show émane de l’arrière-scène. Très à l’aise, la chanteuse se réserve alors le lead vocal. Mais rapidement, les riffs blues/rock entrent dans la danse. Paradoxalement, des riffs à la fois subtils et puissants. McBeam s’en donne d’ailleurs à cœur joie sur sa gratte. Et lorsqu’il chante, l’intensité monte encore d’un cran. Les interventions de l’orgue –le plus souvent en nappes– colorent les compos de psychédélisme. Tout est parfaitement en place. Et le band canadien n’hésite pas à aller repêcher des morceaux plus anciens, à l’instar de l’excellent « Stormy High ».
Malheureusement, le son n’est pas à la hauteur. Ce n’est pas la première fois que l’Orangerie souffre de ce déséquilibre de balances lors du mixing. Ainsi l’amplification d’un instrument dépend beaucoup trop de l’endroit où l’on se situe dans la salle. Quand on est planté devant le préposé au synthé, on n’entend guère la guitare. Alors imaginez la frustration, lorsqu’au bout d’une demi-heure, Black Mountain attaque le splendide « Tyrants », un titre magnifié –sur disque– par les cordes électriques. Soit…
D’une bonne heure, le concert s’achève par un superbe morceau de 10 minutes, que McBeam met à profit pour démontrer toute l’étendue de son talent sur sa gratte. Enfin, quand on l’entend…
La formation vancouvéroise revient rapidement pour accorder un rappel au cours duquel elle va nous réserver l’excellent « Don’t Run Our Hearts Around ».
Malgré une sonorisation approximative, Black Mountain est parvenu à tirer son épingle du jeu ; et tout particulièrement grâce au duo McBeam/Amber. Vu le monde agglutiné au stand merchandising, en sortant de la salle, il faut croire que le public a accroché.
(Organisation : Botanique)
Nouveau venu sur la scène indie-rock belge, Rince-Doigt vient gonfler la liste des groupes qui se distinguent par leur patronyme ridicule. Aussi, avant d’avoir écouté une seule note de cet opus, on imagine que la formation pratique du math-rock. Et à raison. D’ailleurs on peut même ajouter que l’expression sonore de ce band n’est guère originale. Mais, de là à s’en laver les mains, ce serait trop facile.
Tout au long de cet LP, le climat est allègre. Les six pistes évoluent entre passages mélodiques et moments plus incisifs, à l’instar de l’excellent « Giboulée de cobras » (NDR : petit coup de cœur). Talonnée par la basse, la guitare mène souvent la danse, alors que la batterie marque le coup, sans jamais en faire trop. Rince-Doigt navigue donc très loin des combos de math/rock qui cherchent constamment à caser le plus de notes possibles en une seconde. Non, ici, l’accent est mis sur les ruptures. Et elles foisonnent. « Lateral coup de pied » en est certainement le plus bel exemple. Dans un registre susceptible d’évoquer les Rennais de Totorro ou Mermonte, mais dans une version instrumentale.
Rien de bien neuf à l’horizon ; cependant l’ensemble tient parfaitement la route, grâce à une mise en place irréprochable et une production qui l’est presque tout autant. Et finalement, en baignant au sein d’une excellente ambiance, ce « Plinth » n’est certainement pas à blâmer et permet tout simplement de passer un bon moment…
A noter que le groupe se produira dans le cadre du festival Century Rock à Mouscron, ce 14 mai.
Après avoir accompli une tournée de dix dates en France, en compagnie de Ricard Live –dont un crochet via l’Aéronef de Lille, il y a 15 jours– Puggy se produisait à La Madeleine, ce lundi 11 avril, pour nous présenter 6 extraits de son nouvel et album « Colours » (NDR : c’est son quatrième) qui sort le 22 du même mois. C’est sold out. Donc il doit y avoir plus ou moins 1 200 personnes qui attendent le trio de pied ferme, parmi lesquelles on dénombre une belle cohorte de fans.
Aprile, aka Nicolas Donnay, assure le supporting act. Il s’agit du nouveau poulain de Nicolas Renard, le manager de Puggy. Barbu, les cheveux coiffés en chignon, il se produit seul sur les planches, armé de sa gratte semi-acoustique. Ce Liégeois possède une voix superbe, puissante, rappelant celle de Jason Kay (Jamiroquoi). L’artiste va nous interpréter quatre titres, en une vingtaine de minutes, dont « Cheap chick », un extrait de son premier Ep. Sa musique campe un hybride entre pop, funk et jazz, que les puristes n’hésitent pas à qualifier de néo soul. Et à l’issue de chaque morceau, il est chaleureusement applaudi. L'artiste publiera un nouvel Ep, cet été (Pour les photos, c’est ici).
Réunissant un Suédois, un Français et un Britannique, Puggy vit en Belgique. Un pays au sein duquel il se sent particulièrement bien soutenu. Et ce depuis 2007, année de la sortie de son premier elpee.
Les lumières passent au bleu. Les filles s’époumonent. Et c’est sous une immense ovation que le band débarque. Il est 21h10.
Ziggy dispose d’une batterie flambant neuve et se sert circonstanciellement d’un clavier. Il siège à droite du podium. Matthew se plante au centre. A sa disposition, une panoplie de grattes semi-acoustiques et une électrique rutilante, dont il va surtout avoir recours, lors des nouveaux titres. Imperturbable, Romain s’installe à gauche, toujours fidèle à sa vielle basse, modèle 1965. Et à l’arrière, se poste le nouveau claviériste/pianiste, Matthieu Vandenabeele, qui remplace John Janssens.
Les musiciens semblent en forme. Percutant, « Fight Like You'Re Fighting » ouvre le set, un morceau funky pop, légèrement teinté d’électro. Matt s’adresse au public en les invitant à faire du bruit (NDR : comme lors d’une rencontre de basket !) Et il s’exécute. « Last Day On Earth (Something Small) » fait monter la température de quelques degrés. Romain saute sur place. D’un air vengeur, Ziggy frappe sauvagement les peaux de ses fûts. Matt jongle entre ses trois grattes. Il improvise et module sa voix en fonction des émotions qu’il injecte dans ses chansons. Véritable bête de scène, il a déjà l’auditoire dans sa poche. Faut dire qu’il y a un an que la plupart des aficionados n’ont plus eu l’occasion de voir le band en ‘live’. Et quelque part, lorsqu’il se produit à domicile, la formation joue sur la corde sensible. Matt adresse un petit signe à Alex pour régler sa voix au micro, et balance : ‘Bruxelles, on y va!’
« Feel So Low » est plus que probablement le prochain tube. Le single, « Lonely Town », l’est presque déjà. Plus funky pop, « Soul » libère énormément de groove. Beatlenesques, les harmonies vocales à trois voix sont particulièrement soignées tout au long de « To Win The World ». Matt a repris sa semi-acoustique pour « How I Needed You ». « Change The Colours » bénéficie d’un refrain contagieux. Le light show est versatile. Le titre est judicieux, même si lors du set accordé à l’Aéronef, les variations de lumières étaient davantage mises en évidence grâce à une toile tendue en arrière-plan, des fluctuations qui procuraient une sensation de magie… Ici, la configuration des lieux ne permet pas ce type d’éclairage. Le public est chaud boulette et réactif. Une véritable communion s’établit entre le combo et la foule. Un air de folie s’y propage. Et c’est dans cette ambiance, que « Territory » clôt le spectacle.
En rappel, Puggy va nous réserver « Dubois Died Today » suivi de « To Win The World ». Les septante-cinq minutes du set sont passées à une vitesse vertigineuse. Une excellente prestation, même si celle de Lille était encore meilleure. Mais elle risque encore de s’améliorer le 14 mai au Cirque Royal et le lendemain à l’Ancienne Belgique, puisque les musicos auront eu le temps de rôder davantage leur spectacle. Pas de bol pour les retardataires, les deux dates sont sold out depuis belle lurette. Une question s’impose cependant, 2016 sera-t-elle une nouvelle fois l'année Puggy ? (Pour les photos, c’est là).
(Organisation : Live Nation)
En ce dimanche 10 avril, tout se ligue contre les mélomanes qui ont décidé d’aller applaudir Damien Jurado, au Botanique de Bruxelles. D’abord, à cause de la fatigue du week-end qui s’achève. Un week-end aux fumets de barbecue et aux relents de rosé d’Anjou. Ou alors simplement propice à la farniente voire aux ballades ou encore au chilling. Et puis, se déplacer, à Bruxelles, un dimanche soir, via les transports en commun, s’avère depuis quelques semaines, particulièrement téméraire...
Aussi, imaginer qu’on va s’enfermer dans la boîte de l’Orangerie pour terminer ce week-end magnifique, peut sembler inapproprié. Sauf que… ce dimanche soir, l’extraordinaire Damien vient défendre « Visions of Us On The Land », son dernier opus. Et d’ailleurs, c’est bien là que le véritable but de cette fin de semaine se situe. Une œuvre qui clôt sa trilogie entamée dès 2012 par « Maraqopa » et poursuivie sur « Brothers And Sisters Of The Eternal Son », en 2014. Trois elpees éblouissants qui racontent l’histoire d’un voyageur qui part à la rencontre du bien et du mal, de l’ésotérisme, de la pensée et du rêve, avant d’achever ce périple lorsqu’il est sûr d’avoir acquis la plénitude dans le doute. Une ambiguïté que l’artiste semble d’ailleurs entretenir. On ne le sait pas encore, mais ce spectacle va littéralement nous scotcher et nous dégriser des excès de la veille, telle une partie de jokari.
Tout commence à 20h00…
Avant de pénétrer dans l’Orangerie, on a pris soin d’emporter un gobelet de houblon qu’on tient aux bords des doigts. Il fait soif ! Et quand on a encore la gueule de bois, rien de tel que de soigner le mal par le mal. Passé le cachet imprimé au bord du poignet, on entre paisiblement dans la salle.
Complices, les lumières s’éteignent. Astronaute monte sur l’estrade. En toute modestie. Au beau milieu des rires, des bruits provoqués par les GSM, des conversations… Pas le moindre applaudissement pour saluer son apparition. Au bout de quelques accords, une voix s’extirpe de ce brouhaha. C’est celle de Myrthe Luyten. Androgyne, profonde, sublime, hypnotique. Et il ne faut pas deux phrases avant que l’auditoire ne fasse le plus grand silence. Il semble surpris par tant d’intensité et de tessiture dans le chant. Devenu muet, il pose ses lèvres sur le godet et avale autant les compos que la mousse qui, elle, commence à se faire de plus en plus rare.
En trente minutes, la formation belge va nous réserver six pépites superbes, délicates, sensuelles et mélodieuses. Le public est conquis, persuadé qu’il faudra être attentif à ce band incroyablement authentique. Et ce malgré un déséquilibre dans le mixing, trop favorable aux drums. Qui au lieu de tramer les morceaux, avaient plutôt tendance à les étouffer. (Pour écouter le groupe, c’est ici et pour les photos de ce concert, c’est là)
Les spectateurs refont le plein de kérosène pendant que les roadies s’affairent sur l’estrade. Tiens, même Jurado leur file un coup de main. Sympa le gars !
Il est 21h quand l’Américain grimpe sur le podium. Et il n’est pas prêt de le quitter. On y reviendra plus tard.
Les épaules plus larges que deux armoires normandes, Damien Jurado est bâti comme un bûcheron. Il est tout de jeans vêtu, pantalon et chemise. Il est chaussé de chaussures de couleur brune, on ne peut plus banales. Il s’assied tout simplement sur une chaise en bois. Il est presque en boule, mais pourtant tous les regards sont braqués sur lui.
Tout au long du set, ses attitudes varient. Les yeux clos ou rivés sur le sol, il a le visage fermé, sérieux. Mais quand il le relève, c’est pour sourire. Sincèrement. Comme un homme qui a atteint une plénitude qu’il tente de communiquer à son auditoire. Entre les chansons, il lui arrive de plaisanter en compagnie de ses musicos. L’humour potache d’un adulte voué à grandir physiquement mais qui semble garder une âme d’enfant. On sent une véritable complicité entre les musicos et Damien. Un grand respect aussi. Mais, sur les planches, c’est lui le patron.
Du vent et de l’abîme, il redessine les lieux et semble même avoir une telle facilité pour y parvenir qu’il se surprend lui-même. Et s’émerveille de sa propre créativité.
La main serrée sur le manche, il affiche une technique précise, remarquable. Il enchaîne les morceaux, pour la plupart issus de son dernier LP, brillamment. Ses chansons libèrent une dose incroyable de tendresse et de douceur. Malgré un style pointu, il a une classe folle. On est bluffé. Une telle masse de muscle capable de donner tant d’amour.
22h15 premier rappel.
Damien Jurado revient seul et attaque deux chansons en solo, dont « Prisms ». C’est le point d’orgue du spectacle. Les musiciens reviennent alors sur les planches afin de participer aux deux derniers titres, avant de saluer la foule, comblée…
Sauf que…
Comblée oui, mais gourmande, insatiable et enflammée. Le public en veut encore, crie, siffle, applaudit. Les lumières de la salle se rallument mais rien n’y fait, il reste sur place et n’abandonne pas la partie.
Surpris de cet engouement, l’Américain revient, et sollicite l’auditoire pour choisir les quelques bonus tracks. De véritables cadeaux. Rien que du bonheur.
22h40. Le concert est fini. Les spectateurs sont assoiffés, mais le sourire aux lèvres ils ont fait le plein d’amour dans leurs cœurs… (Pour les photos, c’est encore ici)
Setlist
Magic Number (**)
Exit353 (***)
Lon Bella (***)
Silver Timothy (**)
Am Am (***)
Onalaska (***)
This Time Next Year (*)
Mellow Blue Polka Dot (***)
Jericho Road (**)
Sam and Davy (***)
Walrus (***)
Life Away From The Garden (*)
And Loraine (***)
Qachina (***)
Taqoma (***)
Prisms (***)
Working tittles (*)
Return To Maraqopa (**)
Nothing is the News (*)
+ Various ..
* « Maraqopa » - 2012
** « Brothers And Sisters Of The Eternal Son » - 2014
*** « Visions of Us On The Land » - 2016
(Organisation Botanique)
Afin de défendre son nouvel album, « Two Days At A Time », Gaëtan Streel se tape 30 jours de concerts d’affilée. Un véritable marathon ! Qui va transiter, tour à tour, par une chaumière, une église, la salle des fêtes d'un village, un appartement, un manoir et quelques endroits intimistes et insolites. Il en est à son neuvième jour. Il va donc à la rencontre de son public.
Le Moulin Fantôme est un ancien moulin transformé en café-concert, sis au milieu d'un cadre idyllique. C’est loin d’être commun. Il est érigé près des étangs du Coeurcq. Et souriant, le patron du club est un personnage vraiment rock'n'roll. Conviviale, la salle peut accueillir –au grand max– 100 âmes. Ce soir, il n’y en aura qu’une trentaine pour ce showcase proposé en format semi-acoustique.
Gaëtan Streel avait déjà interprété quelques unes des compos du nouvel LP, dans cadre du Brussels Summer Festival, en août 2015, au sein d’un sextuor. Il confesse déjà accumuler une certaine fatigue, mais que cette tournée a du bon.
Poète, Gaëtan compose indifféremment dans la langue de Voltaire ou de Shakespeare. Mais son premier LP, « One day at a time » recelait exclusivement des titres en anglais. Son dernier le révèle cependant sous un angle différent. D’abord il est partagé entre morceaux des deux idiomes. Et empreints d’une grande sensibilité, ses textes s’inspirent de ses rêves, ses angoisses, ses désillusions, mais également de ses espoirs…
Gaëtan se réserve le micro. Il s’accompagne au ukulélé ou à la guitare semi-acoustique. Tout comme Jérôme Magnée (Dan San), lorsqu’il ne se consacre pas aux drums. Des drums réduits à leur plus simple expression : un tom basse retourné, sur lequel est posé un essuie de vaisselle et une cymbale. Sara Lejeune est préposée à la contrebasse moderne (Electric upright bass) et aux choeurs.
Le set s’ouvre en douceur par « Go And See The Lights », un extrait du premier elpee, paru en 2012. Un bluegrass au cours duquel les deux guitares nous entraînent à travers les grandes plaines de l'Ouest américain. Le tout magnifié par les chœurs à trois voix.
Jérôme (NDR : il va se multiplier tout au long de la soirée) accorde son ukulélé et le band peut attaquer « Sort Of Happy », un extrait du dernier opus. Le son est parfait.
Gaëtan signale qu'il attaque aujourd’hui le neuvième show de son long périple. Qu'il éprouve des difficultés à se souvenir de son nom, mais que son cd est en vente près du bar. Fin de spot publicitaire… Les harmonies vocales à trois voix constituent certainement le point fort de ce spectacle. A l’instar de « Unless You'Rer Lyung Too », un titre qui figure sur le nouvel LP, subtilement souligné d’un filet de guitare. Ou encore de « The Well And The Key ». A cet instant, on se croirait même dans une église.
Jolie ritournelle, « 138 G De Chanson » est une chanson d’amour interprétée en français. Gaëtan révèle qu'il écrit des chansons dans sa langue natale depuis longtemps, mais qu'il n'avait pas encore eu l'opportunité de les graver sur cd.
« Nostalgie » est une compo dont il avait entamé l’écriture à l’âge de 23 ans. Faussement nostalgique, elle est chargée d’autodérision. Il vient seulement de terminer le second couplet. Ce qui ne l’empêche pas de la glisser dans la set list. Intimiste, le show s’achève par « Words ».
Et en rappel, Gaëtan clôt le concert par un titre chanté a cappella, au milieu de l’auditoire. Pour son plus grand bonheur.
(Organisation : Le Moulin Fantôme)
James Morrison Catchpole est un chanteur/compositeur/guitariste né à Derby, en Angleterre. Un artiste dont le premier elpee, « Undiscovered », remonte à 2006. Et c’est le single, « You Give Me Something », issu de cet LP, qui va le faire connaître à travers le monde. Son dernier opus, « Higher Than Here » est paru fin 2015. Et il est venu le défendre, au sein d’une salle dont il avait déjà foulé les planches, en 2012 (Sarah Carlier en assurait le supporting act) et en 2009 (là, c’était Selah Sue qui ouvrait son concert).
Bien que le second balcon côté fosse soit condamné, la salle est pleine à craquer. La première partie est réservée à Glenn Claes. Pas un inconnu au Nord de la Belgique, puisqu’il a été finaliste de la version néerlandophone de ‘The Voice’. Un crochet au cours duquel il avait brillamment interprété « The Sound Of Silence» de Simon & Garfunkel. En février 2016 il était venu présenter son premier elpee, « Back Where My World Began », à l’AB Club, dont a été extrait le single « Face In The Light ».
Belle gueule d’ange, Glenn se sert d’une gratte on ne peut plus classique. Il est soutenu par un autre préposé à la sèche, Stijn Bervoets. Chevelu et barbu, il s’installe à gauche de Claes. Qui a manifestement une très belle voix. Capable de se fondre dans un duo vocal atmosphérique tout au long du tendre « Little Lies ». Mais également de la moduler, en la poussant dans les graves ou les aigus ; une voix capable d’emprunter un timbre rocailleux mais également d’exprimer toute sa puissance. A l’instar d’un Milo Meskens. Aux premiers rangs, le public féminin est sous le charme. D’une vingtaine de minutes, le set s’achève par une cover intense du « All Night Long » de Lionel Richie. Le garçon a du talent et est certainement à suivre de très près.
Tout le monde est placé sur une immense estrade sauf James, en avant scène, et un des deux claviéristes. Un podium imposant sur lequel sont plantés l’autre claviériste (au Hammond), un drummer, un bassiste et un guitariste. Imposantes, les deux choristes sont postées à l’extrême gauche. Morrison est armé d’une six cordes semi-acoustique.
« Under The Influence » (« Undiscovered ») ouvre le show. Le light show est impressionnant et se focalise sur les différents artistes. Il est composé de 6 rangées de gros spots tournants, desquels repartent des petites guirlandes de leds qui s’élancent vers le plafond juste au-dessus des artistes. Au milieu de la chanson, James Morisson s’adresse au public en criant ‘Brussels', à la manière du ‘boss’ et l’incite à frapper dans les mains. Les interventions du Hammond communiquent un feeling sixties au morceau. « Nothing Ever Hurt Like You » (« Songs For You, Truths For Me ») baigne advantage dans la soul ‘motownesque’. Tout au long de « I Won't Let You Go » (« The Awakening »), la troupe est plongée dans un halo de lumière bleue. La voix de James est haut perchée. Les claviers sont omniprésents et les chœurs se libèrent. Lors de « Stay Like This » et « Something Right », le crooner a abandonné sa guitare. Il tient son micro à deux mains pour ces ballades soul bouleversantes. Place ensuite au tube « Wonderful World » (« Undiscovered »). Le répertoire est varié et alterne vieux standards et nouvelles compos. Au cours desquelles il va notamment faire le pitre, pastichant –mais parfaitement– Mickael Jackson, pour le plus grand bonheur des premiers rangs. Très interactif avec son public, il injecte dans ses compos énormément de feeling et de chaleur humaine. La voix de James excelle dans tous les styles. Elle a mis tout le monde d’accord. Y compris pendant les morceaux funk et r&b. C'est l'un des représentants les plus talentueux de la scène insulaire. Et en guise d’apothéose, « Demons » est interprété devant mille feux et lumières…
On aura quand même droit à un rappel. Qu’il achève par « You Give Me Something », dont le refrain est entonné par l'ensemble de l’auditoire. Chargée d’émotion cette superbe soirée a permis d’oublier les tracas de la vie quotidienne. Ce qui n’est déjà pas si mal…
(Organisation : Live Nation)
Nouveau phénomène sur la scène soul contemporaine, le New-yorkais Charles Bradley se produisait sur les planches du Cirque Royal, ce jeudi 7 avril. Malgré ses 67 balais, on ne peut pas dire que ce soit un vétéran sur la scène musicale. Et pour cause, il n’a été découvert que tardivement ; en outre, son premier album, n’est paru qu’en 2012. Faut dire que sa vie tumultueuse a plus que probablement retardé son éclosion. D’ailleurs, il faut reconnaître que sa signature sur le label Daptone, constitue un petit miracle. Et l’artiste est venu défendre son dernier né de sa très courte discographie, « Changes », qui vient à peine de sortir en Belgique.
Malgré cette reconnaissance tardive, la salle est sold out ; et l’auditoire est impatient de découvrir les déhanchements de ce nouveau golden ‘papy-soul’. Sur les planches, il est soutenu par un fameux collectif de 7 musicos, dont les indispensables cuivres et orgues. Et manifestement, il sait s’entourer. Sa formation, judicieusement baptisée His Extraordinaries, va se révéler irréprochable d’un bout à l’autre du show. Mention spéciale à l’organiste qui avait la lourde tâche de chauffer la salle pour annoncer le soulman avant son entrée, mais également combler les intermèdes entre ses changements de costumes et moments de récupération. Après une intro instrumentale, caractérisée par son groove irrésistible, l’artiste déboule sur l’estrade, vêtu d’un costume pailleté digne de James Brown (NDR : qu’il avait d’ailleurs découvert en live, à New-York, en 62). Malgré une condition physique limitée liée à son âge (et ses excès ?), Charles Bradley parvient, dès le départ, à combler son auditoire grâce à son incroyable voix et une présence charismatique. Il transcende ses morceaux et les transforme en condensés d’émotions parfois difficilement supportables, à l’instar du final bouleversant « Whi is It so Hard ? », morceau qui retrace son parcours de vie qui l’a entraîné de Brooklyn à la Floride, en passant par l’Alaska, tout en rappelant l’épisode de l’abandon par sa mère dès ses 8 mois (NDR : qu’il retrouvera à l’âge de 8 ans). Véritable showman, il prend beaucoup du plaisir en ‘live’ et communique beaucoup avec son public. Il parvient même à créer des connexions à travers l’évocation des récents attentats bruxellois. Mais avant tout, l’Américain annonce être là pour partager son amour… et il va le démontrer tout au long du concert qui atteindra son apothéose lors du rappel, quand il décide de serrer les mains de ses fans comme un pasteur évangéliste, dans une église baptiste de la ‘bible-belt’, du Sud des Etats-Unis. Il se permet même un lancer de roses… Pas ridicule pour un sou, tant le geste cadre avec le personnage et l’esprit du concert. Mais on retiendra avant tout l’excellence des morceaux et l’osmose incroyable entre l’artiste et son groupe, une synergie qui permet au chanteur de réaliser ses rêves totalement et librement. Définitivement le ‘feelgood’ concert de la semaine…
(Organisation : Live Nation)
Nederlands 
Français 
