Holy Esque est une formation réunissant des potes qui se connaissent depuis leur enfance ou les études. Ecossaise, elle nous vient de Glasgow. Et quand on parle de cette ville, on pense immédiatement aux immeubles et maisons ouvrières qui constituent le paysage urbain. Sous la pluie, of course. Et en écoutant « At Hope’s Ravine », on ne peut qu’y penser. Car la musique proposée, froide et sombre, est quelque peu abordée dans l’esprit de Joy Division voire de Jesus and MaryChain. Un post punk qui rappelle celui du band mancunien Wu Lyf, en compagnie duquel Holy Esque a d’ailleurs tourné. Même que la voix nasillarde et écorchée de Pat Hynes semble hantée par ses compos, comme si sa vie en dépendait. En outre, les deux combos sont friands de sonorités de grattes réverbérées, alternant climats paisibles et intenses, très susceptibles de lorgner vers le shoegaze.
Tout n’est cependant pas parfait sur ce premier essai. Certaines pistes sont même carrément dispensables. A l’instar de « Prism ». Mais il y a manifestement du potentiel…
Entrez dans le monde enflammé du rock de Nadj ! Elle propose un Ep, découpé en quatre titres, qui plairont ou pas, mais qui ont le mérite d’être ancrés dans un univers qui lui est propre. Pas question de copier, pas question de brider ses pulsions musicales. Nadj fonce tête baissée et transperce les parois qui séparent toute une série de mondes parallèles. Il ne reste plus qu’à s’y laisser tomber pour être embarqué vers un infini de sensations à mi-chemin entre la beauté et la violence. Entre la France et l’Italie aussi. De coutume, ce son-là a plutôt tendance à se porter vers la langue de Shakespeare que celle de Molière. Mais une fois encore, Nadj vient faire exception. L’Italie y met son petit grain de sel grâce au groupe Il Teatro Degli Orrori qui apporte une aide précieuse à cette autoproduction. Mais aussi un batteur capable de vous communiquer des frissons !
Un Ep à écouter sous « Le ciel de nuit » avec l’envie de se laisser emporter par « La fièvre » presque psychédélique qui se dégage tant de la voix que des mélodies…
Originaire de Kitchener-Waterloo (NDR : c’est dans l'Ontario au Canada), Jordan Patterson est chanteur, harmoniciste et compositeur. Dès son plus jeune âge, il s’intéresse aux souffleurs légendaires, dont James Cotton, Paul Butterfield et Mark Wenner (Nighthawks). Il transite par Edmonton, en Alberta, où il fonde son band, J.P and the Heaters. Il s'installe ensuite à Washington, D.C., où il rencontre Bobby Parker et Bobby Rush, deux personnages qui seront déterminants pour la suite de sa carrière. Jordan enregistre son premier album en 1996, "Give me a chance". Il embraie l’année suivante par "Whirlwind". Il retourne ensuite chez lui, au Canada, et prend une longue pause sabbatique. Il ne revient d’ailleurs dans le parcours qu’en 2014. Et "The back on Track Recording Project" constitue son premier long playing depuis son retour. Lors des sessions d’enregistrement, il a reçu le concours de son backing group, en l’occurrence le drummer Benjamin Rollo, le bassiste, Mark McIntyre ainsi que les guitaristes Darryl Romphf et Bobby Thompson. Jordan signe les dix plages.
"Favourite boy" met le feu aux poudres. Le tempo est entraînant. Jordan possède une fort bonne voix. Toujours prêtes à éclater, les deux guitares sont incisives. En outre, l’harmonica est brillant. "Can we fall in love again" est une superbe ballade, un r&b indolent au cours duquel Scott Galloway siège derrière l'orgue. La mélodie est bien construite. La voix transpire le vécu. Tout comme le backing vocal assuré par Miss Skyler Jordan. Les accords de gratte sont à la fois plaisants et déterminés. Patterson souffle dans sa musique à bouche, en puissance, à la manière de James Cotton, tout au long du Chicago shuffle, "She's cool". Particulièrement efficaces, les deux grattes apportent une coloration rock à l’ensemble. Imprimée sur un mid tempo, "You're my girl" est certainement une des meilleurs compositions, un soul/blues que chante Jordan, bien épaulé par Skyler, d’une voix chargée de passion, alors que les deux sixcordistes se distinguent à nouveau. Comme pour "Living without your love", à travers leurs riffs ; un blues rock classique tapissé par l'orgue de Galloway.
Lors de son come-back en 2014, Patterson avait publié un Ep 4 titres. Les quatre plages sont incluses, mais sous des versions reliftées. Dont le blues/rock "Play my song", caractérisé par un superbe envol de l'harmonica, un morceau qui bénéficie de la participation du guitariste canadien notoire, Shawn Kellerman. Tout comme pour "Heartbreaker". Imprimée sur un mid tempo et dominée par les cordes, cette compo ne manque pas de charme. "Do you believe", ensuite. Une plage différente, aux colorations pop, à laquelle Galloway tapisse l’ensemble de son l'orgue. Jordan souffle une dernière fois dans son harmo sur "Don't take me down". Et remarquablement ! Enfin, l’elpee s’achève par un superbe blues lent, "If you’d help me", un titre plus classique à l’intensité dramatique réminiscent du Chicago Southside, cher à Muddy Waters. Un retour réussi pour Mr Patterson.
Particulièrement apprécié de l’autre côté de la frontière linguistique, The Sore Losers, c’est un peu la version flamande des Black Keys. Et « Skydogs » constitue son troisième elpee. Il a bénéficié du concours de Dave Cobb, à la mise en forme, un prestigieux artificier issu de Nashville, notoire pour son travail opéré auprès des Rival Sons, Chris Cornell et de Lindi Ortega. Les références naviguent donc résolument entre le blues et le rock… Le mélomane n’est pas là pour découvrir des sons innovants, mais pour se prendre une bonne claque rock’n’roll, et simplement passer du bon temps. Et le groupe ne ment pas sur ses intentions, car « Skydogs » transpire des genres précités… Entre rock crapuleux aux pointes punk que n’aurait pas renié Datsuns (« Got it Bad », « Cherry Cherry ») et blues classieux (« All I Am »), la formation limbourgeoise ne choisit pas. Un beau travail d’artisans revivalistes adeptes de solo crasseux et de distorsions. Notons également la belle pochette réalisée par l’artiste bruxellois Elzo Durt qui avait déjà prêté son concours, entre autres, à Thee Oh Sees…
Suite aux plaintes émises par le voisinage, dorénavant, tous les concerts qui se dérouleront au Magasin 4 doivent s’achever avant 22 heures. Pas une mauvaise nouvelle, puisque les provinciaux pourront rentrer plus rapidement au bercail. Ce soir, The Inspector Cluzo est à l’affiche. Un duo gascon originaire de Mont-de-Marsan. Il réunit le guitariste Malcom Lacrouts et le drummer/chanteur Philippe Jourdain. La moitié de l’année, le tandem part en tournée mondiale. L’autre moitié, ces gentlemen farmers élèvent des oies et des canards, de manière traditionnelle. Pour fabriquer des rillettes, du foie gras et du confit, qu’ils vendent sous le label ‘Lou Casse’ ; et notamment au merchandising (NDR : en deux temps trois mouvements, tout à été écoulé !) Ils comptent même planter du riz sur leurs terres. Une terre qu’ils ont dans le cœur, mais le rock dans la peau. La paire compte plus de 800 concerts à son actif, en 8 ans d'existence, spectacles accordés à travers plus de 40 pays. Autoproduit, son cinquième elpee, « Rockfarmers », a été enregistré à la ferme et mixé à Nashville.
A Supernaut, c’est le titre qui figure sur une flip side d’un single de Black Sabbath. C’est également le patronyme d’un power trio réunissant le chanteur/guitariste Thomas Venegoni, le bassiste Nicolas Dekeuster et le drummer/vocaliste Jean-François Hermant. Un combo dont les membres ont milité chez Montevideo, Driving Dead Girl, Highsleep With Sloane, Ok Cowboy!, Zacharia, Thibet ou Course of Action. De sacrées références !
Supporting act, le combo est responsable d’un rock carré, énergique et percutant, abordé dans l’esprit des 70’s. Et « Birdman », une de ses compos, en est certainement la plus belle illustration. Sans quoi, brute de décoffrage, sa musique –sans être particulièrement originale– est puissante, mais bien équilibrée. Entre riffs graisseux, ligne de basse ronflante et drums martelés sauvagement, elle n’écorche jamais les tympans…
Setlist : « Deep Inside », « Ice », « La Menace », « Georges », « Future », « Birdman », « Russian Roulette », « Xception ».
Place ensuite à The Inspector Cluzo. Pas de set list, mais un répertoire qui ressemble plutôt à une grosse jam, au cours de laquelle le combo va nous réserver de nouvelles compositions. Mais surtout une majorité de plages issues du dernier opus, « Rockfarmers ». Et c’est le titre maître de cet LP qui ouvre le show. Pour rester dans le ton, l’intro est balayée de cacardements ou de cancanements avant que la gratte déjà incisive ne baigne déjà dans l’huile. Et lorsqu’elle s’apaise, c’est pour laisser entendre les sifflements des anatidés, avant de repartir de plus belle. Des joueurs de leur équipe de rugby favorite avaient été invités pour mettre le souk tout au long du clip de « I'm A Japanese Mountain » (voir ici)
Les rugbymen ne les ont cependant pas accompagnés au Magasin 4. Ce qui ne va pas empêcher la compo de mettre le souk. Malcom va régulièrement à la rencontre de l’auditoire, et d’un doigt vengeur, il invite les premiers rangs à se rapprocher du podium. Philippe enlève assez rapidement son béret pour être plus à l’aise afin de défoncer ses fûts et ses cymbales qui ont déjà bien vécu. En fin de set, ces dernières sont, en général, balancées vers le fond de la scène. Ce qui n’a pas toujours été le cas. Cinq ans plus tôt, au Botanique, elles ont atterri sur le crâne de votre serviteur, avant qu’il ne s’étale. Confus, les artistes ont promis qu’on ne les y reprendrait plus. Mais dans le déchaînement, ce débordement est encore très susceptible de se produire. Alors, il est préférable de rester sur ses gardes. Quand The Inpector Cluzo s’emballe, gare aux cymbales !
Le duo puise son inspiration chez Black Sabbath, Led Zeppelin et bien d’autres formations de hard rock, issues des seventies. Mais également dans le grunge. Parfois aussi chez Jimi Hendrix. Surtout lorsque les accords de gratte sont torturés. Egalement dans le funk. Et même dans le blues et le gospel. Le registre vocal de Malcolm est ample et capable de dépasser une octave, sans se casser la figure.
Au bout de 60 minutes, les musicos sont complètement trempés de sueur. Mais il sont surtout parvenus à nous réserver un excellent set live, une prestation explosive et bourrée d’énergie, ponctuée de deux jams. Le duo se produit, en général, une fois par an en Belgique. Une bonne raison pour ne pas le manquer.
(Organisation : Magasin 4)
Leader de The God Machine, une formation américaine 'culte' qui a sévi au cours des années 90, et de Sophia, son projet actuel, Robin Proper-Sheppard est un musicien remarquable mais surtout, un être foncièrement attachant. Dans le hall des tout nouveaux locaux de PiaS, en plein centre de Bruxelles (juste à côté du Centre Belge de la Bande Dessinée), son accueil est chaleureux. Aujourd'hui, c'est la journée 'promo' pour la sortie du dernier opus de Sophia, ‘As We Make Our Way (Unknown Harbours)’. Robin est habillé de noir (tout comme votre serviteur) ; souriant, il me propose un café et la conversation s'engage tout naturellement sur le thème de Bruxelles, la ville où il a élu domicile, il y a de nombreuses années.
« J'aime beaucoup Bruxelles », confie-t-il. « Au départ, j'ai choisi cette ville lorsque mon ex-épouse et moi se sont séparés, parce que cette solution permettait aisément de faire un saut à Londres en Eurostar pour voir ma fille. Et aujourd'hui, je m'y sens très bien. J'habite dans le centre et j'ai un petit territoire privé qui s'étend entre mon appartement du côté de Sainte-Catherine, le Delhaize de La Bourse et l'Archiduc. »
L'Américain a vite trouvé en notre pays une terre d'accueil qui soutient les artistes. « Le gouvernement ici a pris des mesures en faveur des artistes et il est possible d'obtenir des subsides, ce qui n'est pas le cas dans d'autres pays. Et les conservatoires de musique sont plus ouverts aux musiques modernes et alternatives. Les musiciens belges avec lesquels je travaille vivent uniquement de la musique. »
A l’instar des productions précédentes, ‘As We Make Our Way’ propose un indie-rock flirtant avec le folk et le post-rock. Mais on sent quand même une évolution importante. « La plus grande nouveauté, c'est que ce disque n’est pas aussi triste que les précédents. Auparavant, mes compositions exprimaient la souffrance de mes amours déçues ; tandis que sur celui-ci, le point de vue est moins personnel. La production est moins brute et laisse davantage de place aux expérimentations sur le son, les textures et la dynamique... Oui, le nouvel album de Sophia est plus positif, plus ouvert. »
Un des deux premiers titres qui a servi de 'teaser', ‘Resisting’, témoigne de cette évolution. Il se distingue par une superbe progression, très post-rock, vers un refrain qui résonne comme un hymne. « C'est juste ! J'ai constaté que mes nouvelles compositions avaient un impact différent. Mes amis m'ont avoué qu'ils étaient touchés par ce côté plus ouvert, moins égocentrique. C'est d'ailleurs pourquoi j'ai changé le titre de l'album : à l'origine il s’intitulait 'As I make my way' et j'ai remplacé le 'I' par 'We' pour souligner cette ouverture. »
La chanson ‘You Say It's Alright’ est également un bel exemple de la nouvelle direction empruntée par Sophia. « Je l'ai composée à la guitare, mais on a beaucoup travaillé sur les arrangements, en introduisant un arpeggio au synthé, afin de créer une tension tout au long du morceau. Au départ, les fans de Sophia ont été surpris par ce côté électro ; mais maintenant les retours sont très positifs. Et le riff de guitare, à la fin, rappelle un peu The God Machine. » Après plusieurs écoutes, les voix atmosphériques font aussi penser à M83.
Mais c'est le côté très 'dark' de Robin Proper-Sheppard qui intéresse surtout votre serviteur. L'occasion d'en savoir plus sur ses références postpunk/new-wave ! « J'adore The Cure, Bauhaus et tous ces groupes issus des années '80. En fait, au début, on exécutait des reprises chez The God Machine. Par exemple le ‘Double Dare’ de Bauhaus. ‘Disintegration’ de The Cure m’a également énormément marqué. De même que le répertoire d’Echo And The Bunnymen. Eux-mêmes étaient influencés par la musique garage et psyché des années 70. J’apprécie aussi beaucoup Wire ; Graham Lewis est un ami. »
Irait-on jusqu'à affirmer qu'il existe un élément de postpunk dans sa musique ? « Oui ! C'est aussi une question d'attitude. Je n'ai pas peur de choquer, de surprendre. Il y a une 'angularité', un 'anti-conformisme'. A la fin de 'Drifter', par exemple, les synthés sont dissonants. Ce n'est pas une chanson 'pop' ! Et ce concept, je le tiens de toutes ces formations nées dans les années '70 et '80. »
Il existe également une structure 'prog' dans la musique de Sophia. Pas comme chez Genesis ou Yes, mais dans l'approche progressive des compositions, qui recèlent différentes séquences, différentes atmosphères. Un peu comme chez Radiohead et les formations de post-rock. Qu'en pense le principal intéressé ? « Je confirme ! Merci pour ces comparaisons, qui m'honorent ! »
Ce qui surprend lors de cette interview, c'est que contrairement à la plupart des musiciens connus, Robin Proper-Sheppard s'intéresse véritablement à son interlocuteur. Ce qui permet de présenter mes activités comme scribouillard bénévole pour différents 'webzines', DJ et animateur d’émission radio. On parle du nouvel elpee de The KVB, paru sur Invada Records ; de l’interview que votre serviteur a réalisée en compagnie de John Foxx et je promets de lui envoyer 'Hiroshima, Mon Amour', le titre culte d'Ultravox !
Plus tard, Robin accordera un showcase privé devant une centaine de fans dans la petite salle, chez PiaS. Sans micro et sans amplification, il va nous réserver des versions acoustiques de ses chansons, en agrémentant sa prestation d'anecdotes savoureuses. Un moment inoubliable !
Sophia se produira en concert au Botanique le 26 avril (c’est sold out) et dans le cadre du festival Pukkelpop, le 19 août.
Pour vous procurer le nouvel album « As We Make Our Way (Unknown Harbours) », c’est ici
Photo Philip Lethen
Il a fallu s'armer de patience avant que le concert de C Duncan. puisse enfin se dérouler. Initialement prévu dans le courant du mois de novembre, il avait été annulé suite aux attentats perpétrés à Paris. Suite à ceux commis à Bruxelles (NDR : comme quoi lorsque la poisse te colle aux basques, elle ne te lâche plus), on craignait donc une seconde annulation. Heureusement, le spectacle a été maintenu et, c’est avec une certaine excitation qu’on allait enfin pouvoir découvrir la musique de Christopher Duncan, alias C Duncan, responsable d’un superbe premier elpee baptisé "Architect", un disque paru en juillet de l’an dernier.
Hormis quelques personnes qui profitent du soleil dardant ses rayons sur la terrasse des jardins du Botanique, le site est pour le moins vide, ce mercredi soir. Et pour cause, seul le show du Glaswégien est programmé. Direction vers le Witloof Bar, avant 20 heures, afin de se réserver une place idéale et surtout ne pas avoir la vue partiellement obstruée par les arches en briques. La salle est loin d'être bondée. Il ne faudra donc pas jouer des coudes.
Vers 20 h les lumières s'éteignent. C Duncan monte sur l'estrade. Il est accompagné d’un bassiste, qui se plante à sa gauche, d’un claviériste, à sa droite, et d’un drummer, à l’arrière. Le jeune songwriter se consacre à la gratte. Le set s’ouvre, tout comme sur l’opus, par l'excellent "Say". La voix de l’artiste insulaire est douce et paisible ; en outre, elle colle parfaitement à la musique. Ses musicos assurent les chœurs dans un climat propice aux belles harmonies vocales. "I'll Be Gone By Winter" est même digne des veillées de Noël. La set list alterne titres cool, comme "For", et morceaux remuants, à l'instar de "Here to There". Mais aussi de nouvelles compos, ainsi qu’une remarquable reprise du "Pearly-Dewdrops' Drops" de Cocteau Twins.
Les quatre musiciens ne sont pas des ‘bêtes de scène’ ; cependant, ils parviennent à créer une chouette ambiance en communiquant avec le public. Et tout particulièrement lorsque le bassiste dédie "He Believes in Miracles" à un ami présent dans l’auditoire qui lui avait annoncé son prochain mariage. Ce qui va déclencher une belle salve d’applaudissements. Christopher Duncan confesse que lui et sa troupe visitent Bruxelles, pour la toute première fois et qu’il comptent se rendre, dès que le concert est terminé au Delirium. Mais les spectateurs de la capitale belge sont les premiers à les dissuader. C’est une brasserie très souvent bondée qui n’attire que les touristes. Rendez-vous est donc pris, après le spectacle, pour échanger les adresses.
Après une heure de set, rappel compris, le combo écossais tire sa révérence. Il est à peine 21 heures, mais la soirée est déjà réussie.
(Organisation : Botanique)
C’est la première fois que votre serviteur se rend à la Ferme d’en Haut, de Villeneuve d’Asq, un lieu rebaptisé Maison Folie, suite à la désignation de Lille comme capitale européenne de la Culture, en 2004. Un endroit qui sert également de gîte rural, de salle d’exposition et de spectacle. Intimiste, cette dernière peut accueillir 200 personnes. L’acoustique y est excellente. En outre, les emplacements pour stationner son véhicule, sont nombreux. Et gratuits, ce qui ne gâte rien.
Bref, ce soir The Apartments y est programmé. Un combo à géométrie variable, dont le seul leader Peter Milton Walsh, est de nationalité australienne. L’an dernier, il s’était ainsi produit à la tête d’un véritable backing group, incluant notamment Antoine Chaperon, Natasha Penot (NDR : deux ex-Grisbi) ainsi que l’ex-Go Betweens, Amanda Brown, à travers la France, pour promotionner son dernier et superbe opus, « No Song, No Spell, No Madrigal » (voir chronique ici)
Aucun elpee de chansons inédites n’était paru depuis « Apart », en 1997. Une raison ? Ben oui, gravement malade, le fils de Peter est décédé en 1999. Et l’artiste a donc mis la musique entre parenthèses, ne sortant la tête de l’eau que très épisodiquement. Avant de revenir dans le parcours, sous l’impulsion du producteur Wayne Connolly, du journaliste français Emmanuel Tellier et du label Microcultures, publiant, en 2014, une œuvre belle, fragile, bouleversante, empreinte d’une grande mélancolie, qu’il dédie à son fils disparu. Ce n’est que le sixième LP studio, gravé en plus de 30 années. Faut dire que Walsh a traversé de nombreuses périodes de déprime…
Mais venons en au spectacle. Qui débute à 18 heures (NDR : excellente initiative dont devrait s’inspirer Bruxelles ; et tout particulièrement le samedi ou le dimanche). Par Udo und Brigitte. Alias Damien Zelmann et Raphaëlle Denhez. Un duo lillois fondé en 2008. Et pour la circonstance, il est soutenu par un drummer. Damien (NDR : c’est le sosie de Julien Gorius !) monte sur l’estrade et enfile un rack sur lequel il pose un harmo. Dans lequel il va souffler lors de la première compo. Il chante et joue de la sèche également. Plus tard de la guitare électrique. Raphaëlle se consacre surtout aux vocaux et parfois aux maracas. Elle s’est plantée derrière un Farfisa. Et franchement, éthérée, sa voix est remarquable. Le début de set est plus qu’encourageant, atteignant son sommet lors d’une compo interprétée dans la langue de Molière, réminiscente d’Everything But The Girl. Le big problem procède du recours à cet orgue. On se croirait parfois dans une église pendant des funérailles. Et puis, on sent Zelmann bien moins l’aise sur sa gratte électrique qu’acoustique, qu’il va d’ailleurs récupérer en fin de parcours. Le duo ne manque pas de potentiel, mais il a encore du pain sur la planche…
Tiens pendant ce show, il n’y avait qu’une cinquantaine de personnes dans la salle. Et soudain juste avant celui de The Apartments, elle est quasi-comble…
Pour sa nouvelle tournée, Peter a donc réduit son line up à un trio. Qui se produira en formule semi-acoustique. Il implique donc les deux ex-Grisbi, Antoine Chaperon à la guitare électrique et Natasha Penot (NDR : de petite taille, elle est élégante dans sa robe noire à fleurs colorées) au clavier (NDR : dont elle joue très sobrement), aux tambourins (NDR : qui de tonalités différentes, vont imprimer le tempo), au mélodica et aux backing vocaux. Sa voix est limpide, cristalline et circonstanciellement se fond parfaitement en harmonie avec celle, écorchée, ébréchée, nasillarde, de Peter. Mince, chaussé de lunettes fumées, vêtu de fringues cintrées dont une veste en jeans, ce dernier n’a pas usurpé sa réputation de personnage charismatique. Armé de sa sèche électrifiée, sa dégaine me fait même parfois penser à celle de Dylan. Et puis, parce que c’est également un poète. Il ouvre le set par « Swap places », un titre lent au cours duquel Peter pose une question existentielle : ‘Où est Dieu dans tout ça ?’ Antoine joue sur une Gretsh et dispose d’un beau tapis de pédales, mais pour en libérer des sonorités parcimonieuses, lumineuses, parfois légèrement surf, un peu à la manière de Tom Verlaine. Quand il pince ses cordes, on a l’impression que sur la réserve, il retient ses notes, pour les lâcher au moment le plus propice. Il quitte le podium avant « Mr. Somewhere », avant de revenir dès « Ribbons », un des sommets du concert. Une valse caractérisée par un duo vocal sublime échangé entre Natasha et Peter. Sur les compos les plus enlevés, ce dernier frappe du pied sur les planches. Et notamment pendant « All the time in the world », « Knowing You Were Loved » et « End of some fear », morceau au cours duquel Natasha déchire l’atmosphère sonore de son mélodica (NDR : ce ne sera pas le seul moment), alors que les deux gratteurs plaquent rageusement leurs riffs. Mais également tout au long du fougueux « On every corner ». Peter et Antoine se servent indifféremment d’un onglet ou de leurs doigts pour caresser ou égratigner leurs cordes. Selon les chansons. Peter rend hommage à Grant McLennan, membre de Go-Betweens, décédé il y a déjà 10 ans, en lui dédiant « Not Every Clown Can Be In The Circus ». Un morceau au cours duquel Antoine va s’autoriser un phrasé de cordes ‘mandoline’ si cher à de Justin Huw Jones (And Also The Trees). Autre valse, « Sunset hotel » est certainement le titre le plus contagieux. Au cours du refrain, on a même envie de reprendre ses ‘sha la la’ en chœur. Un concert vraiment ‘à part’ qui s’achève par « Everything Is Given To Be Taken Away », une composition dont l’intensité est stimulée par les deux grattes qui entrent littéralement en fusion. Et cette flamme n’est pas encore éteinte, car en rappel, le trio va nous accorder un autre brûlot aussi électrique et intense, « The Goodbye train ». Mais on espère qu’il repassera bientôt près de chez vous…
Anecdote, en fin de concert, votre serviteur récupère une set list et la photographie. Sans même approfondir son contenu. Avant de la filer à une petite tête blonde qui la réclamait. Quelle ne sera pas la surprise en découvrant sur l’écran de mon PC les termes suivants mentionnés en français : ‘Ne pas voler la setlist, c’est sauver un arbre’. Et dans le coin extérieur droit : ‘5€’. Faut croire que la feuille devait faire 500m2. A se tordre de rire !
‘Le prix modeste du papier est la raison pour laquelle les femmes commencèrent par réussir en littérature avant de le faire dans d'autres professions’ (Virginia Woolf).
(Organisation : La Ferme d’en Haut)
C’est le retour de Louise Attaque. Et bien évidemment, ce soir, c’est sold out. Si le peuple est venu en masse, toutes les générations sont réunies. Après un épisode en solo (NDR : enfin, si on peut le qualifier de solo !), Gaëtan Roussel a relancé son groupe qui lui a permis de se faire connaître. Des rumeurs colportaient que les concerts de la formation française souffraient d’une absence de constance. Ce ne sera pas le cas, lors du spectacle accordé à l’AB. Il sera à la fois intense et intimiste. Le groupe va même agréablement surprendre votre serviteur.
C’est à partir de la fin des années 90 que Louise Attaque va littéralement prendre son envol, en publiant 3 superbes long playings recelant des titres devenus incontournables (« J't'emmène au vent », « Tu dis rien », « Est-ce que tu m'aimes encore ? », etc.). En 2001, le quatuor s’était séparé une première fois pour laisser la place à deux projets Tarmac, réunissant Gaëtan Roussel et Arnaud Samuel ainsi qu’Ali Dragon, impliquant Robin Feix et Alexandre Margraff. Avant de se reformer en 2005, pour graver un troisième elpee. Puis de splitter à nouveau en 2007, ouvrant ainsi la voie à la carrière solo de Roussel. En 2015, le combo reprend sa route et décide d’enregistrer « Anomalie », son quatrième elpee, sous la houlette d’Oliver Som. Un disque plus adulte, enrichi par les expériences vécues des différents musicos…
Dalton Télégramme assure le supporting act. Il réunit Quentin Maquet (chant, guitare semi-acoustique), Olivier Cox (drums, percussions, flûte à bec), Rémi Rotsaert (gratte électrique, banjo, ukulélé) ainsi que Bernard Thoorens (contrebasse, guimbarde). Dalton Telegramme est issu de la Wallifornie sauvage et profonde et plus précisément de la Cité Ardente. A ce jour, il a publié deux Eps, « La Cavale » et « La Planque ». Son premier LP, « Sous la Fourrure », est paru en février dernier. Le quartet liégeois pratique une forme de country/americana festive, qui sent bon l'herbe fraîche des grandes plaines américaines (?!?!?) Truffés de calembours, les lyrics sont interprétés dans la langue de Voltaire. Les compos sont construites comme des bandes dessinées. Une approche qui évoque quelque part San Antonio. De quoi finalement vous mettre de bonne humeur.
Tous ces cow-boys sont sur la même ligne de départ. « Babyface Nelson » est une jolie chansonnette, allègre également, bercée sur un lit de cordes. Plus paisible, la fin de parcours permet une brève présentation des cavaliers qui sillonnent les grands espaces de l’Ouest. Le public applaudit chaudement. Pipette passe à la râpe pour « Réveil Matin ». Il va nous flanquer des fourmis dans les gambettes. Titre maître de l’opus, « Sous La Fourrure » met en exergue le talent du contrebassiste, un morceau sombre qui suscite la réflexion. Pour « Le Surfeur Mort », Master QQ se consacre à la trompette. Le set d’achève par « Tequila », un rockabilly nerveux, caractérisé par l’intervention récréative de la guimbarde. Une bonne entrée en matière, avant d’attaquer le plat de résistance.
Soit celui de Louise, qui implique aujourd’hui Gaëtan Roussel (chant, guitare), Arnaud Samuel (violon, gratte) et Robin Feix (basse). Alexandre Margraff (drums) n’a pas réintégré le line up. Pour la tournée, le trio a engagé deux musiciens, plantés chacun sur une estrade : un claviériste à gauche et un batteur à droite.
Gaëtan se réserve, bien évidemment, la position centrale. Très particulière, sa voix est une source d’émerveillement. Tout comme ses textes, d’une grande profondeur. Habile à l’archet, Arnaud est toujours prêt à répondre aux injonctions. La basse de Robin est ronflante. La set list va intégrer ancien et nouveau répertoire. Et paradoxalement, les plus récents titres font même de l’ombre aux anciens. Huit plages du dernier elpee vont être interprétées (*).
On est séduit par « L’insouciance », morceau qui frôle la perfection. Faut dire aussi que la vivacité communicative des premières années a cédé le relais à une maîtrise irréprochable de l’écriture. Les deux musiciens complémentaires se montrent particulièrement brillants aux fûts et aux ivoires. Ils apportent, en quelque sorte, une nouvelle jeunesse aux compos de Louise Attaque. Et pas mal énergie. La machine est bien huilée et le show est réglé comme du papier à musique. L’accueil de la foule est plus que chaleureux. D’ailleurs Roussel doit régulièrement faire un break, en attendant que les nombreux applaudissements de l’auditoire s’achèvent, un auditoire qui connaît pratiquement toutes les paroles des chansons, et les reprend en choeur. En deux heures, dont deux rappels, Louise Attaque va combler de bonheur ses nombreux aficionados. Et tout particulièrement votre serviteur, lorsque le quintet va attaquer « Sur Un Volcan », une reprise bouleversante de La maison Tellier. Qui méconnaissant la formation, a vécu une surprise de taille.
(Pour les photos c’est ici).
Setlist : « Ton Invitation », « Avec Le Temps* », « Anomalie* », « Si l'on marchait jusqu'à demain », « Il n'y avait que toi* », « A l'intérieur* », « L'Insouciance* », « Léa », « La Plume », « Du Grand Banditisme* », « La Chute* », « Sur Un Volcan », « Tu Dis Rien », « Qu'Est-Ce Qui Nous Tente ? », « Savoir », « Amours », « Les Nuits Parisiennes », « J't'Emmène Au Vent ».
Rappel 1 : « Si c'était hier », « Arrache-moi », « Chaque jour reste le nôtre »
Rappel 2 : « Un Peu De Patience* ».
(Organisation : Live Nation)
Il y a précisément un an qu’on avait plus assisté à un concert de Noel Gallagher, flanqué de ses High Flying Birds, à Bruxelles. C’était au Studio 69, lors d’un concert privé accordé dans une ambiance particulièrement cool. Un superbe set au cours duquel Noel Gallagher s’était montré sympa (NDR : oui, oui, vous avez bien lu ‘sympa’), nonobstant la pratique d’un humour qu’on pourrait qualifier de rock’n’roll. Un humour pas nécessairement tendre, non plus. Rappelez-vous ce tweet virulent posté lors de son séjour dans la capitale belge… ‘Je suis à Bruxelles depuis 2 ou 3 jours... je me souviens même plus. C'est tellement ‘chiant’ ; ça, je peux vous le dire. Et pluvieux, je peux vous l'assurer également. Le nombre de jours de congé que j'ai à Bruxelles ne cessera jamais de m'étonner. Je dois dire que j'ai eu plus de jours ‘off’ ici que dans n'importe quel endroit au monde. Pourquoi ? Y a littéralement ‘rien’ à faire ici. Putain…’
L’office du tourisme de Bruxelles s’en souvient encore !
Difficile malgré tout de résister à la tentation de revoir cette joyeuse bande de ‘Pince-sans-rire’, venue défendre une nouvelle fois son deuxième elpee, « Chasing Yesterday », gravé l’an dernier.
« Everybody’s on the run » est devenu un classique du premier opus. Un disque éponyme paru en 2011. C’est par ce titre que le set s’ouvre. A 21 heures précises. Peu visible, la section de cuivres est bien présente. Et audible ! Elle s’est installée à l’arrière, du côté gauche. Mais dès le départ on se rend compte que le son est pourri. Et tout particulièrement celui de la guitare. Frustrant ! Ce que confirme « In the Heat of the Moment ». Résultat des courses, le show est interrompu pendant une bonne dizaine de minutes. Un moment au cours duquel c’est ‘panique à bord’… et les oreillettes chauffent. Roadies et techniciens s’affairent pour tenter de rétablir la situation. Un peu comme Vincent Kompany, lorsque valide, il fait le ménage au milieu de la défense des ‘blues’, si chers au chanteur du band mancunien.
Malheureusement le son ne va vraiment s’améliorer que lors des trois derniers titres de la première partie du spectacle. Ainsi le très électrique « Digsy’s Dinner » (NDR : datant de 1994, cette compo d’Oasis figure sur le long playing, « Defenitely Maybe ») souffre atrocement de ce son brouillon. ‘What a pity ! F***, f*** et encore f***, alors !’
Pourtant les nouvelles compos passent bien la rampe. A l’instar de l’excellentissime « The Riverman » (NDR : coup de cœur de votre serviteur sur « The Ballad of Mighty »), d’une efficacité redoutable en ‘live’. Et du même LP, « The Mexican » confirme cette impression. Mais la set list recèle trop peu de morceaux extraits de cet album.
Trop d’Oasis, tue l’oasis… Sans jouer la carte de la nostalgie, il faut reconnaître que certaines chansons semblent exclusivement taillées pour Liam. « Listen Up », par exemple ; au cours de laquelle, la voix criarde et l’attitude arrogante du cadet font cruellement défaut. Même si entre les deux frangins, Noel reste sans doute le plus convainquant. Sur les planches, bien sûr. Pas de doute, ‘The Mighty’, c’est lui. D’ailleurs, pour l’instant, Liam se contente de ranger ses t-shirts ‘Pretty Green’ dans sa boutique…
Tout n’est cependant pas à jeter dans les nouvelles versions du répertoire d’Oasis. Ainsi celles de « The Masterplan », « Champagne Supernova » et « Don’t Look Back in Anger » –qui clôt le set– sont magnifiques. Des morceaux très attendus par les aficionados trentenaires, dont votre humble serviteur fait partie. L’auditoire connaît les paroles et les reprend en chœur. On a alors l’impression de faire un bond de 15 ans dans le passé ; tout en savourant le moment présent…
Il faut reconnaître qu’on a assisté à un show formaté, même s’il était partagé équitablement entre compos d’Oasis et de Noel Gallagher's High Flying Birds. D’abord, Noel Gallagher, ce n’est plus Oasis. Ce n’est pas, davantage, une bête de scène. Il n’est guère interactif ; sauf pour communiquer sa mauvaise humeur. Il ne bondit pas aux quatre coins du podium. Donc ce n’est pas pour ces raisons que la foule se déplace pour assister à une des ses prestations, au cours desquelles, il se contente du minimum syndical. Finalement, c’est surtout sa notoriété qui lui permet encore de drainer la foule. Parce qu’en ‘live’, le système fonctionne sans trop se casser le c**. Déjà qu’il faut bosser un dimanche soir ! Et lorsque la machine est bien huilée, on n’y voit que du feu (NDR : ou de la fumée), mais quand les soucis techniques s’accumulent, le public a le droit de se sentir quelque part, grugé…
Set list
1. Everybody’s on the run
2. Lock All the Doors
3. In the Heat of the Moment
Interruption de 10’
4. Riverman
5. Talk Tonight (Oasis cover)
6. The Death Of You and Me
7. You Know We Can’t Go Back
8. Champagne Supernova (Oasis cover)
9. Ballad of th Mighty I
10. Sad Song (Oasis cover)
11. D’Yer Wanna Be a Spacemen? (Oasis cover)
12. The Mexican
13. Half the World Away (Oasis cover)
14. Listen Up (Oasis cover)
15. If I Had a Gun
16. Digsy’s Dinner (Oasis cover)
17. The Masterplan (Oasis cover)
Rappel :
18. Wonderwall (Oasis cover)
19. AKA… What a Life
20. Don’t Look Back in Anger (Oasis cover)
(Voir aussi notre section photos ici)
Organisation : Live Nation
La dernière fois que les Fatals Picards ont visité la Belgique, c’était dans le cadre du festival LaSemo. Pourtant, il s’agit de la seconde date du band au Salon de Silly. Et elle est sold out depuis belle lurette. A contrario, celle de la veille ne l’était pas ; mais elle s’est révélée riche en émotion et en calembours. Sans oublier que la bière a coulé à flots, et fatalement, chez certains de ses membres…
Le combo compte quand même 15 années d’existence. Un période au cours de laquelle il a accordé des milliers de concerts à travers le monde, participé au concours ‘Eurovision’ en 2007 et publié sept albums studio, deux ‘live’ et un double Dvd, immortalisant la dernière tournée, accomplie en 2014.
Il revenait à Cédric Gervy d’assurer le supporting act. Face à un parterre plus que bien garni, le prof de néerlandais attaque son set, armé de sa gratte semi-acoustique. Le fil rouge de son spectacle repose sur une vision critique de la société contemporaine. Une critique pertinente qu’il truffe de jeux de mots tout à la baignant dans un climat de bonne humeur communicative. Ce qui va permettre à la température de grimper de quelques degrés dans la salle, avant le concert de la tête d’affiche.
Setlist : « Le Journal des Bonnes Nouvelles », « Bonne Année Quand Même », « Ik Weet Het Nietzsche », « Georges est Content », « La Mauvaise Réputation », « La Moitié d’un Père », « Le Jour du Chien », « Renaud », « Walibi », « Premiers à la Fifa », « 1-2-3 Zéro », « Camille », « J’Aimerais Trop », « Cotcha-Ca », « Playstation », « En Quarantaine », « Poisson d’Avril », « La Gousse d’Ail », « Bon Public ».
Les Fatals Picards sont quatre, comme les mousquetaires. Ils pourfendent de la pointe de l’humour tout ce qui traverse leur esprit. Des exemples ? Lavilliers, le difficile job d’enseignant, la mort de Johnny, les dangers de la radioactivité sur les dancefloors, le chômage, l'homophobie, les violences familiales, le naufrage des politiciens, la mondialisation, la société qui fout le camp, et on en passe… Manifestement, leur muse est intarissable.
Il est plus ou moins 21h45 quand les gratteurs Laurent Honel et Yves Giraud (NDR : tour à tour à la guitare ou à la basse), Jean-Marc Sauvagnargues (drums) et Paul (chant et épisodiquement gratte semi-acoustique) déboulent sur les planches. Ils ont la banane aux lèvres. Et on est parti pour 75 minutes de délire musical. Une punktitude rock’n’rollesque qui sert de support aux textes interprétés dans la langue de Voltaire. Parfois, à force de rire, on a mal au bide. Particulièrement interactif, Paul est certainement le personnage le plus déjanté du quatuor. Il se retourne et exhibe sa raie de lune (NDR : son cul, quoi !). Le combo parvient, bien sûr à mettre le boxon, et tout particulièrement tout au long de « Le Retour A La Terre », une compo irrésistible caractérisée par ses 'pa-la-pa-pa-pa'. Sur un air de ska ‘kingstonien’, il se moque de hippies, présents dans la salle. Et nous invite à bondir dans la fosse comme sur les planches. Bien sûr, la set list privilégie les titre du dernier elpee, « Septième Ciel », qui remonte quand même à 2013. Bien rock, engagé, « Le Combat Ordinaire » roule à gauche. « Gros Con » aborde sérieusement (!?!?) les méfaits de l’alcoolisme. La foule jumpe sur « Atomic Twist ». Un peu comme Marcel Et Son Orchestre twiste, mais on n’est pas à Saint-Tropez. Si le nucléaire n’est pas cher, il a au moins le mérite de foutre la merde. Le message est passé 5 sur 5. Chanson d’amour, « L'Amour A La Française » est dédié aux filles. « Bernard Lavilliers », était inévitable. Et déclenche un véritable délire ! « Manouches » nous entraîne au cœur des Balkans. Avant que le groupe n’opte, en fin de parcours, pour un profil plus métallique. Les Fatals Picards, auront bien entendu droit à un rappel, histoire de mettre tout le monde d'accord.
Setlist : « Le Retour A La Terre », « Le Combat Ordinaire », « Gros Con », « Atomic Trust », « Pourquoi », « Les princes Du Parc », « Mon Père Etait tellement De Gauche », « Les dictateurs », « Manouches », « L'Amour A La Française », « Bernard Lavilliers », « De L'Amour A Revendre », « Robert », «Ernestine », « Boum », « Punk A Chien »
Rappel : « Sans Contrefaçon », « Noires », « Punk Au Liechtenstein ».
(Organisation : Le Salon + Silly Concerts ASBL)
La neuvième édition du Wolfrock n’a pas failli à la tradition ! Organisé dans les locaux du Centre Culturel de Dour, le cousin très lointain du DMF (Dour Music Festival) a une nouvelle fois réuni une belle palette d’artistes talentueux…
C’est à Jocker’s Club que revient l’honneur (?!?!?) d’ouvrir les hostilités. Devant une petite dizaine de groupies seulement !
Le parcours du combo est aussi beau que tragique. Après le décès inopiné de son chanteur, le quatuor, réunissant des potes d’enfance –le guitariste Fabrice Drapier, le batteur Xavier Estievenart, le bassiste Eddy Fia et le guitariste Marc Stradiot– partent à la recherche d’un digne successeur, afin de conserver les envolées lyriques qui caractérisaient alors leur musique. Il le déniche en engageant le jeune Mathias Bouyez.
Ce n’est pas vraiment un inconnu puisqu’en compagnie de son frère Hugo, il mène en parallèle l’aventure de The Magical Candies.
Baignant dans une veine rock, le quintet jouit déjà d’une belle réputation dans la région !
Les premiers riffs sont plutôt glaciaux. L’attitude des musicos l’est tout autant ! Le set laisse un peu de glace ! Techniquement pourtant, le jeu est précis. Parfois même académique.
Math, le petit dernier, un rien timoré au début, va tenter d’éveiller un public amorphe, sans vraiment y parvenir ! Un combo à suivre, pourtant…
We Are Waves grimpe ensuite sur l’estrade. Impliquant Viax (voix, guitares), Cisa (synthés), Mene (basse) et Adriano (drums), ce quartet est originaire de Turin, en Italie.
Ce sera LA surprise du jour ! Un véritable coup de cœur médiatique et d’estime !
Le WR constitue la dernière date d’une mini tournée belge qui a entraîné le band, notamment du côté du Centre. Selon les propos des musiciens, la Belgique leur a réservé un très bon accueil ! De là à affirmer que de tous les peuples, les Belges sont les plus accueillants, il n’y a qu’un pas… qu’il faut de temps à autre franchir !
Le combo compte plus de quinze années d’expérience. Il a entamé son parcours en explorant le ‘Heavy Metal’, avant de tâter du nu-metal, du rock alternatif, du post rock et même du folk. Bref, c’est le band dont il faut absolument s’intéresser, si tu ne veux pas passer pour un ringard !
Passionnés par le rock, l’art et la recherche, le champ d’action des Transalpins est une alternative à la new wave. A cette différence que le son lorgne plutôt vers un rock singulier, hybride, mâtiné de heavy électro et post grunge.
On est loin de la musique de chambre donc !
La filiation avec les anglais de The Cure est manifeste ! Cordes électriques, synthé, boucles lancinantes et fûts batifolent comme à l’époque du magnifique « Disintegration »…
Troublant également, le mimétisme vocal du chanteur avec un certain Jim Kerr (NDR : leader de Simple Minds).
Il y a des réminiscences eighties ! Ca pue la sueur, le jeans déchiré et la Converse moisie !
Une chose est certaine, à voir les CD’s se vendre comme des petits pains au stand marchandising, il est clair que les ritals ont frappé fort le cœur des mélomanes… et leurs conduits auditifs.
Dans une parfaite lignée électro, From Kissing –dont le patronyme s’est inspiré de manière hasardeuse d’une phrase qui figure dans une chanson de The Cure– est chargé d’embrasser (d’embraser ? !) les lieux !
Chris Willems (chant), Bastien Preaud (basse, synthé, prog, chœurs), Antoine Preaud (batterie) et Massimo Panza (guitare, synthé, prog, chœurs) –qui a déjà foulé les planches douroises au sein d’un autre projet baptisé Stevenson– prodiguent à grands coups de synthés, une musique électro, mais contaminée par le rock !
Originaires de Mons, de Nivelles et de Bruxelles, ces jeunes gens se connaissent depuis belle lurette. Chacun jouait dans sa propre formation. Un jour d’août 2013, l’idée d’un projet commun s’est enfin concrétisée !
L’ascension sera rapide puisque un premier Ep cinq titres est publié l’année suivante y compris sur les différentes plates-formes de streaming les plus importantes telles que iTtunes, Deezer, Spotify…
Les gaillards ne se sont pas reposés sur leurs lauriers puisqu’en mars 2015 est paru « Get Up », un opus produit par Anthony Sinatra (Hollywood Porn Star, Piano club) et Vince Lemineur (Suffocating Minds). Rien que ça !
Si leur musique est rageuse, insolente et dépoussière les clichés du genre, c’est sur scène que l’énergie rock transcende véritablement le groupe et laisse préfigurer de beaux pogos entre ami(e)s lors des festivals d’été que l’on est tenté d’espérer futurs et nombreux.
C’est direct et brut de décoffrage !
Chris assure à lui seul la visibilité du band ! Petit, rebondissant et biberonné au ‘speed’, il ne cessera de se mêler au public dans une ambiance exaltante. Sa seule limite : la longueur des câbles du micro !
Complètement barge, il ira même jusqu’à monter sur une barrière Nadar située à proximité de l’ingé son, quitte à se prendre une gamelle !
Après quarante minutes de show, les garnements potaches se retirent sous une salve d’applaudissements bien mérités !
Autre style, en compagnie de Pair d’As. Exit batterie, guitares et loops électroniques. Mais place aux fondamentaux du genre : baquettes, training Kappa et casquettes retournées pour l’apparat. Sans oublier le langage châtié, dont les termes argotiques pour le phrasé ainsi que les chorégraphies minimalistes à souhait sont propres au genre.
Laurent, alias ‘L’rapace’, et Charles, ‘Moz’, se sont rencontrés par l’entremise du concours ‘L’envol des cités’. En janvier 2014, ils décident d’unir leur verve incisive pour ne former qu’un. Emballé par le projet, leur ami Alex, alias ‘Dj Xel’, les accompagnera aux platines.
Pas vraiment de surprises ! Les thématiques sont quasi toujours identiques dans ce type de projet. On stigmatise en effet le chômage, les keufs (la Police) et les meufs (le genre féminin). Sans oublier de clamer que les membres du gouvernement sont tous des incapables, bien évidemment !
Le potentiel est pourtant bien réel chez ces rappeurs. L’énergie et l’intensité y sont ! Les loustics sont assez convaincants ! La plume, bien qu’un peu facile, dénonce sans vergogne parfois, mais toujours intelligemment, les travers sociétaux et le mal-être des plus jeunes. Les textes ne sont pas chanfreinés par un politiquement correct.
Les poncifs du genre restent malheureusement encore trop nombreux ! Ce qui discrédite une démarche qui pourrait devenir intéressante !
ACTA est l’avant-dernière formation à se produire. Découvert dans le cadre des Franc’off 2003 et lauréat du ‘Carrefour des Talents’ en 2011, le trio réunit Joe (guitare/chant), Rvaye (drums) et Massimo Passalaqua (basse), également cheville ouvrière des Classes du Rock.
L’expression sonore s’exprime facilement sur scène ! D’autant plus que, contrairement à son passé, le leader a ici opté pour une approche rock davantage punchy…
Le gaillard évoque sa vie et les déclinaisons quasi-obligées qui en découlent. Le tout dans la langue de Verlaine. Cette culture du mot permet un rendu tantôt subtil, tantôt explosif, naviguant entre légèreté et gravité.
Le show s’enlise toutefois rapidement et l’effet de surprise est vite supplanté par une déferlante de chansons linéaires dans les arrangements.
Il revient au troubadour honnellois, Antoine Hénaut, de clôturer le festival. Un artiste dont le mix entre le grand Jojo pour le côté décalé et Jean-Luc Fonck (Sttellla) pour son humour à deux balles, fait mouche !
Sa « Poupée Vaudou » lui vaut un bel espace médiatique depuis quelques semaines ! Elle narre des histoires touchantes entre espoirs et tracas.
Son truc, ce sont les doubles sens ! Il en joue continuellement ! Comme de la jonglerie dont il est un fervent admirateur. C’est de la haute voltige ! Une précision à toute épreuve ! Un travail d’orfèvre ! Le flot littéraire, souvent imagé, est marqué par le second degré !
Pour quelques dates (dont celle de ce soir), le claviériste habituel (Xavier Bouillon) s’est fait remplacer par Maxime Pasquini, multi-instrumentiste bien connu dans le milieu (batteur attitré d’Ozvald et claviériste de Coverplay notamment).
Ses textes sont indéniablement bien torchés et structurés ! Son second opus marque d’ailleurs un tournant majeur dans la maturité du jeune homme ! Ce qui laisse tendre vers une belle représentativité future en terre francophone !
Seule ombre au tableau, le son. Il privilégie excessivement les tonalités graves ! Impossible de discerner l’intensité des thématiques même en tendant l’oreille ! Acoustique déplorable ou incompétence de l’ingé son ? Chacun jugera !
La soirée s’achève avec une grosse demi-heure de tard sur l’horaire prévu !
Mais qu’importe ! Pour quelques euros seulement, les fans de musique se sont délectés d’un précieux breuvage fait de belles découvertes !
Que nous prépare l’équipe organisatrice lors de l’anniversaire de sa première décennie d’existence ? Pour le savoir : vivement 2017 !
(Une organisation du Centre Culturel de Dour et du WolfRock)
L’histoire de Hollywood Undead débute en 2005, à Los Angeles. A l’époque, le band se produit sous le patronyme de The Kids. Ce n’est que trois ans plus tard qu’il décide d’opter pour son nom actuel. L’étonnant « Swan Songs » rencontre un succès immédiat. Il décroche un album de platine et atteint la vingt-deuxième place au ‘Billboard 200’ américain. Souvent comparé à Linkin Park et Slipknot, Hollywood Undead ne renie pas ses influences mais revendique son propre style. Et son propre discours. Vilipendant une société qui prend, broie et jette tout, les objets comme les êtres humains. Son dernier opus, « Day Of The Dead » est paru le 31 mars 2015.
La fosse et les balcons du premier étage débordent de monde. Les places assises sont –normalement– condamnées. Formation géorgienne (Atlanta), Attila assure le supporting act. De quoi ravir les amateurs de deathcore et metalcore. Actif depuis 2005, il s’est forgé une certaine notoriété, en Europe, après avoir tourné en première partie d’Asking Alexandria. Son dernier LP, « Guilty Pleasure » remonte à 2014.
Chris Fronzak, le frontman, est un personnage charismatique. Entrecoupée de f****, sa voix est gutturale, mais mélodieuse. Il est vêtu d’un short et de collants noirs. Surprenant ! Mais bonjour la transpiration ! Et rien qu’à le regarder dégouliner, on en attrape des suées… Il est soutenu par le drummer Sean Heenan, le guitariste Chris Linck et le bassiste Kalan Blehm. Ces deux derniers circulent de gauche à droite et inversement, malgré le peu d’espace qui leur est réservé. Percutants, les riffs sont gras et huileux. La frappe du drummer est métronomique. Très interactif avec son auditoire, Chris l’incite à former des circle pics. Et enthousiaste, elle s’exécute. Une gymnastique un peu folle et jouissive pour les jeunes amateurs du genre. La communion entre le groupe et la foule va durer 45 bonnes minutes. De quoi préparer idéalement le terrain pour la tête d’affiche… (Pour les photos, c’est ici)
Tous les intervenants sont masqués et ont enfilé des chemises, vestes ou sweaters (avec ou sans capuche) lorsqu’ils montent sur l’estrade, faciès qu’ils vont abandonner au bout de la deuxième compo pour arborer le maillot des Diables Rouges (NDR : en 1994, Rage Against The Machine avait fait de même lors du festival Torhout/Werchter). Même s’ils se relaient, les 4 MC’s resteront bien présents sur les planches durant tout le set. Un percussionniste est installé à gauche de l'estrade et un second drummer planté à droite, derrière une double batterie. Il est protégé par un paravent en plexiglas. Entre les 2 batteries, des platines sont disposées sur une table. Les interventions du synthé sont préenregistrées.
Look de rappeur, Charlie Scene est coiffé d’une casquette, chaussé de lunettes fumées et un bandana de couleur noire et blanche lui dissimule le visage. Il se consacre au chant. Le deuxième vocaliste, Danny, porte un masque de couleur or –une croix blanche imprimée sur la face droite– qui lui couvre les yeux. Capable de monter dans les aigus, sa voix est puissante. Celui du troisième, Johnny 3 Tears, est de teinte bleue et blanche, le chiffre trois mentionné sur la gauche. Il est orné d’un sigle bizarre à hauteur de la bouche. De ses yeux coule du sang. Sa voix est agressive. Celui de Da Kurlzz, le percussionniste, est blanc du côté droit et rouge sur la face gauche. Sa chevelure est hirsute. Il symbolise probablement Lucifer. Look de rapper, Funny Man, le drummer, en porte un sur lequel est gravé le sigle "L.A." devant. Un foulard de couleur brune enserre le visage de J-Dog. On dirait un bandit de grand chemin prêt à sévir au Far-West.
« Usual Suspects » ouvre le show sur les chapeaux de roues. La musique de évolue quelque part entre Run DMC, Beatsie Boys et Linkin Park. Un mix singulier entre hip hop, rapcore et métal qui vire, suivant les compos, dans l’un ou l’autre style. La spécificité du combo procède de l’éventail de voix. Elles sont judicieusement exploitées. Chaque vocaliste possède son timbre particulier, parfaitement identifiable. Et a son rôle à jouer. Les refrains sont accrocheurs et ne suscitent jamais l’ennui. Inattendu, mais point d’orgue de la soirée, 3 spectateurs grimpent sur le podium pour participer à l’interprétation de « Comin'In Hot ». L’un d’entre eux empoigne une gratte, le deuxième une basse et le troisième s’impose derrière un micro pour épauler les autres MC’s. L’ambiance est à son Hollywood Undead comble, et la sécurité ne chôme pas pour récupérer les surfeurs. Sur la toile, tendue en arrière-plan, on peut lire la phrase ‘Parental Advisory Explicit Content’. Tout est dit ! Partagé entre nouveau et ancien répertoire, la set list nous a réservé 17 morceaux. Encore une chouette soirée au cours de laquelle les artistes n’ont pas hésité à tomber le masque… (Pour les photos, c’est là)
Setlist : « Usual Suspects », « Undead », « Tendencies », « Been To Hell », « Dead Bite », « Kill Everyone », « City », « Grazity », « War Child », « Comin'In Hot », « 7 Nation/ Boston », « Bullet », « Party By Myself», « Another Way Out », « Day Of The Dead »
Rappel : « Everywhere I Go », « Hear Me Now ».
(Organisation Live Nation)
Véritable métronome du rock français depuis ses débuts en 1995, Tue-Loup est une formation sarthoise réunissant des musiciens chevronnés. Particulièrement singulier, son patronyme est tout simplement le nom du hameau dont il est originaire. « Ramo » constitue son dixième elpee, et on espère qu’il ne passera pas, une nouvelle fois, inaperçu. Car il parvient encore à atteindre les cimes, grâce à un songwriting d’une infinie délicatesse, magnifié par les textes poétiques et ésotériques signés Xavier Plumas. « Ramo » lorgne parfois vers le jazz (« Glace »), souvent en direction du folk (« Tejo »), nous berce de sa mélancolie lunaire (« La Haute Epine ») et s’autorise même un beau moment d’intensité, tout au long du très beau « Hirondelle ». Le concours de nombreux claviers confère une nouvelle dimension à des morceaux enregistrés sur les bords du Tage, à Lisbonne, qui a inspiré la plage « Ramo Contra O Medo ». Tue-Loup ou un secret à l’évidente ‘saudade’ –trop– bien gardé et que traduit parfaitement la fresque réalisée par le peintre Jean-Gilles Badaire qui illustre ce très réussi « Ramo »…
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