Fondé en 2012, 3 Dayz Whizkey est issu du Sud de l’Allemagne. Un trio de blues/rock impliquant alors le guitariste Tilo George (T.G) Copperfield, le bassiste Big Tony et le drummer Little Chris. Dans la foulée, il publie l'album "The devil and the deep blue sea", chez Timezone. Le line up passe ensuite à un quintet, lorsque débarquent le guitariste Brad the Snake et le chanteur Myles Tyler. Le deuxième elpee, "Black water" paraît en 2013. La formation tourne inlassablement dans son pays où elle y rencontre un gros succès, décrochant même plusieurs prix. Elle repart en tournée et grave un troisième opus, intitulé "Steams", l’année suivante, un disque dont les compos agrègent rock'n'roll, southern rock, R&B et country. "Live and let live" constitue son premier long playing ‘live’. Et les plages sont à la fois brèves et percutantes.
Le concert s’ouvre en force par "Amen rock and roll" et "The long road". Sculptées dans le southern rock, ces deux plages sont abordées dans l’esprit de Dan Baird. La voix colle parfaitement à l’expression sonore. Puissantes, les grattes sont bien mises en avant. Sans prendre connaissance de la biographie du groupe, on aurait tendance à imaginer le band issu de Nashville. A cause de ces sonorités généreusement trempées dans l’americana. A l’instar de son cheval de bataille, "3 days whiskey", un morceau de rock’n’roll qui déborde d’énergie, mais libère des effluves manifestement country. "You make my day" opère un retour au southern rock. Puissant, pimentés, les riffs de gratte dispensés par T.G et Brad the Snake se succèdent. Des accords qu’on retrouve sur le plus blues "Back to the blues". On en décèle des ‘rollingstoniens’ tout au long de… "Mick Jagger", une plage hantée par des légendes comme Chuck Berry, Muddy Waters et BB King. Un climat qu’on retrouve sur "White line", mais davantage dans l’esprit de "Jumpin' jack Flash" voire de "Brown sugar". Caractérisé par sa rythmique particulièrement rock, "The Devil and the deep blue sea" nous replonge dans l’univers de Rod Stewart circa The Faces. Un des sommets du concert ! L'ambiance vire au roots tout au long de l’impeccable "From sunrise to sunset". Country dans sa progression, cette ballade permet aux cordes de conjuguer mélodie et esthétisme. Des riffs écrasants ne laissent émerger que la voix de Myles Taylor tout au long du southern blues/rock primaire "No escape from the night". "Another days goes by" clôt le concert. Une finale essentiellement acoustique. Ou plus précisément country.
Trois titres ont été enregistrés dans un studio en Allemagne, et remasterisés à Los Angeles. Ce sont les bonus tracks. La chanteuse allemande Sabine Scherer (ex-Deadlock) y épaule Myles aux vocaux. Plage délicieuse, "Hard to be good" est tapissée par les interventions d’un orgue Hammond et sculptée dans des cordes élégantes ; un peu dans le style de Tom Petty and The Heartbreakers. "Down with the blues" est un solide blues/rock. Et dépouillé, "Sand" est une ballade folk qui ne manque pas de charme.
Issu de Toronto, Jake Chishom est un jeune chanteur, guitariste et compositeur. Il drive aussi son groupe, The Blue Midnights. Cette formation a surtout sévi entre 1998 et 2005 et se produit encore circonstanciellement en ‘live’. Au sein de son nouveau backing group militent Sly Juhas à la batterie et Jamison Elliott à la basse. "No more sorrow" fait suite à "Diamond in a coalmine" et à un Ep publié en 2009, "Love and war".
Le blues/rock proposé tout au long de "No more sorrow" est assez classique. Jake est loin d’être un manchot à la gratte. Sa voix est autoritaire et persuasive. Et le rock'n'roll "I'm on fire" en est une belle illustration. Il y démontre également toute sa dextérité et son allégresse sur ses cordes, à travers un premier envol. Jake et son ami Paul Reddick (NDR : également torontois, c’était le leader, chanteur et harmoniciste des Sidemen, un combo qui a récolté un franc succès, au cours des nineties et au début du nouveau siècle) cosignent "Weigh you down". Ce dernier apporte son concours à l’harmo sur cette plage bien balisée par la section rythmique. Indolent, "Is there another man" met bien en exergue la voix, avant qu’elle ne cède le relais à la gratte qui parvient à se libérer, mais tout en self control. Blues/rock bien construit, "Merry go round" est imprimé sur un tempo flemmard. La voix est chargée de feeling dramatique. La guitare se dédouble. Ballade majestueuse, "Just because you want to" lorgne vers le Jimi Hendrix Experience. La ligne mélodique est soignée. Les accords de gratte sont accrocheurs et prennent leur envol, bien suivis par ceux dispensés par la basse de Jamison. Sans aucun doute, l'une des meilleures compositions de l'opus. Cordes de sèche et de mandoline nous entraînent au cœur d’un climat sudiste tout au long de "Swamp stomp", un blues bien plus roots. Funky, I'm still alone" est une piste originale, un morceau au cours duquel les cordes du leader sont à nouveau bien senties. "I want you the way you are" s’ébroue sous une forme de blues/rock classique, avant de changer de cap pour permettre à la guitare de Chisholm de s’aventurer au cœur d’un savoureux psychédélisme. L’intro de "You never will" baigne au sein d’une atmosphère dramatique, une plage au cours de laquelle la gratte se révèle offensive, déjantée et dominatrice. Bénéficiant d’une excellente mise en forme, les titres de cet elpee montent progressivement en puissance, avant d’atteindre leur summum, en fin de parcours.
D'origine camerounaise Cécile Doo-Kingué est née et a grandi à New York City. Elle a vécu en France et s’est établie depuis au Canada, à Montréal très exactement. Chanteuse/guitariste/compositrice, elle a publié son premier album solo, "Freedom calling", en 2010. En 2012, elle embraie par "Gris", et début 2015, grave "Anybody listening Part 1 Monologues", le premier volet d'une trilogie solo. Pour le deuxième, qu’elle a intitulé "Dialogues", elle s’est entourée d’invités. Parmi lesquels le batteur/percussionniste Anthony Pajot semble avoir pris une part prépondérante. Un opus dont le blues explore les racines et la vie, dans la diversité de ses aspects.
Paradoxalement, six des neuf compositions de "Monologues" figurent sur "Dialogues", dans des versions différentes, bien sûr. Cécile a voulu leur communiquer une sensibilité de l’instant, à travers ses échanges avec les autres musiciens et choristes, et bien entendu l'amplification. Il semble toutefois que l'une des meilleures compositions "Bloodstained vodka", sorte à nouveau de sa chambre. Les versions sont-elles différentes? Oui, quelques voix semblent avoir squatté la ‘bedroom’ de Cécile et l'effet est vraiment très réussi! Ce texte traite des droits civiques et de la condition féminine dans la Russie de Poutine. Il faut reconnaître que si la femme présente sur "Dialogues" est la même, son répertoire prend une toute autre dimension, ici. Et la férocité ainsi que la détermination manifestée tout au long de "Riot & Revolution" en est une belle illustration. Armée de son bottleneck, Cécile invite le mélomane à réagir. Elle semble enragée. L’amplification est judicieuse. Elle est soutenue par une section rythmique et des chœurs féminins. Puissants, les accords de slide accentuent une impression de profondeur tragique. Anthony Pageot et Fredy V impriment un tempo implacable au blues/rock très offensif "Sweet talkin' devil", un brûlot au cours duquel la slide talonne le chant résolu. Et une sortie aventureuse de cordes ponctue cette généreuse reprise. Tout à fait excellent ! Daniel DJ Joseph a apporté sa Stratocaster pour épauler Miss CDK, sur "Anybodys listening", un blues lent impeccable caractérisé par une sortie de cordes créative qui se fraie son chemin au milieu de voies (voix ?) amies. Cécile démontre tout son talent de musicienne sur "Little bit", une plage nerveuse à la sensibilité exacerbée. Superbe blues, "Six letters" est un titre dramatique qui traite du racisme et des horreurs commis un peu partout sur la planète. La densité des cordes est accentuée par le concours de JC "Dook" Doo-Kingué au dobro et de Jesse Padgett au banjo. L'amie guadeloupéenne et québécoise d'adoption, Malika Tirolien, apporte son concours aux vocaux. Tramée sur un profil acoustique, "Thankful" est une autre très belle composition. Un peu soul quand même ; mais qui autorise une sortie surprenante et de haute facture de Cécile sur les cordes électriques. Contaminé par un climat jazz presque manouche, "Pure entertainment" libère énormément de swing, une compo à la fois empreinte de subtilité et propice à la bonne humeur. "Animal Kingdom", "Faith" et surtout "Sunshine lady" sont de solides morceaux blues/rock. Le tempo est syncopé, néo-orléanais. Son amie Malika Tirolien y participe. Cette très intéressante fresque musicale s’achève par une cover musclée et sans concession du "Manic Depression" de Jimi Hendrix (NDR : un titre qui figure sur l’LP "Are you experienced").
Pour fêter ses 20 ans d’existence, Faithless, héros de l’électro mainstream des années 90, propose une relecture –baptisée « 2.0 »– de ses classiques, exécutée par quelques stars contemporaines du genre, comme Avicii, Tiesto ou encore Booka Shade. Initiative anecdotique, peut-être, mais qui constitue toutefois une manière dévoyée et certainement plus originale de redécouvrir un répertoire plutôt que de se limiter à un simple ‘best-of’, même si les puristes du genre devraient être rassurés de savoir qu’un bonus cd réunissant ses singles, a été joint à celui des remixes.
« 2.0 » s’érige donc en sorte de condensé définitif du catalogue des Anglais. Une manière de démontrer l’influence que Faithless a exercé sur la nouvelle génération. Le trio réunissant le MC Maxi Jazz, DJ Sister Bliss et le producteur Rollo semblaient en hibernation depuis 2010, soit depuis la sortie de son elpee « The Dance ». Il nous accorde un reboot de ses tubes qui oscillent entre dance et trip-hop. Des adaptations souvent inégales mais néanmoins agréables à écouter (Armin van Buuren). Et tout particulièrement, des hits intemporels tels que « Insomnia » ou « We Come 1 ». A contrario de « God Is a Dj », une cover pseudo-futuriste immonde.
The Last Hurrah !!, c’est le projet du musicien et producteur HP Gundersen. Un Norvégien. Issu de Bergen, très exactement. Selon les circonstances et son humeur du moment, il invite quelques ami(e)s pour enregistrer toute une série de compos. Aucune ligne conductrice ne dicte sa voie. Pour enregistrer ce troisième album, Gundersen a décidé de faite la part belle à la voix de la charismatique Maesa Pullman. Sa frimousse tapisse d’ailleurs la pochette de l’album. C'est, en outre, elle qui se consacre au micro tout au long de « Mudflowers ».
L’album débute par deux morceaux de country-folk (« Okay », « The Weight of the Moon »). Les arrangements imaginés par Gunderssen sont riches. Mais ce sont la lap steel et le banjo qui font la différence. A travers sa voix empreinte de charme, Pullman tente de faire vivre ses récits, à l’instar de « Fairweahter Friend », un titre sur lequel elle n’hésite pas à hausser le ton. Mais, il faut bien avouer qu’on est loin de l’extase. L’ensemble se révèle un peu léger voire même un peu trop pop. Les morceaux se suivent et se ressemblent… Il faut attendre « You soothe me » pour que les événements se bousculent enfin. C’est-à-dire quand la musique intègre des éléments psyché. Soit lors des trois dernières plages. Tapissées de claviers et pimentées de solos de grattes, elles achèvent cet opus en force. Malheureusement, c’est un peu tard et il faut craindre que bon nombre de mélomanes risquent fort de décrocher bien avant cette apothéose. Dommage !
En vérité, Manu ne vous est pas inconnue… Un petit effort quand même. Souvenez-vous ! Oui, oui, c’était l’ex-leader de Dolly, un groupe phare de la scène rock française qui a baissé pavillon, il y a plus de 10 ans, après avoir commis d’éphémères hits rock, comme « Je Ne Veux Pas Rester Sage ». « La Vérité » constitue déjà le troisième elpee solo d’Emmanuelle Monet, infatigable cheville ouvrière d’une musique fougueuse et efficace, née d’un subtil mélange entre rock et pop, aux fortes réminiscences 90’s. Entre salves power-rock (NDR : la reprise du « Teenage Kick » des Undertones), rock mélodique (« La Vérité », « Toi et Moi »), plages caractérisées par leur final lyrique (« A Quelqu’un ») et ballades bercées par la harpe et le violoncelle (« Je Pense à Toi »), la Nantaise alterne brillamment les genres. En outre, sa voix sensuelle apporte un plus à l’ensemble. Mais avant tout, elle y manifeste son amour du rock honnête… et véritable !
La belgitude s’est une nouvelle fois imposée dans l’univers musical pour le plaisir de nos oreilles !
A l’instar des mousquetaires, ils sont quatre ! Calogero Marotta (le multi-instrumentiste), Christophe Enclin (voix), Patrick Schouters (batterie) et Marc Van Den Broeck (NDR : qui vient prêter main forte en ‘live’).
Costumes d’époque et épées au placard, les ‘Mauvais’ se sont ici simplement armés d’une feuille et d’un stylo pour planter un premier essai complètement absurde et décalé ! Une bien bonne surprise !
D’abord, parce que très coloré dans sa sonorité ! Proche de la ‘variétoche’ même ! Pas de ligne de conduite, certes ! Le disque part dans tous les sens et on s’y accommode rapidement ! On passe de la pop, au rock, sans oublier les rythmiques afros (« Boîte Noire ») ou encore un slow, sorte d’ersatz de la Boum où le singer s’entête à lanciner un non profond et caverneux tout au long de la chanson (« Non »).
On épinglera aussi la reprise hilarante, et en français, du standard « Word » de FR David qui vaut à elle seule son pesant de cacahuètes.
Ensuite, parce que les textes empruntent le même paradoxe ! Malgré un titre aussi déjanté que « Pour toi je peux devenir Gérard Depardieu », on est loin d’un album festif écervelé et ‘en dessous de la ceinture’ façon Patrick Sébastien. Ici, l’écriture, sans être réalisée dans un écrin de soie, est pensée intelligemment, avec tantôt de la drôlerie et tantôt de la franchise et de la sensibilité. Juste là où il faut sans exagération !
En filigrane, on peut y lire le récit d’une peine d’amour, ses paraboles et conséquences.
Le visuel du contenant est dans la même veine ! La pochette aborde joyeusement un Gégé (forcément) franco-belgo-russe flanqué d’une coquette robe de jadis dessinée façon peintres italiens de la Renaissance !
Reflet d’une récréation, d’une blague potache ou d’un cri du cœur, en gravant un tel LP, le groupe n’a pas voulu s'enfermer dans un carcan déjà entendu ici et là et a osé prendre du recul et des risques, notamment celui de ne s’adresser qu'à un public potentiellement élitiste !
Pourtant, ce long format mérite amplement qu’on s’y attarde. La pire des erreurs serait de tomber dans l’indifférence la plus complète !
Alors, Mauvais, groupe sérieux qui ne se prend pas trop la tête ?
Mr Rick, alias Rick Zolkower, est issu de Detroit, un musicien passionné de blues, de jazz et d’americana, soit la musique des racines. Ses héros ont pour nom Muddy Waters, Lightnin' Hopkins, Howlin' Wolf et John Lee Hooker. Ses premiers pas, il les a accomplis à la tête de Rick and The Biscuits, publiant "Cocktails and Cornbread", en 2005, suivi de "Whole grain", en 2009. Pour concocter cet opus solo, il a voulu reprendre des thèmes traditionnels du blues, du gospel, de la country et de l’americana. Des chansons qui ont marqué sa jeunesse. Il y révèle sa passion pour cette musique volontairement ancrée dans le passé, en se servant d'instruments qui ont fait la richesse et le bonheur d'une certaine époque ; les guitares bien sûr, mais aussi le violon et la clarinette.
L'artiste aime enrichir les traditionnels d’arrangements personnels. Il ouvre l’opus par "One kind of favour", mieux connu sous le titre de "See that my grave is kept clean", un morceau signé par le légendaire Blind Lemon Jefferson. Le concours de la guitare et du violon est judicieux. La voix passe parfaitement la rampe. La ligne de basse tracée par Alec Fraser est impeccable. Et l’ensemble adopte finalement une tonalité rockabilly. Tout comme pour "You'll need someone on your bond", un autre titre de cette légende, qu’illumine la basse acoustique de Tyler. "It's the bottle talking" est un morceau issu de la plume de feu Cindy Walker, une chanteuse de country. Enrichie par la gratte de Steve Briggs et le violon de Drew Jurecka, cette plage lorgne alors vers le country swing de Bob Wills & His Texas Playboys. Les cordes de Briggs sont littéralement envoûtantes, tout au long d’"Uncle Junior". Rick tire encore son épingle du jeu sur le très country "Hush" et le plus swing "Champagne don't drive me crazy". Jurecka impressionne au violon tout au long de la subtile reprise du "Liquid store blues" de Sleepy John Estes, mais également sur "Don't put my bourbon down". "Two little fishes" est une compo écrite par Rosetta Tharpe, une légendaire chanteuse afro-américaine de blues et de gospel. Et ces chœurs que se réservent les Ted Hawkins Singers (à ne pas confondre avec Edwin Hawkins) sont particulièrement soignés. Une piste qui met également en exergue la clarinette de Jono Lightstone et la mando-guitare de Mr Rick. Une mando-guitare qu’on retrouve sur "Death come into my room", un blues savoureux auquel participe également le violon et la guitare. Plusieurs plages baignent au sein d’un climat plus folk. Dont "I'll fly away", rehaussé par la voix féminine de Julie Hill. L’émouvant "I know i've been changed" est dominé par les cordes électriques de Mr Rick et la clarinette. Jerry Irby est un chanteur texan âgé de plus de 98 ans. Le combo adapte son "Drivin' nails in my coffin". En finale, on a de nouveau droit à une autre cover de Rosetta Tharpe, "Beams of heaven", une ballade gospel à laquelle participent bien évidemment les Ted Hawkins Singers. Et comme dirait Mr Rick : ‘Love whikey – Fear God’ (Traduction : aimez le whisky mais prenez garde à Dieu!)
Derrière Other Houses se cache Morgan Enos. Jusqu’à présent on connaissait surtout cet Américain comme co-fondateur du duo de doom-shoegaze, Hollow Sunshine. « Bad Reputation » constitue le premier album de son nouveau projet. Pour le réaliser, le multi-instrumentiste (NDR : outre la guitare, la batterie et le synthé, il se réserve le micro) a reçu le concours de son pote, Reuben Sawyer, seconde moitié de Hollow Sunshine, pour quelques morceaux. Mais, c’est bien Enos qui est à la barre et signe tous les titres.
Sur ce premier album ‘solo’, Morgan Enos laisse de côté les distorsions et ses dérivés. Plutôt que de nous balancer des vagues électrifiées, auxquelles il nous avait habitués chez Hollow Sunshine, il nous propose des morceaux de pop/rock/folk d’assez bonne facture.
L’elpee s’ouvre paisiblement par « Ladies of the Aeon » et « Sum of All Friends », deux titres bien sages et sans grande importance. Il faut attendre « Yellow and Starships », une plage caractérisée par son riff hypnotique pour nous réveiller tous les sens. Menos prend alors plaisir à teinter son folk/rock de psyché. Comme lors du « Computer of Life », tapissé d’interventions de claviers. Ces deux morceaux constituent certainement les deux moments forts de l’album. Malheureusement, le reste de l’elpee retombe dans l’anecdotique.
Deux titres –quoique excellents– sur un long playing, c’est un peu maigre. Aussi, qu’il ait bonne ou mauvaise réputation, ce disque risque fort de sombrer rapidement dans les profondeurs de l’oubli…
Claudio (ex-chanteur de Victoria) et Cédric on fondé My Silly Dogfish en 2010. Le duo est depuis passé à un quatuor, Loïc et Yannick se chargeant respectivement de la basse et de la batterie. La formation pratique une forme classique de rock teinté de folk. Pas de quoi révolutionner la planète musicale. C’est en tout cas ce que cet Ep 4 titres laisse comme impression générale, malgré des ingrédients suaves mais souvent bien trop sages… Si tout est parfaitement au point et indéniablement agréable à l’oreille, ces gentilles compositions, lorgnant vers les ballades pop/folk de Cocoon voir d’Ed Sheeran (« Catch My Eyes »), ne sont guères tranchantes. My Silly Dogsih se révèle cependant bien plus convainquant lorsque qu’il muscle quelque peu le ton, comme lors du final « Give Me Some ». Si le combo français veut se démarquer, il a tout intérêt à quitter les eaux tempérées afin de passer de l’amourette au véritable amour pour ce ‘stupide chien de mer’.
Suede, c’est en quelque sorte la réincarnation de la face la plus glam de Bowie. Ce n’est pas nouveau. A cause de Brett Anderson, bien sûr, dont la voix a toujours évoqué celle de son maître. Enfin, lors de sa période la plus décadente ; celle de « Ziggy stardust » voire de « Diamond dogs » ou encore d’« Aladdin Sane ». Pourtant, musicalement, Suede a toujours émargé à la britpop. Mais son style emphatique lui a permis de se démarquer des autres formations. Il faut cependant avouer que lors de sa séparation, en 2003, l’inspiration semblait tarie. Faut dire que depuis le départ du guitariste, Bernard Butler, on avait l’impression que le ressort était cassé. Lorsque le groupe se reforme en 2010, c’est avant tout pour se produire sur scène. Ce qui ne l’empêche pas de publier « Bloodports » en 2013, un opus d’honnête facture. Et puis ce « Night thoughts ». Un elpee précédé par la sortie d’un clip vidéo consacré à « Outsiders », relatant l’histoire d’une tragédie familiale qui a poussé un homme à se suicider, en se noyant dans la mer (voir ici).
Et de famille, il est encore ici question, tout au long de « Night thoughts », puisque thématique, cet LP traite notamment des rapports conflictuels entre le père et le fils, au cours desquels Brett a l’impression de devoir assumer les deux rôles…
Proposant 12 plages, ce long playing s’achève par trois pistes au cours desquelles on retrouve toute la grandiloquence de Suede. Des morceaux atmosphériques, mélancoliques, luxuriants, gonflés aux orchestrations symphoniques, même si la seconde version de « When you were young » est tramée sur un piano et autorise des effets électroniques. Mais venons-en aux trois premiers quarts de l’œuvre. Au cours desquels, Suede réussit la fusion entre arrangements somptueux et instrumentation basique. Parfois même en y ajoutant un zeste de psychédélisme (Love ?) Certains aspects sont cependant parfois davantage accentués. A l’instar de ce fameux « Outsiders » et de l’excellent « No tomorrow », deux plages ciselées dans des cordes de guitares limpides, cinglantes, réminiscentes de Bauhaus voir de Sad Lovers & Giants. Et lors de la deuxième, la voix overdubbée de Brett évoque tout bonnement… Bowie ! D’autres sont encore plus complexes. Comme « I don’t know how to reach you », la valse lente « Tightrope » ou encore la première version de « When you are young », qui ouvre l’oeuvre.
Et on épinglera encore le très offensif « Like kids », un titre contagieux, dont le riff accrocheur se mue en chorale d’enfants, lors de la finale. Génial ! Et comme toutes les plages de cet album se fondent l’une dans l’autre, on a l’impression de n’écouter qu’un seul morceau, démontrant ainsi que ce « Night thoughts est bien conceptuel…
The Artctic Flow est le projet de Brian Hancheck, un musicien issu de la Caroline du Sud, qui s’inspire, paradoxalement, de la scène musicale britannique. Celle qui a sévi au cours des 80’s, tout particulièrement. Depuis Aztec Camera au Cure, sous sa forme la plus allègre (pensez à « Love cats »), aux Smiths, en passant par Belle & Sebastian et Strangelove. Soit un mix entre cold wave, postcard, post punk atmosphérique et dream pop. Seul souci, hormis la dernière (NDR : la très new wave « Ready for the rain »), les trois premières plages sont imprimées sur un tempo binaire, par une boîte à rythmes. Dommage, car alimentées par des guitares carillonnantes ou subtilement gothiques, enrobées de claviers atmosphériques et dynamisées par des accès de basse aventureux (« Daffodils ») que soulignent des harmonies vocales célestes (« When we were something »), elles auraient mérité un meilleur support...
Retour de la femme à deux têtes.
Apparaissant comme une figure d’opposition manifeste, le duo Brigitte, nous gratifie d’une édition spéciale de son second opus « A bouche, que veux-tu ».
Sorti sur sa propre boîte de production labellisée, ce long playing baigne dans un océan de funk, de reggae et disco.
Décrochant pour cet opus un disque de Platine, Aurélie Saada et Sylvie Hoarau ont vite surfé sur la vague du succès et ont, de ce fait, écumé les festivals d’été, oscillant ici et là entre sensualité assumée, féminisme déplacé et réflexions pas toujours fair-play sur l'air du temps.
Elles commercialisent aujourd’hui un joli coffret rose pailleté estampillé « Edition collector » recelant une manne de bonnes surprises. Dont deux disques !
Le premier propose une lecture conventionnelle de l’album. Mais pas que ! La chanson éponyme se multiplie pour y subir un lifting taillé clubbing ! Un peu facile et sans grand intérêt patrimonial !
La vraie bonne surprise, par contre, provient du second support. Encouragées à offrir une palette plus intimiste de leur répertoire, ces artistes, en devenir, livrent un sept titres sous l’orchestration d’un homme, Paul Rouger, menant de main de maître douze cordes, trois cuivres et une flûte !
L’exercice est tout bonnement surprenant ! L’angle d’écoute devient tout à coup nettement plus évident ! Plus fluide aussi ! La beauté musicale et le grain de voix éraillé, presque enfantin pour le coup, des gonzesses, se marient naturellement au gré des ondulations sonores. Comme une évidence ! Tout simplement magnifique !
Baignant dans un environnement plutôt ouaté, les mots se posent sur les notes, comme les mains d’un homme sur le corps de sa partenaire ! Délicatement, sensuellement, avec beaucoup de douceur et de volupté ! Un régal pour les oreilles !
Subitement, les compositions originelles deviennent une erreur presque involontaire que l’on s’obligerait, sans regret, à oublier !
La seconde surprise, plus anecdotique, celle-là, touche le packaging. Quinze clichés pris façon polaroïd. Comme si ces demoiselles, qui ne viennent pas de Rochefort, avaient besoin de se rappeler l’instantané nostalgique d’une vie faite de jolis souvenirs ! A voir …
Après le succès –mérité– récolté par l’impressionnant Benjamin Clementine, il était écrit que d’autres artistes allaient s’engouffrer dans cette brèche ouverte par sa transcendante soul écorchée et à fleur de peau… Drivé par Hillman Mondegreen, Ephemerals en est une belle illustration. Tout au long de son second opus, le jeune combo anglais propose donc une musique ‘soul’ chargée d’un dose d’émotion phénoménale…
Une expression sonore dont le climat essentiellement soul (« You’ll Never See Me Cry ») se teinte d’ambiances jazzy (« Everyday Killer ») voire de hip-hop rétro (« Howl »). Mais surtout caractérisé par un son très ‘live’. Malgré une voix qui impressionne par sa puissance, Wolfgang Valbrun, le chanteur franco-américain, ne parvient pas à atteindre une même intensité que celle libérée par Benjamin Clementine ; et parfois « Chasin Ghosts » tape sur le système lorsque l’interprétation s’avère ‘too much’. A l’instar de morceaux aux sujets trop plombants, comme « Beauty in the Everyday » et surtout sur le fatiguant « God’s Gonna Make You Laugh ». Heureusement, l’ensemble est judicieusement adouci par de parfaites interventions de cuivres et un groove indéniable parfaitement illustré par le très agréable « Everyday Killer », une compo lorgnant davantage vers les récentes œuvres de Leon Bridges et de Charles Bradley ! Ephemerals nous offre un album dont l’écoute nous bringuebale constamment entre plaisir et répulsion… Votre appréciation fluctuera donc en fonction de votre état d’âme du moment…
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