A Place To Bury Strangers avait littéralement retourné la ‘Cannibal Stage’, lors de la dernière édition du Dour Festival. La formation yankee est de retour en Europe pour y accomplir une nouvelle tournée. Il faut dire qu’il ne se passe pas un an sans que avoir des nouvelles du trio de shoegaze. C’est à l’Aéronef de Lille que votre serviteur a décidé d’être enseveli en ce début de mois d’avril.
La première partie est assurée par Rape Blossom. Un groupe gantois dont le post punk lorgne manifestement vers Joy Division. Ravi d’être là, le quatuor ne s’économise pas sur les planches. Chargée d’intensité, sa prestation se savoure comme un bel amuse-gueule, avant le plat de résistance.
Il est un peu plus de 21 heures lorsque le trio de Brooklyn monte sur l’estrade. Il entame son set par « We’ve Come So Far », une compo issue de son dernier elpee, « Transfixiation », sorti l’année dernière. Et la set list ne va en extraire que deux. Peut-être nostalgique, le band new-yorkais a –semble-t-il– décidé d’en revenir aux sources, en interprétant une majorité de morceaux datant d’au moins cinq ans. Certains en comptent même dix ! L’auditoire, majoritairement composé de mélomanes âgés d’une vingtaine d’années, semble d’abord un peu surpris par ce choix auquel il semble peu habitué. Mais A Place To Bury Stangers ne jouit pas d’une réputation de groupe le plus bruyant des Etats-Unis pour rien ; et progressivement, la mayonnaise commence à prendre. Les hochements de tête du début de set se transforment rapidement en bras levés puis en mouvements de foule. La recette magique du trio ? Une guitare agressive et une basse robuste accompagnant à merveille des percussions frénétiques.
Afin de permettre au combo de se ménager un entracte, Oliver Arckemann et Don Lunadon, respectivement guitariste et bassiste, descendent dans la fosse. On devrait donc vivre une expérience différente. Soit un titre électro. Interprété sans aucun son de corde mais à l’aide d’une console. Un choix surprenant et finalement peu intéressant. On préfère largement APTBS quand il nous balance du gros son !
Retour sur les planches pour les trois derniers morceaux. C’est par l’excellent « I've Lived My Life To Stand In The Shadow Of Your Heart » que le groupe clôt son spectacle. Issue du deuxième effort des Américains, réalisé en 2009, la composition est largement allongée ; certainement d’une dizaine de minutes, pour la circonstance. C’est le délire dans la foule qui se lance dans un pogo presque collectif. Ce qui ne freine –bien sûr– absolument pas le groupe dans son entreprise de pilonnage en règle ; il en remet même plusieurs couches, avant le finish au cours duquel les guitares volent même en l’air.
Comme la formation n’est guère interactive, le concert semble passer à une vitesse dingue. Finalement, il n’aura duré qu’un peu moins d’une heure. Presque sans le moindre temps mort. Mais A Place to Bury Strangers y a démontré une nouvelle fois que son statut de groupe bruitiste n’est pas usurpé et qu’a contrario de ses instruments, il n’est pas prêt à finir six pieds sous terre !
(Organisation : Aéronef)
Fondé en 1989, The Pharcyde est issu du quartier de South Central, à Los Angeles, en Californie. Un groupe américain de hip-hop alternatif, surtout connu pour ses tubes « Drop », « Passin' Me By » et « Runnin' », ainsi que pour son tout premier elpee, « Bizarre Ride II the Pharcyde », publié en 1992. Difficile en ce lundi 4 mars de faire plus ‘hipster’ et vintage que d’assister au concert de cet ensemble constitué de vétérans angelos, au VK de Molenbeek.
Les Américains se produisaient dans la capitale européenne, à l’initiative d’Aral et Sauzé, collectif de hip-hop bruxellois à qui revient d’ailleurs l’honneur d’assurer la première partie du show. Malgré des ambiances ténébreuses, le crew démontre une certaine habilité à chauffer un public –déjà très chaud– grâce à une expérience emmagasinée durant plus de 20 ans de route et des DJ sûrs de leur art.
Vers 22h, les héros de la soirée débarquent devant un auditoire conquis d’avance et une salle plus que sold out ! Mais, c’est surtout une chaleur de bête qui règne au sein de la salle (NDR : pas facile de s’y acclimater un lundi soir après avoir assisté au Tour des Flandres, sous le soleil, la veille…)
The Pharcyde –aujourd’hui réduit aux seuls MCs Bootie Brown et Imani– flanqué d’un DJ tout droit sorti d’une salle de jeu Geek, débute pied au plancher par des morceaux à la coolitude absolue tels que les imparables « Runnin’ » ou « Passin’ Me By », le tout dans un esprit résolument positif et bourré d’humour (sans oublier d’être conscientisé) si cher à A Tribe Called Quest ou De La Soul. Entre un hommage à J Dilla qui a été leur producteur et des vidéos loufoques parfois issues de leurs clips dont le fameux « Drop » réalisé par Spike Jonze lui-même ou l’apparition de Bottie Brown dans un clip de Gorillaz, le public ne sait plus où donner de la tête… L’ambiance est électrique et, c’est une certitude, The Pharcyde n’est pas venu à Bruxelles –seulement– pour l’argent mais pour réinjecter avec classe et talent une bonne dose d’énergie à notre capitale meurtrie. Les tubes issus de « Labcabincalifornia » et de « Bizarre Ride II the Pharcyde » résonnent encore dans les têtes de tous les chanceux qui ont assisté à ce moment de bonne humeur collective.
(Organisation : Vk + Aral & Sauzé)
Isola avait disparu du paysage musical depuis près de 4 longues années. Puis fin de l’an dernier, il a publié un single « Radical », qui a squatté le ‘Décompte’ de Pure FM, pendant 25 semaines. Et son second elpee, devrait sortir bientôt. Un peu de moins de 150 personnes se sont déplacées pour aller applaudir la formation hutoise.
Garcia Goodbye assure le supporting act. Fondé en 2008, ce duo est issu Vilvoorde, et réunit le drummer Jens Leen et le claviériste/guitariste Tommy Gontie. A l’instar de Cats On Trees, il pratique une électro/pop percutante. Mais paradoxalement, il a davantage de succès au Brésil et en Turquie que dans sa Flandre natale. Un constat quand même assez courant pour bon nombre ou artistes issus du Nord de la Belgique. Qui éprouvent même des difficultés à se produire en Wallonie. Et c’est la raison pour laquelle le club Plasma a été créé…
Le combo est venu défendre son premier elpee, paru en 2014. Un disque au titre éponyme.
Le set s’ouvre par « Shade Of Light ». Les voix sont harmonieuses. A l’instar d’Arsenal, le tandem ose une chanson d’amour dans la langue de Molière, « L'Amour C'est Toi ». « Exactly » lorgne manifestement vers Coldplay. Et « Dancing School » est encore plus radiophonique. Une prestation plutôt sympathique qui s’achève par « Just Say Yes ». Ben oui, alors… (NDLR : Huy ?)
Formation hutoise, Isola implique Frédéric Migeot (guitare, claviers, chant), Mike Van Bogget (guitare), Ludo Catalfamo (claviers), Xavier Lesenfans (basse) et Didier Dauvin (drums). Lorsque Fred commence à chanter, on a envie de fermer les yeux et de se laisser porter par ses rêves. Si le combo est venu présenter ses nouvelles chansons, il n’en oublie pas son ancien répertoire, afin de ne pas trop perturber ses aficionados. Et tout particulièrement ses hits.
Le concert s’ouvre par « Mad ». Le son est un peu trop puissant. Pas assourdissant, mais à la limite. En fin de set, Fred expliquera que nouveau, l’ingé-son doit encore s’adapter à sa fonction.
Multi-instrumentiste, il jongle souvent entre sèche et gratte électrique. « Gravity » constitue bien sûr un moment attendu, et ce titre de britpop rafraîchissant met tout le monde d’accord. Y compris le fracassant «Radical », dispensé en fin de parcours. Et le spectacle de s’achever par « Covet me » et « Never Let Me », deux brûlots incendiaires…
On attend donc impatiemment la sortie du nouveau long playing. Evoluant dans un univers sonore proche de Crowded House, même si le sens mélodique lorgnait très souvent vers les Beatles (NDR : ne pas oublier que le premier elpee avait été masterisé dans les studios londoniens d'Abbey Road), le premier avait été mixé par Chris Sheldon (Garbage, Foo Fighters, Pixies, Roger Waters et Jeff Beck)… Le second devrait s’intituler « WORD ». Dix mots en dix tests, et on suppose qu’Isola fera le reste…
(Organisation : Le Salon de Silly et Silly Concerts ASBL)
Janique Saussez avait une nouvelle fois réuni ses forces afin d’organiser un festival destiné à récolter des fonds pour la lutte contre le cancer. Une maladie qui, rappelons-le, tue chaque année 3 500 Hennuyers. Plutôt biberonné à la Cara Pils et aux émissions incultes du style ‘The Voice’, le public borain n’a (forcément) pas répondu à l’appel, malgré une affiche alléchante. Comble de malchance, les organisateurs ont dû déménager vers l’Espace Magnum en toute dernière minute. Motif ? La salle de Dour Sports qui accueille l’événement depuis la première édition, est en travaux. Et ils sont conséquents. Pas moins de treize groupes, dont Lemon Straw, Dr. Voy, Hipsta, Lys et Miss Jacqueline ont accepté de se produire pour la bonne cause… Compte-rendu.
Votre serviteur débarque avant le set accordé par Xcess. Des hostilités ouvertes. Et pour cause. S’approchant du parterre de spectateurs, le chanteur tombe du podium et se prend une gamelle monumentale, sous le regard hilare et médusé de ses comparses.
Fondé en 2014, ce quatuor montois réunissant Ben (chant), Alex (guitare), Arno (batterie) et Sylvain (basse) compte plus de 60 concerts ( Botanique, VK, Rockerill... ) à son actif. Sa musique baigne dans un rock alternatif teinté de ska, de punk et de métal ; un cocktail qui donne à l’ensemble une couleur intéressante mais mélodique.
Responsables d’un premier elpee, (« Awakening »), les quatre lascars se sont démenés pour tenter de faire bouger un public plutôt amorphe. Sans trop de succès…
Miss Jacqueline embraie. Lilloise, la formation implique Jacko (voix et guitare rythmique), Arno (guitare lead), Math (basse) et Ju (drums). Pop/rock, la musique de cette femme à quatre têtes concède de nombreuses références insulaires. Mais s’avère plutôt conventionnelle, évoluant quelque part entre indie rock et post punk, sur un lit synthétique ! Malheureusement le son est trop lisse. Le jeu de scène, trop timoré. Et la communication, quasi-inexistante. Aucun des musico ne parvient à insuffler l’énergie nécessaire pour extraire le public d’une léthargie post-hivernale. Le drummer cumule les erreurs techniques. Si bien que sur la durée, le spectacle finit par devenir pathétique. Bref, on s’ennuie ferme ! Un point commun avec notre Jacqueline nationale (dixit Galant) : la médiocrité ! Ce sera une des fausses notes de la soirée !
Les choses sérieuses commencent dès HIPSTA. Fondé en 2014, ce jeune combo parisien évolue déjà dans une phase d’exemplarité. A cause, notamment, des compositions d’Arno. Ce qui lui permet d’être rapidement repéré par Shaka Ponk. Et d’assurer sa première partie au Palais12.
Les sonorités électro/rock du combo vrombissent et font vibrer les parois en béton du prétoire. Les compos sont directes, ambitieuses est désinvoltes. Pas de fioritures. Mais de la précision et une approche contemporaine. Elles lorgnent ainsi vers un certain Phoenix. Tout au long des quarante minutes du set, elles groovent. Et la foule qui reprend du poil de la bête se met à chanter et à danser ! Que demander de plus ?
Vers 20h30, LYS grimpe sur l’estrade. Il s’agit de la deuxième participation du combo au festival. En outre, de la rencontre entre les musicos et Janique est née une amitié. Il était donc logique que la formation soit à nouveau au rendez-vous de cette œuvre caritative.
Nicolas en est le leader charismatique. La filiation entre Placebo est LYS est surprenante. A cause de la voix de Nicolas, tellement proche de celle de Molko. Et puis des riffs de guitare. Surprenant ! De quoi semer le trouble. Quoique…
De toute bonne facture l’elpee « Go Your Own Way » a été produit par Steve Hewitt, l’ex-batteur de Placebo. Ce qui a permis au groupe de se produire un peu partout dans le monde. En Europe, bien sûr. Et même à Londres. Ce qui est moins évident. Et ce qui l’est encore moins, aux States, où il a participé à de grands festivals comme le SXSW d’Austin ou le CMJ de New York. Sans oublier le MIDI de Shanghaï et à Beijing, en Chine.
Depuis les débuts de l’aventure, LYS a subi de nombreux changements de line up. Difficile pour le commandant de bord de maintenir le paquebot à flots, quand on doit enregistrer une telle succession de défections. Mais qu’importe ! La fine équipe qui l’entoure aujourd’hui semble avoir cimenté cette union sacrée.
« Redbud » constitue le second opus du band. Il frôle la perfection ! Dix titres et presque autant de tubes potentiels ! Pour le réaliser, LYS a pu compter sur le concours de grosses pointures comme –à nouveau– Steve Hewitt, mais également Paul Corkett (producteur anglais qui met en forme les disques The Cure) ainsi que Donald Ross Skinner (Julian Cope) au mixing ; sans oublier Craig Walker (ex-Archive) qui cosigne certains lyrics.
C’est donc impatiemment, proche de l’excitation jubilatoire, que votre serviteur attendait ce moment depuis plusieurs semaines !
On retrouve, dès les premières accords, ce style rock à la fois festif et communicatif, mais également très mature. Ce feeling qui flirte avec le meilleur des hymnes pop/rock anglo-saxons. Les compos sont riches et prennent rapidement aux tripes ! L’interprétation est empreinte de délicatesse et de volupté ! Les accords s’enchaînent naturellement. Les titres défilent : « Redbud », « Be There », « One Day », « The Mistake », sans oublier les inévitables « New Way Home », « Insane » ou encore « In My Mind » qui a ouvert au combo une porte médiatique salvatrice !
Ce concert restera un des meilleurs de la soirée !
Autre groupe, autre style chez Dr Voy ! Pas de stéthoscope, mais des guitares électriques qui foisonnent, des lignes de basse qui mordent et une rythmique à faire exploser le métronome !
Le genre élaboré par Reg (batterie), Jeff (guitare, chant), Rod (basse) et Vince (guitare, chœurs) est particulièrement hybride, mêlant rock garage, attitude punky, esprit soul et spontanéité déguisée !
A ce jour, les bad boys de la région du Centre ont gravé trois long playings studio : "Time runs away" (2007), "Kill the angel" (2009) et "That's all fake" (2012). Tous autoproduits. Ils ont accompli de nombreuses tournées. Tant en Belgique qu’au Royaume-Uni. Ce soir, ils sont venus déverser leur savoir-faire sur fond de sauvagerie bestiale gorgée de testostérone…
Le son est crasseux ! Poisseux même ! Aucun doute, la réputation du toubib n’est pas surfaite ! Les oreilles souffrent !
Ce plaisir sera cependant de courte durée ! Environ une vingtaine de minutes après le début du show, les problèmes techniques font rapidement leur apparition : amplis qui craquent et retours de scène qui fonctionnent de manière aléatoire. C’est la frustration chez les musicos et la déception dans l’auditoire.
Excédé, le chanteur s’est interrogé sur l’absence de l’ingé son, finalement retrouvé au bar !
Jeff (qui a vite fait de prendre ses cliques et ses claques et de se casser !) et sa bande de potes ont eu bien du courage !
Un brin de nostalgie, ensuite, en compagnie de Gad’80, un cover band dont le répertoire est puisé aussi bien dans la pop anglo-saxonne que la chanson française.
On aura ainsi droit à des standards des eighties (The Buggles, Visage, …), dynamisés par une interprétation plus rock. Rien de plus, rien de moins !
Pas de quoi susciter l’enthousiasme de votre serviteur. Ce type de groupe est-il d’ailleurs nécessaire lors d’un tel festival ? La question reste posée…
Car, c’est avec… plus de deux heures de retard que le Framerisois, Giani Sabia, flanqué de ses compères, a pris place devant une… douzaine de fans qui piaffaient d’impatience.
Il a fallu en effet attendre une heure du matin pour assister au concert de Lemon Straw ! Du n’importe quoi !
Le combo ne s’est pourtant pas laissé démonter pour autant ! Celui qui, maintenant hante les plateaux télé et les plus grosses salles du pays, était ravi de revenir sur sa terre promise.
Le parcours du Sieur Sabia est assez atypique. Il quitte l’usine en 2002 pour abandonner un système prolétaire dont il semble n’avoir tourné aujourd’hui qu’une demi page. Il décide alors d’apprendre à jouer de la guitare et compose ses propres chansons.
Lors d’un stage musical, il rencontre Boris, son futur acolyte. Il milite au sein de quelques groupes issus de la région. Souhaitant perfectionner son anglais, il part vivre à Londres, Dublin et ensuite New York.
A son retour, Boris et lui montent alors Lemon Straw. Renaud Lhoest (NDR : arrangeur et violoniste) les rejoint quelques mois plus tard. Ainsi, est née la légende !
Le combo belge s’était révélé grâce à « See You On The Other Side », titre éponyme de son premier LP, paru en mars 2010.
Le trio est venu présenter son deuxième elpee, « Running Home », gravé en mars 2015. Produit en collaboration avec Dada (guitariste du groupe Suarez), ce long format s’inscrit dans une certaine symbolique de changement tout en conservant à la fois les belles mélodies pop et radiophoniques.
Le line up de Lemon Straw implique donc Giani Sabia (chant/guitare), Boris Iori (dobro, harmo, lap steel) et de ‘l’autiste’ Xavier Bouillon (piano).
Depuis peu, Martin Moreau se consacre aux fûts. Il remplace la boîte à rythmes, apparemment mise au placard. Il s’agit du batteur de Feel, une formation athoise. Son concours tonifie certains morceaux un peu mous du genou.
La voix de Giani est chaude et émouvante. « Air », « Does Anyone Feel Like Me », « Out Of Time » (NDR : qui a servi de couverture sonore à la toute dernière campagne des 'Iles De Paix') ou « Wich Side Are You On » ne laissent aucun doute quant à l’ouverture lyrique du chanteur.
Moment chargé d’une grande émotion, lorsque la disparition de Renaud Lhoest, violoniste et pianiste, décédé trop tôt à la suite d’une longue maladie, en décembre 2014, est évoquée. L’excellent et puissant « See you on the other side » lui est d’ailleurs spécialement dédié et résonne amèrement.
Interprété ce soir, il prend encore une dimension toute particulière, riche et immensément triste à la fois !
L’intimité entre le groupe et le public s’intensifie à fur et à mesure que le temps passe. Les uns et les autres plaisantent à tour de rôle avec le chanteur.
Il est deux heures et quart du matin lorsque les dernières notes retentissement sous forme d’écho. Ce festival s’achève enfin !
(Organisation : La Vie en Rock)
The Voeks + The Pugs + The Pinkertons + Xcess + Miss Jacqueline + Hipsta + LYS + Dr Voy + Gad'80 + Lemon Straw
And Also The Trees vient de publier son 13ème album ; et pour le défendre, il est reparti en tournée. Intitulé « Born into the waves », cet excellent elpee est paru ce 18 mars 2016 (voir chronique ici). Une bonne raison pour aller applaudir cette formation qui compte quand même 35 ans d’existence, à l’Os à Moelle de Bruxelles, ce mercredi 30 mars. C’est la première fois que votre serviteur se rend dans cette salle. Qui pour la circonstance est sold out. Située au sein d’un sous-sol à Schaerbeek, elle est vétuste, mais n’en est pas moins chaleureuse. D’ailleurs, la température ambiante grimpe au fur et à mesure de l’arrivée des spectateurs. Les projecteurs –figés sur une seule teinte blafarde– ont du vécu, les fauteuils en velours aussi, et certains rideaux de couleur bordeaux, notamment suspendus au-dessus du podium, rappellent la configuration d’un café-théâtre voire d’un cabaret. Qui compte parmi ses fondateurs, un certain Joe Dekmine. C’était en 1960. Un bail !
Annoncé à 20 heures, le set ne démarre qu’une heure plus tard. Pendant toute cette longue attente, des haut-parleurs nous bombardent de musique cold ou new wave dansante, sur laquelle personne ne danse (!?!?). Et au fil du temps, elle devient même agaçante. Bref, après quelques émanations de fumées éparses, les hauts parleurs diffusent quelques bribes de « Naitô-Sunjuku », un titre issu du nouvel opus. Le quintet monte alors sur l’estrade. Simon Huw Jones a revêtu son traditionnel long manteau d’hiver, qu’il ôtera au bout de quelques morceaux, laissant alors apparaître un gilet très british, dont la boutonnière est reliée par une chaîne en or jusque la poche (NDR : contiendrait-elle un montre Gousset ?) Son frère, Justin, est habillé tout de noir, l’une ou l’autre mèche de cheveux rebelle lui retombant parfois sur le visage. Les frangins sont épaulés par un drummer, un bassiste et un claviériste/gratteur/clarinettiste, ce dernier s’éclipsant lorsque son concours n’est pas nécessaire. Justin est toujours aussi habile sur ses six cordes. Et même les douze, lors du deuxième titre, « Dialogue ». Il les pince ou les caresse de ses doigts, sans onglet. Et nous envoûte très souvent de ses sonorités si spécifiques de mandoline ou de balalaïka. Dès la valse « Sleepers », on assiste à des échanges entre les deux gratteurs. Et ces échanges communiquent une autre dimension à la musique d’And Also The Trees. Les deux protagonistes ne se servent jamais du médiator. Même le bassiste n’y a recours qu’épisodiquement. Simon est dans son monde. Il conte ou chante ses textes poétiques. Très souvent, les yeux mi-clos et en y ajoutant la gestuelle. Il plaisante quand même entre les morceaux. Titre-phare du band, « Virus Meadow » met à nouveau en exergue le talent de gratteur de Justin. Les sonorités cristallines, hypnotiques, alors libérées par les cordes, évoquent paradoxalement Mike Oldfield. Avant d’attaquer « Winter sea », Simon déclare que la compo s’adresse à Jésus. Sans nous en dire davantage. Le nouveau membre du combo se distingue à la clarinette, alors que les cordes sonnent de nouveau comme des balalaïkas et le drummer souffle dans ce qui ressemble à un harmonica, des tonalités plutôt étranges. Plus climatique, « Boden » permet de nouveaux duels entre grattes, mais empreints d’une telle subtilité, qu’on ne peut succomber sous le charme. Simon a empoigné un tambourin pour « Only », un morceau au profil flamenco. Tout comme « Shaledown ». On en oublierait presque la performance du drummer. Qui se balance tout en martelant ou cajolant ses fûts avec une dextérité impressionnante. Il se multiplie tout au long de « Bridges », et lorsque le tempo s’élève on ne peut s’empêcher de penser au « One of these days » du Floyd. Justin dispense des accords ‘surf’ lors du plus new wave « Brother fear ». Mais également sur le mid tempo « Missing », une compo qui achève magistralement et en puissance le set. Accroupi, Justin utilise un archet électronique qu’il fait glisser sur les cordes de sa gratte. Elles gémissent de douleur. Avant que la compo n’entre dans sa phase la plus sauvage. Nous plongeant au cœur d’un malstrom assourdissant. A cet instant, les portugaises sifflent… et les musicos en profitent pour quitter l’estrade…
Réflexion quand même, hormis « The sleeper », les morceaux réminiscents du Genesis circa « Trespass », comme « Seasons a the storm » et « The skeins of love », sont passés à la trappe. Les interventions du clavier sont d’ailleurs ici le plus souvent discrètes et elles ne tapissent jamais les morceaux, comme l’orgue, sur ces trois plages du dernier long playing.
Lors du premier rappel, Justin nous réserve un solo tout en accords pour amorcer « Prince Rupert ». Edifiant ! Le drummer et le bassiste en profitent pour conjuguer des accords jazzyfiants tout au long de « Rive droite ». Et ils sont superbes. Avant que le morceau ne libère à nouveau toute sa puissance.
Et le band d’accorder un deuxième rappel. Simon reprend son rôle de conteur pour « Slow Pulse Boy », une plage percutante, tramée sur un tempo relativement blues (NDR : surf aussi, sans doute), qui est ponctuée par une nouvelle finale frénétique. Acclamations pour un concert épatant au cours duquel le mixing était réduit à sa plus simple expression. Manifestement ces musiciens n’ont pas besoin d’artifice pour exprimer tout leur talent. Et en toute simplicité, après le concert, les artistes viennent tailler une bavette avec les aficionados dans la salle ou pour y signer pochettes et livrets…
Setlist
1. Your Guess
2. Dialogue
3. A Room Lives in Lucy
4. Hawksmoor & the Savage
5. The Sleepers
6. The Legend of Mucklow
7. Virus Meadow
8. Winter Sea
9. Boden
10. Only
11. Shaletown
12. Bridges
13. Brother Fear
14. Missing
Rappel 1
15. Prince Rupert
16. Rive Droite
Rappel 2
17. Slow Pulse Boy
Micah Paul Hinson traîne un passé tourmenté. Addiction, banqueroute, passage par la case prison, etc., on ne peut pas dire que sa carte de visite soit ‘clean’. Cependant, c’est un talentueux songwriter. Et puis, depuis qu’il s’est marié, il s’est racheté une conduite… Ce n’est pas la première fois que le Texan se produit au Botanique. C’est même devenu un habitué des lieux. Il vient de publier un nouvel album en compagnie du groupe The Nothing. Avant de repartir en tournée. Et le périple européen passait donc par Bruxelles. Une belle occasion de revoir ce personnage attachant mais atypique, se produire dans un endroit aussi intimiste que celui de la Rotonde.
Pas de supporting act. Et à 20 heures, la salle n’est qu’à moitié pleine, lorsque l’artiste monte sur l’estrade. Ou vide selon. La quasi-totalité des spectateurs est assise sur les gradins. L’hémicycle va quand même se remplir progressivement, mais au fil du concert. Etonnant !
Vêtu d’une d'une salopette en jeans, laissant apparaître des chaussettes à rayures, Micah a les cheveux tirés en arrière. Un look qui illustre à merveille l'Américain sudiste. Aujourd’hui, il se produit en solo, armé de sa sèche. Une option particulièrement minimaliste, il faut le reconnaître. La dernière fois qu’il avait foulé les planches du Bota, il était épaulé par son épouse. Elle était préposée au synthé. Si aujourd’hui elle est présente, c’est dans les loges, au dessus de la régie. Auprès de leur enfant. Tout au long du set, l’artiste va d’ailleurs regarder dans leur direction, comme pour susciter des encouragements ou des conseils.
Sa voix rocailleuse est empreinte d’émotion ; et elle accroche immédiatement l’oreille. Les sonorités dispensées par sa guitare sont brutes de décoffrage ; une impression qui s’accentue, lorsqu’il commence à y injecter de la distorsion. On ne peut pas dire qu’elles soient léchées, comme chez pas mal d’artistes contemporains. Il enchaîne les morceaux issus de ses différents albums, parmi lesquels on épinglera les excellents "Seven Horses Seen" et "Take Off that Dress for Me". Au fil des morceaux, il devient de plus en plus hésitant et consulte longuement sa set list. Au bout d’une petite demi-heure, il parvient quand même à –quelque peu– se décontracter et commence à discuter avec le public. Abordant des sujets comme la difficulté de vivre en tournée ou sa passion pour la musique country...
Il quitte le podium vers 20h40, pour revenir quelques secondes plus tard, une cigarette électronique au bec. C’est à partir de cet instant que Micah P.Hinson va montrer des signes d'impatience. Après chaque chanson, il consulte sa montre et met de plus en plus de temps à donner une suite à son répertoire. Si au départ, cette attitude prête à sourire, au fil du temps, le public manifeste de plus en plus de signes d’agacement. Un comportement qui finit par jeter un froid dans l’assemblée.
Micah P.Hinson est un artiste atypique qui évolue à mille lieues des sentiers battus. Il fait ce qu'il aime. Sans se soucier des autres. Mais surtout de son public. Il n’hésite pas à déranger le confort des mélomanes. Et même à leur signifier son ennui. Une conduite contestable, mais qui n’enlève rien à son talent…
(Organisation : Botanique)
Né en 1996, le Cosmic Trip est un festival qui fait la part belle au garage, un style né au cours des sixties aux Etats-Unis et au Canada qui a ensuite rapidement contaminé l’Albion. Les compilations ‘Nuggets’ et ‘Peebles’ constituent d’ailleurs d’excellentes anthologies pour illustrer le genre. Le festival se déroule sur quatre jours. Quatre salles françaises différentes y programment des découvertes, des artistes émergents, mais aussi d’autres confirmés. Malgré ses deux décennies d’existence, l’événement est parvenu à conserver son identité. Ce mercredi 30 mars, il proposait une triple affiche au Grand Mix de Tourcoing. Compte-rendu.
Pas de Weird Omen pour votre serviteur. Le concert a débuté un peu après 20 heures, et comme le temps de parcours a été plus long que prévu, il faudra se passer de cette prestation. Ce n’est cependant que partie remise.
En débarquant dans la salle, Last Train vient d’entamer son set. Au cours des derniers mois, le combo alsacien alimente la polémique. Certains mélomanes apprécient le vent de fraîcheur soufflé par le quatuor, d’autres regrettent son manque de personnalité. La vérité se situe, sans doute, entre les deux. Car bien que ne révolutionnant vraiment le rock’n’roll, les Mulhousiens libèrent en ‘live’, une énergie communicative. Ils se donnent à fond, c’est le moins que l’on puisse écrire ! Le chanteur fait grosse impression. Et pas seulement pour son look (NDR : sa coupe de cheveux –blonds– est quand même très rétro ; et sa cigarette au bec, accentue une impression d’impertinence). Ni sa voix rauque. Mais surtout à cause de son charisme. Un charisme naturel qui séduit manifestement l’auditoire. Pourtant, trop les compos sont trop souvent fort semblables. Des exceptions ? Le puissant « Leaving You Now » et « Fire », compo à la construction progressive, qui clôt le show. Mais deux excellents morceaux dans une set list, c’est quand même largement insuffisant. Et ce nonobstant un brin de folie scénique qui cherche à compenser un manque de profondeur dans la musique. On comprend donc mieux pourquoi ce quartet excentrique divise autant les mélomanes au sein de l’Hexagone…
Il revient au combo batave Birth Of Joy de clôturer la soirée. Une formation responsable de quatre elpees en six années. De véritables bijoux, dont le dernier « Get Well », est constitué de quelques perles. Sur les planches, le line up du groupe est plutôt singulier. Surtout vu le rock’n’roll qu’il revendique. Encore qu’au vu du set, il lorgne régulièrement vers le post-rock voire le post-punk. Et c’est cette diversité de styles qui rend sa musique finalement intéressante. Le line up implique un chanteur/guitariste (NDR : qui arbore de longs cheveux blonds, un peu comme feu Kurt Cobain), un batteur et un claviériste. Les compos libèrent une belle intensité. Le public est particulièrement réceptif. Les mouvements de foule se multiplient. Et finissent par déclencher des pogos. Ce qui a l’heur de surprendre le trio. Et il ne s’en cache pas. Oui le Nord de la France est aussi très rock’n’roll ! Sublimée par l’ambiance de feu qui règne dans la fosse, la prestation du groupe devient impressionnante. Et un titre comme « Grow » pète littéralement des flammes. Ce qui incite certains spectateurs à se mettre torse nu. Le leader, Stunnenberg se prend au jeu. Il finit également par ôter son t-shirt. De quoi amplifier l’hystérie des fans… En rappel, le combo amstellodamois nous réserve un de ses vieux tubes : « Make Things Happen ». Que du bonheur ! Un spectacle exceptionnel autant que surprenant. Des concerts pareils, on en redemande !
(Organisation : Cosmic Trip)
Dans l’univers du rap français, Nekfeu a marqué de son empreinte l’année 2015. Son premier elpee, « Feu », est paru début juin. Cinq mois plus tard, il se produit à l’Ancienne Belgique, devant une salle comble. Et en décembre, il réédite son long playing. Ce qui a inévitablement entraîné une forte demande pour qu’il se produise à nouveau en concert, au sein du Royaume. Et afin de satisfaire un max d’aficionados, le rappeur du S-Crew a finalement décidé de fixer cette deuxième date du ‘Feu Tour’, à Forest National. Une excellente initiative !
Flanqué d’Hologram’ Lo (DJ), le duo Phénomène Bizness assure le supporting act. Comme tout au long de cette tournée. Pas étonnant, quand on sait qu’il relève du même label que Nekfeu. Réunissant John Hash et Saïga, la paire est loin d’être méconnu du public de la tête d’affiche, puisqu’elle a également participé à la nouvelle mouture du premier LP solo du rappeur. Les deux acolytes enchaînent les titres face à un auditoire presque comble et très réceptif au set proposé. Ils reprennent quelques uns de leurs morceaux majeurs comme « Les Nuits Parisiennes », « Bizi Baby » ainsi que leur couplet de « Les Bruits de ma Ville », issu du long playing de Nekfeu. En une demi-heure, Phénomène Bizness a délivré un show particulièrement convainquant. Et laissé des braises chaudes pour la tête d’affiche…
Lorsque retentissent les premières notes de « Martin Eden », il ne reste pratiquement plus de place libre. L’entrée en scène de Nefkeu est tout à fait étonnante. Fracassante même. On laisse la surprise à celles et ceux qui n’ont pas encore assisté au concert. Il est accompagné de Doums, un membre de L’Entourage. Dès l’entame, il enflamme un auditoire particulièrement réceptif. Qui se lance dans quelques pogos, à la demande du Trinitaire sur « Tempête », avant qu’elle ne se calme, pour aborder « Egérie »…
La plupart du répertoire se concentre sur l’opus. Nekflamme (NDR : c’est un autre pseudo) est bien entouré. Outre Doums, il bénéficie du concours de S-Crew, pour nous fourguer quelques sons à l’ancienne. Surprise, le groupe MZ vient soutenir Nek pour interpréter « Les Princes ». Doums a également droit à un morceau en solo. Mais d’autres guests sont prévus. Ainsi, le tandem belge Jean-Jass et Caballero se réserve un extrait de « Double Hélice », un Ep dont la sortie est prévue pour la fin du mois avril. Et c’est Hamza qui complète la liste des collaborateurs belges…
Déjà pourtant bien servi en invités, le public belge n’est pas au bout de ses émotions, puisque S.Pri Noir débarque pour interpréter « Ma Dope ». Et le Parisien n’en reste pas en si bon chemin, puisqu’il accorde, quelques instants plus tard, un duo en compagnie d’Alpha Wann, pour le très efficace « Lunettes Noires ». Le dernier hôte n’est autre que Sneazzy. Il se distingue sur le couplet de « Deux-Trois », un track qui figure sur la nouvelle mouture de « Feu ». L’ambiance est alors survoltée. Nekfeu conclut son show par quelques titres phares dont « Reuf » avant de quitter définitivement l’estrade après avoir interprété « On verra ».
En deux heures de concert, Ken Samaras (NDR : c’est son véritable nom) a régalé son public. Dont il est resté très proche, tout au long du spectacle, s’offrant quelques bains de foule, y entraînant même son acolyte de scène, Doums. Ce qui aura eu le don de mettre l’auditoire de bonne humeur. Celui que l’on surnomme également le Fennek n’a jamais levé le pied ni laissé le moindre détail au hasard. Un show maîtrisé de bout en bout. Magnifique par son aspect visuel et le choix de ses invités. Pour son premier périple ‘solo’, Nekfeu ne n’est pas contenté des souffler sur les braises laissées par Phénomène Bizness, il a littéralement mis le feu à Forest National…
Nekfeu se produira cet été dans le cadre des festivals Ardentes et Solidarités.
(Organisation : Live Nation)
Après avoir écumé les plus belles salles de France, de Suisse, de Russie (Moscou) ou encore d’Angleterre (Londres), c’est à Bruxelles, et à Forest National plus précisément, que Calogero a décidé d’immortaliser ‘live’ son excellentissime « Feux d’artifice ». C’était le 25 avril 2016.
Fruit d’une collaboration entre Marie Bastide (son épouse), Dominique A., Alex Beaupain, Christophe Cirillo et Paul Ecole, ce sixième opus studio avait reçu d’excellentes critiques, lors de sa sortie, en 2014. Ce qui lui a permis, notamment, de décrocher une Victoire de la Musique, l’année suivante. Mais ce succès populaire lui a surtout permis d’écouler un peu plus de 700 000 exemplaires de ce disque et puis d’accomplir une tournée de 83 dates qui a drainé 350 000 spectateurs.
Sans aucune surprise, « Live 2015 » survole plus de vingt ans d’une carrière bien remplie. Le chanteur y aborde certes les thématiques sociétales de son dernier bébé telles que les familles recomposées (“Le Monde moderne”), l’homosexualité (“J’ai le droit aussi”) ou encore des enfants sans mères (“Le Portrait”, deuxième extrait de l’histoire très émouvante de ce petit garçon dessinant sa mère que l’on devine décédée, à la craie), mais aussi des titres qui l’ont poussé en haut de l’affiche : "Aussi libre que moi", "En apesanteur", "Face à la mer", "Tien An Men", "Yalla", "Si seulement je pouvais lui manquer" ou "C'est dit"...
Le tout bien évidemment dans une ambiance survoltée que l’on devine en écoutant les hurlements en filigrane !
Un des moments forts de ce concert reste « Un jour au mauvais endroit », un morceau au cours duquel le public, encouragé par l’artiste, clame haut et fort son indignation face au drame d'Echirolles (banlieue de Grenoble) où deux jeunes adolescents ont trouvé la mort.
Le bassiste le plus populaire de l’Hexagone, poursuit donc un chemin inexorable et capitalise une fois encore ce qui fait son succès depuis le début : de belles mélodies et des textes poignants.
Bref, les feux d’artifices de Calo continuent de nous laisser des étoiles plein les yeux !
« Multi-Love », le troisième elpee d’Unknown Mortal Orchestra, est paru l’an dernier, et il faut reconnaître qu’à première écoute, hormis deux morceaux, cet album n’avait guère convaincu votre serviteur. Après avoir assisté à sa prestation dans le cadre du festival de Dour, l’an dernier, il était quand même temps de faire le tour du propriétaire. Mais si le nouveau bilan est moins négatif, il demeure néanmoins fort mitigé.
« Multi-Love » (NDR : c’est le titre maître), en ouverture, fait instantanément mouche. Sublimé par des percus puissantes, il se distingue par des notes de synthé bien senties. Et « Can't Keep Checking My Phone » constitue certainement une des meilleures compos enregistrées par le groupe, à ce jour, le band parvenant à réaliser la parfaite synthèse de tout son potentiel, en agrégeant indie rock et r’n’b. Malheureusement, les tentatives de fusion entre d’autres styles se révèlent le plus souvent indigestes. On épinglera cependant un titre catchy comme « Ur Life One Night » ou encore une piste expérimentale intitulée « Extreme Wealth and Casual Cruelty ». Mais en général, les compos du band néo-zélandais manquent cruellement de puissance. Et faute de grandes envolées, l’ensemble s’avère finit par voler au raz des pâquerettes.
Trop inégal, « Multi-Love » est partagé entre titres susceptibles de faire danser son public et morceaux tellement brouillons qu’ils ne présentent finalement qu’un intérêt plus que relatif. Il s’agit quand même de la troisième fois qu’Unknown Mortal Ochestra se contente de remplir son verre à moitié. A moitié vide ou plein, selon les affinités ; cependant, il serait quand même temps qu’il nous en serve un bien tassé…
« Born into the waves » constitue le 13ème opus studio d’And Also The Trees, un disque qui s’inscrit davantage dans la lignée de « Hunter not the Hunted » que de l’Ep éponyme, paru en 2014, essentiellement acoustique. L’inspiration des compos de ce nouvel elpee émane d’une tournée accomplie en Europe de l’Est et au Japon. Et les lyrics traitent de l’amour, non pas sous sa forme traditionnelle, mais comme une émotion et une force par opposition à la haine : lumière et obscurité, énergie et destruction. Tout un programme qui, vu le contexte dramatique actuel, prend plus que jamais toute sa signification.
Tout au long de l’œuvre on retrouve ces fameuses cordes de guitare en couches qui sonnent soit comme des mandolines ou du balalaïka. C’est une marque de fabrique d’AATT, entretenue par Justin Jones. Et tout particulièrement sur « Boden » ainsi que les trois premiers morceaux de l’elpee, des morceaux mélancoliques, empreints de délicatesse, que Simon chante ou déclame à la manière d’un conteur, et qui évoquent plus que jamais le célèbre long métrage « Docteur Jivago », mais au cours desquels le drummer/percussionniste impressionne par ses interventions empreintes de subtilité et de feeling (« Your guess », « Hawksmoor & The Savage », « Winter sea »). Elément neuf, la présence de sonorités claviers et surtout d’orgue. Sonorités créées par la guitare de Justin Huw Jones (NDR: et c'est tout à fait bluffant!) Elles rappellent même et curieusement le Genesis de l’époque « Trespass ». A l’instar de « Seasons & the storms », sur lequel Adam Sherry (Dead Forest Index) vient poser la voix, une plage dont le vent d’optimisme tourne étrangement à la mélancolie. Ensuite sur la ritournelle « The sleepers ». Et enfin lors du morceau de clôture, « The Skeins of love », un titre remarquable, mystérieux, dont le groove hypnotique est dynamisé par la ligne de basse jazzyfiante et les drums à la fois souples et amples, alors qu’une clarinette traverse épisodiquement cette piste, dans l’esprit du « Pierre et le loup » de Sergueï Prokofiev.
Simon Huw Jones se lance dans le ‘spoken word’ tout au long du minimaliste « The bells of St Chritopher’s », une compo qui s’achève par quelques bruitages électro, cliniques, comparables à ceux émis par une machine de réanimation cardio-pulmonaire. Un instrumental ? « Naitô-Shinjuku ». Qui met surtout en exergue les percus de Paul Hill, et tout particulièrement des cylindres fabriqués par ses soins. Ce qui communique un climat oriental à ce morceau.
Spectral, « Bridge » alterne entre deux tempos. Et lorsqu’il devient offensif, on ne peut s’empêcher au « One of these days » du Floyd.
Bref, And Also The Trees vient de commettre un des meilleurs albums de sa discographie et peut-être déjà un des albums de l’année. On en reparlera. Il se produira à Bruxelles (Os à Mœlle) et à Paris (Petit Bain), respectivement, ces 30 et 31 mars, mais c’est sold out pour ces deux dates.
Originaire de la Georgie, Randall Bramblett est âgé de 68 ans. Au sein de la scène musicale du Sud des Etats-Unis, c’est donc un vétéran. A l’origine, il était destiné à embrasser une fonction de séminariste. Mais finalement il a opté pour une carrière musicale. Chanteur, compositeur, musicien de studio et showman, il s’est forgé une notoriété en côtoyant –notamment– Greg Allman, Bonnie Raitt, Robbie Robertson, Elvin Bishop et Stevie Winwood. Il a également et longtemps milité chez Sea Leavel. Drivé par Chuck Leavell, ce groupe de southern jazz/rock a sévi à la fin des 70’s. Ce muti-instrumentiste est capable de jouer aussi bien des claviers, du saxophone, de la guitare, de l’harmonica que de la mandoline, mais également de s'attaquer à des tas de styles différents, tels que le blues, rock, folk ou gospel. Il compte déjà une bonne douzaine d'albums personnels à son actif. La majorité des plages de son dernier opus, "Devil Music", ont été enregistrées au studio Sound Stage de Nashville, sous la houlette de Gerry Hansen. Pour la circonstance, il a reçu le concours de son backing group, ainsi que de quelques invités.
"Dead in the water" est une ouverture classieuse. Randy Hanse, le drummer, imprime le tempo de cette plage, caractérisée par la présence de trois guitaristes ; en l’occurrence, Davis Causey (ex-Sea Level), Nick Johnson (Bramblett Band) et, surprise, Mark Knopfler en personne. Randall se consacre au chant et siège derrière l'orgue Hammond. Une légère rythmique balise "Devil woman". Les percus sont hypnotiques mais très contemporaines. Le tempo est versatile. Randall est partagé entre orgue et saxophone. Terne, la voix colle bien au style. Surprenant ! Et la compo traite du dialogue difficile entre le jeune Howlin' Wolf et sa maman à propos du blues, la musique du diable. Un style qu’approfondit Bramblett sur le très riche "Bottom of the ocean". Soutenue par des chœurs, la voix est un peu plus exposée. Les grattes de Causey et Johnson tirent leur épingle du jeu face à une solide section de cuivres, constituée de Randall au sax ténor ainsi que Tom Ryan et Kevin Hyde aux barytons. "Angel child" baigne au cœur d’une atmosphère chaleureuse. La voix est overdubbée. Une des meilleurs plages de l’elpee qu’illumine la slide de Derek Trucks (NDR : aujourd’hui, il est considéré comme un des maîtres sur cet instrument, à cause de son talent, mais aussi de sa créativité). Randall et Davis Causey cosignent "Pride in place", une piste nerveuse au cours de laquelle la voix originale et étrange du Georgien est parfaitement exploitée. L’un des deux gratteurs (probablement Causey) se réserve un bel envol sur ses cordes, se servant du tremplin proposé par les percussions généreuses de Hansen. Insolite, "Reptile pilot" est un morceau qui aurait pu naître d’une jam intégrant des éléments de jazz, rock et blues. Un créneau exploré jadis par Sea Level. D’ailleurs, l’ex-leader de ce combo, Chuck Leavell, se réserve, pour la circonstance, le piano ; un piano qui rivalise avec le saxophone de Bramblett. Des arrangements complexes, étranges, troublants même, entretiennent "Whiskey headed woman", une plage qui met en exergue les différentes facettes du talent de Randall, tant aux claviers qu’au saxophone, mais également du bassiste, Michael Rhodes. "Strong love" change encore de profil. Une compo qui baigne dans une ambiance R&B. Elle monte progressivement en puissance, tirant parfaitement parti de l'orgue Hammond et du synthétiseur. Piano et orgue tapissent "Ride", un blues particulièrement lent, minimaliste et dépouillé. Et le reste de l’opus est toujours d’aussi bonne facture, à l’instar du plus soul "Thing for you" et du R&B entraînant, "Missing link". Randall Bramblett est de nouveau parvenu à concocter une œuvre totalement différente de ses précédentes. Et sans jamais se départir d’un souci permanent de qualité.
C’est en 2006, que la carrière d’Enter Shikari a démarré (NDR : fondé en 2003, il est issu de St Albans, dans le Hertfordshire). Son premier elpee, « Take To The Skies », s’écoule alors à plus de 100 000 exemplaires et décroche un disque d’or. Mais la raison de ce succès foudroyant procède de son style. Un style hybride, ultra efficace, fruit d’un cocktail entre hardcore mélodique, rythmes ‘trance’ et hard rock électronique. Son quatrième elpee, « The Mindsweep », est paru l’an dernier. Percutant, il se distingue par des vocaux davantage brutaux, mais surtout par le concours de cuivres et de cordes susceptibles de propulser la musique dans une autre dimension. Il s’agit déjà de la sixième visite du band insulaire à l’AB.
Premier supporting act, Hacktivist, entame son set à 19h00 précises. La salle commence à se remplir. Il ne restait d’ailleurs plus que quelques places disponibles, avant le show. Le combo n’a guère d’espace pour s'exprimer. Le quintet britannique (NDR : il est originaire de Milton Keynes, en Angleterre) implique deux vocalistes (J Hurley et Ben Marvin), le gratteur Timfy James, le bassiste Josh Gurner et le drummer Rich Hawking. Son style ? Du rap/métal !
La set list va puiser allègrement dans son dernier elpee, « Outside The Box ». Les 2 MC’s s’époumonent. Les riffs de gratte ont la pêche. Le drummer inflige la cadence. Les morceaux sont manifestement hantés par les Beastie Boys, Cypress Hill et Run-D.M.C., même si une fameuse dose de dubstep permet à l’expression sonore de bifurquer régulièrement vers l'univers de Faith No More voire de Limp Bizkit.
Difficile à expliquer, mais au départ, votre serviteur était assis bien confortablement. Mais comme subjugué par le show, il se lève et s’approche du podium. Faut dire que particulière et instinctive, la musique prend aux tripes. D’ailleurs le public réagit spontanément et s’agite de plus en plus, surtout aux premiers rangs. Et en une demi-heure, Hacktivist va régaler autant les jambes que les oreilles. (Pour les photos c’est ici)
Modestep assure le second supportig act. Un combo londonien fondé en 2010. Mélodique, son hard rock électro est teinté de dubstep et de drum&bass. Josh Friend en est le leader. Il est aussi producteur. Mais surtout chanteur. Quand il grimpe sur l’estrade, on remarque ses impressionnants tatouages sur le cou. Il est soutenu par son frère Tony, à la guitare et aux machines, le drummer Pat Lundy, et le gratteur solo, Kyle Deek. Tout au long du set, ce dernier restera planté à gauche du batteur. Coiffé d’une casquette retournée, il est plutôt de grande taille. Mais c’est lui qui balance les riffs meurtriers. La musique semble née d’un croisement entre The Prodigy, The Script et Skrillex. Devant l’estrade, les aficionados sont particulièrement excités. Et se lancent dans un crowdsurfing qui conduit les audacieux jusqu’au fond de la salle. Plutôt satisfait, Josh les félicite. C’est réciproque, car ce soir, Modestep s’est littéralement déchaîné. Si Enter Shikari fait mieux, on va finir six pieds sous terre ! (Pour les photos, c’est là)
La fosse est ainsi chauffée à blanc lorsque les musicos d’Enter Shikari débarquent. En l’occurrence le chanteur/multi-intrumentiste Roughton 'Rou' Reynolds (NDR : il est aussi à l’aise derrière les ivoires qu’à la gratte), le second guitariste Liam Clewlow et le batteur Chris Botten. Il est alors 21 heures. Et dès les premières mesures, on est impressionné par le light show.
Quand « Sorry, You'Re Not A Winner » retentit, le public se lâche totalement. Faut dire que Rou semble en très grande forme. C’est d’ailleurs lui qui va dynamiter la soirée. On le voit partout : devant, derrière, accroupi devant ses fans. Il aide même un aficionado à se lancer dans la foule depuis le podium. Il signale que le trio va nous réserver, un titre jamais interprété en ‘live’, « The One True Colour. Une perle ! Rou s'installe derrière les claviers pour attaquer « Juggernauts », un morceau plus paisible. La cover du « Angels » de Robbie Williams est superbe. Plusieurs compos bénéficient de projections vidéos. A l’instar du désopilant « Gandhi Mate, Gandhi ». Mais progressivement la foule s’enflamme à nouveau. Le mix judicieux entre morceaux récents et plus anciens y contribue. L’énergie libérée est authentique, sauvage, brute de décoffrage. « Mothership » va provoquer une véritable euphorie. C’est le morceau qui termine le show. En parfaite communion avec les artistes, la foule reprend le refrain en chœur.
Lors du rappel, le batteur monte sur sa grosse caisse et brandit le drapeau belge ; une manière de rendre hommage aux victimes des attentats perpétrés dans la capitale. Mais le combat n’est pas terminé. Les Anglais mettent toute la gomme pour affronter l'énorme « The Appeal & The Mindsweep II ». Le public a mis un genou. Enter. Peut-être même les deux. Il n'y a plus qu'à se rendre ; et pour les plus courageux, au Club, afin de vivre une after gratuite. Ravi et conquis par cette soirée magique, votre serviteur préfère s’éclipser… (Pour les photos c’est encore ici )
Setlist : « Enter Shikari », « Solidarity », « Sorry, You'Re Not A Winner », « The One True Colour », « The Last Garrison », « No Sleep Tonight »; « Destabilise », « Radiate », « Slipshod », « The Jester », « There'S A Price On Your Head », « Juggernauts », « Angels », cover de Robbie Williams, « Arguing with Thermometers », « Gandhi Mate, Gandhi », « Torn Apart » et « Mothership ».
Rappel : « Redshift », « Anaesthetist », « The Appeal & The Mindsweep II ».
(Organisation : Ancienne Belgique et Live Nation)
Agé de 35 ans, Sean Pinchin est issu de Toronto. Ce chanteur, guitariste et compositeur n’en est pas à son premier album. Paru en 2013, son précédent s’intitule "Rust Bucket" ; et apparemment "Monkey brain" constitue son cinquième. Un disque pour lequel il a de nouveau reçu le concours de Rob Szabo à la production. En principe, le Canadien se produit en formule trio, Mark McIntyre se consacrant à la basse et Adam Warner à la batterie. Lors des sessions, Rob a également apporté sa collaboration aux claviers. Sean possède une rare maîtrise du bottleneck et c'est bien cette technique qui domine ce nouvel elpee.
Puissant, le titre maître ouvre l’opus. Ravageurs, les riffs de slide balaient tout sur leur passage. "Can't stand it" élève le tempo. La voix de Sean est nerveuse mais autoritaire. Accrocheuse, sa slide la traque. Déterminante, la section rythmique balise l’ensemble. Le travail de mise en forme opéré par Szabo est efficace. A l’instar de "Charity case", une superbe piste qui met bien en exergue la voix et les arrangements plutôt complexes, des arrangements qu’enrichissent les percussions décisives de Warner. La slide libère une énergie phénoménale face aux claviers de Szabo tout au long de "Hard luck", une plage imprimée sur un tempo entraînant, vivace, spasmodique. Ce qui n’empêche pas la voix du chanteur de se mettre à nouveau en évidence. Elle devient d’abord tendre, indolente et dramatique sur "Living in the past", avant d’être rejointe par celles d'Emma-Lee et de Szabo Moment, moment choisi par Adam Warner pour injecter ses percus. La slide peut alors s’autoriser une sortie classieuse, pendant que les harmonies vocales se convertissent à la pop. Blues/rock, "Goin' hobo" baigne au sein d’un climat swamp. Flemmardes, les sonorités sont chargées de reverb. Les vocaux sont dispensés sous forme de chœurs. Et la slide finit par s’emballer, poursuivie par la section rythmique. Dans le même style, "Monsters" met davantage l’accent sur le chant et les percussions inventives de Warner. La slide peut une nouvelle fois décoller, mais dans un registre cool, peu usuel dans le genre. "Get burned" clôt l’elpee. Le trio s’y révèle particulièrement homogène. Une piste dont la construction est à la fois complexe et audacieuse. Les arrangements vocaux sont surprenants. Les changements de tempo vous transportent. Dommage que le disque n’aille pas au-delà de la demi-heure...
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