Au grand dam de ses fans, il n’est jamais pressé de garnir les bacs des disquaires. Il revendique même une certaine nonchalance dans ce domaine !
La sortie de ce nouvel opus n’échappe pas à cette règle quasi immuable, puisque sept années se sont écoulées depuis la publication du précédent elpee studio.
Cabrel n’est pas devenu oisif pour autant ! Cette période a, en effet, été propice à la diversification de ses projets : son adaptation de chansons de Dylan (« Des roses et des orties »), sa comédie musicale réalisée en compagnie des petits chanteurs d’Astaffort (« L’enfant porte »), mais aussi le deuxième volet de l’œuvre « Le soldat rose ».
L’artiste évolue cependant bien dans son propre registre et affiche une constance qui fait de cette œuvre –sans surprises, certes– un recueil de chansons aux mélodies soignées et subtiles.
Tout au long d’« In extremis », l’homme s’affirme une fois de plus ! Sa plume est précise et sans équivoque. Elle donne naissance à des textes –comme souvent dans sa discographie–intelligents, incisifs et qui font mouche !
Cependant, l’abondance et la variété de thématiques est très susceptibles d’égarer le mélomane dans les méandres artistiques de son auteur.
Sans être exhaustif, il y aborde les vicissitudes de la politique tout au long de ‘Dur comme fer’ et ‘Pas si bêtes’, pour se fendre ensuite de deux chansons d’amour, genre qu’il avait délaissé depuis vingt ans ; et tout particulièrement sur « A chaque amour que nous ferons » et « Partis pour rester ».
« Pendant ce temps » rend un vibrant hommage à Mandela. « Dans chaque cœur » ressasse ses (bons) souvenirs catholiques…
Et il n’oublie pas d’adresser un clin d’œil à ses deux filles, à travers le magnifique « Les tours gratuits ».
Bref, la patte ‘Cabrel’ est toujours bien présente. Quelques accords de gratte et une orchestration minimale. La formule n’a pas changé, mais l’émotion a été amplifiée…
Richard Dawson est un personnage atypique dans le paysage du folk anglo-saxon. Le parcours du natif de Newcastle est plutôt particulier. Avant de se lancer en solitaire, l’artiste a sévi sur la scène électro, mais également milité au sein d’une formation de doom metal ! Pas de doute, il est polyvalent. Malgré son physique de gros nounours barbu et ses performances ‘live’ jugées enthousiasmantes, il a fallu un certain temps à Richard Dawson pour se forger une certaine notoriété. En fait depuis la sortie de son elpee précédent, « Nothing important », en 2014. C’est d’ailleurs à cette époque que la presse spécialisée commence à s’intéresser au personnage. Le magazine ‘The Wire’ lui a consacre même une couverture ! Ce crédit nouveau lui a ainsi permis de rééditer ses deux elpees antérieurs chez Domino (via sa branche Weird Wolrd), dont « The Magic Bridge », publié à l’origine, en 2011.
Le folk pratiqué par Richard Dawson est particulier et surtout, surprenant. Difficile de faire plus minimaliste. Armé de sa guitare ou tout simplement a cappella, Richard Dawson, tel un troubadour (ou un marin, c’est selon !), nous relate des histoires. Parfois à la limite de l’égarement, mais toujours en y mettant tout son cœur, il raconte celle d’un grand-père (« Grandad’s Deathbed Hallucinations »), de sa ville natale (« Newcastle ») ou tout simplement des anecdotes (« Black dog in the Sky »). Légèrement électrifiée, sa guitare semble aussi souvent à bout de souffle. L’artiste britannique parvient même à gommer la distance qui le sépare des mélomanes. D’ailleurs, en écoutant « The Magic Bridge », on a parfois l’impression d’être plongé dans l’atmosphère d’un vieux pub anglais, où un mec un peu saoul se met à chanter...
Leif De Leeuw est le leader de son propre Band, un groupe de blues rock batave, qui a décroché le ‘Dutch Blues Challenge’, fin 2014. Il a également représenté son pays lors de l’‘International Blues Challenge’, organisé à Memphis. Le backing group implique la chanteuse/guitariste Miss Britt Jansen, le bassiste Eibe Gerhart et le drummer Tim Koning. Et si le combo pratique du blues, son style est capable de se diversifier, en se teintant de folk, soul, roots et même de prog. Si De Leeuw reconnaît pour influence majeure le Texan Johnny Winter, il se revendique également de Jeff Beck, Larry Carlton, David Gilmour et Joe Walsh. Une palette de références finalement fort éclectique. A ce jour, la formation avait publié un Ep baptisé "De Luxe". Les artistes sortent d’académies musicales officielles.
Le thème de cet album s’inspire de l’histoire d’un jeune transsexuel américain de 17 ans, Leelah Alcorn, qui s'est donné la mort en décembre 2014. Dès "Never giving in", on se rend bien compte que cette formation dépasse les canons habituels du blues. Un morceau de rock riche, complexe, structuré, au cours duquel seule la guitare s’aventure, dans un style proche du compatriote Jan Akkerman. De bonne facture, la voix de Britt colle parfaitement à la musique. Faut dire que c’est elle qui signe les textes. Elle brille de nouveau au micro, mais dans un registre plus folk, tout au long de "Real this time", une plage à la jolie mélodie au cours de laquelle les interventions délicates de gratte, dispensées en slide par Leif, font absolument merveille. Et à la sèche, il met en exergue une nouvelle fois la voix féminine, tout au long de "Right back home". Un Bo Diddley beat discret contamine le blues "Just fine". Invité, Tony Spinner –dans le passé, ce Yankee a apporté sa collaboration à Toto– se réserve les vocaux et la gratte. Gerhart tapisse l’ensemble de son orgue. Les cordes de De Leeuw illuminent "Wandering man", une plage indolente, proche du blues et dépouillée à l'extrême. Manifestement le band semble très à l’aise dans l’exercice de blues lents minimalistes. Ce qui lui permet d’injecter un max de sensibilité dans les compos. Et "My color blue" en et un nouvel exemple. Une plage majestueuse, particulièrement belle, caractérisée par une ligne de basse classieuse et de remarquables arrangements de cordes. "Leelah" clôt cet LP. Une composition partagée en trois volets. Le premier s’intitule "Walking southbound" et se distingue par ses changements de rythmes ainsi que par les interventions remarquables –en picking– de Sonny Hunt à la guitare (NDR : issu de Nashville, ce gratteur américain vit actuellement aux Pays-Bas où il drive son groupe, Dirty White Boys). Baptisé "The Cruelty of loneliness", la deuxième section lorgne carrément vers le Pink Floyd, De Leeuw semblant, à partir de cet instant, carrément hanté par David Gilmour. "Society please" constitue le troisième segment. Une longue plage enrichie par la voix chargée de feeling de Britt Jansen. Et c’est la partie de basse qui conduit la composition vers une finale particulièrement progressive…
Texan (NDR : il est issu de Houston !), Jonn Del Toro Richardson est chanteur, guitariste et compositeur. Son meilleur pote n’est autre que Sean Carney (NDR : lui nous vient de Colombus, dans l’Ohio), également gratteur. Les deux compères ont décroché, dans le passé, un ‘Albert King Blues Guitar Award’. Ils avaient d’ailleurs concocté un elpee ensemble, "Drivin' me wild", en 2013. John s’est également impliqué auprès de Carney pour "Blues for a Cure – Volume 4", une œuvre destinée à récolter des fonds pour la lutte contre le cancer. Et enfin, il avait gravé un autre long playing en compagnie du mandoliniste Rich DelGrosso, "Time slips on by". Jonn signe les treize plages de ce disque et assure la coproduction avec la star de la guitare, Anson Funderburgh. Bénéficiant du concours de la crème des musiciens locaux –le drummer Wes Starr, le claviériste Nick Connoly et le bassiste Nathan Rowe– les sessions se sont déroulées au sein du studio Satellite, à Austin.
Largement cuivré par les Texas Horns du célèbre Mark Kaz' Kazanoff, "Behind the curtain" ouvre la plaque. Un excellent titre au cours duquel la première sortie de Del Toro sur les cordes est déjà déterminante ; et il y injecte énormément de sensibilité tout en entretenant le sens mélodique. De bonne facture, "I'm her man" est un blues imprimé sur un tempo modéré. Délicieux, les accords de gratte s’intègrent parfaitement dans la musique que balise les ivoires de Connoly. Tout au long de "Love if you want it", les cordes débordent de feeling. Instrumental jazzyfiant, "Triple lingig" libère énormément de swing. Nick Connoly s’inspire de Jimmy Smith derrière son orgue Hammond et Kaz souffle dans son sax ténor. Percus (que se réserve Lawrence Del Toro) et cuivres nous plongent dans l’atmosphère caribéenne festive de "The Moment". Des rythmes syncopés dynamisent le superbe "Can't run for love", une plage mélodieuse caractérisée par une sortie de guitare classieuse. John est épaulé par Anson Funderburgh à la gratte sur le Texas shuffle brûlant et bien rythmé, "Get me back to Texas". Indolent, "This I know" baigne dans une ambiance fin de soirée, propice à l'enlacement des couples. La voix de Richardson est chaleureuse et envoûtante. Délicatement sensuels, les accords de cordes semblent hantés par BB King. Anson Funderburgh tire son épingle du jeu sur sa guitare tout au long du jump remuant "Tall pretty baby". Et ses interventions sont remarquables. Les Texas Horns cuivrent discrètement mais efficacement "Here she comes". Une contribution destinée à mettre en exergue la guitare. Et ce sont les ivoires de Connoly qui s’en chargent sur le rock’n’roll particulièrement dynamique, "Wild ride". "Tell me do you love me" émarge au Memphis R&B. La voix est chaude. La guitare inextinguible. Orgue et cuivres alimentant généreusement l’expression sonore. Instrumental, "Tengo blues" clôt l’elpee. Une r&b aux accents exotiques caractérisé par un ultime échange entre orgue et cordes. Et il est superbe !
Issu de Memphis, Dirty Streets est un jeune trio de roots/rock. Le line up implique le chanteur/guitariste/pianiste Justin Toland, le bassiste Thomas Storz et le drummer Andrew Denham. Quatre albums à leur actif : "Portrait of a man" (2009), "Movements" en (2011), "Blades of grass" (2013) et ce "White Horse", paru en décembre dernier. Hormis le premier elpee, tous les autres ont été publiés chez Alive Natural Sound.
Le rockin' blues de Dirty Streets est plutôt coriace, mais abordable, à l’instar du morceau d’ouverture, "Save me". Il nous replonge même au début des seventies, dans un climat que n’aurait pas renié un certain Humble Pie. Les compos sont percutantes. Pas d’exercice de style nombriliste. Et "Looking for my peace" en est une belle illustration. La voix de Justin s’intègre parfaitement dans l’ensemble. Il ne hausse jamais le ton inutilement. Il s’aventure quand même, à la slide, sur "Accents". Enrichie d’ivoires, cette très bonne composition lorgne plutôt du côté des Faces. Toland se sert de ses pédales pour attaquer "Think twice", une piste dont le tempo évoque carrément The Cream. L’elpee monte en puissance! La section rythmique apporte une densité certaine à l’expression sonore. La voix de Toland semble hantée par un Paul Rodgers des débuts du Free, tout au long de "When I see my light". Passionné, l’envol de la gratte se fond pourtant parfaitement dans un ensemble parfaitement soudé. "Good kind of woman" constitue mon coup de cœur. A cause de ce riff à la fois puissant et simple, mais propice à l’allégresse. Ballade subtile, "The voices" sert d’intermède acoustique. Sauvages, "Good pills" et "Plain" sont deux plages qui déménagent (NDR : ça rime !) Des cordes acoustiques amorcent "Dust", une ballade atmosphérique qui se couvre progressivement d’accents psychédéliques séduisants. Et c’est le titre maître qui clôt le long playing, un morceau qui évoque encore The Cream, mais dans sa période plus acide, soit celle de "Disraeli gears"…
Jeune chanteuse finlandaise, Ina Forsman n'a pas encore 20 printemps. Et pourtant, elle a déjà représenté son pays, lors de l'’European Blues Challenge’, en 2014. Elle tourne régulièrement en compagnie de son compatriote Helge Tallqvist, un harmoniciste notoire. En outre, elle a aussi tapé dans l’oreille de Guy Verlinde, le leader du combo belge, Mighty Gators. Ils se produisent d’ailleurs parfois en duo ou au sein d’un groupe constitué de Steven Troch et Fried Bourbon, ainsi que de l’ex-bassiste d’Electric Kings. A l’instar de nombreuses artistes féminines qui militent dans l’univers du blues, elle a signé chez Ruf. Et elle vient d’y publier son premier elpee. Un disque éponyme. Pour lequel Thomas Ruf lui a donné les moyens à la hauteur de son talent. Lors des sessions, qui se sont déroulées à Austin, elle a ainsi bénéficié du concours de la crème des musiciens locaux. Et notamment les gratteurs Derek O'Brien et Laura Chavez (Candye Kane), le claviériste Nick Connolly, le bassiste Russel Jackson et le drummer Tommy Taylor. Sans oublier la section de cuivres Texas Horns, qui se produisent sous la houlette de Kaz Kazanoffil (NDR : il assure aussi la mise en forme).
Cuivré, "Hanging loose" ouvre la plaque. Un r&b saignant au cours duquel le piano est bien à l’avant-plan, alors que Miss Chavez s’autorise déjà une sortie royale. Ballade soul, "Pretty messed up" met bien en exergue la voix de Miss Forsman. O'Brien se charge de la rythmique et John Mills se consacre à la flûte. Plage légèrement jazzyfiante, "Bubbly kisses" se distingue par un exercice de style vocal ludique, mais aussi une intervention judicieuse de la trompette. Proche du reggae, "Farewell" baigne dans une ambiance exotique. Percussions, orgue, trompettes (NDR : que se réservent Al Gomez et Aaron Kazanoff) ainsi qu’harmo (NDR : celui, bien sûr, de Helge Tallqvist) alimentent cette plage. Amorcé par Laura Chavez et tapissé par l’orgue de Connolly, "Don't hurt me now" est un excellent blues lent que chante souverainement Ina, d’une voix sensuelle. Autre blues, "Talk to me" est à nouveau souligné par l’harmonica de Tallqvist. "Now you want me back" est une ballade indolente classieuse, un southern blues au cours duquel Ina est soutenue par des chœurs. Kaz Kazanoff en profite enfin pour mettre le nez à la fenêtre sur son saxophone ténor. "Devil may dance tonight" est une compo soignée. Les ivoires de Nick impriment le rythme. Les cordes sont réverbérées. Et la voix passe superbement la rampe. Ballade soul/pop, "Before you go home" ne manque pas de charme. Dansant, "No room for love" trempe dans le r&b circa Stax. La voix y domine les cuivres, les cordes et le piano. Le long playing s’achève par la reprise du "I want a little sugar in my bowl" de Nina Simone. Ina injecte une énorme dose d’émotion dans cette cover dépouillée, limitée au piano de Nick Connolly et la sortie royale de Kazanoff. En 2016, Ina Forsman participera à la nouvelle aventure de la ‘Ruf Blues Caravan’, aux côtés de la Canadienne Layla Zoe et de l'Américaine Tasha Taylor!
Comme son patronyme ne l'indique pas, Keith Richards Overdose est un groupe marseillais. Fondé en 2009, il aime le rock'n'roll. Celui d'Eddie Cochran et des Beatles. Que les Fab Four pratiquaient au début des sixties, à Hambourg. Ils ne supportent pas trop les Rolling Stones, et tout particulièrement son guitariste Keith Richards ; ce qui explique justement le choix du patronyme opéré par la formation. Un trait d’humour grinçant ; car si le gratteur teigneux ne libère plus la même énergie qu’à l’origine, c’était quand même un fameux rocker ! D’ailleurs, K.R.O. réunit quatre teigneux qui adorent la défonce, les pompes pointues et les jeans moulants. C’est d’ailleurs ce qu’ils déclarent. A leur actif, un premier opus live, paru en 2011 et un Ep confidentiel, intitulé "Bambino boogie", gravé en 2013. Le line up du quatuor est plutôt classique. Guillaume se charge de la batterie. Ex-Holy Curse, Sonic Polo se consacre à la guitare. Hughes également ; mais aussi au chant. Et Nasser à la basse. Ces deux derniers sont d’anciens membres de Hatepinks. "Kryptonite is alright" est découpé en onze plages brèves, denses et directes. Du rock'n'roll certes, mais dont l’énergie libérée se révèle généralement punk, un peu dans l’esprit des garage bands américains. Ceux issus de Detroit, Stooges et MC5, notamment. Mais aussi les Sonics et autres Cramps.
"If I was you" nous replonge au début des sixties, à l'époque où le juke-box trônait dans tous les bistrots. La voix d'Hughes colle parfaitement à cette époque, même si ses intonations manifestent déjà une certaine férocité. Faut dire que les cordes n’ont de cesse de le haranguer. Rapide et nerveux, "Kryptonite is alright" adopte une attitude punk. Tout comme "Seven year hangover" et "Below the belt". Le chant est décapant. Arides, les accords de gratte se succèdent dans un esprit franchement rock'n'roll. "No record machine" évoque enfin ces Beatles qui ont écumé les clubs à Hambourg (NSR : le ‘Star’ surtout !), même si les cordes épousent des sonorités plus contemporaines. Débordant d’énergie, "Ton punk, rock de vieille" s’inscrit davantage dans l’esprit des garage bands issus des 60’s. Pourtant, mes coups de cœur vont aux morceaux qui dérapent carrément dans le délire. A l’instar de l’excellent, "Fifteen Sixteen". Et impossible de ne pas penser aux Stooges d’Iggy Pop et à MC5 qui ont sévi sur la scène de Detroit, en écoutant ce titre. Beatlenesque, "So you say you lost your baby" évoque plutôt le Merseybeat. "I don't get along with sissies" baigne au sein d’un climat de véritable folie. A cause des grattes, qui s'en donnent à cœur joie. Folie et énergie sont des maîtres mots pour ce band hexagonal. Et ils le démontrent une nouvelle fois lorsqu’il nous assène "Hold me Tony". De bonne facture, cet elpee s’achève par "Worse things I could do to you", une plage dont l’attitude rock’n’roll évoque à la fois les Sonics, les Cramps et même les Flamin Groovies...
Espérons que Nick Kinsey se sente moins seul qu’il ne le regrette, s’il devait récolter un éventuel succès –d’estime tout au moins– pour « My Loneliest Debut », son premier essai solo, après avoir accompli des missions ponctuelles pour Elvis Perkins (dont il est le batteur), Cold War Kids, Bon Iver, AA Bondy et My Morning Jacket.
Dans l’univers du pop/rock, le musicien de Brooklyn s’inscrit dans la lignée des songwriters classiques anglo-saxons. Soyeuse, sa voix évoque tout à tour Jeff Tweedy (Wilco), Michael Stipe (R.E.M.), Nick Hemmmint (The Leisure Society) ou Dan Bejar (The New Poronographers, Destroyer, Swan Lake), si on se réfère aux figures les plus récentes du pop/rock. L’instrumentation est riche : xylophone, banjo, synthés et autre clarinette, outre la structure classique basse/guitare/batterie. Et pourtant, l’artiste se réserve toute cette panoplie en solitaire, mais également la production, opérée… dans une cuisine new-yorkaise ! Les pépites à extraire de cet elpee son légion ; à l’instar du titre maître de l’opus, de « Château Ludlow », réminiscent de Clap Your Hands, du très pop « Get Lost » ou du déjà classique –dans un monde parfait en tout cas– « Eat Your Heart out ». C’est une certitude, Kinsey ne sera plus seul au monde quand il aura enregistré son second LP, tant son talent devrait faire la différence…
Facile de ressortir le ressort ‘tarantinesque’ ; mais c’est bien le mythique réalisateur américain qui a remis au goût du jour le surf/rock, en exhumant des perles enfilées par The Centurions et The Lively Ones, au cours des sixties, pour servir de B.O. mythique au palmé ‘Pulp Fiction’.
Et de surf-rock, il en est question tout au long de ‘De A à Z’, compilation réunissant les deux premiers opus de ces doux dingues (NDR : ils se produisent tout de même vêtus de tuniques grecques). Cette drôle de bande rouennaise tire des sonorités réverbérées ou aquatiques de ses grattes (« Schnell Wie Eine Rakete »), mais également hispanisantes (« Brûlure Indienne ») tout au long des 18 titres instrumentaux ensoleillés (« Tre Grazie »), irrésistibles (« A Palavas-Les-Flots ») et définitivement anachroniques (à l’image de cette magnifiques photo vintage et décalée illustrant l’album). Les deux pieds dans les merveilleux clichés du genre, Les Agamemnonz ont décidé de nous remonter le moral sans se prendre la tête mais avec un indéniable talent ! Et c’est une réussite… ‘de A à Z’.
Originaire du Kentucky, mais établie aujourd’hui à Cincinnati, dans l'Ohio, Richey Kelly est chanteuse et guitariste. Elle a entamé sa carrière en 1986, au sein de Stealin' Horses. Dès 1990, elle fonde cependant son propre band. A son actif, près de quinze long playings. Son style ? Le blues/rock. Elle reconnaît d’ailleurs pour influences majeures, Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan et Roy Buchanan. Bien qu’âgée d'une bonne cinquantaine d'années, elle ne manque pas de dynamisme. Adepte du ‘Life Coaching’, elle donne des cours de guitare. Enfin, elle écrit de poèmes et signe son propre répertoire.
Lors des sessions d’enregistrement de "Shakedown Soul", elle a reçu le concours de quelques invités, mais surtout de son backing group ; en l’occurrence le bassiste Rikk Manning, le claviériste Lee Carroll et le drummer Tobe ‘Tobotius’ Donohue. Ce dernier se charge également des effets sonores, des synthés, du programming, du sequencing et de la production.
Les percus de Tobotius donnent immédiatement le ton, dès "Fading". La voix de Kelly est puissante. Ses riffs sont rythmiques et particulièrement nerveux. Elle met rapidement le nez à la fenêtre, lors d’une sortie de cordes qui privilégie à nouveau les accords! Blues/rock, "You wanna rock" est un morceau puissant mais captivant. Lee Carroll siège derrière l'orgue. Bien soutenue par sa solide section rythmique, Miss Richey s’illustre sur ses cordes. Mid tempo, "Lies" s’inscrit dans un même contexte. Kelly ne dispense que les notes nécessaires, mais elles font instantanément mouche. Quel panache ! Et pourquoi changer une formule qui fonctionne à merveille ? Comme sur "The artist in me" ? Seule la voix adopte un ton désespéré, agonisant, proche de l’envoûtement… Et Donohue saupoudre subtilement le tout d’effets électroniques. Un climat de transe qui s’accentue sur "Love" et surtout "Afraid to die". Une approche fort intéressante. Elle devient même psychédélique et trouve son épilogue via un traitement synthétique bien intégré. "Only going up" accélère le tempo. La voix est chargée de désespoir. Les applications technologiques s’intègrent dans un ensemble qui s’achève dans un bouillonnement sonore. Adoptant un tempo nerveux, répétitif, proche du Velvet Underground originel, "Just like a river" s'éloigne du blues. Un traitement hypnotique du psychédélisme qui joue également son rôle. "I want to run" se révèle plus blues dans l’attitude que dans le genre. Et l’elpee de s’achever par une version paisible, acoustique, de "Fading", compo qui ouvrait la plaque. Manifestement, cet opus marque un changement dans le style de cette artiste américaine…
Certains ont taxé sa musique d’indigeste. Faut dire que son patronyme n’aide pas vraiment. Et ne laisse guère espérer un repas dans un resto étoilé. Pourtant malgré ce nom absurde, Steak Number Eight propose, ses débuts en 2007, un excellent métal teinté de post-rock et de sludge. Dans la lignée d’Isis –mais en moins sérieux– la bande drivée par Brent Vanneste enchaîne les salves follement puissantes (cette batterie !) en affichant d’indéniables qualités mélodiques et techniques. Et on s’en rend compte dès le morceau d’ouverture, un direct décroché par « Return of the Kolomon », premier irrésistible uppercut issu de son quatrième elpee, « Kosmokoma ». La suite est au diapason, à l’instar du très sludge « Your Soul Deserves to Die Twice », piste aux effluves psyché, ou du plus progressif « Gravity Giants ». Bien que majoritairement instrumentales, les plages de « Kosmokoma » ne suscitent jamais l’ennui. La subtile production de David Bottrill (Tool, Stone Sour) y est sans doute pour quelque chose ; mais également l’éventail de nuances abordées sur ces morceaux imparables. La petite bande de potes issue du Nord du pays vient définitivement d’entrer dans la cour des grands !
Rover est le pseudo de Timothée Régnier. Il a pas mal bourlingué au cours de sa jeunesse. Son paternel bossait au sein d’une compagnie aérienne et se déplaçait en Rover. Ce qui explique le choix de ce nom de scène. Il a vécu aux Philippines, en Suisse, en Allemagne, aux States (NDR : il a fréquenté le même lycée que deux musiciens des Strokes, Nikolai Fraiture et Julian Casablancas) et au Liban (NDR : où il a monté un groupe de rock, en compagnie de son frère), avant de revenir en France, privé de visa. En Bretagne, très exactement. C’est là que sa nouvelle aventure a commencé. Eponyme, son premier elpee est paru en 2012. Et son second, « Let it glow », l’an dernier. C’est cet opus qu’il est venu défendre au Splendid de Lille.
La salle est déjà bien remplie, quand votre serviteur débarque vers 19h30. Initiative sympathique, un responsable de la sécurité, vient installer une dame à mobilité réduite, en front stage. De sa voiturette, elle va vivre petit moment de bonheur…
Et c’est Bel Plaine qui se charge du supporting act. Un duo français réunissant Antoine Blond et Morgan Renault. Les deux compères se consacrent aux vocaux. Mais l’un gratte une guitare semi-acoustique et l’autre, une électrique. Le tandem a terminé l’enregistrement de son album. Il sera éponyme et devrait sortir au cours de cette année.
Le set s’ouvre par « Walter Castillo » et nous raconte l’histoire d’un voyageur qui traverse l'Amérique du Sud. A l’instar de son patronyme, les musicos nous invitent très souvent à sillonner le monde. Ils nous réservent une version ‘unplugged’ du single « Lifeboat », tout simplement une chanson d'amour. Suivant les morceaux, ils chantent dans la langue de Molière ou de Shakespeare. Les accords de grattes sont précis. Les voix sont harmonieuses. Les mélodies contagieuses. Leur folk lumineux et atmosphérique est manifestement hanté par Simon & Garfunkel…
Une grande et assez haute estrade accueille Sébastien Collinet, qui se consacre aux claviers (piano, synthés) et machines. Régulièrement, il descend de son pied d’estale pour épauler Timothée. Armé d’une gratte électrique, ce dernier s’installe au centre. Bâti comme une armoire à glaces, il est vêtu d’un épais blouson de cuir et chaussé de lunettes fumées. Son backing group implique également Arnaud Gavini aux drums et Edouard Polycarpe à la basse ainsi qu’aux synthés. Faut dire que Rover est aussi bien à l'aise dans le registre pop/rock qu’électro.
Pendant l’intro d’« Along », il s’installe devant le podium destiné aux synthés. La face avant s'illumine de lumières rouges. Des néons sont combinés aux différents micros. Ils oscillent du rouge au bleu, en passant par le blanc, suivant les sensations éprouvées par les artistes. Timothée remercie tout simplement le public d'être présent.
Sa voix de crooner est capable de grands écarts, rauque et ombrageuse quand le morceau s'électrise, atteignant des hauteurs vertigineuses, lorsque l’émotion l’exige. Mais elle peut également redescendre et devenir douce, éthérée ou lancinante. « Odissey » rend un premier hommage à feu David Bowie.
La setlit ne néglige pas « Aqualast », le single qui a fait connaître l'artiste. « Champagne » s’ouvre par un solide solo de batterie, avant que Sébastien, descendu de son nuage, ne vienne embrayer sur sa gratte semi-acoustique. Plus électro, « HCYD » libère quelques envolées atmosphériques. Timothée monte derrière l'estrade et tapote sur le clavier tout en modulant son timbre vocal sur les nappes de synthé. Les accès de basse sont ronflants. Rover évoque ses origines bretonnes avant d’attaquer « Trugar ». Une spectatrice lui rétorque que le concert se déroule dans le Pas de Calais. Tout en plaisantant, il l’invite à continuer de filmer et s’amuse de la plaisanterie. Le public applaudit. Plus rock, « Full Of Grace » s’autorise quelques incursions dans l’ultime œuvre de Bowie, « Blackstar ». C’est le second hommage à cet artiste incontournable de l’histoire du rock…
Lors du premier rappel, Timothée interprète d’abord « Let It Glow », en mode piano/voix. Puis étale toute sa technique à la six cordes. Et du second, il nous réserve une superbe version du « Dancing With Myself » de Billy Idol. Mais lui est encore vivant. Ou presque…
(Organisation : Vérone Productions en accord avec W Spectacle)
Candy Robbers se produisait au Salon de Silly, ce vendredi 26 février, un groupe belgo/américain établi à Bruxelles. A son actif, un Ep éponyme, publié en en 2014, et un single, « 1000 Miles », dont le clip a été primé au festival 'Clip That Beat’ aux côtés de ceux de Robbing Millions, Great Mountain Fire ou encore Stromae. Et un premier album, dont la sortie officielle est prévue pour cette année. Après avoir remporté la finale de l’Emergenza (NDR : devant Feels !), en 2015, tremplin qui s’est déroulé à l'Orangerie du Botanique, le combo représentera la Belgique cet été, dans le cadre du festival ‘Taubertal’, à Rotenburg, un événement auquel participe 20 pays.
Pas grand monde dans la salle pour accueillir Candy Robbers. Tout au plus une cinquantaine de personnes. Le line up du band implique le drummer Remy Polfliet, le guitariste Axel Olson, le chanteur/gratteur (NDR : ce barbu à la bouille sympathique se sert d’une semi-acoustique) Maxime Rosenberg (NDR : c’est aussi le leader !), la claviériste/choriste Florence Theys et la (nouvelle) bassiste Bo Waterschoot.
Le set s’ouvre par « Oscilliations », un extrait de l'Ep. Maxime joue de la guitare à la manière de Matthew Irons. Ses riffs sont tour à tour doux ou atmosphériques. Puissante, bouleversante, chaude ou veloutée, sa voix est capable de monter très haut dans les aigus ou descendre très bas dans les graves. Pas de cuivres, comme sur disque ; ces sonorités sont reproduites par les synthés.
Lorsqu’elle emprunte des intonations funkysantes ou jazzyfiantes, la voix de Maxime lorgne davantage vers celle de Mark King (Level 42). En fin de parcours, « Running Away » autorise un duel entre cordes.
La version quasi-acoustique de « 1000 Miles » est un vrai bonheur. La voix de Max est enrobée de chœurs féminins. L’instrumentation est soignée. Les interventions de drums sont légères et précises. Et la mélodie est contagieuse. « Come On » réverbère des sonorités surf, une compo très radiophonique. « Strangers Out Of Time » adopte un profil subrepticement reggae, nonobstant la présence de la slide. « Tango Dancer » baigne au sein d’un même climat. Quoique soul et autoritaire, la voix féminine appuie alors impeccablement celle de Max. Un inédit ? « Holler ». Des clapotis émanent du bord de la six cordes pour « Sorry », avant que les percus ne fassent monter la sauce.
Funkysantes, les grattes secouent « What You Searching For », dans l’esprit de Nile Rodgers. Et au bout d’une heure, « Beast Is Wild », clôt le set. Le nouvel album, « Cookie Jar », est exclusivement en vente lors des concerts. Pas de distribution officielle pour l’instant. Les biscuits se méritent ! Pour vous les procurer, vous devrez vous rendre à l’une des distributions consenties lors des concerts de Candy Robbers…
(Organisation Le Salon de Silly + Silly Concerts)
Ce soir, le concert de Caravan Palace ne semble pas sold out ; et pourtant, le Cirque Royal est plus que bien garni. Surtout la fosse. En fait –et cette manœuvre devient la norme– les gradins se sont dépeuplés au profit du parterre. Faut dire que pour assister au show de cette formation hexagonale et participer à la communion entre le groupe et l’auditoire, c’est l’endroit idéal.
Issu de Braine-l’Alleud, Sonnfjord assure le supporting act. Le groupe est drivé par la vocaliste Maria-Laetitia Mattern. Elle est soutenue par son frère Aurelio (Paon, Lucy Lucy) aux claviers, François de Moffarts (Lucy Lucy) à la basse et au chant, Jérome Van den Bril à la guitare ainsi que Fabio Zamagni (Noa Moon) aux drums. Le quintet a publié un Ep six titres, « Up The Woden Hills », en février 2015, au sein duquel il va notamment puiser afin d’établir sa set list. Les musicos forment un triangle, derrière Maria. Un peu à la manière de BRNS, afin de renforcer la cohésion au sein du band.
Le set est très similaire à celui accordé, à l’AB Club, il y a un mois, en première partie de Joe Be (voir ici ). L’estrade est plus grande. Toujours aussi lymphatique, le public ne va vraiment réagir qu’en fin de prestation.
Le line up de Caravan Palace implique Arnaud Vial (guitare, programmation, synthétiseur), Charles Delaporte (contrebasse, synthétiseur, programmation), Hugues Payen (violon, programmation, scat, synthétiseur, chant), Antoine Toustou (machines, synthétiseur, trombone, chant), Camille Chapelière (clarinette) et Paul-Marie Barbier (vibraphone, percussions). Tous participent aux chœurs. Et bien sûr, Zoé Colotis au chant, à la danse et à la chorégraphie.
Caravan Palace a publié son troisième elpee, « <|°_°|> », en octobre dernier. Un opus qui fait suite à un éponyme et « Panic ». Et sur son dernier long playing, l’électro/swing s’est teinté de hip hop, de rockabilly et même de soul. C’est d’ailleurs dans le tracklisting de cet LP que le collectif va largement puiser ce soir. Sans pour autant négliger les tubes et les standards...
Mais sur les planches, c’est surtout l’aspect festif du show qui fascine. Chaque musico a droit à son estrade sur laquelle il descend à tour de rôle pour se mettre en exergue, et dans la foulée, haranguer la foule. Cependant, c’est Zoé qui est la véritable maîtresse de cérémonie. Et elle doit avoir mangé du lion, ce soir. Elle débarque vêtue de ses rituels mi-bas noirs et va constamment changer de fringues tout au long de la soirée. Et le plus souvent, en quatrième vitesse. En début de spectacle, elle a enfilé une robe de couleur noire garnie de franges argentées.
Le set s’ouvre par le cinglant hit « Comics » (« <|°_°|> »). Zoé grimpe sur son estrade et s’immobilise. Armé de sa clarinette, Antoine maintient la pression pour « Lone Digger ». Il ne s’agit que la deuxième chanson, et c’est déjà le souk dans la fosse. Faut dire que le light show nous en met plein la vue. Même votre serviteur, bien installé au balcon, a des fourmis dans les jambes. Et commence à remuer du popotin. Bien dégagé, l’étage s’y prête à merveille. Alors, pourquoi pas de se défouler ? Plus électro, « Suzy » fait la part belle au ‘tchack tchack boum’. Et c’est un régal !
Lorsqu’Antoine troque sa clarinette pour un immense sax alto, Hugues (NDR : c’est le violoniste) se prend pour un kangourou. Seul Arnaud, le guitariste, reste impassible sur son siège haut. Ses interventions dispensées dans un style manouche, sont élégantes. Pour « Midnight », Antoine a récupéré son sax conventionnel, alors que les préposés aux machines balancent la sauce. Dans la fosse, tout le monde danse. Zoé réapparaît dans des fripes hip hop, y compris les baskets ! Avant que la troupe n’attaque le rap swinguant et dansant « Midnight ». « Wonderland » nous entraîne dans l’univers de la boxe. Et c’est le puissant « Mighty » qui clôture le show.
Mais ce n’est pas fini. Le collectif va encore revenir à deux reprises. Lors du premier rappel, les artistes s’autorisent un selfie, dos au public. De quoi immortaliser l’événement.
Et lors du second, le band va nous accorder « The Dirty Side Of The Street ». Un show démentiel, haut en couleurs et très électrique.
Caravan Palace est programmé dans le cadre du prochain festival LaSemo. A ne manquer sous aucun prétexte ! (Pour la section photos, c'est ici)
(Organisation : Progress Booking)
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