« The Glass Trunk » constitue le deuxième album de Richard Dawson réédité par le label Domino. Paru à l’origine, en 2013, il fait suite « The Magic Bridge » (voir chronique ici). Tout au long de cet elpee, le troubadour de Newcastle pousse un peu plus loin encore son ‘minimalisme folk’. Un concept auquel il faut pouvoir s’accrocher.
En effet, si tout au long de « The Magic Bridge », l’Anglais était armé d’une gratte, sur cet LP, il chante le plus souvent a cappella, d’une voix parfois enveloppée de choeurs.
« The Glass Trunk » réunit sept morceaux, chaque fois entrecoupés de deux intermèdes à la guitare (sans réel intérêt…) Parmi ces compos, on épinglera « Poor Old Horse » sur lequel Dawson mime - chante - crie (biffer la mention inutile) comme un cheval à l’agonie. D’ailleurs, en l’entendant gémir, la vie de Stewball n’était probablement qu’une balade de santé…
Matthew Simms est guitariste. C’est lui qui était venu prêter main forte à Wire, lors des dernières tournées accomplies par le groupe post/punk mythique. Il avait également apporté sa collaboration à Bill Fay, lors de l’enregistrement de son dernier album solo. Il drive également It Hugs Back, une formation fondée en 2006 et établie à Londres. « Slow Wave » constitue son quatrième album en 10 ans. Etonnant, mais ce groupe, pourtant talentueux n’est jamais réellement parvenu à se faire connaître au-delà de l’Albion.
Sur ses deux opus précédents, il proposait un rock/shoegaze agréable, capable de faire les yeux doux aux mélodies pop. Tout au long de « Slow wave », il nous réserve un rock atmosphérique et voluptueux. Un LP qui porte bien son titre !
La texture musicale est dense. Les cordes de guitares sont étincelantes. Paisible, la voix de Simms semble se dissimuler sous une couche de reverb, tout en nous berçant au creux d’un cocon douillet propice à la relaxation. Et des nappes de claviers atmosphériques viennent recouvrir l’ensemble. Caractérisé par des interventions de cuivres, le morceau d’entrée nous plonge immédiatement dans ce climat particulièrement cool. Faut dire que la production extrêmement soignée accentue cette impression.
D’excellente facture, cet opus nécessite plusieurs écoutes avant qu’il n’en révèle toute sa richesse musicale. Mais au bout de l’effort, vous risquez tout bonnement l’envoûtement…
The Jezabels est une formation australienne, issue de Sydney très exactement, qui récolte un beau succès au pays des kangourous. Un quatuor partagé entre deux garçons et deux filles. Et « Synthia » constitue son troisième elpee. Hayley Mary en est la chanteuse ; et elle possède une superbe voix, susceptible d’évoquer tour à tour Kate Bush, Lene Lovitch ou Elizabeth Frazer. Et ses interventions sont régulièrement enrobées de superbes harmonies vocales. Souci, toutes les compos sont outrageusement dominées par les claviers. Et comme la production a été particulièrement raffinée et enrichie d’orchestrations, c’est à peine si on se rend compte qu’au sein du band, il y a de la batterie, de la basse, des percus et de la guitare. Un phénomène qui contamine la musique d’une foultitude de groupes et d’artistes contemporains. Et qui pour la circonstance la plonge dans un climat synthétique, ténébreux et mélancolique, mais un peu trop linéaire. Dommage, car les mélodies sont superbes, mais faute de relief instrumental, on parvient difficilement à différencier chaque morceau. Enfin, les lyrics sont engagés et défendent la condition féminine. Tout à l’honneur du band ! Qui a dû (provisoirement ?) stopper ses activités, car la faculté a détecté un cancer des ovaires chez Hayley Mary, la claviériste. On ne peut que lui souhaiter un prompt rétablissement.
Ce ‘maître ès folk’ a la particularité d’emprunter d’obscurs chemins de traverse, pour arriver à ses fins. Ainsi, Cass McCombs a décidé de réunir les mal-aimés et les laissés-pour-compte de son déjà très large répertoire, afin de les graver sur « A Folk Set Apart », une gargantuesque compilation de 19 titres annoncés comme ses ‘Rarities, B-Sides & Space Junk, Etc’… Responsable de quelques classiques de folk déviant tels que « Catacombs » et le grand « Wit’s End », le Californien racle ses très riches fonds de tiroirs, pour en extraire des morceaux qui oscillent entre rock coriace (« Tourist Woman »), alt-country engagée (« Bradley Manning ») et même surf/folk (« Catacombs Cow Cow Boogie »). L’éclectique musicien dévoile ses expérimentations en compagnie de Mike Gordon de Phish sur « Texas » ou de Chris Cohen (Deerhoof) sur « Poet’s Day », quand il ne propose pas des morceaux plus pop (« Evangeline ») ou quasi punk lo-fi (« I Cannot Lie »). Bref, tout au long de ce recueil, il affiche une belle diversité. « A Folk Set Apart » permet de découvrir la riche palette de l’Américain dont l’univers ne se limite pas au folk ténébreux de ses derniers elpees ! Un artiste définitivement unique, atypique et surtout diablement doué… Beaucoup signeraient un tel album que McCombs a pourtant taxé de ‘rebuts’ (‘Junk’).
The Noise Figures est un duo grec réunissant un chanteur/batteur/percussionniste (George Nikas) et un guitariste/vocaliste (Stamos Bamparis). Un tandem qui pratique une forme de garage/rock particulièrement riche, capable de se frotter à des tas de styles différents. Découpé en 10 plages, « Aphelion » en est une parfaite illustration.
Si le chant est clair et lancinant, tout au long de l’ouverture, « Shoot the moon », la mélodie vocale est à la fois hymnique et envoûtante (Dandy Warhols ?) Le spectre du Black Sabbath (NDR : le premier LP) plane tout au long de indolent « Aphelion » (NDR : c’est le titre maître !) mais aussi sur l’incantatoire « Feathers », mais uniquement entre les déflagrations électriques imprimées sur un tempo enlevé. A cet instant, le climat est manifestement métallique. Comme tout bon groupe de garage, The Noise Figure a bien sûr recours –circonstanciellement quand même– aux claviers vintage. A l’instar de « Run », réminiscent des Fleshtones. Et puis aux effets du vibrato, comme sur « Don’t throw your hand ». Et « Holy one » est également sculpté dans le garage/punk. Echevelé, « Blood » surfant même sur le psychobilly des Cramps. Et si « No use » valse au rythme de l’indie rock, la piste finale est sans doute la plus aboutie. S’ébrouant dans le psyché folk (Devendra Banhart ?) elle s’électrifie à mi-parcours, lorgnant alors vers l’univers de Kurt Vile.
Une excellente surprise !
Originaire de l’Essex, un comté sis au nord-est de Londres, Nothing But Thieves a vu le jour en 2012. Et il vient de publier son premier elpee. Un opus éponyme qui fait suite à toute une série de singles et d’Eps. Une série de disques qui a permis au quintet de se produire dans le cadre de plusieurs festivals, outre-Manche. Où apparemment, il commence à jouir d’une grosse popularité, puisque Muse l’a choisi pour assurer la première partie de sa tournée européenne. Il a même annulé son concert au Botanique, préférant se produire en supporting act de la troupe à Matthew Bellamy, du 12 au 16 mars, sur la scène du Palais 12.
Et en écoutant cet LP, on comprend mieux pourquoi. En fait, Nothing but Thieves marche, sans vergogne, sur les traces de Muse, au point de risquer d’en devenir une pâle copie. Si ce n’est déjà fait ! Le chanteur, Connor Mason, a la fâcheuse tendance de calquer ses inflexions sur celles de Bellamy. Et à l’instar de leurs héros, les musicos se complaisent dans les grosses distorsions, histoire de montrer les dents (« Ban All the Music »). En outre, la plupart des morceaux semblent datés, s’inspirant de Muse (of course !), mais d’il y a 20 ans ! Sur certains titres, le combo tente quand même de changer la formule, en y injectant de l’électronique (« Graveyard Whistling »). Mais le résultat est encore pire ! Bref, on ne peut pas dire que le pop/rock de cette formation britannique se distingue par son originalité…
Ce samedi 5 mars, l’hémicycle du Botanique accueille Antoine Hénaut. Il est venu défendre les couleurs de son deuxième opus, « Poupée Vaudou », dont est issu le titre radiophonique « La vie s’écoule ». Auteur, compositeur, interprète et parfait autodidacte, l’homme à la chevelure hirsute est originaire d’un bled situé au sud-ouest de Mons, qui porte le doux nom d’Onnezies. Flanqué du guitariste Max Giordano, il s’essaie à ses débuts dans différents projets de chanson française. A ses dépens, puisque le succès n’est pas au rendez-vous ! Il est remarqué en 2010 par Marc Pinilla, du groupe Suarez, qui lui donne le coup de pouce nécessaire pour lancer sa carrière, qui prend alors un virage à 180 degrés. De cette rencontre, naîtra une amitié et une collaboration transversale qui est toujours d’actualité. Dès 2011, il assure les premières parties de Michel Delpech, Les Ogres de Barback, Axelle Red ou encore Brigitte…
Faon Faon se charge du supporting act.
Vers 20 heures, le duo réunissant Fanny Van Hammée et Olympia Boule prend place devant une fosse tristement mi-remplie (NDR : ou mi-vide, selon).
Le truc de ces deux jeunes femmes, âgées d’une vingtaine d’années seulement, c’est un savant mélange d’électro tribale et de folk.
Les gonzesses, vêtues de blanc pour l’occasion, sont accompagnées d’un troisième larron. Grosses chaussures, chaussettes retroussées et pantalon trop court, ce dernier semble sortir tout droit d’un album de Tintin !
Minimaliste, le set est particulièrement intimiste, flirtant de temps à autre avec celui d’une certaine Emilie Simon.
L’ambiance feutrée et l’acoustique particulière de la salle se prêtent admirablement bien à l’expression sonore du moment.
Dès les premières envolées musicales, les biches se sont vite évadées de leur torpeur naturelle pour emmener le public vers des cieux tendrement naïfs, sauvages et empreints d’onirisme.
D’une durée d’environ 40 minutes, le show s’est clôturé par un hymne à… l’humour ! Devant un public conquis !
Lorsque Antoine Hénaut et sa clique montent sur l’estrade, vers 21 heures, le parterre, nettement moins clairsemé, grouille de fans impatients !
Lunettes noires sur le nez et veste grise sobre, Antoine Hénault affiche une attitude qui laisse transparaître une certaine timidité, vite dissipée après avoir largué quelques plaisanteries façon ‘Tatayet’, provoquant ci et là quelques éclats de rire.
Lorsque par exemple, en prenant une bière, il se retourne et lance au claviériste un ‘Allez, synthé hein !’
A titre anecdotique aussi, il aime rappeler que, petit, il était un passionné de cirque. Il fréquentera d’ailleurs assidûment l’école créée, il y a près de trente ans maintenant, par son défunt père.
Manifestement, les acquis sont restés intacts puisque l’artiste, soutenu par deux circassiens, s’est livré à un magnifique numéro de jonglerie.
On comprend rapidement que derrière cette fausse exubérance se cache un fils meurtri par la perte d’un être cher à son cœur et rendre cet ultime hommage était primordial à ses yeux !
S’il manie fort bien les quilles, la voltige des mots n’est pas en reste ! Au contraire ! En utilisant des doubles sens intelligemment écrits et pensés, l’écriture du jeune artiste est plus incisive que sur le précédent opus. La maturité a fait son bonhomme de chemin !
Ce qui frappe, c’est la facilité et la subtilité déconcertantes avec lesquelles il parvient à décrire un quotidien fait d’espoirs et de tracas. Le tout en maniant énormément le second degré. Citons pêle-mêle « Comme un grand », « La vie s’écoule », « Sportif » ou encore « De la musique ».
Au fil des chansons, il évoque ses peurs, ses faiblesses, ce qui l’amuse ou l’ennuie. Il n’est sûr de rien, mais reste assidûment curieux de tout ce qui l’entoure ! Ce paradoxe le rend d’autant plus attachant et fragile. Une sorte d’homme enfant en quelque sorte !
Mais quoiqu’il en soit, ce soir, on épinglera la caisse de résonance de son concert, accordé à la Rotonde !
(Organisation : Botanique)
En attendant l'ouverture des portes, prévue pour 20 heures, la file s'étend sur plus de 50 mètres. Du jamais vu au Salon. Ce soir, on risque manifestement d’être comprimés comme des sardines. Et dire que le concert ne débute seulement qu’à 21h30. En attendant, une solution, tuer le temps au bar. D’ailleurs les frigos et les bacs se vident rapidement. A l’affiche, ce soir, un groupe de reprises, Mister Cover…
Le set prend un peu de retard. Les musicos sont nombreux sur les planches ; même que le drummer doit se contenter d’un coin de l’estrade, à droite, pour ne pas occuper trop d’espace. Faut dire que l’équipe réunit plusieurs chanteurs et choristes. Sans oublier le gratteur, le bassiste et les cuivres.
Fondé en 2002, le combo puise son répertoire dans les standards du rock, de la pop, de la soul, des variétés et de la chanson française. N’hésitant pas à balayer 5 décennies de musique populaire.
Derrière les manettes, on retrouve Antoine Goudeseune (NDR : le roi des adaptation des compos des Beatles, en fingerpicking) et Moorad, l’ingé son du Botanique.
Le public est chaud boulette, dès les premières mesures. Et il danse ! Sans huile, mais en perdant énormément de sueur. Votre serviteur observe la fête depuis le bar. Le « Viva La Vida » de Coldplay déclenche une farandole. Après un petit medley consacré aux succès des années 80, place au « Seven Nation Army » du duo mythique White Stripes. Chevelu, le chanteur, malgré ses 40 balais, est un showman. Et les autres musicos sont pros jusqu’au bout des ongles. La suite de la set list épingle des compos signées par les Fab Four, Police, les Stones, Rihanna, U2, les Blues Brothers, Lenny Kravitz, Abba, Daft Punk, Queen, Telephone, Bob Marley, Pink Floyd, Goldman et Madonna. Bref, il y en a pour tous les goûts, les âges et toues les générations. Mais c’est surtout le « Smells Like Teen Spirit » du Nirvana qui va mettre le souk. A cet instant, la température est à son paroxysme dans la fosse. L’ambiance retombe d’un cran pour la reprise de Sardou, « Les Lacs du Connemara ». Pas vraiment le truc de votre serviteur. Mais dès le rappel, au cours duquel le team attaque la « La Salsa Du Démon » du Grand Orchestre du Splendid, c’est la folie furieuse. Manquait plus que « La fête au village » des Musclés. Mister Cover est un ensemble à voir et écouter en ‘live’. Son spectacle vous permet de vous déconnecter de la réalité et de faire la fête. Comme lors d’un mariage, d’une communion ou d’une fancy-fair. Et au sein de ce créneau, Mister Cover est passé maître. D’ailleurs, il est programmé à Forest National en décembre…
(Organisation : Le Salon de Silly et Silly Concerts ASBL)
C’est au dernier étage du Beursschouwburg, à Bruxelles, qu’une partie des [Pias] Nites se sont déroulées. Trois concerts intimistes étaient programmés, bien loin de la folie furieuse de Fat White Family, qui se produisait, quelques centaines de mètres plus loin, à La Madeleine.
Le groupe hollandais Amber Arcades monte sur les planches vers 21 heures. Une cinquantaine de curieux vont pouvoir savourer la dream-pop concoctée par la chanteuse et compositrice Annelotte de Graaf. Cette dernière est allée aux States pour achever la mise en forme de son album, dont la sortie est prévue pour 2016 ; et cette démarche se ressent clairement dans la musique du quatuor. Quelque part entre Beach House (pour la voix) et Lower Dens (pour les arrangements), les compos –quoique atmosphériques– sont parsemées d’étincelles bien placées. Une jolie découverte !
Après une petite pause, au cours de laquelle on a le loisir de siroter un rafraîchissement, sur la terrasse aménagée sur le toit, avec vue sur la Bourse, retour en salle pour la deuxième partie de la soirée.
Fews est prêt à en découdre. Changement complet d’ambiance ; car le quatuor propose un post-punk qui libère une puissance conséquente. Partagé entre Suédois et Américains, le combo semble fort émoussé. Et pour cause, il assurait, la veille, la première partie de Fat White Family, à Liège ; et confessait que l’after party avait été… mouvementée. A tel point qu’il a perdu tout son matos et doit donc se servir des instruments d’Amber Arcades. C’est cher payé pour une soirée d’amusement en compagnie de l’excentrique famille anglaise ! Malgré ce coup dur, la motivation du groupe est intacte. Et la qualité des compositions ainsi que l’interprétation sont bluffants. Seule la voix passe moins bien la rampe ; mais les musicos sont jeunes et n’ont même pas encore sorti un Ep. Ils ont d’ailleurs tout le temps de s’améliorer ! Ravageur, leur post-punk va en tout cas asséner une bonne claque à l’auditoire. Les gamins se permettent même de placer leurs deux chansons-phares en fin de set. « The Zoo » et « Ill » sont en effet parus en single et on comprend facilement le choix du quartet de mettre ces deux titres en avant. Si le premier se démarque par son refrain efficace, c’est surtout « Ill », en finale, qui focalise l’attention. Expérimentale et progressive, cette plage nous renvoie à quelques excellents morceaux post-punk parus au cours de ces dernières années (NDR : « Death » de Viet Cong notamment) ; et il est particulièrement jouissif de voir les quatre amis entamer furieusement la dernière partie du morceau, après un long pont bien calme. Manifestement une excellente découverte ; et il ne fait aucun doute que leur premier elpee, prévu pour l’été, devrait attirer notre attention.
Après un nouveau petit break en terrasse, nous revenons dans la salle. A notre plus grande surprise, la scène et vide et seul un micro est placé, dans la fosse. Jamie Lee, chanteur de Money, pénètre alors dans la pièce, ouvre une bouteille de vin et nous raconte une histoire surprenante. Sur la route qui conduisait le combo de Stockholm à Bruxelles, la camionnette est tombée en panne. Impossible d’acheminer les instruments à bon port ! Décidemment, c’est la soirée!
Grâce à un tweet, le groupe est parvenu à dénicher une jeune violoniste anversoise qui a accepté d’accompagner Jamie. Il assurera donc sa prestation privé de son band. C’est sans avoir répété que les musiciens débutent le set. La jeune Hester se fie aux partitions des chansons ; et, après avoir évacué son léger stress, joue à merveille son rôle imprévu. Jamie Lee, vraiment gêné de ne pouvoir se produire comme d’habitude, offre néanmoins une incroyable démonstration vocale. Le songwriter possède en effet une voix extraordinaire qu’il met parfaitement en valeur lors de compos simples mais toujours enrichies de cordes atmosphériques. Sa guitare sèche en main, il se permet même de s’écarter à de nombreuses reprises du micro pour en faire profiter davantage l’auditoire, qu’il est parvenu, en outre, à charmer par son sincérité, sa sympathie et sa simplicité. L’alcool est un thème récurrent dans ses chansons (NDR : « A Cocaine Christmas and An Alcholic's New Year », par exemple) et il est évident que Jamie en abuse. Il ‘affonne’ en effet des bières durant l’entièreté du show. On se croirait vraiment dans un pub du centre de Manchester ; ce qui rend le set plutôt sympa ! Le duo s’en sort parfaitement bien, malgré les circonstances ; et après avoir remercié de nombreuses fois sa collègue d’un soir qui, en outre, fêtait son anniversaire, Lee et sa collaboratrice d’un soir vident les lieux sous les applaudissements du public. C’était simple mais beau. Parfois, il n’en faut pas plus.
Si cette [Pias] Nites n’a pas attiré la grande foule, les absents ont eu tort. Variée et truffée d’imprévus, cette soirée restera sans aucun doute parmi les meilleurs souvenirs musicaux de votre serviteur, pour l’année 2016, qui commence décidemment fort bien. Des trois formations, il ne connaissait réellement que Money ; et bien, dès aujourd’hui, il va surveiller l’actualité des deux autres. PiaS a atteint son objectif !
(Organisation PiaS)
Jacques Stotzem est un brillant guitariste. Il privilégie cependant la sèche. Sa technique au picking est épatante. Agé de 57 ans, il est belge. Issu de Verviers, très exactement. Il puise ses sources aussi bien dans le folk, le jazz, le blues que le rock. Au cours des eighties, Jacques avait gravé trois vinyles. Depuis, il a publié de nombreux compact discs, dont "Catch the spirit", en 2008, un opus qui a décroché un beau succès!
Pour rendre hommage à Rory Gallagher (NDR : Irlandais, ce remarquable guitariste s’est éteint, il y a déjà 20 ans ; c’était en juin 1995), il a donc décidé d’enregistrer ce ‘tribute’. Stotzem avait été frappé par le concert de Gallagher, accordé en octobre 1977, à Liège. Il a sélectionné neuf compos dans le répertoire du natif de Ballyshannon. Des titres composés au cours des 70’s après son aventure vécue chez Taste. Et il les a arrangés dans son fingerstyle. Uniquement en version acoustique.
Jacques respecte la ligne mélodique de chaque morceau, avant de les colorer de sa propre passion. Et le résultat ne maque pas de charme. A l’instar de "Moonshine" ("Calling card" - 1976). "Just the smile" ("Gallagher », premier opus solo, 1971) baigne dans un univers empreint de douceur, de beauté et de mystère. "Tattoo'd lady" est sans conteste une composition majeure de Rory. Elle a donné le titre à l'album "Tattoo" (1973). L’adaptation est chargée de feeling. Et l’exercice de style, de haute facture. "Wheels within wheels" est un titre peu connu dans la discographie de l’artiste défunt. Et pour cause, il n’a été gravé que 10 ans après sa mort. Jacques manifeste une grande réserve sur cette version en y privilégiant la délicatesse. Il se sert du bottleneck, comme Gallagher, sur "Country mile", un blues qu’il aborde avec le même panache. En 1975, Rory avait repris le "Out on the Western plain" du légendaire Leadbelly, une plage qui figure sur "Against the grain". La nouvelle mouture est à la fois intense et d’une beauté immaculée. Deux pistes sont extraites de "Top Priority" (1979), "Wayward child" et Follow me". L’intensité des interprétations est à fleur de peau ! Plutôt ragtime, "Don't know where I'm going" ("Deuce" - 1971) met en exergue sa technique complexe au picking. Etonnant !
Finlandais, Micke Björklöf est le leader de Blue Strip. Un cover band de blues/rock acoustique fondé en 1991. Ce chanteur est soutenu depuis les débuts de l’aventure, par le bassiste Seppo Nuolikoski. "After the flood" constitue le cinquième elpee du combo. Un opus chargé d’intensité, car il a été enregistré à la Nouvelle Orléans, après le passage de l'ouragan Katrina, qui avait dévasté la cité louisianaise. Ce qui explique le titre de l’LP : "After the flood". Pour accentuer l’authenticité des sessions, Björklöf souhaitait engager un producteur local. Son choix s’est porté sur Mark Bingham. Toute l’équipe s’est donc retrouvée, en octobre 2012, dans le studio Piety Street Recording, pas bien loin du Mississippi et du quartier Français. Trois invités louisianais ont étoffé le team : le claviériste Brian Coogan ainsi que les vocalistes Michaela Harrison et Alexis Marceaux. Bingham avait déjà assuré la mise en forme d’artistes issus de la Crescent City, comme Rebirth Brass Band, Mem Shannon ou encore John Scofield. Et il faut reconnaître, qu’il a parfaitement exploité le potentiel de la formation finlandaise. Aussi bien la voix de Micke, la guitare de Lefty Leppänen que la batterie de Teemu Vuorela. Un potentiel qui se double du talent de compositeur de Lefty, aka Ville Leppänen (NDR : il signe la grande majorité des plages).
Dès l’ouverture, le son est puissant. La voix est bien mise en évidence. Lefty s’illustre déjà sur ce "House for the blues", avant de céder le relais à l'harmoniciste. Micke et les deux choristes partagent les vocaux sur "Jack the Black hat". Les tonalités de gratte sont surprenantes, mais impeccables. Coogan siège derrière le piano pour "Water from your shoe", un excellent blues, subtilement teinté de jazz indigène, imprimé sur un mid tempo. La slide libère des sonorités particulièrement métalliques. La structure de "Woogie or die" est plutôt complexe, un boogie tapissé par l’orgue Hammond et dynamisé par les percussions, au cours duquel le son de l'harmonica est étonnant. Excellent ! "Understanding" bénéficie d’une intro à la slide. Et elle est singulière. Le bottleneck vibre en permanence face aux rythmes syncopés. Les échanges opérés entre la voix de Micke et celles des choristes est impeccable. "King Alcohol" baigne au sein d’un climat ténébreux, presque morbide. Piano électrique et dobro métallique font paradoxalement bon ménage. Shuffle, "Sometimes" met en exergue la solidité de la section rythmique. Ce qui permet à Lefty de décoller, dans un style vraiment original. Quoique macérant dans un même climat néo-orléanais, "Gumbo Mama" adopte un profil funk. Un profil entretenu par les drums, les percussions, le Wurltizer et les sonorités de guitare triturées par des pédales wah wah. Qui se prolonge sur "Jezebel". Le bottleneck de Lefty donne le ton à "Ramblified", un delta primaire et authentique, chanté férocement par Micke. Le titre maître évoque, bien entendu, la situation de détresse vécue par la population locale, après le cataclysme causé par ‘Katrina’. Les rythmes sont syncopés et largement amplifiées, les cordes sont percutantes. Dans l’esprit d’un Carlos Santana… De bonne facture, cet elpee s’achève par "Open up open ", une ballade roots caractérisée par une dernière sortie classieuse de la slide.
"Ain't bad yet" constitue le sixième album de Blue Strip. Outre Micke Bjorklof, le line up implique le fidèle guitariste Lefty Leppänen, le batteur Teemu Vuorela et le percussionniste Timo Roiko-Jokela. L’elpee a été enregistré au sein du studio Rockfield, au Pays de Galles, sous la houlette du notoire John Porter, qui a notamment bossé pour BB King, Buddy Guy, Taj Mahal et Santana.
Micke nous invite à prendre « The last train to Memphis ». Les drums de Teemu impriment le tempo sur celui du chemin de fer. Perçante, la slide de Lefty déchire l’horizon sonore. C’est toujours le batteur qui balise "Troublemaker", une piste ‘rollingstonienne’ enrichie de chœurs féminins et balayée, à nouveau, par les sonorités métalliques et réverbérées de la slide. Qui traverse l'étrange "Rain in Jerusalem", un morceau morbide qui baigne au sein d’un climat proche du Delta. Les coups d’accélérateur opérés sur cet instrument sont irrésistibles. La voix de Micke est autoritaire. "Get ya in da moon" trempe dans la même atmosphère étouffante. Nous sommes dans le Sud, le long du fleuve Mississippi. Micke souffle dans son harmonica et se réserve une jolie sortie sur les cordes. Une certaine transe hypnotique s’installe, provoquée par des rythmes réminiscents de Howlin' Wolf. Un spectre qui hante encore "Hold your fire baby", un downhome blues qui met bien en exergue la voix de Micke et ses quelques coups de griffe à l'harmo. Dépouillé, le titre maître est une jolie ballade roots. Micke est soutenu par les cordes acoustiques d'une Resonator et l'orgue de Tim Lewis. Les percussions de Roiko-Jokela entrent en effervescence tout au long de "Rat Chase". Elles propulsent la voix du leader, enveloppée par les chœurs féminins, alors que l’harmonica s’autorise un petit accès de folie. Paisible, "Sweet dream's a sweet dream" est une autre piste roots que Micke interprète d’une voix délicate, face à l'orgue Hammond de Lewis et les superbes interventions de gratte, dispensées par Lefty. Ce dernier se sert d’un bottleneck pour attaquer le country blues "Today", une plage dont le profil acoustique est bouleversé par le piano électrique et la guitare John Porter (NDR : qui assure la production). Très en verve, Lefty Leppänen propage des sonorités de cordes réverbérées tout au long de l’épatant swamp rock, "Blame it on the bright lights". De toute bonne facture, cet opus s’achève par "In chains", un morceau qui nous conduit à nouveau au cœur des swamps louisianais. Un titre dont l’atmosphère dépouillée, accablante et désespérée se nourrit de vocaux particulièrement soignés, de drums martelés et d’un harmonica blafard…
Les vétérans du hard rockin' blues belge sont déjà de retour. Blues Karloff nous avait réservé un premier elpee explosif fin 2014, "Ready for Judgement day". La formule est identique. Le chanteur Alfie Falckenbach est toujours aux commandes. Et il est à nouveau soutenu par le drummer Georges Milikan, le multi-instrumentiste (bassiste surtout) Frans Ruzicka et le guitariste Paul Van Camp. Le line up s’est cependant enrichi d’un second gratteur, Thomas Vanhaute. Quelques invités ont participé aux sessions, qui se sont déroulées au studio Pyramide, à Beersel. Et c’est le leader qui assure la mise en forme. L’opus est découpé en 13 plages dont 5 sont originales. Une œuvre qui baigne parfaitement dans l'atmosphère du blues/rock anglais de la fin des sixties, début des seventies.
Signé Willie Dixon, "I ain't superstitious" est un classique enregistré à l'origine par Howlin’ Wolf. Jeff Beck en avait réalisé une adaptation personnalisée pour son Jeff Beck Group, en 1968. Caractérisée par la présence de Rod Stewart au chant, elle figure sur l’album "Truth". Imprimé sur un tempo rapide, la version de Blues Karloff est particulièrement dynamique. Shorty Paul nous réserve déjà une déflagration de cordes. Le climat est toujours aussi tempétueux tout au long du "Close together", de Jimmy Reed. Bien secondé par Thomas Vanhaute, Van Camp n'est pas prêt à desserrer l'étreinte. En béton, la section rythmique soutient impeccablement les solistes sur le "Love doctor" de Tom Hambridge, un excellent blues/rock. Le tempo marque une pause sur "Don't lie to me", une compo maison, au cours de laquelle Vanhaute s’autorise un bel envol. "Take these chains from my heart" est une chanson popularisée en son temps par Hank Williams et Ray Charles. La cover est suprenante. La reprise du "I'm a bluesman" d’Alfie et Shorty véhicule des accents tragiques. Le morceau démarre lentement avant de monter en puissance. La voix domine le sujet et Van Camp prend son billet de sortie. Blues Karloff nous réserve une version musclée et très personnalisée du "All over now" de Bobby Womack, un titre que les Stones avait traduit en hit. Bob Seeger avait écrit "Hey Gypsy" pour rendre hommage à Stevie Ray Vaughan. Et cette dédicace est respectée par nos blues rockers belges. Les deux gratteurs se partagent les envols. Plutôt léger, "Looking tired" est un autre titre issu de la plume de Jagger/Richards. Peu connu, il remonte à 1965. Ruzicka le sculpte dans les cordes acoustiques. Le long playing s’achève par une version détonante d’"Evil" de Willie Dixon, un classique qui était devenu un cheval de bataille dans le répertoire du légendaire Howlin’ Wolf. Et on n’en oubliera pas pour autant les compositions signées par Blues Karloff, dont le rythmé "Blackout blues", abordée dans un style proche de Status Quo. Puis le cool "Pills and booze", au cours de laquelle Frans siège derrière l’orgue, alors que la section rythmique, assurée par Uncle Opdebeeck, Dominique De Vos et Jeff Brown, met en orbite une sortie de cordes particulièrement enivrante ! Et enfin, "Don't tell me what to do", soulignée par la voix agressive d'Alfie. Excellent !
Dans l’univers du jump et du r&b, BB & The Blues Shacks figure certainement parmi les meilleurs blues bands européens. Drivé par les frères Michael et Andreas Arlt, respectivement chanteur/guitariste et harmoniciste, le line up est complété par le pianiste/organiste Fabian Fritz, le bassiste Henning Hauerken et le batteur André Werkmeister. Un groupe qui compte une importante discographie à son actif. Son dernier opus, "Businessmen", remonte à 2014. Pour enregistrer ce nouvel elpee, le band a invité une vocaliste sud-africaine, Bonita Niessen. Ce qui explique le titre du long playing.
Qui s’ouvre par "Don't call me babe", un brûlot nerveux imprimé sur un tempo particulièrement. Bonita et Michael se partagent judicieusement les vocaux. Fabian se consacre à l’orgue et Michael s’autorise son premier billet de sortie. Barbara Lynn (NDR : une chanteuse texane) avait décroché un hit en interprétant "Love ain't never hurt nobody". La voix de Bonita est un véritable délice tout au long de cette plage de soul/pop dansante. Le style de prédilection des Blues Shacks, c’est le jump. Et ils le démontrent tout au long de l’irrésistible "Turn the lamps down low", une composition signée Leiber & Stoller. Michael brille sur ses cordes ; il est rapidement talonné par son frère à l'harmo. La voix de Miss Niessen est veloutée sur "You keep me hanging on", un titre trempé dans la soul. Les Shacks rockent et rollent sur la cover du "This little girl's gonna rockin'" de Bobby Darin ; ce qui permet aux ivoires de Fabian Fritz et aux cordes de Michael de se réserver des sorties irrésistibles. Puissance et panache guident la voix de Bonita sur le "Give me time" de Magic Sam, une piste qui agrège blues et soul. "Sure cure for the blues" opère un retour dans le r&b et le jump. Un tube décroché par les Four Jacks, en 1952. L’adaptation est excellente. Les solos de Michael, Andreas et Fabien se succèdent. Traditionnelle, "You're driving me crazy" est une chanson qui remonte aux années 30. Elle a été interprétée par de nombreux artistes légendaires, dont Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Frank Sinatra et Sarah Vaughan. Soutenue par le piano particulièrement inspiré de Fritz, la voix de Bonita est convaincante. Et elle l’est tout autant sur "I'll be there", une ballade signée Bobby Darin. Cocktail de swing, jazz et jump, "Satisfy my soul" est un morceau issu de la plume du pianiste de jazz Buddy Johnson. Les frères Arlt s’y illustrent en exécutant de superbes envols sur l'harmonica et la guitare. "Bad news" est un blues chargé de swing. La voix de Bonita s’y révèle naturellement puissante. Les deux vocalistes se partagent le micro sur le classieux "I'm a fool for you", un titre soul que James Carr avait traduit en succès au cours des sixties. Feutré, "Be cool" est un autre traditionnel. "I'm lonesome" nous entraîne dans un West Coast jump d’envergure. C’est avec grâce que Bonita interprète cette compo signée Jimmy Preston, alors que mis sur orbite, les frangins Arlt et Hauerken (NDR : sur sa lourde basse acoustique) se déchaînent. D’excellente facture, cet elpee s’achève par le "Never let me go" de Joe Scott, une ballade soul.
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