Le premier ‘jeudi acoustique’ de l'année 2016, programmé au Salon de Musique à Silly, se déroule ce 4 février. Une formule inédite pour la région. Un artiste vient présenter son répertoire. L’entrée est gratuite. A la fin du show, on fait passer le chapeau. A l’affiche, ce soir, Milo Gonzalez, un jeune virtuose de la guitare issu de Venice Beach, en Californie. Capable de s’exprimer à travers le classique, le flamenco, le punk, le blues, le bluegrass ou le psychédélisme, il se sert d’une guitare dont les cordes sont partagées entre métal et nylon…
Une cinquantaine de spectateurs se sont déplacés pour applaudir le prodige américain. « Battle Squids » ouvre les hostilités, une compo nerveuse abordée dans l’esprit de Rodrigo y Gabriela. Deux minutes trente au cours desquelles il affiche déjà tout son savoir-faire. Il est habile de ses dix doigts. Cinq se consacrent sur les 3 cordes du haut (métalliques) et cinq sur les 3 cordes du bas (nylon). Milo raccorde sa gratte après chaque chanson.
Milo Gonzalez enlève chaussures et chaussettes afin d’optimaliser son contact avec les différentes pédales de distorsion placées devant lui. « Desert Marauder » baigne dans un climat classique alors que « Purple Green Ice » nous entraîne dans le flamenco. Sur disque, cette dernière compo dure 3 minutes. En ‘live’, le double. La dextérité manifestée sur le manche, par l’artiste, est stupéfiante. Une B.O. idéale pour sonoriser un documentaire consacré à une aurore boréale.
Pas de percus pour « Sun And Moon », un titre folk que Milo chante d’abord d’une voix douce, avant de tenter de la pousser dans les aigus. Sans doute pour couvrir le léger brouhaha propagé par l’auditoire. Pas convainquant. Pas grave, c’est surtout sur sa gratte qu’il est balaise. A l’instar d’« Ice Age », qu’il achève en picking. Il est enfin à la hauteur, au micro, sur « Encounter », un titre réminiscent de Neil Young. Mais également tout au long du dernier titre du set, « Like A Book ». En rappel, il nous réserve une version d’un morceau signé par le légendaire pianiste, Erik Satie. Et franchement, en privilégiant les trois cordes en nylon, il réussit parfaitement cette interprétation…
(Organisation : le Salon de Silly)
L’édition 2016 du festival Propulse débute ce mercredi 3 février. C'est un peu l’équivalent de l'Eurosonic, mais il se déroule en Belgique ; un événement destiné à mettre en vitrine les artistes noir jaune rouge.
Lieutenant est un quintet liégeois drivé par le chanteur/guitariste Laurent Van Ngoc. A l’origine, la formation puisait allègrement ses influences dans la pop acoustique anglo-saxonne (Simon & Garfunkel, Love, Belle & Sebastian, Kings of Convenience) ; et les lyrics étaient torchés dans la langue de Shakespeare. Puis au fil du temps, celle de Molière a pris le relais, afin de mettre davantage les mots sur les émotions. Faut dire que les musicos s’intéressent également à toutes les formes d’art. Et notamment la littérature, le cinéma ainsi que la peinture. Qui constituent également une source d’inspiration de leur ‘songwriting’. Le combo vient de publier un premier opus, « Au Coeur De L'Arène », un disque qui a bénéficié du concours de Thomas Belhom (Tindersticks, Calexico) à la mise en forme. Pour concocter ce concept album, les musicos ont également mis en commun leurs propres influences, qui oscillent du jazz au classique, en passant par le folk et la pop.
Outre le leader, le combo implique le pianiste/bassiste Philippe Lecrenier, le drummer Pierre Mulder, le gratteur/clarinettiste Vincent Hargot et la violoniste (NDR : très sexy, par ailleurs) Anne-Claude Dejasse. En ‘live’, le combo est enrichi de trois autres instrumentistes : la violoncelliste Aurélie Potty ainsi que les violonistes Damien Chierici et Arno Polet (alto). De quoi former une parfaite section de cordes. Ils sont huit sur l’estrade.
Juste au dessus de la table de mixage, quatre toiles sont exposées. Sur scène, le décor est soigné, à l’instar de la pochette du long playing. Un texte en slam est déclamé sur fond de gratte, avant que le band n’attaque « Ecume ». Le discours militant achevé, Laurent se plante devant le micro. Les accords de guitare sont presque classiques. La musique est empreinte de douceur. Et les textes incitent à poser une réflexion sur l’égoïsme de notre monde contemporain : ‘L'homme moderne abandonne le compromis pour embrasser l'utopie ; il noie ses angoisses dans l'absolu’…
« Tout est écrit » baigne au sein d’un climat balkanique et manouche, en même temps. A cause de la clarinette. Les cordes communiquent un sentiment de mélancolie. Les chœurs prennent leur envol. Vers l’Est. Comme ceux de l'Armée Rouge. Pour les militaires, c'est le même combat. Une guérilla éclate entre les cordes et cette clarinette ; mais aucun belligérant n’arrive à prendre le pouvoir. « Manège de fin d'un monde » est balisé par les ivoires. Laurent a abandonné sa gratte. C’est le Lieutenant (NDR : le capitaine ?) du navire ; et il dirige le périple (NDR : la croisière ?) de sa voix et de ses mains, alors que l’embarcation est bercée par les cordes languissantes d’Anne-Claude…
Les percus s’agitent tout au long de « L'épine au fond du coeur », compo pour laquelle Laurent a récupéré sa guitare semi-acoustique et qui s’achève en force par la conjugaison des interventions de clarinette et de cordes.
Des cordes qui se déversent sur « Océan De Pluie » et se chamaillent avec les percussions, avant que le violoncelle ne reprenne le flambeau, au sein d’un climat symphonique. Anne-Claude, qui est venue épauler Laurent aux vocaux, rencontre un léger problème de micro. Un nouveau texte est déclamé avant que les ivoires n’installent une atmosphère propice à la « Peur ». Et lorsque le titre commence à s’animer, c’est pour opérer un retour vers les Balkans, avant un retour au calme. Et le set de s’achever en beauté par « Le coeur de l'arène », morceau qui génère une lueur d’espoir… Ce soir, tout le monde en a pris pour son grade…
(Organisation : ProPulse)
L'harmonica a toujours été un instrument privilégié dans l’univers du blues. Il est peu encombrant, facile à transporter et peu coûteux. Le blues originel, d'avant-guerre, a enfanté des harmonicistes qui sont parvenus à se forger une belle notoriété (De Ford Bailey, Will Shade et Lewis Noah, notamment) ; mais c’est lors du Chicago blues d'après-guerre, que la musique à bouche a vécu son âge d'or, révélant des légendes telles que Little Walter, Sonny Boy Williamson, Junior Wells et la liste est loin d’être exhaustive. Quand le blues s’est coloré de blanc, d’autre artistes se sont distingués, et en particulier Charlie Musselwhite, Paul Butterfield et Kim Wilson. Et les dames alors ? Et bien elles se sont illustrées et s’illustrent encore. La plus prestigieuse a certainement été Willie Mae Thornton, mieux connue sous le sobriquet de Big Mama Thornton. Originaire de l'Alabama, elle est décédée en 1984, à l’âge de 57 ans seulement. Elle a décroché un succès en 1952, grâce à "Hound Dog", quelques années avant qu'Elvis Presley ne le chante! Et c'est en écoutant Big Mama que le producteur Norman Davis a eu l'idée de monter cette collection réservée aux souffleuses. Elles ne sont pas moins de trente pour perpétuer la légende. Certaines sont connues, mais la plupart ne le sont guère. Thomas Ruf a donc publié une double compile pour mettre en exergue ces instrumentistes…
Sur la première plaque, Paula Rangell ouvre cet imposant cortège. Depuis 1979, elle drive ses Pontiacs, un blues band issu de la Nouvelle Orléans. Son "Harmonica girl" est particulièrement nerveux. La charmante New-yorkaise Roxy Perry se réserve le rythmé "Roadmaster". Etablie basée à Seattle, Stacy Jones est une excellente chanteuse de blues contemporain ; elle a aussi du souffle et le démontre à travers un solo bien senti sur ce funky "Heavy water". Instrumental, "Down home shakedown" nous replonge dans les années 60. Big Mama Thornton y partage un duo avec un autre harmoniciste (Big Walter Horton?) Authentique, classieux, ce morceau vous flanque une véritable claque. Artiste de country/blues, Lynn Ann Hyde est issu de Portland, dans l’Oregon. Elle a gravé quelques elpees en compagnie de Stu Kinzel. Elle adapte le "32-20 Blues" de Robert Johnson. Fastidieux de citer toutes les souffleuses, chacune s’exprimant suivant son propre talent. Je ne pourrai les citer toutes, car elles possèdent toutes une bonne dose de talent. Aussi, concentrons-nous sur les meilleures. Dont la Californienne (NDR : elle est issue de San Francisco) Beth Kohnen qui s’illustre sur l'instrumental "Ain't easy", et Trina Hamlin (NDR : elle vient de Minneapolis) pour "Down to the hollow".
Passons au deuxième volume. Qui s’ouvre par "Cash is king". A l’harmo, Jenny Kerr, une autre Californienne (également issue de San Francisco). Multi-instrumentiste, elle est également capable de briller à guitare, au banjo et au piano. Bostonienne, Cheryl Arena souffle depuis près de trente ans ; et elle brille tout au long de "Blues got me". Talentueuse, Annie Raines est également issue de la capitale du Massachussetts. Agée de 23 ans, elle compte déjà quelques albums à son actif. Et forme un duo en compagnie du chanteur/guitariste Paul Rishell. Ses interventions sont aussi redoutables qu’efficaces lors du superbe boogie instrumental "Lookin' good". Australienne, Marion Turner forme aussi un duo au sein de Salty Dog, auprès du guitariste Steve Plater. Et sa prestation est plus que solide tout au long de "He's gone". Pour le reste, on épinglera encore Dana Dixon pour le boogie blues "Crazy Maisie", qu’elle chante également. La Française Christelle Berthon pour sa version pure du classique "Summertime". L’Italienne –établie en Oregon– Cécilia Loforti, très à l’aise pour exécuter "Doctor C". Et dans un registre country/blues, Rhonda Rucker, authentique dans son interprétation de "Rhonda Alla Blue". Si tout n’est pas parfait, cette collection a le mérite d’exister…
Auteur, compositeur, chanteur et guitariste, Tim Williams est canadien. "So low" constitue son premier elpee solo. Autoproduit, il a été enregistré à Calgary, dans l'Alberta. Découpé en dix pistes, cet opus est partagé entre compos personnelles et reprises d’artistes qu’il apprécie. Tim confesse volontiers puiser ses racines blues chez Leadbelly, Big Bill Broonzy et Lightnin' Hopkins.
L’opus s’ouvre par la cover du "If you live" de Mose Allison (NDR : âgé de 88 balais, ce pianiste de blues et de jazz né dans le Mississippi, est toujours bien vivant). En chantant "More peppers in your Chili", il nous avoue combien il apprécie épicer sa nourriture à l’aide de piments et autres sauces relevées qu'il déniche près de chez lui. Il aime jouer de la mandoline. La sienne est très ancienne. C’est une Stella datant des années 1920. Il s’en sert pour attaquer le "Mr Big Money" de Big Bill Broonzy. Sur "Anywhere c/o the Blues", il nous avoue avoir souvent fait des sacrifices pour le blues. C’est sa passion, son hobby, son obsession, son job ; bref, toute sa vie. Son technique au bottleneck sur la guitare Resonator est impeccable. Tim rend hommage à Blind Boy Fuller sur "Pistol Snapper" (NDR : disparu très jeune, à l’âge de 33 ans à peine, Fuller était un artiste adepte du Piedmont blues de la Caroline du Nord). Il adapte "The witching hour", une composition de Tampa Red, un des premiers grands spécialistes de la slide, à Chicago. Tim y affiche une belle maîtrise et une technique fouillée. Tout au long de "The Grizzly bear", il parvient à faire revivre une vieille coutume populaire au cours de laquelle les danseurs imitaient des grizzlys. Il reprend une très ancienne chanson de Johnny Cash, "Big River". Parue en 1958, sur le label Sun de Memphis, elle date de l’époque à laquelle le ‘Man in black’ puisait encore ses racines country/blues chez Blind Lemon Jefferson. Williams signe "Midnight after midnight", une chanson empreinte de douceur et de subtilité, dans un style finalement proche de Lonnie Johnson. Et en finale, il rend un autre hommage à son bluesman favori, Sam ‘Lithnin’ Hopkins, à travers un "Lightnin'" respectueux de la version originale.
Thomas Ruf nous propose une suite à la collection "Songs from the Road", à travers ce cd et ce dvd, qui met en exergue son catalogue en ‘live’. Et pour la circonstance, il nous réserve une belle surprise en exhumant une prestation de Jack Bruce associé à Robin Trower.
Jack Bruce est une icône de la musique rock contemporaine. Il nous a malheureusement quittés en octobre 2014. Il avait 71 ans! Très bon chanteur, doublé d'un excellent bassiste, il a participé à l’aventure de la vague blues anglaise des sixties, à l’instar de l’Alexis Korner Blues Incorporated, du Graham Bond Organization, du Manfred Mann et parfois du John Mayall's Bluesbreakers ; sans oublier, en 1966, à l'avènement du premier super groupe, The Cream, auprès d’Eric Clapton et de Ginger Baker.
Le parcours de Robin Trower est très différent. En 1967, il devient guitariste chez Procol Harum. Très marqué par le jeu de Jimi Hendrix, il fonde, dès 1973 son trio, le Robin Trower Band. En 1981, Bruce et Trower forment le trio B.L.T., en compagnie du batteur Bill Lordan ; une aventure qui donnera naissance à deux elpees, un éponyme en 81 et "Truce" (Isidore remplaçant Lordan), l'année suivante.
La set list du concert enregistré fin février 2009, à Nimègue, réunit l'essentiel du contenu de l'album "Seven moons", que les deux artistes avaient réalisé ensemble en 2005, déjà, en compagnie du même batteur Gary Husband, un musicien qui avait beaucoup milité dans l’univers du jazz rock, côtoyant notamment John McLaughlin, Allan Holdsworth et Billy Cobham.
Et l’opus s’ouvre par le morceau éponyme. Une version superbe qui calibre déjà l'atmosphère de ce spectacle, dont les morceaux imprimés sur un tempo lent sont privilégiés. Bien sûr inspiré par Hendrix, Robin joue tout en délicatesse, tout en restant sur la réserve ; et dans ce registre, c’est vraiment un guitariste de grande classe. "Lives of Clay" baigne au sein d’un même climat. Brillant, Trower maîtrise à merveille ses effets sonores. Indolent, "Distant places of the heart" est bercé de mélancolie. Lors de la version du célèbre "Sunshine of your love", l'un des fleurons de Cream, la basse de Bruce entre en extase. Mais ce qui caractérise le mieux Bruce et Trower, ce sont les compositions atmosphériques ; à l’instar du superbe "Carmen" qui figurait sur "B.L.T". "So far to yesterday" nous entraîne dans un trip psychédélique. Quoique bien maîtrisées, les cordes de Robin entrent en transe. "Just another" pousse le périple un peu plus loin ; une remarquable plage au cours de laquelle Trower est au sommet de son art. Il écrase ses pédales sur "Perfect place". "Bad case of celebrity" est un blues lent dépouillé, avant que Trower ne se réserve quelques lignes très hendrixiennes sur "Come to me". En fin de set, Bruce se libère pour conduire deux covers de Cream, l'inévitable "White Room" et "Politician". Un excellent concert!
Ce qui impressionne chez Mylène Farmer, c’est la déferlante médiatique qui booste chaque sortie d’album et le succès populaire qui en découle !
Elle fait partie de cette poignée de chanteuses qui vendent le plus de disques, dépassant même allégrement la barre des 30 millions d’exemplaires. Est-ce pour autant un gage de talent ?
La double force artistique de cette femme, c’est sa capacité à créer un émoi substantiel suscitant curiosité et désir, d’une part, et le fait qu’elle parvienne à entretenir un univers bien à elle, singulier et mystique à la fois, d’autre part.
« Interstellaires » s’inscrit à la fois dans cette mythologie et dans une politique volontariste de changement !
En effet, l’univers planant, qui constitue sa marque de fabrique, est toujours bel et bien présent ! Producteurs et agents artistiques attisent les braises encore brûlantes de ses précédents succès !
Choix judicieux par contre, c’est le départ de Laurent Boutonnat, son complice de toujours, prié de faire ses valises illico presto. La rouquine a préféré le producteur pop, Martin Kierszenbaum (Natalia Kills, Robyn, Lady Gaga…), boss du label Cherytree Records. Sans oublier, The Avener (réalisateur du premier single extrait de l’album et Matthew Koma (Zedd, Tiesto…) pour compléter l’équipe.
Un mal pour un bien ?
Clairement, cet opus est plus épuré, doux et fragile. Exit, les gros sons inutiles qui, jadis, polluaient l’expression sonore ! La voix cristalline et les envolées lyriques langoureuses et sensuelles sont davantage mises en exergue ici.
Le son est plus pop ! Paradoxalement aussi moins estampillé variétés ! On est donc loin du manichéisme commercial de ses débuts !
Exception faite évidemment du duo avec Sting pour « Stolen Car », un morceau destiné sans doute à conquérir un marché international ; c’est une prise de risque qu’il faut souligner !
Même si l’absence de gros tubes se fait sentir, ce disque offre tout de même un éventail de belles chansons cohérentes et homogènes.
Epinglons à ce sujet, la reprise particulièrement réussie d’un titre phare de Cheap Trick, « I want you to want me ».
La noirceur des textes d’antan fait aujourd’hui place à un horizon bleu azur, à peine voilé par de rares nuages.
Se sentirait-elle enfin apaisée retrouvant ainsi une certaine forme de paix intérieure et de sérénité ?
Sans doute, le signe que la chanteuse sait encore surprendre, sans pour autant provoquer de séisme…
Alex Giannascoli, alias Alex G, n’a pas encore quinze ans lorsqu’il commence à composer, seul dans sa chambre, à Havertown (NDR : c’est dans la banlieue de Philadelphie). Il a de la suite dans les idées, et rapidement il poste ses chansons sur le net. Il ne tarde pas à se faire remarquer et est même étiqueté par un magazine yankee notoire, de ‘secret le mieux gardé du web’. Cette notoriété permet à ce multi-instrumentiste de publier six albums sur de modestes labels et d’assurer le supporting act pour Speedy Ortiz ou encore Cymbals Eat Guitars. Mais aussi de signer sur label anglais Domino (Arctic Monkeys, Four Tet, Pavement, …)
Cependant, ce nouveau statut n’a rien changé à sa manière de travailler. En effet, sur son dernier opus, « Beach Music », le jeune Américain a une nouvelle fois tout enregistré dans son appartement. Il en résulte un album hétérogène de folk-rock lo-fi, réunissant probablement des morceaux qu’il a composés durant ses différentes tournées. Un seul fil rouge : ses influences puisées dans les 90’s. Ainsi, tant sur « Thorns » que « Snot », le spectre d’Elliot Smith se met à planer (NDR : la voix d’Alex G est très proche). Parfois aussi on retrouve la folie des sonorités lo-fi –voire brouillonnes– de Daniel Johnston (« Brite Boy »). Ou encore des traces de Pavement, comme lorsque les riffs de gratte se révèlent subrepticement dissonants, à l’instar de « Kircher » et de « Ready ».
De toute bonne facture, « Beach Music » fleure bon la nostalgie. Le talent de songwriting d’Alex G est indéniable. Il ne lui reste donc plus maintenant qu’à se démarquer de ses idoles, afin de se créer son propre univers.
Manifestement, Houndmouth pourrait postuler comme groupe de cérémonies. Il serait même parfait dans ce rôle, lors d’une soirée de mariage réussi. D’ailleurs, le cahier des charges est respecté tout au long de « Little Neon Limelight », son second elpee. La maîtrise technique est indéniable. Les voix masculines et féminines sont puissantes et judicieusement alternées, et la musique propose un bel éventail de titres inspirés par les 70’s, oscillant entre rock sudiste (« 15 Years », « My Cousin Greg), envolées soul (le bien nommé « Otis ») et ballades romantiques ‘dylanesques’ (« For No One »). Cependant, le produit sent quand même la naphtaline ; et ne parlons même pas de la créativité. Comment d’aussi jeunes musiciens peuvent-ils à ce point se bercer de la musique de leurs parents, sans lui injecter un peu de sang neuf ?
Formé en 2011 à New Albany, dans l’Indiana, ce combo aurait pu tout aussi bien voir le jour à Jacksonville, en 1970. Toutefois, sans afficher la classe et libérer l’énergie d’autres revivalistes tels qu’Alabama Shakes ou Avett Brothers, le groupe parvient à proposer un charmant recueil de musique américaine classique, aux harmonies soignées (« Sedona »). A conseiller aux amateurs du genre. Et puis probable que Ryan Adams va proposer à cette formation d’assurer ses premières parties. Si ce n’est déjà fait…
Aucune « Parades » n’est possible à nos oreilles, pour lutter contre l’instantanéité et l’originalité des compos de ce nouvel Ep publié par l’artiste bruxellois Loïc Joseph ! D’autant plus que sa voix si particulière colle parfaitement aux morceaux. Loïc Joseph et son acolyte (NDR : Kway un musicien mystérieux qui se charge de la guitare et de la programmation) nous y réservent un folk alternatif, aux teintes quasi pop, illuminées par deux voix profondes et graves, réminiscentes de Bill Callahan, qui se complètent à merveille. Les six pistes de « Parades » sont particulièrement réussies. Depuis l’euphorisant « All the Things » au plus bluesy « Manilla Corazon », en passant par pas cette réjouissante immédiateté (« Taste for Pain »), qui n’est pas toujours nécessairement le point fort du genre…
Mari et femme dans la vie, Kori Gardner et Jason Hammel incarnent, depuis 1997, le duo Mates of State. Le couple texan a déjà publié 8 albums. Et "You're Going to Make It" constitue déjà son quatrième Ep. Mais malgré sa discographie impressionnante et vingt longues années de carrière, on ne peut pas dire que le projet jouisse d’une grande notoriété. D’ailleurs après avoir écouté les cinq plages de ce disque, on comprend mieux pourquoi. La power pop de Mates of State est digne des boys band qui ont sévi au cours des 90's. Et j’exagère à peine. A grands coups de claviers, de démonstrations vocales et de refrains éreintants, les deux partenaires pondent des ‘tubes’ pop pour ados prépubères. A l’instar du morceau mielleux qui ouvre cet Ep, "Staring Contents". Et le reste est de la même veine ! D’ailleurs si la plaque avait excédé les 20 minutes, je doute fort que ma patiente aurait pu aller au-delà. Une consolation !
John McKinley est originaire de Roswell, au Nouveau Mexique. Adepte du blues/rock, ce chanteur/guitariste/compositeur confesse volontiers ses influences, qu’il puise généreusement chez les artistes issus du Texas voisin (Freddie King, Johnny Winter et ZZ Top !) ; mais également à la tradition mexicaine ainsi qu’aux expérimentations de Frank Zappa. Aujourd'hui, John vit au Canada, à Kitchener, dans l'Ontario. "Window on the World" constitue son premier elpee. Lors des sessions d’enregistrement il a reçu le concours de son fils, Darius, à la basse, Ben Rollo, à la batterie, ainsi que Darryl Romphf, à la seconde gratte. Ce dernier assure, en outre, la production.
Instrumental, "Dirty nails" ouvre l’opus. Un morceau sculpté dans le rockin' blues, caractérisé par des accès de guitare très dynamiques, mais aux motifs un peu trop éclatants voire artificiels, dispensés dans un registre métallique. Les arrangements de "One a ponce a time" baignent dans le jazz rock, une plage complexe au cours de laquelle lors du refrain, la voix de John est soutenue par des chœurs bien masculins. Plus blues, "Welfare Mama" est teinté d’exotisme, dans l’esprit de Carlos Santana. Les vocaux ne manquent pas de charme. Les accords de gratte son élaborés. Sporadiquement, des voix féminines –celles des Divines– s’invitent. "Cuando yo me voy" puise au cœurs des racines mexicaines. Danny Castro se charge des percus. Des chœurs mâles reprennent le refrain en chœur. Le spectre de Carlos Santana plane à nouveau. En formule trio, "Stratitude" passe bien la rampe. La technique de McKinley est particulièrement soignée tout au long de ce morceau de rock patiné de jazz et aux effets sonores bien maîtrisés. Le leader regorge d'idées ; mais il faut pouvoir les canaliser. Le rôle du producteur est donc essentiel. Des cordes acoustiques introduisent le rock/blues puissant "Rev it up". La guitare est overdubbée sur "Keep the door cracked open", un blues pétillant assez rythmé, au cours duquel le fiston Darius McKinley semble bien inspiré sur sa basse. Long blues lent dépouillé, coloré de jazz, "P-Nutt-Butt-Ah" est épicé à la sauce McKinley. Et pour cause, la plage prend un virage à 180°, lorsque John se lance dans un solo particulièrement complexe, aux sonorités largement amplifiées. La section rythmique le pousse à se surpasser sur "Life's a bitch", un blues rock nerveux, torturé, et surtout de bonne facture. Plus classique, enrichi par les voix féminines des Divines, "Cool night breeze" est une piste plus classique. La sortie de cordes rappelle même des maîtres britanniques du style, comme Jeff Beck ou Jimmy Page. Séduisante, "Passionate man" est une plage qui concède des accents pop. "Ontarian song" clôt cet LP. Un titre quasi instrumental qui baigne dans la musique traditionnelle canadienne. Essentiellement acoustique, il recèle une partie amplifiée fort originale, consécutive à l’intervention progressive du violon de Melissa Barry, avant que la voix éthérée de Rachel Lee Cousineau n’entre en scène…
Ces deux légendes du Chicago blues ont milité, à des moments différents, au sein du Muddy Waters Band.
Chanteur, harmoniciste et compositeur, Jimmy était avant tout guitariste. Il militait au sein du backing group de Muddy Waters, au cours de la grande époque des 50’s. Il est parti trop tôt, des suites d'un cancer, en 1997. Il était âgé de 73 ans.
Joseph William ‘Pinetop’ Perkins était pianiste. En 1969, il avait remplacé le remarquable Otis Spann, au sein du groupe de Muddy Waters. Plus tard, il va sévir chez le Legendary Blues Band. Il est mort dans son sommeil en 2011. Il avait 97 ans.
Ces deux artistes mythiques se connaissaient, bien entendu, depuis longtemps. Un soir de mai 1988, au Grand Auditorium d'Ellsworth (NDR : c’est dans le Maine), ils se retrouvent au sein de l'excellente formation, Little Mike and The Tornadoes, un combo drivé par l'harmoniciste Little Mike Markowitz. La même année, ce combo va participer aux sessions d’enregistrement du premier opus solo de Pinetop, "After hours", paru chez Bling Pig.
Les quatre premières plages sont réservées à Pinetop Perkins, flanqué des Tornadoes. L'harmonica de Little Mike introduit le "Kidney stew" d'Eddie 'Cleanhead' Vinson. Pinetop chante et se consacre aux ivoires, mais le premier envol est accordé par le gratteur des Tornadoes, Tony O'Melio, rapidement suivi par Little Mike. Tout au long du classique de Tommy Tucker, "High heel sneakers", ainsi que du remarquable "Had my fun" de St Louis Jimmy Oden (NDR : un long blues lent), on assiste à de très beaux échanges entre le piano et les cordes d'O'Melio. Perkins chante enfin le boogie woogie "For you my love". Jimmy Rogers entre enfin en scène pour chanter trois morceaux. Tout d’abord le célèbre "Big boss man" de Jimmy Reed. Puis le superbe blues lent "All in my sleep", au cours duquel, parcimonieux, les accords de grattes libèrent un maximum de feeling. Et enfin, son plus grand succès, "The last time", un titre qu'il avait enregistré en 1952. Pinetop reprend le micro pour aborder le tendre "When I lost my baby", avant qu’il n’attaque son hit intemporel "Pinetop's boogie woogie", bien épaulé par les cordes de Rogers et l'harmo de Little Mike. "Pine and Jimmy's Jump" clôt cet LP. Les deux légendes du blues ainsi qu’un étincelant Little Mike en profitent pour prendre leur pied…
Depuis 1997, Ht Roberts publie album sur album, des œuvres sculptées dans un folk intemporel. Et il bonifie avec le temps. Si mes calculs sont exacts, « Old Lights » constitue son 10ème opus. Armé de sa gratte, ce ménestrel est responsable de morceaux au plus près de l’os, caractérisés par des mélodies inaltérables, toujours puissantes, même si 1000 fois entendues, qu’il creuse dans le sillage de figures tutélaires, souvent rabâchées, telles que Bob Dylan ou Willie Nelson. La voix d’Herman Temmerman (le ‘Ht’) rappelle celle de Sam Beam (Iron & Wine). Une voix qu’il accompagne de quelques accords de sèche, mais surtout d’une instrumentation plus spécifique oscillant du banjo à l’harmonica et d’un backing vocal, afin d’offrir davantage de variations à son expression sonore et ainsi d’accentuer certaines émotions. Minimalistes mais chaleureuses, les 11 compositions d’Ht Roberts sont véritablement ces ‘Vieilles Lumières’ chaleureuses et rassurantes (« Emma’s Land ») annoncées par un artiste belge à découvrir –enfin– de toute urgence…
Keith Stone est un enfant de la Nouvelle Orléans. Pas tout à fait un enfant car, âgé de 50 ans, il est déjà considéré comme un vétéran de la scène locale. Il est parvenu à assimiler tous les courants qui alimentent la musique néo-orléanaise : jazz, blues, R&B, funk, dixieland et Brass Band. Stone a fait ses armes chez Willie Lockett & The Blues Krewe. "The Prodigal returns" constitue son premier long playing. Il a été enregistré chez lui, en Louisiane, sous la houlette de David Hyde, également préposé aux parties de basse. Hyde avait participé aux sessions d’enregistrement de l'excellent album de Fo' Reel, "Heavy water", fin 2014.
Le court "Prélude" instrumental s'ouvre par le piano de Dr John. Il nous entraîne dans les rues du quartier français de New Orleans. On entend le bruit produit par une calèche, puis d’une fanfare, celle d’un brass band, qui parcourt habituellement ces quartiers. R&B largement cuivré, "Better things to do" évolue dans un registre proche du southern soul de Memphis. La voix de Keith est puissante. Sa guitare est particulièrement affûtée. Nelson Blanchard double orgue et batterie. Des cordes empreintes d’une grande sensibilité amorcent "First love", un superbe blues lent. Autoritaire, austère, la voix domine ce blues tapissé par l'orgue et les ivoires de Blanchard. Et si le solo de guitare est excellent, Stone prolonge volontairement ses notes pour obtenir un effet dramatique. Autre excellent blues, "Cindi Leigh" véhicule des accents zydeco, des accents entretenus par l'accordéon de Bruce ‘Sunpie’ Barnes et le frottoir d'Andy J Forest ! Et au cœur de ce climat naturellement cool, le saxophone ténor de Mike Broussard s’évade. Une forme de soul indolente mais chaleureuse baigne "Take me home". Elaine Foster participe aux chœurs et Keith injecte énormément de feeling sur ses cordes, tout au long de ce morceau au cours duquel les cuivres excellent : Lacy Blackledge à la trompette ainsi que Mike Broussard aux saxophones ténor et baryton. "New Orleans Moonlight" est bien ancré dans la ‘Crescent City’, un titre de soul/blues cuivré abordé dans l’esprit de Dr John, alors que les interventions de cordes dépouillées lorgnent vers BB King. La basse de David Hyde et les percussions de Nelson Blanchard sculptent "Time to move on" dans le funk. Bobby Henderson se réserve un bijou de solo sur son saxophone alto avant de céder le relais à Stone, inspiré par Albert King. Henderson est passé au ténor sax pour "Make me feel alright", un rock'n'roll contaminé par les rythmes de la Louisiane. La trompette de Blakckedge et la guitare de Stone colorent "Buster's Place" (NDR : le Buster's est un restaurant local réputé dans la Soul Food), un instrumental paradoxalement ‘no jazz’. Bénéficiant d’excellents arrangements, "The prodigal returns" est un morceau de funk au cours duquel Keith triture ses cordes à l’aide de son jeu de pédales. Longue finale instrumentale, "Just a closer walk with Thee" revient à la case départ : le piano magique de Dr John, la guitare tout en feeling, la voix, l'orgue de Blanchard et, enfin, le brass band avec trompette, sousaphone, trombone et saxo alto. Un excellent album!
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