Cette formation américaine est née au printemps 2015, à Clarksdale, la capitale du delta du Mississippi. Elle y a accompli ses premiers au ‘Ground Zero’, le club de blues monté par l'acteur Morgan Freeman. Originaire de Boston, Christina Vierra en est la chanteuse. Mais c’est à Memphis qu’elle s’est forgé un nom et a recruté deux de ses partenaires. Dont le guitariste Ashley Bishop, authentique citoyen de Memphis. Et puis le drummer (NDR : parfois harmoniciste) Doug McMinn qui a fréquenté la célèbre Beale Street au cours de son enfance. Il a aussi épaulé son père, Don McMinn, au sein du célèbre Rum Boogie Cafe. Au sein du line up actuel, Cad Moore, citoyen de Clarksdale, se consacre à la basse. Cependant, lors des sessions, c’est un certain Gary Dale qui s’en est chargé, mais également de la guitare et du piano. De sessions qui se sont déroulées au studio Ardent à Memphis. Miss Viera signe une grande majorité des plages.
Dès l'ouverture, on est plongé dans le southern blues rock. Rapidement, on se rend compte que la voix de Miss Viera est naturellement autoritaire, fougueuse et passionnée. Si le spectre de Janis Joplin plane, il faut reconnaître que Christina a sa propre personnalité. Les cordes s'entrecroisent, mais la slide est parfaitement intégrée. Elle entame "Mighty River" à l’ukulélé ; une compo profondément inspirée par le Delta, mais qui vire rapidement au blues amplifié, autorisant une sortie remarquée des cordes. Nonobstant son énergie débordante, "Wag the dog" émarge à la country. Des sonorités cosmiques amorcent "No flesh in Outerspace", un blues/rock dont la démarche funk est assurée par Doug McMinn, alors que toute la liberté est accordée aux cordes de Bishop! Autre blues/rock, "Who's gonna run this town" est chargé d’intensité par un puissant riff, réminiscent de Mountain voire Free. Holiday signe et commence à chanter, sans grande conviction, "Clarksdale", avant que Christina ne prenne le relais. Doug souffle dans son harmonica, lors de ce delta blues amplifié de bonne facture. Le piano de Holiday balise "You did", une longue ballade bluesy. Ravagée, la voix de Christina est impressionnante. Boogie/blues, "The hunter" évoque paradoxalement le titre notoire d’Albert King, qui porte le même titre, une plage au cours de laquelle les deux gratteurs se livrent une petite joute, en toute décontraction. Imprimé sur un tempo soutenu, "Tree knockin'" clôt le long playing et s’illustre par un dialogue entre la voix de Christina et celle plus grave d'Ashley. Un morceau manifestement taillé pour la scène, dans un registre proche de ZZ Top des voisins texans. Excellent combo, Mississippi Bigfoot se produira sur le Vieux Continent, en juin prochain.
Texan, Morry Sochat est chanteur/harmoniciste. Il y a presque un quart de siècle qu'il a élu domicile à Chicago, afin d’explorer les arcanes du blues qu’il aime tant ; c’est-à-dire celui de Muddy Waters, Little Walter et Junior Wells, notamment. Ce qui ne l’empêche pas d’apprécier le swing et le véritable rock'n'roll, celui des fifties. Il a fondé son groupe, les Special 20s, en 2005. Dès l'année suivante, le band grave un opus éponyme. Et embraie en 2008, par "Swingin', Shufflin', rollin'" ainsi que "Eatin' dirt", en 2010, pour lequel il bénéficie du concours d’une section de cuivres. Pour célébrer son dixième anniversaire d’existence, Morry a publié "Dig in", un elpee réunissant neuf compositions originales et deux reprises.
Le line up actuel de The Special 20s implique le guitariste Shoji Naito (NDR : leader de Chicago Blue Aces, ce musicien japonais milite également au sein du backing band d'Eddie Clearwater, un des vétérans du Chicago blues), le bassiste Ted Beranis, le batteur Marty Binder, le saxophoniste Chris Neal ainsi que le muti-instrumentiste (saxophone, claviers, saxophone et lap steel) Doug Corcoran. Et lors des sessions, le remarquable gratteur local Billy Flynn est venu apporter sa collaboration.
"Pine Box" ouvre l’opus, un rock'n'roll enflammé au cours duquel Shoji décoche rapidement les premières salves de guitare avant qu’il ne soit relayé par le saxophone de Chris. Doug Corcoran s'applique derrière son piano alors que Morry se consacre au chant. Swing blues, "Little melody" est balisé par le saxophone et la guitare dont les interventions sont dispensées dans l’esprit de T-Bone Walker. Morry sort enfin son harmonica pour attaquer "Rodeo Gal" ; et c'est un véritable bonheur. Un excellent Chicago blues simple mais tellement efficace, souligné par des interventions de gratte particulièrement authentiques. Tout au long de "Big Red Rooster, la section rythmique libère naturellement du swing. Doug Corcoran en profite pour nous régaler de sa lap steel guitare parfaitement intégrée. Morry et Chris Neal chantent "Mary Jane", un funk nerveux caractérisé par un envol saignant à l'harmonica. La reprise du "The last time" de Jimmy Dooley est un Chicago shuffle torride. Sochat brille sur son instrument. "I've got what it takes" nous entraîne au cœur des la Nouvelle-Orléans. A cause du rythme imprimé par les percussions de Marty et puis des saxophones qui entrent en effervescence. "Baddest cat alive" est une compo homogène au cours de laquelle harmonica, cordes et piano font bon ménage. Corcoran est passé à l'orgue pour "As long as you're by my side" une plage aux accents funky r&b. Neal en profite pour se libérer au saxophone. Downhouse blues de bonne facture, "She's got it" libère un maximum de feeling. Excellent, cet LP s’achève par une cover originale et épatante du "The Honeydripper" de Joe Liggins, une version soulignée par un solo lumineux de Morry Sochat.
Tagada Jones nous vient de Bretagne. Ce groupe est responsable d’une forme de punk/rock alternatif qu’il chante dans la langue de Voltaire. Réalistes, les lyrics abordent des thèmes comme le respect, la liberté et l’écologie. Mais critiquent également la mondialisation, les manipulations, le capitalisme sauvage, le fanatisme ou encore le sexisme et l'intolérance. Ses influences majeures ? Parabellum, Les Sheriff, The Exploited, The Ramones, Bad Religion, Suicidal Tendencies et Bérurier Noir.
Avec plus de 1 200 concerts dans les gambettes, le combo nous propose son troisième opus ‘live’. C’est d’ailleurs dans cet exercice qu’il excelle. « Live Dissident Tour » est découpé en 20 pistes. Elles ont été immortalisées en terre vendéenne, avril dernier, aux Herbiers, dans le cadre du Festival ‘On n'a plus 20 ans’.
Sur les planches, Tagada Jones nous propose une musique brute de décoffrage, propice à la sueur et chargée de testostérone. Son énergie est débordante. L'interactivité, totale.
Le set s’ouvre par « Intro » qui raconte un peu l'histoire de France, depuis la guerre 40-45. On ainsi droit à un extrait de la Marseillaise, un discours de Charles de Gaulle, prononcé lors de la libération de Paris et des extraits de reportages radiophoniques dont celui diffusé suite à l'arrestation de Mesrine, pendant la guerre du Vietnam et d'Algérie.
« De l'amour et du sang » nous plonge enfin dans le bain. Un bain de souffre que reflète deux autres brûlots, « Instinct Sauvage » et « Le chaos », une piste sur laquelle les guitares tagalopent.
Caractérisé par son refrain accrocheur, « Nec'hed Mad » véhicule un message politique venimeux mais sincère. « Pavillon noir » amorce la « Descente aux enfers », deux compos qui remuent les tripes. Retour sur terre où « Tout va bien ».
Nico hurle sa rage à l’égard de la société au sein de laquelle il vit sur « Zéro de conduite ». Pas étonnant qu’un « Cargo », et plus exactement un pétrolier ait fait naufrage. Amorcé par des bruits de sirènes, « Les nerfs à vif » sont chargés d’électricité. C’est la crise et la révolution est en marche. Agrégeant punk, metal et hardcore, ce titre furieux figurait déjà sur un autre live, « 20 ans d'Ombre et De Lumière ».
« Vendetta » pointe un doigt vengeur en direction du Président de l’Hexagone, et surtout le pouvoir qu’il représente. « Dissident », c’est le titre éponyme du dernier elpee qui a donné le nom à cette tournée infernale. Les potes à Nico en ont gros sur la patate suite aux attentats perpétrés contre la rédaction de Charlie Hebdo et nous le font savoir sur « Je Suis Démocratie » et « Plus De Son, Plus D'Image ».
Quoique de bonne facture, ce long playing a moins de pêche que « 20 ans d'Ombre et De Lumière ». Pas qu’il soit de mauvaise facture, mais il manque de groove et le public est moins réactif. N’empêche, c’est bien sur les planches que Tagada Jones demeure le plus performant. Le choix de l’endroit pour immortaliser ce ‘live’ n’était peut-être pas le plus judicieux…
The Boom Band est un supergroupe anglais qui pratique un mélange de blues, southern rock et country. Il implique pas moins de quatre guitaristes : Jon Amor (ex-Hoax), Marcus Bonfanti (Ten Years After), Mark Butcher et Matt Taylor (Motives). Le cinquième soliste est pianiste ; il s’agit de Paddy Milner. Le line up est complété par une section rythmique réunissant Evan Jenkins et Jon Noyce. En 2014, la formation avait publié un opus éponyme. Live, "The Moon goes Boom – Live in London" a été immortalisé au Half Moon de Putney, à Londres, en septembre dernier. Dans la presse, les critiques sont souvent élogieuses ; on leur prête même des références à Little Feat, aux Allman Brothers Band et aux Beatles.
Diamonds in the rust" ouvre l’elpee, un blues percutant et bien rythmé que chante impeccablement Marcus Bonfanti, le nouveau frontman de Ten Years After, d’une voix autoritaire, alors que Paddy double orgue et piano. Celle de Mark Butcher est différente, et conduit "Under the skin", une plage au cours de laquelle les guitares s'envolent pour notre plus grand plaisir. Entraînant, "Junko Partner" est un boogie woogie balisé par le piano de Paddy Milner. Paddy s’autorise un nouveau billet de sortie, mais également Jon Amor aux cordes. La voix de Matt Taylor libère toute sa puissance sur "Red eye of the devil", un southern rock qui lorgne vers l’Allman Brothers Band. Et si l’orgue Hammond ainsi que les grattes croisent le fer, les sonorités dispensées sont remarquables ; en outre, elles bénéficient de vocaux particulièrement soignés. Jon Amor se réserve le micro sur "Moonshine", une ballade séduisante caractérisée par des parties de cordes bien léchées, au cours desquelles les sixcordistes ne cherchent pourtant pas à se mettre en avant à tout prix. Interlude instrumental, "Monty's Theme" est sculpté dans le southern blues rock. Le Boom Band nous plonge au cœur de sa musique sur "Waste my time", une plage qui mêle judicieusement orgue et cordes de grattes. Bonfanti est aux vocaux pour "When you come home", une très jolie ballade découpée dans les cordes acoustiques. Stevie Winwood avait écrit "Can't find my way home", en 1969, pour Blind Faith. Chargée d’émotion, la reprise est superbe. Autre cover, le "I'm a ram" d’Al Green, dont Warren Haynes avait réalisé une excellente adaptation. Ici elle est exécutée à la manière de Govt Mule. Une autre reprise le "Rooster blues" de Lightnin' Slim. Derrière ses ivoires, Milner est au sommet de son art, tout au long de ce shuffle bien saignant. Et une dernière, le "Don't you just know it" de Huey 'Piano' Smith, pianiste issu de la Nouvelle Orléans. Un morceau dont le climat de bonne humeur louisianais est entretenu par le piano de Milner. De toute bonne facture, cet opus live s’achève par "We can work together", une piste de plus de 10’, secouée par quelques soubresauts de cordes bien maîtrisés, mais conduite par la voix très R&B de Matt Taylor, dont le timbre est alors très proche de celui de Joe Cocker…
Chanteuse et pianiste de blues ainsi que de boogie woogie, Wendy Dewitt est de nationalité américaine. Elle vit dans la baie de San Francisco. Au cours des dernières années, elle s'est le plus souvent produite sous la forme d’un duo, en compagnie du batteur Kirk Harwood, un vétéran de la scène californienne (NDR : il a milité chez Clover , mais également dans les backing groups de l'harmoniciste Norton Buffalo et du slide guitariste Roy Rogers. Wendy s'est beaucoup inspirée des grands pianistes du blues comme Otis Spann, Memphis Slim et Sunnyland Slim ainsi que les spécialistes du boogie woogie, et notamment Albert Ammons, Pete Johnson et Meade Lux Lewis.
Plage rythmée et bien cuivrée, "Sonoma Country" ouvre l’elpee, une plage réminiscente des atmosphères propices à la danse de la Nouvelle Orléans. Sonoma County est un comté de Californie, situé au Nord de San Francisco. C’est là que Wendy est née. Remarquable, harmonieuse, sa voix est bien mise en exergue sur "Treat a woman", un excellent R&B, ponctué par la sortie de Keith Crossan sur son ténor saxophone. Elle chante d’une voix claire, en s’accompagnant au piano, "Sometimes I wonder", un blues lent qui ne manque pas de charme. Tout comme "Built to last", une plage imprimée sur un même tempo, alors qu’elle double ivoires et orgue Hammond. Le "Feel so bad" de Chuck Willis baigne au sein d’une atmosphère cool, dont se libèrent les interventions impeccables et empreintes d’une grande sensibilité de Steve Freund. Sa cover du "29 way" de Big Joe Turner est syncopée. Le tempo enlevé. La section rythmique porte les musiciens, alors que Freund reste constamment aux aguets sur ses cordes! Wendy et son partenaire Kirk Harwood chantent en duo "Folks like you", un blues cool co-écrit par Steve Freund. Et ce dernier s’autorise un envol saturé de feeling, proche du style de Peter Green. Autre blues indolent, "I want to believe you" accorde une totale liberté au talentueux Steve. Le rythme opère son retour pour "Never be too much". Sur ses ivoires, Wendy s’y révèle éblouissante. Swing blues, "Trouble" célèbre le come-back des cuivres. De bonne facture, cet elpee s’achève par la ballade "Everybody's crying for something".
Véritable stakhanoviste du mouvement folk, Joseph O’Connell, aka –mais pas autant qu’on l’imagine– Elephant Micah, peut se targuer être à la tête d’une discographie aussi pléthorique qu’un vieux troubadour des Appalaches. Et pour cause, à ce jour, il doit avoir publié une quinzaine d’albums.
« Where in our Woods » s’érige comme une nouvelle et modeste pierre à l’édifice folk lo-fi ‘home-made’ (son frère Matthew se charge –mais discrètement– des drums), construit depuis 2002, par ce natif de Pekin (NDR : c’est dans l’Indiana). L’univers d’Elephant Micah cultive cet americana intemporel et acoustique si cher à Bonny Prince Billy (il participe d’ailleurs aux chœurs ; et tout particulièrement sur le très beau « Demise of the Bible Birds ») ou à feu Jason Molina (en compagnie duquel il a partagé la route). Un brin austères (« Slow Time Vulture ») mais souvent bouleversants (« No Underground »), ces morceaux écrits entre 2006 et 2007 ont trouvé la modeste parure qui leur sied le mieux. Du véritable ‘Art & Craft’ made in USA…
Paru en janvier 2015, ce « Where in Our Woods » arrive peut-être un peu tard au sein des chroniques de Musiczine, mais finalement pas tellement, vu son contenu traditionnel à très lente combustion…
Originaire de Liverpool, Alex Gavaghan est guitariste chez The Cubical, un combo de blues/garage plutôt méconnu sur le Vieux Continent. Son style –brut de décoffrage– puise ses racines dans le bon vieux rock’n’roll. « Binman of Love » constitue le premier elpee solo du ce multi-intrumentiste.
A l’instar du band au sein duquel il milite, Alex Gavaghan creuse dans la même veine. Et pas seulement parce que la production est vintage. Dès « Ice Cream », morceau qui ouvre l’opus, on a droit à de l’authentique rock’n’roll, un morceau sur lequel les sexagénaires et les septuagénaires ont dû danser, il y a quelques décennies. Tout comme sur le titre maître du long playing, mais le slow. Un slow ‘crapuleux’… Mais surtout une chanson pop, soutenue par de superbes harmonies vocales. Et si la suite alterne entre plages acoustiques (« Easy to Fall ») et électriques, elles nous replongent toujours dans les 50’s et 60’s. Accrocheuses, les mélodies font constamment mouche. Et la quasi-totalité des pistes ne dépasse pas les 3 minutes.
Un premier effort en solitaire parfaitement réussi ! A conseiller aux nostalgiques des fifties et des seventies, mais également à celles et ceux qui ne supportent plus le recours systématique aux claviers de la plupart des groupes et artistes contemporains. A consommer sans modération !
Murray Winsley & Wicked Grin nous vient de l'Ontario au Canada, une formation qui a décroché un ‘Maple Blues Award’ comme meilleur groupe, en 2014. Au cours de la même année, elle a également représenté la Société de blues d'Ottawa à l'International Blues Challenge de Memphis. Son premier opus, "Shame on me", ne date que de 2013. Murray Kinsley en est le leader, mais surtout le chanteur et guitariste. Il signe dix des onze plages. Le line up de Wicked Grin réunit le bassiste Leigh-Anne Stanton (NDR : un Montréalais !), le drummer Liam Melville et le chanteur/harmoniciste Rod Williams. Lors des sessions d’enregistrement, c’est Alain McCann qui s’est chargé des claviers.
"Dance Pretty Mama" démarre sur les chapeaux de roues. L’énergie libérée est digne du band mythique insulaire Dr Feelgood, lorsque le regretté Lee Brillaux y sévissait encore. Rod souffle comme un possédé dans son harmonica. Manifestement, la démarche et la présence de ce combo sont proches de celles des bands rock du milieu des seventies. "By my side" est imprimé sur un tempo moins enlevé. L’atmosphère s’y révèle bien plus festive ; d’ailleurs harmo et gratte s’y promènent en toute décontraction. Murray a sorti son bottleneck pour amorcer "Shine", au cœur du Delta. Miss Vivian Kinsley et son époux chantent sur une rythmique dynamisée par les percussions tribales de Liam. Excellent ! Wicked Grin libère toujours une fameuse dose d’énergie, tout au long de la reprise d’"Everybody oughta make a change" de Sleepy John Estes. Indolent, "Evil coming round" baigne au sein d’un climat étouffant. L'harmonica crie son désespoir. Les cordes de Murray montent progressivement en puissance, au cœur d’une intensité dramatique constante. Coup de boost asséné à "I'm mad". Soutenues par les interventions solides de la basse de sa partenaire, Leigh-Anne Kinsley, les cordes de Kinsley vibrent et s’enfoncent dans le délire. Rock'n'roll, "Fast fast car" est idéal pour aborder la route au volant de bolides. La slide est en effervescence tout au long de "Death if you find me", une plage qui nous replonge dans le delta. Blues/rock, 'Talk is cheap" met en exergue les échanges entre la guitare et l'harmonica. L’orgue Hammond de McCann colore "You're gone", une composition mélodieuse et chargée de feeling. "Let me love you" clôt l’elpee, un plage explosive au cours de laquelle Rod Williams ne tient plus en place et fait chauffer à blanc son instrument !
Mojo Man est une formation néerlandaise dont les débuts remontent à mai 2014. Fruit d’un mélange de blues, rock et soul, sa musique puise son inspiration chez Jimi Hendrix, Otis Redding et les Rolling Stones. Marcel Duprixe en est le leader, mais surtout le chanteur, guitariste et compositeur. Il est soutenu par le gratteur soliste Théo van Niel Jr, le bassiste John Aponno, le drummer Rick van der Vlist et une section de cinq cuivres.
Des rythmes tribaux introduisent "Scarecrow", avant que la piste ne se muscle rapidement. La voix de Duprix sert de trame à ce morceau bien cuivré, mais au cours duquel ce sont surtout les interventions de cordes vivifiantes de Théo van Niel qui tirent leur épingle du jeu ; d’abord en slide, puis en solo. "The ship is sinking" baigne au sein d’une même intensité. L’importante section de cuivres est bien mise en évidence. Les billets de sortie sont accordés au sax ténor de Robert van der Laarse et à la guitare. "I'm a man" nous entraîne au sein d’un climat Rhythm & Blues speedé, proche du style Stax institué par Otis Redding, une plage qui permet une nouvelle fois aux deux mêmes solistes de prendre leurs envols. "Is it a crime" vire au southern rock. La slide et la basse d'Aponno impriment un excellent riff. Les trois saxophones et les deux trompettes se distinguent, et tout particulièrement Henk Brüggemann qui fait exploser son sax baryton. La voix de Duprix devient dramatique sur le blues lent "On the floor". Le jeu flamboyant de Niel accentue cette impression. On a même l’impression qu’il se prend alors pour un ‘guitar hero’, alors que Robert Bogaert glisse un solo original à la trompette. Retour au tempo rock pour "Hip shakin' mama". Les cuivres sont proches du délire. Que du bonheur ! Théo van Neal se déchaîne sur sa slide, alors de retour, sur le très rapide "Wild flower". Un solide riff trame "Get over you", un blues/rock aux accents ‘rollingstoniens’. Marcel domine cette piste de la voix, alors que la slide tire une nouvelle fois son épingle du jeu. L'opus s’achève par "Searching man", une tendre ballade chantée par le leader d’une voix éraillée et enrichie par des cordes acoustiques, avant que la guitare ne prenne un ultime envol ; et sa montée en puissance est absolument remarquable…
Nouvelle égérie de la scène électro contemporaine, suite à son apparition au générique du dernier album de Daft Punk, Giorgio Moroder n’a eu aucun mal à recruter le gotha de la musique pop actuelle pour fêter son retour à près de 75 ans balais, soit 30 années après avoir publié sa dernière œuvre solo… Kelis, Sia, Mikky Ekko, Kylie Minogue, Britney Spears et Charli XCX se sont en effet bousculées au portillon afin de profiter de la nouvelle aura ‘hype’ du chaman de l’italian disco ! Mais voilà… on ne lui avait vraiment rien demandé à ce bon vieux Giorgio. Surtout pas de nous refourguer un ‘Worst of’ de ce qui se fait actuellement en musique électro-pop : entre l’intro Tomorrowland « 4 U With Love », l’ultra racoleur titre maître (auquel participe Sia), les insupportablement vocodés « Tempted » et « 74 is the New 24 », l’irritant uptempo « Diamonds » (égratigné par l’indigente Charli XCX) et l’horriblement sirupeux « Don’t Let Go » (dont même NRJ ne voudrait pas), on se demande quand même ce qu’est venue faire Britney Spears dans cette aventure, en adaptant le « Tom’s Diner »? de Suzanne Vega, si ce n’est compléter le listing de cette interminable litanie qui frise le ridicule. Ce terrible faux-pas ne devrait cependant pas écorcher la réputation du maître ès-EDM ; mais il s’érige assurément en clair avertissement. « Déjà-Vu » et à éviter à tout prix.
Ce chanteur/guitariste montréalais aura 40 ans fin 2016. Il a joué de nombreuses années au sein du backing band de la chanteuse de jazz, Susie Arioli. Jordan est un musicien qui privilégie l’esthétique. Il aime teinter son jazz de blues, country et rock. "Blue Skies" constitue son troisième opus solo, un disque tout au long duquel il met l’accent sur sa voix, en adaptant des titres d'artistes qu'il apprécie tout particulièrement. C'est du côté de Los Angeles qu'il a cette fois puisé son inspiration et son énergie.
Jordan attaque d’abord une chanson issue de la plume de Tom Waits, "Blue skies". Le climat est intimiste. Le dépouillement délibéré. Une sèche imprime le tempo aux côtés de la basse de Sage Reynolds. Amplifiées les cordes sont limpides et chargées de sensibilité ; en outre, elles libèrent des sonorités exceptionnelles. En compagnie de sa moitié, Genevieve, il chante le tendre "Got you on my mind", un succès récolté il y a des lustres, par des spécialistes du swamp pop louisianais, Cookie and the Cupcakes mais également The Big Three Trio. Et à nouveau, cette plage se sert d’un quota de notes strictement nécessaires. La voix douce et harmonieuse colle parfaitement au subtil "It's you I love", un morceau de jazz écrit par le duo néo-orléanais Dave Bartholomew et Fats Domino. La cover du "Chains of love"de Sam Cooke (NDR : il en avait réalisé un hit !) baigne au sein d’un climat flemmard. Toujours aussi parcimonieuses, les cordes de gratte sont créatives et lumineuses. L’adaptation du classique de Leroy Carr, "How long blues", est légère. Le swing est omniprésent. Et on a parfois l’impression que l’artiste joue juste devant vous. Tout comme pour "That's for me", un titre que Louis Armstrong interprétait, il y a plus de six décennies. La version du "Than she kissed me" de Phil Spector, que les Crystals avaient transformé en tube est à la fois originale et surprenante. Et celle du méconnu "When the deal goes down" de Bob Dylan, bien ficelée. L’opus recèle deux petites perles instrumentales : "Night Flight" et "Takin' off". Cet album est un pur bonheur!
Athens (NDR : c’est dans l’Etat de Géorgie, aux States) est surtout connue pour avoir été la base arrière de R.E.M. ; mais aussi pour avoir enfanté les B52’s et plus récemment Neutral Milk Hotel ainsi qu’Of Montreal. Reptar nous vient du même patelin ; néanmoins, il ne risque pas de rencontrer le même succès que la mythique bande à Michael Stipe, malgré le sens mélodique bien aiguisé de ses chansons.
« Lurid Glow constitue son second elpee, un disque qui baigne au sein d’une indie pop sophistiquée et de bonne facture, une expression sonore illuminée par la charmante voix nasillarde de Graham Ulciny, une voix qui rappelle parfois celle de Gordon Gano (« Easier to Die ») ou d’Alec Ounsworth, le chanteur de Clap Your Hands Say yeah ! Les morceaux de cet opus semblent stimulés par le côté ‘éclairé’ de la force… les claviers sautillent (« No One Will Ever Love You »), les trompettes balaient (« Sea of Fertility ») et les basses adoptent un profil quasi-funk (« Particle Board »), alors que les mélodies, souvent réminiscentes des 80’s (« Daily Season »), communiquent une certaine instantanéité à l’ensemble. Quoique rayonnantes et à la limite festives, les compos sont néanmoins bercées par une forme de mélancolie, entretenue par la voix fragile d’Ulciny…
Inna Modja se produisait le vendredi 15 janvier à l'Alhambra de Mons et le lendemain à l’AB. Votre serviteur a assisté au set du samedi. En langage peul, Inna Modja signifie ‘Inna la Mauvaise’ ; c’est le surnom que lui a attribué sa mère. D’origine malienne, Inna est le sixième enfant d’une famille qui en compte sept. A l'âge de 6 ans, ses parents l’inscrivent dans une chorale. Son père l’incite à écouter la musique qu'il aime (Ray Charles, Ella Fitzgerald, Otis Redding et Sarah Vaughan). Si elle est naturellement influencée par la musique traditionnelle de son pays, elle s’intéresse ensuite également à celles de l’Occident. Aussi bien le punk, le trash, le rap, le hardcore, le heavy métal, que le blues, la soul ou le disco. Véritable éponge, elle les assimile toutes facilement. Rebelle, elle va frapper à la porte de son voisin, Salif Keita, qui l'envoie faire ses premières armes auprès du Railband de Bamako, des papys qui pratiquent le jazz et la bossa nova.
Inna est une militante féministe très active. Elle milite pour la lutte contre la violence faite aux femmes et tout particulièrement l’abolition de l’excision. Faut dire qu’elle-même a été excisée au cours de son enfance. Très jolie, Inna est également mannequin et actrice. A ses moments perdus… Elle vient de publier son troisième elpee, « Motel Bamako », qui la replonge au cœur de ses racines maliennes.
J’imaginais, comme la veille, retrouver la diaspora africaine. Les Africains ont bien débarqué en nombre ; mais pas de trace des toilettes chamarrées. Ce qui ne va pas les empêcher de mettre une ambiance de dieu le père.
La première partie est assurée par un duo répondant au patronyme de J-Yves. Chapeau mou sur la tête, Shana Mpunga se consacre aux percus africaines (djembé et congas) et Jean-Sébastien Nemayechi à la guitare. Ils se partagent les vocaux. Le second est originaire du Pays des Collines, au Burundi, mais vit à Waremme. Anecdote, il a joué dans un épisode de la série ‘Camping Paradis’.
La musique de J-Yves oscille entre soul, funk, pop et world africaine. Les percus sont le plus souvent tribales. Les vocaux sont partagés entre harmonies et cris sauvages. Et pourtant, tout au long de « Wonderful », la foule reprend le refrain en chœur. « Tick Tick Song » est certainement la compo la plus contagieuse ; et c’est dans ce registre que la voix soul Jean-Sébastien se révèle la plus sucrée. Un set plutôt bref mais consistant qui s’achève par « To Get Lost ». A suivre de très près. (Pour les photos c’est ici)
Setlist : « When You Set Me Free » / « Street Lights » / « The Mojo » / « Wonderful » / « Tick Tick Song » / « To Get Lost ».
Deux écrans ont été installés au-dessus des portes d'entrée de la salle. Y défilent des slogans qui proclament : ‘Motel Bamako’, ‘Welcome’ et ‘Inna Modja’. Et c’est le même topo pour la toile qui tapisse l’arrière-scène. Comme pour enfoncer le clou, en attendant le début du spectacle. Inna est soutenue par un bidouilleur (synthés, ordinateur, etc.) et un gratteur. Coiffé d’un superbe chapeau, il est vêtu d’un costume traditionnel. Sa guitare est singulière, puisqu’elle compte 3 cordes en nylon et 3 en métal. Inna récite un texte avant d'attaquer « Outlaw », le morceau electro-tribal qui ouvre le nouvel elpee, un titre qui s’étale sur plus de 6 minutes. Nonobstant la présence d’un sixcordiste, la plupart des sonorités émane des machines, dont Inna se sert également. Elle porte un ensemble de couleur noire –laissant apparaître son ventre et ses avant-bras à travers des treillis ajourés– sur lequel elle a endossé une chemise colorée. Inna se déhanche sensuellement et brasse l’air de ses mains lorsqu’elle ne triture pas son instrument.
Elle interprète « Sambè » en bambara (langue officielle du Mali), en chantant ou en déclamant, sur des motifs sonores arabisants. Fascinant ! Des images défilent sur l’écran. Interprété en anglais, « Water » évoque le désarroi de la population malienne et issue des pays subsahariens confrontée à la difficulté de trouver de l'eau. Un blues du désert qu’entretiennent les tonalités de la guitare. Une halte s’impose à « Tombouctou », 'la ville aux 333 saints', également baptisée 'la perle du désert '. Balodji –dont le pays natal souffre également de la guerre–coécrit « My People ». Inna pleure ces conflits qui entraînent malheurs, famines et pousse les autochtones à s’expatrier. Le guitariste a alors troqué son instrument contre un tamani, un petit tambourin dont se servent les griots, qu'il frappe avec conviction.
« French Cancan (Monsieur Sainte Nitouche) » invite l’auditoire à investir le dancefloor. La foule reprend le refrain en chœur de ce tube qui a permis à cette artiste de se faire connaître. « Caroline » est une cover bien personnelle et surprenante de Mc Solar. Un bien bel exercice de style ! Le rappeur hexagonal Oxmo Puccino (NDR : également originaire du Mali) signe « Speeches ». Un titre engagé politiquement. Tout comme « Boat People », qui raconte l'histoire des migrants qui cherchent une meilleure existence, en fuyant la guerre, pour atteindre l’eldorado européen. « Going Home » clôt le set, une chanson qui parle de son retour au pays pour rendre visite à sa famille.
Elle revient cependant rapidement sur les planches, et accorde un très émouvant « Diaraby », dans un autre blues des sables chauds. Après la cover du « Buffalo Stance » de Neneh Cherry, le concert s’achève par la ballade « Kana Ta (Don't Go) », au cours de laquelle Inna Modja va s’autoriser un bain de foule. Et après avoir remonté sur l’estrade, elle nous dit simplement : 'A bientôt ! '. (Pour les photos, c’est là)
(Organisation : Ancienne Belgique)
Jupiter Bokondji est né en 1965, à Kinshasa, en République Démocratique du Congo. En compagnie de son groupe, Okwess International, il tourne sur le continent africain, dès le début des nineties. C’est au moment où il se forge une belle popularité, que la guerre civile éclate dans son pays. Pour échapper à la violence, certains membres du combo se réfugient en Europe, mais Jupiter, revient au bercail. Ce qui va accroître sa popularité. Ainsi, en 2006, il figure dans le documentaire ‘Jupiter’s dance’. Il attire alors l’attention des producteurs et musiciens occidentaux. Il est ainsi invité à participer à l’‘African Express tour’, en 2013 et publie son premier elpee “Hotel Univers”, en mai de la même année, aux Iles Britanniques, sous la houlette de Damon Albarn.
L’édition 2015 du Couleur Café a été marquée par une invasion de musique reggae et urbaine en tous genres. Heureusement, un vent frais est venu souffler sur le festival. Il a été apporté par Jupiter Bokondji et son Okwess International, grâce à un mélange entre tradition congolaise, funk, rock et soul issue des 70’s. Un style qu’il a baptisé ‘Bofenia rock’ et qui lui permet de dispenser des messages sociopolitiques engagés au gouvernement de son pays, mais également d’inciter ses concitoyens à mieux développer leur talent tout en exploitant au mieux leur potentiel. Et c’est en toute décontraction qu’il répond aux questions de Musiczine…
Okwess International, c’est un drôle de nom pour un groupe ?
Okwess est un mot kibunda, un dialecte parlé dans le Bandundu, une province de la République du Congo. Il se traduit en français par nourriture. Et cette bouffe est internationale.
Pour concocter ton album, tu as reçu le concours de Damon Albarn. Ce qui t’as aussi permis d’assurer la première partie de Blur à Paris et à Londres. Comment s'est opérée ta rencontre avec ce grand monsieur de la Britpop ?
C’est suite au documentaire cinématographique, ‘La Danse de Jupiter’ que j’avais réalisé. Les musiciens de Blur s’y sont intéressés et sont venus me voir au Congo ; et en même temps, ont voulu découvrir ce qui se passait sur la scène musicale. Nous étions alors en 2007 ; et c’est ainsi que tout a commencé…
Tu t’es produit au Roskilde de Danemark récemment. En fait, c’est la troisième fois que tu figures à l’affiche de ce festival. Une raison ?
C'est incroyable là-bas, les organisateurs sont très chauds à l’idée de nous inviter. Ils me contactent régulièrement. Peut-être aussi parce que j’apporte de la chaleur à leur programmation. En fait, j’y ai déjà participé à quatre reprises, dont une fois au sein du collectif 'Africa Express' (NDR : l’Africa Express a été fondé au Royaume-Uni en 2006 par Damon Albarn, le journaliste Ian Birrell et le producteur musical Stephen Budd). J’y ai vécu une formidable expérience. Elle m’a permis de rencontrer de remarquables musiciens et de me nourrir l’esprit...
Comment expliquer le succès de ton album, « Hotel Universe » ?
Sans doute, parce que le public ne s’attendait pas à écouter ce type de musique. Au Congo, il est passionné de rumba. Aussi, il imaginait sans doute que j’allais perpétuer cette tradition. Et j’ai ouvert la porte à un autre univers. Inédit. Qui suscite d’autres vocations. Tout en renouvelant la musique congolaise.
Dans ton pays, la nouvelle génération te surnomme le ‘Général Rebelle’. Une raison ? Es-tu devenu punk dans l'âme ?
Pas seulement ! On me baptise également 'espoir de la jeunesse' ou 'troubadour'. Je ne sais pas trop pourquoi. Peut-être parce que ma vision des événements est différente. Que je me suis rebellé contre les aînés. Il appartient à la nouvelle génération de réécrire l'histoire du Congo et celle de sa culture. Tout ce que nos parents ont raconté, c'est de la foutaise !
Te sens-tu proche de Staf Benda Bilili, Kasai All Stars ou Konono ?
Staf Benda Bilili sont des potes. Ils regardent vers le futur. Je leur ai filé un coup de pouce, parce que leur démarche est proche de la mienne. Qu’elle s’inscrit dans le cheminement que j’ai tracé. Quant à Kasai All Stars et Konono, ils jouissaient déjà d’une certaine notoriété avant moi.
L’évolution du Congo constitue-t-elle une source principale de ton écriture ?
Encore et toujours. Mais le Congo, c'est un monde nouveau et fertile. Pourtant, il n’est encore nulle part. Il est nécessaire de réécrire son histoire. J’y vis et je dispose de toutes les sources d’inspiration utiles et nécessaires pour y contribuer. La diversité du peuple congolais, c’est sa richesse…
Tu sembles apprécier la soul, donc les cuivres. Une raison ?
Ces instruments sont une valeur ajoutée à ma musique. Ils lui apportent du poids. A Kinshasa, 14 personnes militent dans mon backing group : section de cuivres, percussions et choeurs. Malheureusement, toute cette équipe ne m’accompagne pas en tournée, pour des motifs budgétaires. Je n’y emmène que six musiciens. C’est un problème, je l’avoue…
Ton père était diplomate en Allemagne. Tu y as donc vécu pas mal de temps. Ce n’est qu’en 1980 que tu es retourné dans ton pays natal. Tu sembles y avoir retrouvé rapidement tes racines...
En rentrant au Congo, je me suis intéressé à la musique traditionnelle. En Allemagne, j'écoutais James Brown, Jackson Five, Boney M et toute la production occidentale. En fait mon parcours est un peu bizarre. Dès ma tendre enfance, mon esprit a été rapidement imprégné de mysticisme ; car guérisseuse, ma grand-mère m’emmenait aux cérémonies. En revenant au pays, j'ai retrouvé, dans ma chambre, un tam-tam qu’elle m’avait laissé. Elle m’a ainsi transmis son pouvoir. J’ai commencé à en jouer, et c’est alors que ma vie a pris un nouveau tournant. Car ensuite, j’ai commencé à me produire lors des obsèques et des mariages. Mon père n’acceptait pas cette situation et a voulu me renvoyer en Europe. Alors, j’ai quitté la maison familiale et j’ai commencé à dormir dans la rue, les maisons abandonnées ou les immeubles en construction. Et même dans les demeures des défunts. C’est à partir de ce moment que j’ai entamé un long périple à travers le Congo, tel un enfant impatient de découvrir la musique traditionnelle. Au Congo, on compte plus de 450 ethnies. Et chaque ethnie est divisée en sous ethnies. Quand je suis revenu du Vieux Continent, j’étais aussi curieux qu’un petit blanc décidé à se documenter sur la culture congolaise. C'est ainsi que j’ai compris qu’elle était immensément riche et inépuisable.
Te sens-tu investi d’une mission ou te considères-tu simplement comme un explorateur de sons ?
J'ai une mission à remplir. Et je l’accomplis en me produisant à travers le monde. Il y a toute une génération qui me soutient. Ce qui me réconforte. Je n’ai pas voulu faire de la musique, c’est la musique qui m’a appelé…
Un artiste comme Peter Gabriel est parvenu à populariser la musique africaine et à lui donner une visibilité internationale. Comme par exemple lorsqu’il a lancé Youssou N'Dour. Que penses-tu de son initiative.
Tous les chemins mènent à Rome…
D’origine angolaise, le kuduro commence à récolter un certain succès en Occident. Est-ce un exemple à suivre ?
Je ne connais pas le kuduro ; néanmoins, un tel engouement me réjouit. Et je ne peux qu’encourager ce type d’initiative. Les racines du monde sont africaines. Je ne suis pas le seul à le penser. S’intéresser à sa musique traditionnelle est donc fondamental. Un acte qui reflète une pensée positive…
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