Kinky est un personnage très occupé. Jugez plutôt : compositeur, chanteur, chroniqueur et romancier, c’est également un homme politique. Il s'était présenté, dix ans plus tôt, au poste de Gouverneur du Texas. C'est pourtant à Chicago qu'il est né, il y a 71 ans. Il vit aujourd'hui à Kerrville, au Texas. Kinky compte, à ce jour, une dizaine d'albums à son actif ! En 1976, il a participé à la célèbre tournée de Bob Dylan, périple baptisé ‘The Rolling Thunder Revue’. Friedman est considéré comme un musicien de country ; on lui a même attribué le surnom de cow-boy juif texan! "The loneliest man I ever met" constitue son premier elpee solo, enregistré depuis plus de 30 ans. Outre ses propres compos, il reprend aussi bien Tom Waits, Willie Nelson, Merle Haggard, Johnny Cash, Bob Dylan que Warren Zevon. Lors des sessions, il a reçu le concours du guitariste Joe Cirotti et du pianiste Little Jewford…
L’elpee s’ouvre par le "Bloody Mary morning" de Willie Nelson. Une piste de country/folk qui nous entraîne à travers de vastes étendues texanes. Et c’est ce dernier qui se consacre à la sèche et chante en duo avec Kinky, alors que sa sœur, Bobbie, siège au piano. Kinky adapte une compo du ténébreux Tom Waits, "A Christmas card from a Hooker in Minneapolis". Il récite le texte face aux ivoires et à l'harmonica de Mickey Raphael. Sa voix est graveleuse tout au long du superbe titre maître de l’opus. "My shits fucked up" est l'une des dernières chansons écrites par le regretté Warren Zevon, peu de temps avant sa mort (NDR : il est décédé des suites d’un cancer des poumons, en 2003). Face aux cris plaintifs de l'harmonica et aux cordes acoustiques envoûtantes de Cirotti, la voix de Friedman est chargée d'émotion. Sa version du "Mama's Hungry eyes" de Merle Haggard est très réussie. Un morceau hanté par un harmo au bord du désespoir. Autres covers de titres folk : le "Pickin' time" de Johnny Cash ; et puis une version très réaliste du "Girl from the North Country" de Bob Dylan. De son répertoire, Kinky nous propose l’une ou l’autre ballade mélodieuse, à l’instar de "Lady Yesterday" et "Wild man from Borneo" ; et toujours dans un style qu’on pourrait qualifier d’authentique…
Derrière le patronyme Hiss Golden Messenger se cache M.C Taylor, un songwriter issu de la Caroline du Nord. Dans une vie antérieure, il militait au sein d’une formation de punk. En 2005, il décide de prendre la tangente pour retourner aux racines de la musique nord-américaine. « Lateness of Dancers » constitue le cinquième album de Hiss Golden Messenger, mais le premier publié sur l’estimable label Merge (Destroyer, Lambchop, Lou Barlow, …)
À travers ses 10 morceaux, M.C Taylor (entouré de musiciens chevronnés) nous permet de redécouvrir le terroir du pays de l’oncle Sam. Rien de très original dans cette démarche ; cependant, lorsque les mélodies et les sentiments sont au rendez-vous, les bonnes surprises s’ensuivent naturellement. Tout commence par deux morceaux de country pur jus : « Lucia » et « Saturday’s Song ». Le titre maître de l’opus est également un morceau sculpté dans le folk minimaliste. Un zeste d’électricité contamine « Mahogany Dread ». Le spectre de Dylan voire de Neil Young se met alors à planer. Il y a même une ballade balisée par un piano qui s’achève subtilement en crescendo (« Day O Day (A love So Free »). Sans oublier la touche de blues qui imprègne « Southern Grammar ».
En publiant « Lateness of Dancers », Hiss Golden Messenger nous envoie une carte postale musicale depuis les States. De quoi nous donner l’envie de se procurer un billet d’avion afin d’aller faire un tour du côté de la route 66.
Norvégien, Berdon Kirkaether est chanteur, guitariste, compositeur et producteur. Il a longtemps milité au sein du CIA, l'un des meilleurs blues bands locaux. Depuis, il a monté son groupe, The Twang Bar Kings, en compagnie de deux musicos issus de sa précédente aventure. Soit le drummer Roy Hanssen et le bassiste Stein Tumert. Le line up est complété par un autre gratteur, Erik Gabrielsen. Ce quatuor avait déjà publié un album en février 2014, "Latenighters under a full moon". Découpé en 4 pistes, "The Voodoo Sessions" réunit quatre morceaux immortalisés au ‘Down Under’ de Mjondalen. Nonobstant sa durée, cet Ep démontre tout le potentiel de cet artiste. Responsable d’une musique originale, il se révèle un guitariste créatif à la technique irréprochable.
La batterie de Roy Hanssen amorce "Mama roll over", une plage lente dont les accents blues sont entretenus par la succession de riffs rythmiques, alors que la guitare solo conduit la voix claire et inspirée de Berdon. Une gratte largement amplifiée, proche de la saturation mais parfaitement sous contrôle. Elle évolue progressivement avant d’explorer de nouveaux territoires, tout en affichant une maîtrise étonnante. Excellent ! Caractérisé par un riff réminiscent de Bo Diddley, "Some kind of voodoo" répercute de bien étranges sonorités. Même vocales. Sombres, poisseuses, elles macèrent au cœur des swamps humides de la Louisiane. Le chant est volontairement nonchalant. Les drums accentuent le climat angoissant. Le chant se fait volontairement paresseux. La batterie intensifie encore le climat d'angoisse, proche de l’épouvante ; et à travers cette transe hypnotique, les cordes flirtent avec le psychédélisme. Rock/blues, "Mad house" est issu de la plume de l'Anglais Robin Trower. Très ‘hendrixienne’, la version libère un feeling intense. Dépouillé, "When the Moon is on the rise" nous replonge dans une atmosphère ténébreuse. La guitare y réverbérant des échos parfaitement maîtrisés.
En 2008, Hokie Joint publie "The way it goes… sometime" sur le label hollandais Cool Buzz. Trois ans plus tard, le jeune groupe insulaire embraie par "The Music starts to play". Mais il splitte en 2013.
Trois membres du combo ont décidé de poursuivre l’aventure, sous un autre patronyme. En l’occurrence le chanteur Jojo Burgess, le guitariste Joel Fisk et le batteur Stephen Cutmore. Mais en y impliquant deux nouveaux musicos : le claviériste Warren Lynn et le bassiste Rob Barry. Lavendore Rogue signe neuf plages sur dix de ce "Light up with…"
Des accords ‘rollingstoniens’ familiers ouvrent "Dead man's chest". Très caractéristique, la voix de Burgess est écorchée. Le redoutable Joel Fisk s’autorise son premier envol, en manifestant énormément de panache, alors que l’orgue Hammond tapisse le décor sonore ; un orgue qui se révèle bien plus audacieux sur The maze", une compo, ma foi, fort originale. Jojo chante face au piano, l’indolent "Animal". Sa voix emprunte les inflexions de Bowie, alors qu’invitée pour la circonstance, Naomi Poole apporte une certaine solennité à l’ensemble, en se servant de son violoncelle, pendant que les cordes véhiculent des accents pop/rock. Tout aussi remarquable, la voix de Burgess illumine "Honey hunter", un morceau de prog/rock au cours duquel les cordes de Fisk montent autoritairement en puissance. Indolent, "Riot" baigne au sein d’un climat dramatique. La voix est grave, inquiétante, angoissée même. D’abord focalisé sur le piano électrique, Warren passe ensuite à l'orgue. Lavendore Rogue semble négliger la face blues/roots de Hokie Joint. Hanté par une slide, "Gangsters, thieves & vilains" constitue certainement l’exception qui confirme la règle. Dommage, car le band a suffisamment de maîtrise pour en explorer le genre. Empreinte de douceur, "A.S.A.D" est une plage balisée par les ivoires. Les vocalistes chantent le refrain de "Siesta Resistance" à tue-tête, un peu comme pour créer une transe, une piste bien plus nerveuse qui permet à la guitare de Joel d’être propulsée vers les sommets. Caractérisé par son riff ‘stonien’, "Tatoo" est à la fois accrocheur et entraînant. Excellent ! "Play it all night long" clôt l’elpee ; un morceau signé Warren Zevon. L’orgue amorce la plage. Avant d’opérer de superbes échanges avec la gratte. La voix de Burgess demeure cependant souveraine, tout au long de ce morceau au refrain captivant. Il serait sans doute intéressant de découvrir ce Lavendore Rogue en ‘live’ ; à mon humble avis, sa démarche doit se révéler bien plus roots…
Originaire du Massachusetts, Bob Margolin est âgé de 66 balais. Ce guitariste s’est surtout illustré en militant au sein du Muddy Waters Band, entre 1973 et 1980. En 1978, un DJ de Boston lui attribue le sobriquet de Steady Rollin'. C’est l’époque à laquelle il monte son propre blues band en compagnie duquel il tourne inlassablement. Il grave alors deux albums sur le label du guitariste Tom Principato, Powerhouse. En 1993, il signe au sein de l’écurie chicagoan notoire, Alligator. Il y publie trois elpees. Il transite ensuite successivement par Telarc et Blind Pig, avant d’atterrir, en 2012, chez le distributeur Vizztone. Il y enregistre "Not alone", en compagnie de la chanteuse/pianiste Ann Rabson, puis "Blues around the world", soutenu par le Mike Sponza Band. Après avoir passé près de 50 années sur les routes, Margolin voulait concocter une œuvre vraiment personnelle. "My road" en est une parfaite illustration. Un disque découpé en douze plages, dont huit ont été écrites ou co-écrites en compagnie de Steady Rollin' et quatre reprises. Lors des sessions, Bob n’a invité qu’un nombre limité de musiciens. Il se réserve la gratte et les vocaux et bénéficie du concours du drummer/chanteur Chuck Cotton ainsi que de l’harmoniciste/gratteur Tad Walter. Et la production est signée Michael Freeman.
Dès l’ouverture, "My whole life", le ton est donné. Un blues primaire, volontairement dépouillé, dominé par la voix de Margolin, alors que la six cordes s’infiltre entre un harmonica particulièrement torride et la batterie. Une voix qui s’impose à nouveau tout au long de "More and more", pendant que les interventions fragiles et tourmentées de sa gratte communiquent un bel éventail d’émotions. Les percus de Chuck impriment le tempo d’"I shall prevail". Un dialogue s'établit entre le chant et les cordes, au coeur d’un climat qui baigne dans le Delta. Bob chante en solo le blues tendre "Goodnight". "Understanding heart" nous plonge au sein d’une atmosphère sombre, étrange, dérangeante. Le bottleneck inocule un feeling métallique aux cordes. Et l’harmo de Tad accentue cette impression ténébreuse. "Low life blues" est imprimé sur un tempo plus enlevé. Un Chicago blues classique écrit par le regretté Sean Costello. Lumineux, l’harmonica est hanté par le grand Little Walter. Tad Walters se réserve une superbe intervention avant que Margolin le relaie d’une sortie nerveuse aux cordes. Bob et Chuck chantent à capella la cover du "Bye bye baby" de Nappy Brown. Très différentes, les inflexions sont quasi doo-wop, et sont exclusivement soutenues par des claquements de doigts et une musique à bouche. Un exercice de style vocal qu’on retrouve sur l’indolent "Ask me no questions", un Mississippi Blues rudimentaire, mais chargé de passion. Une passion qui contamine le tout aussi primaire "Young and old blues", malgré son assise rythmique plus énergique. Walters joue sa partie de basse sur sa guitare. Steady Rollin' profite du contexte pour produire son meilleur solo. "Feelin' right tonight" opère un retour au Chicago blues traditionnel ; un titre issu de la plume du vocaliste de rockabilly, Tex Rubinowitz. La sortie à l’harmo est particulièrement inspirée alors que les cordes flairent l’odeur de la poudre. "Devil's daughter" (Trad : la fille du diable) est une fort belle composition. Les tonalités de gratte dispensées par Bob sont soignées et empreintes d’une grande sensibilité. En finale, "Heaven Mississippi" nous ramène au cœur du delta, là tout avait débuté, non loin de Clarksdale et de Rollin' Fork. Margolin y adresse de multiples clins d'œil aux légendaires Robert Johnson et Muddy Waters, partenaires d'une époque désormais lointaine. Un excellent album pour Bob Margolin!
Issu de l’Oklahoma, The Turnpike Troubadours pratique une forme de country baptisée ‘Red Dirt’, un style marqué par le folk de Woody Guthrie et le honky tonk de Waylon Jennings. Eponyme, son nouvel opus fait suite à "Goodbye Norma street", paru 2012. Le band est drivé par le chanteur/guitariste Evan Felker. Il implique également le bassiste R.C Edwards, le violoniste Kyle Nix, le guitariste Ryan Engleman et le drummer Giovanni Carnuccio.
Dès le premier morceau, le violon baigne au sein d’une musique country agréable, conduite par la voix de Felker. Amplifiée, la gratte s’intègre parfaitement à la section rythmique. Plus enlevé, "The Mercury" macère au sein d’une atmosphère plus rock. Dans un registre ‘Red Dirt’, Engleman tire son épingle du jeu aux cordes, des cordes qu’il maîtrise impeccablement. Caractérisé par ses sonorités métalliques, la lap steel balaie "Down here", alors que le violon virevolte autour de la mélodie. Si les compos souffrent d’une certaine uniformité, elles se révèlent d’excellente facture. A l’instar de "Time of day". Mais surtout de "Ringing in the Year", une plage soulignée de superbes harmonies vocales ; un titre abordé dans l’esprit des combos ‘alt country’ contemporains. Tout au long de "Long drive home", "7 oaks" et du lumineux "Easton & Main", on assiste à des échanges de haut vol entre la lap steel, la guitare et le violon. Rien que du bonheur! "Doreen" est lancé comme un cheval au galop par le violon ; une reprise du groupe texan, the Old 97's. "Fall out of love" est une ballade douce et paisible. "Bossier City" clôt l’elpee. Une nouvelle version de la plage éponyme du premier long playing de The Turnpike Troubadours. Paru en 2007, ce disque a donné le nom au label du band. L’adaptation est nerveuse. Bien soutenue par une solide rythmique, l’accordéon et le violon tirent parfaitement leur épingle du jeu.
Zazie penche dangereusement…
La carrière musicale de Zazie est à l’image de la pochette de son dernier et neuvième opus ; elle penche dangereusement au point de donner l’impression d’une chute prochaine !
Tout au long de sa riche carrière, la belle n’a toujours pas proposé de titres formatés pour la critique et elle l’assume complètement ! Après tout, doit-elle encore aujourd’hui prouver quoi que ce soit ?
Après nous avoir gratifié d’une ribambelle de tubes comme "Larsen", "Zen", "Un point c'est toi", "Rue de la paix", "Rodéo", "J'étais là" ou "Je suis un homme", quoi de plus naturel de penser que la liberté artistique emprunte des chemins sinueux conduisant vers des choix surprenants et risqués !
Composé entre Santorin et Paris, en passant par la Provence, l'Islande et la Bretagne, en compagnie de Philippe Paradis, son collaborateur depuis 2004, ainsi que la musicienne et productrice Edith Fambuena (Alain Bashung, La Grande Sophie), « Encore Heureux » fait sans nul doute partie de cette trempe là : intéressant, paradoxal et peu convenu !
Intéressant parce qu’indéniablement, la chanteuse y affiche un sens irréprochable de l’écriture ! Sa plume est incisive et dénonce régulièrement les travers contemporains d’une société en perte de vitesse. Des mots pour combattre des maux en quelque sorte ! Elle est à l’aise tant dans la rigidité et l’austérité des termes que dans leur rythmique. Au détriment du sens parfois !
On la sent, ici, parfois un peu affable dans l’exposé des thématiques. Lorsque, jadis, elle abordait le féminisme ou encore l’écologie, elle pouvait devenir méchante, arrogante, voire mordante. Aujourd’hui, elle peine à montrer les dents !
Ses vingt années de carrière s’essouffleraient-elles au point de s’exposer bêtement dans une émission de télé crochet sur une grande chaîne télévisée pour adolescents boutonneux avides de sensations mollassonnes ?
Paradoxal, car Zazie a connu de nombreux succès commerciaux ‘addictifs’. Elle aurait pu assurer sur la continuité et proposer un projet populaire et convenu ! En lieu et place, elle a opté pour une politique d’autosatisfaction quitte à proposer des titres moins conventionnels pour une diffusion radiophonique !
Peu convenu, enfin, parce que l’absence de fil conducteur et la pluralité des sujets abordés désarçonnent un peu ! Elle y parle en substance de tolérance, de la condition féminine, de la folie des hommes. Sans oublier de l’amour et ses dérives bien évidemment. Comme d’habitude !
Même l'hommage à la tragédie Charlie Hebdo, "I Love You All", peine à convaincre ! Elle y dénonce par procuration et sans réelle conviction un intégrisme gangréneux ! Chacun jugera !
Est-ce le retour raté de l’année ? Pas vraiment ! Le disque est relativement de bonne facture et recèle de bonnes plages comme le morceau maître, « Pise », ou encore l’ersatz religieux dans sa sonorité « Adieu tristesse ».
Les arrangements sont délicatement et brillamment orchestrés. La voix éraillée de Zazie fait toujours mouche (mais pour combien de temps encore ?) et glisse ou crisse en fonction des chansons.
Au final, on se laisse bercer par la musicalité des compos…
A quand la suite ?
Racine Congo est né quelque part entre Mons et Bruxelles. Si le band reconnaît pour influence majeure le reggae, il ne se contente pourtant pas de reproduire les clichés de la musique jamaïquaine. Car il s’inspire également de la chanson française. Et notamment à travers les textes, interprétés dans la langue de Voltaire.
Pour réaliser ce premier elpee, les musicos ont travaillé dur. Pendant plus de 2 ans. Ils ne sont ni noirs, ni albinos, mais blancs ; même s’ils ont l’âme aventureuse. Ils préfèrent Kingston et Kinshasa, mais résident à Bruxelles, la capitale multiculturelle par excellence.
Le line up réunit Baptiste De Reymaeker (chant, guitare, percus, trompette), Simon Danhier (accordéon, melodica, choeurs) et Thibaut Nguyen (basse, chœurs). Lors des sessions d’enregistrement, le trio a reçu le concours de Raf Debacker (basse) Lorenzo Di Maio (guitare électrique) et Charlotte Danhier (violoncelle). Donc pas de drummer. Un choix, ma foi, original. Eponyme, le long playing est découpé en 8 plages.
Illuminé par l’accordéon et le mélodica, « 1 000 Follies » agrège reggae (des années 60 et 70), jazz, soul, funk et chanson française (Brassens et Mathieu Bogaert). Quand on fait des choix dans la vie, on reste fidèle à ses engagements. Parfois, on a envie de casser les codes pour emprunter un autre chemin, pourtant jusqu’alors tracé. Pour bien vivre, il faut manger. Ce qui coûte cher. Parfois aussi, on a aussi envie d’aller vivre dans une grande ville, de s’immerger dans son ambiance afin de découvrir sa scène musicale. Celle de New York, par exemple. Ou alors on préfère s’isoler, tel un ermite au fond d'une forêt…
« 1789 » nous parle de rupture. « Armageddon » se réfère à l’univers biblique, un concept dont se réclame souvent les disciples du reggae. De quoi tracer un parallèle entre Babylone et notre société contemporaine. Qui se dirigerait droit vers l’Apocalypse. Pour la circonstance, les lyrics se servent des codes du reggae, alors que ses porte-parole ne portent pas de dreadlocks. Un Babylone encore comparé à l’« Etat », où la liberté se gagne et se conserve en dépit des lois établies…
Un SDF de l’amour porte sa « Caravane » sur le dos, comme un escargot…
Jolie ballade, « Lune » procure un peu d'espoir et de lumière.
« Police » relate un incident survenu lors d’une manifestation pacifiste. C’était à la Place Flagey. La pression exercée par le service d’ordre était conséquente, alors que les jeunes ne revendiquaient qu’un petit espace de parole. De quoi mettre mal à l’aise les artistes. Et ils ont voulu répercuter cet événement à travers une chanson aux textes militants et au refrain accrocheur…
« Sex Appeal » évoque l’histoire d’un mec qui est plein aux as. Il est fasciné par le porno facile. Il se paye une prostituée et se rend compte que sans sentiment, il n’y a pas d’amour possible…
Whocat est une formation issue de Bruxelles. Elle réunit Sara Moonen (chant), Benoît Minon (guitare) Davy Palumbo (drums et percus) et Joris Lindemans (contrebasse). Ce dernier est sans doute le plus expérimenté, puisqu’il a notamment milité chez Sara So far, Sweet Jazz Orchestra, Parbleu et Jens Maurits Orchestra.
Sarah possède une voix de diva. Une voix veloutée, atmosphérique qui évoque tour à tour celle de Véronique Jacquemein (Annarbor) ou de Dani Klein. Captivant, l’univers sonore de Whocat oscille librement entre jazz, pop, funk et nu soul. Les compos ne manquent pas de groove et les mélodies sont très souvent contagieuses.
Des percus attaquent en force « Two Steps Back » Et si la gratte s’autorise l’une ou l’autre envolée vaporeuse, la contrebasse communique un aspect plus lyrique voire même mélancolique à la compo.
Un quatuor à cordes berce « Lady », une plage douce et mélancolique. La gratte adopte un profil prog/rock. Et le timbre vocal se teinte de soul. Une chanson qui évolue dans un registre proche de Gabriel Rios.
« Fishy Five » est dynamisé par des percus tribales. Un titre jazzy/pop (Everything But The Girl ?) dansant au cours duquel la contrebasse finit par devenir obsessionnelle alors que la guitare emprunte à Carlos Santana.
Laurent Blondiau canalise de sa trompette « Citizens », un titre qui ne manque pas de charme. Tout aussi dansant, il semble émaner d’un mix entre funk, hip hop et jazz.
Le titre maître opère un retour au calme, même si la fin de parcours est dynamisée par les accords de gratte.
Et « Speaking Is Silver », le titre le plus long du long playing, clôt cet opus, une piste visionnaire qui parle d’argent, alors que le silence est d’or…
A peine un an après sa dernière visite, Steven Wilson est de retour chez nous ; et pour la circonstance à l'Ancienne Belgique de Bruxelles. Le Britannique revient auréolé du succès de son dernier opus : « Hand. Cannot. Erase », qui a dépassé les ventes de toutes ses autres plaques, y compris celles réalisées par son précédent groupe, le légendaire Porcupine Tree. Dans ses bagages, il nous apporte un tout nouvel Ep : « 4 1/2 ». Ce disque réunit des compositions qui n'avaient pas trouvé grâce sur les deux elpees précédents, ainsi qu’une reprise d'un titre de Porcupine Tree.
Il y a quatre ans, Steven Wilson s’était produit dans une Ancienne Belgique en configuration 'Box', soit sans gradins ni balcons. Ce soir, par contre, la salle est en configuration maximale et le concert est sold out. On mesure le chemin parcouru par le 'King of Prog' ; et on doit reconnaître qu’il a réussi son pari : faire évoluer sa musique, gagner de nouveaux aficionados, sans perdre trop de fans originels de Porcupine Tree, déçus par le côté nettement moins prog/metal des nouvelles productions.
Avant le début du concert, une playlist très orientée 'dark ambient' installe une atmosphère sombre et recueillie. On reconnaît le célèbre instrumental « Warzawa », de David Bowie, dont la mort a profondément affecté Wilson. Le concert commence par la projection du court-métrage qui met en scène le thème de « Hand. Cannot. Erase. » : la solitude dans les grandes cités. Les artistes prennent place sur le podium et attaquent l'interprétation complète de ce brillant concept album. Wilson est accompagné de son fidèle bassiste, Nicky Beggs (ex-Kajagoogoo, Steve Hackett) et du claviériste Adam Holzman (NDR : il a côtoyé Miles Davis). A leurs côtés, deux nouveaux venus : le guitariste Dave Kiliminster (NDR : il a participé à la tournée 'The Wall' de Roger Waters) et le batteur Craig Blundell (NDR : un musicien de sessions).
« First Regret » ouvre le set tout en douceur. Adam Holzman dessine de savantes arabesques sur ses claviers ; de quoi nous transporter au cœur d’un univers onirique. Le riff de guitare de « 3 Years Older », très inspiré par Rush, tranche dans le vif. S'en suit un tour de force de 10 minutes, où alternent moments doux, jazzy, voire même folk, et envolées endiablées de prog/rock. Un véritable patchwork d'influences évoquant King Crimson, Pink Floyd, Camel, Yes, Rush, Todd Rundgren (Utopia) et autre Van der Graaf Generator. Steven Wilson est pieds nus, suivant son habitude. Il a toujours son éternel look d'étudiant de fac. Planté au centre de l’estrade, il joue au chef d’orchestre au sein de son supergroupe. Il passe de la guitare électrique à la sèche, stimule en permanence ses musiciens ; et parfois, sans instrument, souligne les impulsions majeures de l’expression sonore.
Après « 3 Years Older », Wilson salue la foule et précise qu'il apprécie son enthousiasme. ‘Je ne suis pas fâché d'en avoir fini ma tournée allemande’, confie-t-il. ‘Le public y est, disons, très réservé...’ Poursuivant sur un ton très 'tongue in cheek', il explique que la première partie du concert privilégiera son dernier LP ; et que, dans la seconde partie, il y réservera, ... ‘ces autres choses...’ On devine qu'il se réfère aux titres de Porcupine Tree, que ses plus anciens fans réclament avec insistance, à chacun de ses concerts.
Mais place, d'abord, à la plage titulaire de « Hand. Cannot. Erase », qui évoque à nouveau Rush, période « Hold Your Fire ». Changement de style ensuite : la batterie très ‘trip-hop’ sert de toile de fond à la voix féminine (en play-back), qui cite Dead Can Dance et de This Mortal Coil, avant que Wilson ne prenne le relais en interprétant cette mélodie toute simple et émouvante à souhait : ‘We have got, We have got a Perfect Life’. Et les harmonies vocales tissées par Nicky Beggs sont étonnantes.
‘Etes vous prêts à descendre dans les profondeurs de la misère et du désespoir ?’, demande Wilson, un sourire en coin. Avant d’aborder « Routine », sans doute la chanson la plus noire du musicien. Malheureusement, la vocaliste israélienne Ninet Tayeb est absente (shabbat oblige). C'est donc une bande qui répond à Wilson : dommage, car on se réjouissait de vivre leur duo sur scène. Le superbe clip d'animation réalisé par Jess Cope est diffusé sur l’écran vidéo. Et il est superbe. Un grand moment !
« Home Invasion » marque un retour au rock orienté jazz/prog, pour le plus grand bonheur des inconditionnels de la première heure. « Regret #9 » permet à Adam Holzman d’étaler toute sa virtuosité sur son clavier Moog. Pensez à Happy The Man, ce groupe américain injustement sous-estimé, auquel Holzman voue une grande admiration. Dave Kiliminster prend le relais pour un solo plus orienté rock mais tout aussi impressionnant. C'est enfin Wilson lui-même qui clôture la composition tout en douceur sur les cordes de sa Paul Reed Smith.
Après avoir présenté ses musiciens, en manifestant, à nouveau, un humour très espiègle, Wilson introduit « Transience », un titre qui aurait mérité sa place sur un des premiers elpees de Genesis. Tant les arpèges à la guitare acoustique que les mélodies vocales rappellent clairement « Selling England By The Pound ». Pendant l'excellent « Ancestral », le public scande des ‘hey’, pour répondre aux musicos, un peu à la manière des Espagnols, quand ils crient ‘Olé’, lors des corridas. Funny ! Enfin, « Happy Returns / Ascendant Here On… » reprend le thème musical initial du concept album et referme la première partie du spectacle de façon très solennelle. Et c'est Adam Holzman qui clôture en solo, au piano. Superbe !
Après une courte pause, le band est de retour ; et, très bonne surprise, c'est pour exécuter un titre de Storm Corrosion, « Drag Ropes ». Wilson s'acquitte brillamment des parties vocales dévolues sur disque à Mikael Åkerfeldt (Opeth). Et on n’est pas au bout des bonnes surprises. A l’instar d’« Open Car », un des meilleurs titres de Porcupine Tree. Les réactions démontrent à nouveau l'attachement exceptionnel du plublic à cette formation qui a si profondément marqué. En interview, Steven Wilson a d'ailleurs précisé qu'il est toujours possible que le groupe se reforme le temps d’un album ; mais ce ne sera qu'une parenthèse, car c'est à sa carrière solo qu'il accorde désormais sa priorité.
Place ensuite au premier extrait de « 4 1/2 ». Wilson précise, en le présentant, qu'il a estimé utile de sortir ce mini album pour donner une chance à ces compositions 'orphélines' et, également, afin d'ajouter de nouveaux titres au répertoire de la tournée. Il ajoute : ‘Je fais comme les groupes des années '70-'80, qui publiaient un album par an. Aujourd'hui, certains, comme Tool, n’en sortent qu’un tous les 10 ans’. Rires dans la salle. Et ce « My Book of Regrets » tient parfaitement la route dans la discographie, déjà très riche, du musicien anglais.
Un claquement de doigts, imprimé en cadence, amorce « Index », un des titres de Steven préférés de votre serviteur. Tiré de « Grace For Drowning », il illustre une période plus 'dark', hantée par les serial killers et balayant un spectre musical plus obscur, davantage hypnotique. « Lazarus », une autre reprise de Porcupine Tree, procure une excellente occasion à Wilson de rendre hommage à David Bowie : en effet, une plage s’intitule également « Lazarus » sur « Black Star », l'oeuvre testamentaire de Bowie ; et ce qui est étonnant, remarque Wilson, c'est que le personnage de 'sa' chanson « Lazarus » s'appelle... David ! Il y a de ces (L)hasards... (hum...)
Lorsqu’un voile transparent est tendu entre le podium et l’auditoire, c'est pour mettre en scène « Vermillioncore », un nouvel extrait de « 4 1/2 ». Cet instrumental se distingue surtout par les passages plus 'heavy', qui permettent aux 'metal heads' de pratiquer un peu de 'headbanging'. Le dernier morceau du concert est particulièrement bien choisi : « Sleep Together », un autre chef d'oeuvre de Porcupine Tree, issu de « Fear of a Blank Planet », sans doute le meilleur opus du défunt combo. L'intro, très dark électro, lorgne vers Nine Inch Nails et le refrain provoque une véritable explosion : ‘Let's sleep together... Right now’. Difficile de ne pas faire d’analogie entre ce refrain et celui de « Sweet Harmony » de The Beloved... Sans doute une coïncidence. La progression finale de la compo est irrésistible et mène inexorablement vers un orgasme sonore final aux accents 'kashmiresques', le tout ponctué par l'effondrement, très théâtral, du voile transparent. Un final époustouflant...
En rappel, Steven Wilson ne joue pas la reprise de « Space Oddity », à nouveau en raison de l'absence de Ninet Tayeb. Par contre, on a droit à une tout dernière reprise de Porcupine Tree : « The Sound of Muzak » ; et, en point d'orgue idéal, « The Raven that Refused to Sing », probablement la plus belle composition de Steven Wilson. Assis sur un tabouret, il chante cette mélodie déchirante, rehaussée par la superbe vidéo d'animation de Jess Cope. On n’entend pas une mouche voler tout au long de cette chanson qui vous flanque la chair de poule. Le son quadriphonique renvoie des effets provenant des quatre coins de la salle, pour une expérience musicale totale. ‘I'm afraid to wake... I'm afraid to love...’
En conclusion : un superbe concert, parfait à tous points de vue : son, lumières, vidéos, contact et bien sûr... les chansons. Steven Wilson appartient incontestablement à cette catégorie de génies polyvalents, au même titre que les Bowie, Reznor et autre Yorke, qui ont marqué d'une empreinte indélébile la musique 'indie' contemporaine. On est impatient de découvrir ce que le 'Wilson King' nous réserve dans le futur... En tout cas, ce soir, on a bel et bien assisté à son sacre...
Setlist :
Set 1 : album Hand. Cannot. Erase.
First Regret
3 Years Older
Hand Cannot Erase
Perfect Life
Routine
Home Invasion
Regret #9
Transience
Ancestral
Happy Returns
Ascendant Here On...
Set 2
Drag Ropes (Storm Corrosion cover)
Open car (Porcupine Tree cover)
My Book of Regrets
Index
Lazarus (Porcupine Tree cover) (Dedicated to David Bowie)
Don't Hate Me (Porcupine Tree song)
Vermillioncore
Sleep Together (Porcupine Tree cover)
Encore
The Sound of Muzak (Porcupine Tree cover)
The Raven That refused to sing
(Organisation : AB + Live Nation)
De son véritable nom Jamison, Teen Daze est canadien. Issu de Vancouver, en Colombie Britannique, très exactement. A son actif quelques singles (NDR : « Célébrer », son dernier est sorti en décembre dernier), Eps et trois elpees, dont le dernier, « Morning World », remonte à août 2015. Son électro se sert paradoxalement de l’instrumentation organique (arrangements de cordes surtout), une expression sonore destinées à faire danser, et sur laquelle il pose sa voix éthérée…
Il n’y qu’une soixantaine de personnes dans l’hémicycle, lorsqu’il débarque sur l’estrade pour entamer son set. Un set au cours duquel il jongle entre ses platines et machines magiques.
Un DJ qui remue et chante en même temps, ce n’est pas courant. Et ce l’est encore moins quand il parvient à faire danser son auditoire. L’aspect mélancolique de ses compos est souligné par les sonorités de violons, de harpe, d’ivoires ou de grattes, à l’instar de ce fameux single atmosphérique « Célébrer ». Des images défilent dans votre tête. Celles des grandes étendues qui peuplent le Canada. Grandes plaines, prairies, forêt boréale, grands lacs… que l’on imagine recouverts de neige. D’ailleurs sa musique pourrait servir de bande sonore à un documentaire qui traite de ces thèmes. Parfois, le spectre de Marie-Pierre Arthur se met même à planer. Encore que son humour, son sens de la dérision et sa bonne humeur, qu’il dispense avec un accent si caractéristique, évoquent plutôt Lisa Leblanc. Pourtant, les compos de Jamison incitent aussi à danser. A cause de ces beats électro qui vous remuent les tripes. Et votre serviteur a fini par succomber à la tentation. Comme s’il avait retrouvé ses jambes de l’adolescence… Stupéfait ?
(Organisation : Le Botanique)
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Il y avait un petit temps que votre serviteur s'était rendu au Magasin 4. Pas moyen de trouver un emplacement de parking. Il y a des festivités à Tour et Taxis. 25 minutes à tourner en rond afin de dénicher –enfin– mon bonheur, à un petit kilomètre de l'institution.
Ce soir on fête les 40 années d’existence de UK Subs. Mais aussi de la musique punk. C’est en 1976 que cette formation insulaire est née. Happy birthday ! Et ils vont nous le démontrer ce soir, les papys du rock sont toujours bien verts. En supporting act, sont programmés The Dyson’s ainsi que TV Smith. En février 2015, UK Subs et TV Smith avaient déjà squatté les planches du même endroit. Place donc aux retrouvailles !
En débarquant au Magasin 4, je constate que la salle est presque sold out. The Dyson's est sur le point d’achever son set. Donc difficile de relater quoi que ce soit de leur prestation. Ce sera –peut-être– pour une autre fois…
TV Smith embraie. Un autre vétéran. Il est uniquement armé d’une gratte semi-acoustique pour accompagner son chant. TV Smith, c’est le projet solo de Tim Smith, le fondateur de The Adverts, un autre combo punk insulaire qui a sévi entre 1976 et 1979.
Pas de setlist. L’artiste l’improvise son répertoire. Il a une solide voix et propose des covers de son ancien band ainsi que des standards du punk. Etonnant, on a parfois l’impression qu’il est soutenu par un backing group. En fait, il est capable de reproduire sur sa gratte, les sonorités de différents instruments. En outre, il arpente le podium de long en large. Et judicieusement. Balaise le mec !
UK Subs est un des précurseurs du mouvement punk insulaire qui a marqué l’histoire du rock. Portant haut le flambeau de cette révolution musicale, à l’instar de Sham 69, Stiff Little Fingers, The Vibrators, Eddie And The Hot Rods ou les Sex Pistols, il est un des rares survivants à ne jamais avoir cessé d’accorder des concerts, en quatre décennies d’existence ; même si ses gros succès, il les récoltés à ses débuts, en publiant des brûlots comme « Warhead», « I Live In A Car » ou « Tomorrow's Girls ».
Agé de 72 balais, Charlie Harper a toujours bon pied bon œil. Ce chanteur charismatique a pris un peu de poids, mais en ‘live’, il est toujours aussi alerte. Cheveux verts assortis aux branches de ses lunettes, il arbore fièrement les couleurs du punk. Alvin Gibbs se charge de la basse. Ex-membre du backing group d’Iggy Pop, il a rejoint le band en 1980. Le line up est complété par le guitariste Jet et le drummer Jamie Oliver.
Le set s’ouvre par « Young Criminals », un morceau issu du premier elpee. Les mauvais garçons sont de retour. Charlie harangue la foule et tout particulièrement les premiers rangs. Sa voix est rageuse. Il se penche parfois même dangereusement au-dessus de leurs têtes, parmi lesquelles on remarque la présence de quelques barbus (bedonnants), mais surtout de nombreuses crêtes. Des individus à qui il manque, très souvent, quelques dents. C’est clair, ça va déménager aux avant-postes. Aussi votre serviteur décide de battre en retraite jusque la table de mixage, où les spectateurs sont plus paisibles. Les tubes ne sont pas bien sûr pas négligés, mais –et c’est étonnant– pas de trace du dernier opus. Rien que des anciennes compos. Enfin presque. Une exception qui confirme la règle, « I've Got A Gun », disponible sur la toile, depuis peu. Charlie lève le micro bien haut en signe de victoire. Pour alimenter le souk, ‘crowd circles’ et pogos se succèdent. Quelques audacieux tentent de monter sur le podium ; mais la sécurité veille… Au bout de 60 minutes, le groupe tire sa révérence. Un peu court, mais manifestement UK Subs a toujours la pêche, même si la nostalgie du passé doit hanter ses nuits… Enfin à sa décharge, sur ordre de police, les concerts doivent s’achever à 22 heures. De quoi, quand même, rester sur sa faim.
Setlist : « Young Criminals » / « You Don'T Belong » / «Left For Dead » /« Rockers » /« Down On The Farm » /« Hell Is Other People » /« Monkeys » / « Emotional Blackmail » / « Barbie's Dead » / « Limo Life » / « Bitter And Twisted » / « I've Got A Gun » / « Fear Of Girls » / « Suicidal Girls » / « Tomoroow's Girls » / « Warhead » / « Riot » / « Strangle Hold ».
(Organisation : Magasin 4)
La dernière visite de Lura à l'Ancienne Belgique remonte à 2010. A l’époque, Maria de Lurdes Pina Assunção (NDR : c’est son véritable nom) et Bai Kamara Jr partageaient la même affiche. En débarquant au guichet de l’AB, une affiche ‘Sold out’ a été placardée. Franchement, l’artiste aurait pu remplir la grande salle. La diaspora africaine est peu représentée, mais celles et ceux qui sont venus vont mettre le souk.
Lura est née à Lisbonne en 1975. C’est à l’âge de 17 ans qu’elle participe à l’enregistrement d’un album de Juka. Comme choriste, même si elle finira par chanter en duo avec le chanteur zouk. En 1996, elle enregistre son premier elpee, « Nha Vida ». Depuis, elle en a fait du chemin. Elle a ainsi notamment bossé en compagnie de Bonga, Tito Paris et Paulo Flores. Puis chanté « Morna », dans le film 'Fados' de Carlos Saura. Partagé un duo auprès de la déesse aux pieds nus, Cesarai Evora, pour « Moda Bô ». Et a été nominée en 2006 lors des BBC Awards, dans la catégorie ‘musiques du monde’, comme ‘espoir’, pour son album « Di Korpu Ku Alma ». Lura chante la musique traditionnelle du Cap-Vert, comme le morna, le funana et le batuque, des styles fortement influencés par les musiques africaines et contemporaines.
Le set débute à 20h35. Sur les planches, un imposant piano à queue occupe une bonne partie de l’espace. Il est planté juste derrière un synthé. C’est Tony Viera qui va se charger des claviers et des ivoires. Et Valentino Ramos, des drums. Le line up est complété par Ivan Medina –bonnet enfoncé sur le crâne– à la guitare et Thierry Fanfan à la basse. Ils sont assis sur des tabourets surélevés.
Lura est vêtue d’une robe à fleurs et chaussée de souliers à hauts talons de couleur jaune. Dès le début du set, Lura lève le doigt à plusieurs reprises pour signaler un problème de retour. L’ingé son se rend compte que le deuxième diffuseur n’est pas branché. Bref, après un moment de stress ponctué par quelques éclats de rires, le show peut démarrer.
Le concert s’ouvre donc par « Di Undi Kim Bem », un extrait du nouvel opus « Herança ». Percus et filet de gratte acoustique alimentent cette complainte qui traite de l'exil. Une guitare qui prend le pas sur ces percussions tout au long de « Mantenha Cudado » et « X Da Questão », deux chansons écrites par Mario Lúcio, le Ministre de la Culture de la République du Cap Vert. Et elles baignent dans une atmosphère de samba brésilienne. « Mamba' Des Bes Cumida Da » est davantage dansant. La voix de Lura est à la fois grave et voluptueuse. Thierry fait corps avec sa basse. « Moda Bô » suscite le recueillement. En fermant les yeux, on a l’impression de se retrouver face à la regrettée Césaria Evora. Nouvelle compo, « Sema Lopi » nous entraîne au Cap Vert. La ‘six cordes’ est omniprésente tout au long de ce morceau au cours duquel Lura retrouve ses véritables racines. Tony tapisse d’abord l’ensemble de ses ivoires avant de dispenser des sonorités d’accordéon à l’aide de son synthé. Place ensuite à « Herança », le titre maître du dernier elpee. Il s’agit de la plus longue plage de ce disque. Ce qui va permettre à chaque musicien d’exécuter son petit solo, Valentino se réservant le dernier, en se déchaînant sur ses fûts. La jolie créole se déhanche sensuellement. Elle joint le geste aux paroles et incite régulièrement les premiers rangs à frapper dans les mains. Chantés en créole, « Dze Q Dzê » et « Narina' » sont repris en chœur par l’auditoire. « Maria Di Lida » est un morceau endiablé. Du batuque au cours duquel la féline entame sa danse guerrière. Elle vire même ses chaussures pour être plus à l’aise. Et c’est au sein de cette frénésie que « Somada », « M Bem Di Fora » et « Goré » achèvent le concert.
Lorsque Lura revient pour le rappel, un refrain en créole émane du fond de la salle. Le reste de l’auditoire embraie. Lura également… elle nous réserve alors « Nha Vida » et termine sa prestation par un morceau de funana, « Sabi Di Más ». Un voyage paradisiaque au cœur des îles capverdiennes vient de s’achever…
(Organisation : Ancienne Belgique)
The Mighty Yaya est une formation batave qui pratique un mélange de garage, de stoner et de blues. Le line up réunit le chanteur/guitariste Louis van Empel, l’harmoniciste Aart van der Wulp, le bassiste Harmen de Bresser et le drummer Gabriël Peeters. La musique de ce quatuor est chargée de références qui oscillent de Tom Waits à John Lee Hooker, en passant par King Crimson, Arthur Lee (Love) et… l’afro beat. "Magnum Sonus" constitue son second elpee, il fait suite à un opus éponyme, paru en 2012.
"Prosodick" ouvre la plaque. Des bruitages étranges semblent nous entraîner dans une forme de space rock. Impression corroborée dès "Something real". Répétitifs, puissants, les motifs rythmiques rappellent le Hawkwind originel. "Come on" aurait pu figurer au répertoire de Howlin’ Wolf. Un blues lancinant, hypnotique, particulièrement électrique, au cours duquel l’harmo parvient néanmoins à se frayer son chemin. Et au cœur de cet univers sonore implacable, oppressant, la guitare de van Empel finit par se désarticuler –lentement mais sûrement– pour emprunter un itinéraire psychédélique. Peeters accélère frénétiquement le tempo de "Give it to me". Particulièrement acides, les cordes sortent des sentiers battus et nous entraînent dans l’univers du Jefferson Airplane. Le spectre de Jorma Kaukonen plane… Et le titre est tellement bien torché, qu’il en devient impressionnant. Même s’il s’intègre parfaitement dans l’ensemble, l’harmonica libère des tonalités étranges. Plus sombre, "Tell it like it is" trempe dans le Delta. Les différentes lignes de basse tracées par Bresser conduisent ce garage/blues musclé, dominé par la voix. Des percus primaires alimentent "Razzmatazz". Blues nerveux mais efficace, "Your dog no more" est chargé de passion. Louis torture ses cordes. Gabriël défonce ses fûts. Et Aart souffle comme un possédé dans son frêle instrument. Des vocaux volontairement graves envahissent "Ardor & Passion", un stoner rockin' blues puissant. "Got it bad" nous propose un nouveau trip transique, psychédélique, au sein duquel l'harmoniciste trouve bien évidemment sa place! Country & western mélodieux balayé par de délicieux accords de gratte réverbérés, "No place to go" nous entraîne sur les pistes poussiéreuses du Sud-ouest des States. Nouveau changement de décor pour le morceau final, "Matter of love". Enfin, la boucle semble bouclée, car ce rock en revient aux sonorités du début de l’opus. Les arrangements sont même somptueux. Une œuvre à la fois impressionnante et particulièrement originale.
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