Et nous retrouvons ici la Blues Caravan du label Ruf en 2014, lors d’un concert enregistré à la salle ‘Harmonie’ de Bonn, en février. Cette tournée assurait la promotion de trois artistes, deux hommes, Laurence Jones et Albert Castiglia et une femme, Christina Skjolberg. Une représentation très internationale! Laurence Jones est un jeune espoir du blues anglais ; il n'a que 23 ans et a représenté son pays en mars, lors de l'Euro Blues Challenge qui s’est déroulé à Bruxelles. Albert Castiglia a 45 balais. Originaire de New York, il s’est établi à Miami. Jeune, jolie et blonde, Christina Skjolberg est norvégienne. Tous trois chantent et jouent de la guitare. Live, ce « Blues Caravan 2014 » est paru sous la forme d’un cd et d’un dvd. Mais les supports sont sensiblement différents. Ce qui fait leur intérêt. Les trois musicos avaient déjà enregistré pour le label allemand. Lors de ce concert, ils ont reçu le concours d’une section rythmique : Roger Inniss à la basse et Miri Miettinen à la batterie.
Toute l’équipe est sur les planches pour le morceau d’ouverture, "Join me on the Blues Caravan", un titre sculpté dans le pur funk. Gauchère, Christina adopte un jeu assez agressif sur sa gratte ; Laurence y révèle un toucher plus fluide, typiquement anglais. La voix d’Albert est la plus affirmée. Laurence est passée à l'orgue et Christina –grande, féline et séduisante– se réserve exclusivement la gratte lors des trois titres suivants issus de sa plume. La Scandinave semble hantée par Jimi Hendrix tout au long de "Come and get it", "Close the door" et "Hush". Laurence Jones reprend le leadership et la six cordes pour attaquer quatre titres. Tout d’abord "Wind me up", une plage qui met en exergue sa technique. Ensuite "Soul swamp river", un blues co-écrit en compagnie de Mike Zito (ex-Royal Southern Brotherhood). Et enfin "Fall from the sky" ainsi que le "All along the watchtower" de Bob Dylan, mais dans une version plus proche de celle de Jimi Hendrix. Place alors à Alberto Castiglia qui nous balance deux plages instrumentales, "Fat cat" et le "Freddie's boogie" de Freddie King, à l’aide de sa gratte particulièrement belliqueuse, avant de chanter un superbe blues lent, le "Bad Avenue" de feu Walter Williams (NDR : mieux connu sous le sobriquet de Lefty Dizz, il avait milité, au cours de ces dernières années d’existence, au sein des Houserockers du légendaire Hound Dog Taylor). Les trois artistes reviennent ensemble sur les planches pour participer à la jam finale qui épingle deux titres notoires : le "Cocaine" de JJ Cale et le "Sweet home Chicago" de Robert Johnson, une orgie de guitares à la clé. Les 14 plages du dvd sont ainsi décrites.
Le cd n’en recèle que onze, dont deux ne figurent pas sur le dvd, et pour lesquelles Castiglia est aux commandes. Il aborde son "Put some stank on it" et surtout une cover du "Sway" des Rolling Stones, une plage qui figurait sur l'album "Sticky fingers", gravé en 1971 ; Mick Taylor y signait une intervention bouleversante sur ses cordes. Celle de Castiglia n’est pas de la même veine, mais il ne s’en tire pas trop mal, quand même…
King of the World est sans aucun doute l'une des meilleures formations de blues aux Pays-Bas. Après avoir publié deux albums studio, elle a décidé de proposer une nouvelle approche de sa musique en enregistrant un album ‘live’. Où ? A Amsterdam, dans la salle mythique du Paradiso. Les cinq musiciens du band jouissent d’une solide notoriété outre-Moerdijk. Ruud Weber a été nominé meilleur bassiste en 2014 par la Fédération néerlandaise de blues et Govert Van der Kolm, meilleur claviériste. Et le batteur Fokke de Jong ainsi que le guitariste Erwin Java sont aussi talentueux. D’ailleurs, en 2013, le combo avait raflé la totale. Les quatre musicos avaient ainsi été décrétés meilleurs instrumentistes, et le KOTW, meilleur blues band!
Ils ont donc fêté cette consécration en se produisant au Paradiso. L’elpee est découpé en 13 pistes, dont 7 sont tirées du premier opus ("Can't go home"), 5 du second ("KOTW") et une seule plage inédite, "Woman across the river", un morceau issu du répertoire de Freddie King et un autre de l'Allman Brothers Band.
Le concert s’ouvre par "Messing with my mind". Le tempo est assez vif. Les deux solistes tirent leur épingle du jeu : Govert à l'orgue Hammond et Erwin sur ses cordes. Ce dernier amorce "On my way back home", un morceau au cours duquel Govert siège derrière le piano électrique. "If you want to leave" est un superbe blues lent qu’interprète Weber d’une voix très expressive, parfaitement adaptée à ce tempo lent, alors que Java est éblouissant sur ses cordes… L’orgue nappe le célèbre "Let's go get stoned" de Ray Charles. Indolent, "Bluesified" est empreint d’une extrême douceur. D’une grande sensibilité, la voix de Weber est proche de celle de son ami Snowy White. Les interventions de Java sont aussi parcimonieuses qu'expressives. Sa montée en puissance est impressionnante. "Evil thing" et le funky "Do it" excellent dans leur genre. "Better leave while you can" est davantage blues/rock. Le morceau lorgne carrément vers Deep Purple ou plus exactement Whitesnake ; on croirait presque entendre les grattes de Bernie Marsden et Mick Moody ainsi que le chant de David Coverdale. Une impression qu’on retrouve sur "Number one". "Can't go home" est la plus longue plage de l’elpee. Un slow blues bouleversant de près de 11' au cours duquel il règne une intensité dramatique réminiscente de Snowy White. Ces accords de gratte parcimonieux constituent la marque de fabrique du style adopté par Java. Govert passe ensuite au piano –avant de glisser à l’orgue Hammond– et nous entraîne dans les rues de la Nouvelle Orléans tout au long de "Broke and lonely", un morceau signé Johnny Otis et Johnny Guitar Watson. "Woman across the river" est hanté par l’Allman Brothers Band. Les interventions de Java sont exceptionnelles. Elles sont dignes de Duane Allman, tandis que Govert nous restitue celles de son frère, Gregg Allman. Un exercice de style remarquable. Ce superbe concert s’achève par le tendre et mélancolique "Beating like a dream". Le fantôme de Peter Green hante Erwin. A cause de ces sonorités profondément réverbérées. Excellent!
La ville de Baltimore, dans le Maryland, enfante régulièrement des groupes hors normes. Sur la scène contemporaine, Beach House et Future Island en sont certainement deux des plus beaux fleurons. Beach House est d’ailleurs une des formations de dream pop la plus reconnue à l’heure actuelle. C’est justement un album d’un combo fort comparable que votre serviteur s’apprête à chroniquer. Lower Dens a d’ailleurs régulièrement assuré la première partie de ses mentors. Il s’agit également de deux bands s’appuyant sur une chanteuse à la voix androgyne, Victoria Legrand et Jana Hunter.
Le décor planté, nous pouvons maintenant nous intéresser à « Escape From Evil », le troisième opus du quatuor américain. Après deux premières productions complètement réussies, l’impatience était de mise. Le premier titre mis à disposition des mélomanes, quelques semaines avant la sortie de l’elpee, met directement les choses au point. « To Die In L.A. » débute sur un rythme très entraînant. L’instrumentation est certes simple mais terriblement efficace. Et que dire du refrain ? Jana entonne un « Die » qui résonne longuement dans votre tête et dont vous aurez bien du mal à vous débarrasser. La définition même de la chanson addictive.
Autant dire qu’après un tel trailer, la suite de l’LP était attendue avec grande curiosité. Et le single annonçait en effet la couleur. Le quatuor a pris un léger virage électro-dream pop sans toutefois trop s’éloigner du Lower Dens traditionnel, car la voix de Hunter est fortement mise en avant sur de nombreux morceaux un peu plus dépouillés (« Ondine » et « I Am The Earth », par exemple).
Malgré ces sonorités plus électroniques, les guitares sont présentes et permettent de surprenantes analogies comme par exemple le morceau de clôture, « Société Anonyme », qui adopte cette gratte atmosphérique spécifique aux Smiths. Nous n’attendions pas vraiment ce genre de surprises de la part des citoyens de Baltimore ; et pourtant ce dernier titre est clairement un des plus marquants de l’opus.
Tantôt joyeux et rythmé, comme sur l’hypnotique « Company », tantôt sombre et presque inquiétant, à l’instar de « Your Heart Still Beating », Jana Hunter et ses compagnons livrent un troisième LP qui se révèle le sommet de leur discographie. Puisant toujours au cœur de ses premières inspirations (Siouxsie and the Banshees, etc.), mais en apportant sa touche personnelle, Lower Dens franchit un nouveau cap et inscrit à l’encre indélébile son nom sur la carte mondiale de la dream pop. La réponse de Beach House est attendue pour fin août ; et pour cause, le duo y sortira son cinquième album.
Finny McConnell est né à Dublin, en Irlande. Il est chanteur/guitariste/mandoliniste et parolier de The Mahones. Très jeune, sa famille rejoint Kingston, au Canada. C’est d’ailleurs là qu’il fonde son groupe, le jour de la Saint Patrick, en 1990. Le style ? Il sera celtique, festif et punk. Et paradoxalement ce band va inspirer une volée de formations irlandaises qui vont adopter le genre.
Conceptuel, « The Hunger And The Fight Part one » constitue le huitième elpee du combo. Après une première partie (‘Part one’), on suppose qu’il y aura une suite. Logique. Un disque d’abord essentiellement acoustique, et dans un deuxième temps, carrément électrique.
« Brian Boru's March » ouvre la plaque. Une cover d’un combo irlandais, The Chieftains. Né en 941, Brian Boru est un roi irlandais qui a tenté d'unifier l'Irlande. Chanson traditionnelle épique, elle est dynamisée par les fifres et tambourins. Une bonne mise en jambes et une invitation à rejoindre le dancefloor. Tara Slone (NDR : chanteur canadien qui sévit chez Joydrop) et Finny conjuguent leurs voix sur le titre maître de l’LP. Et elles sont puissantes. Un hymne fédérateur et dansant. Autre chanson traditionnelle issue du folklore irlandais, « Paddy On The Railway » remonte à 1850. Elle avait déjà été brillamment reprise par les Pogues et les Dubliners.
« Stars (Oscar Wilde) » a été écrit par Oscar Wilde. Pete Townsend (The Who) se réserve le micro et la sèche. Et son concours est remarquable. « Prisoner 1082 » conte l'histoire de Donal 'Danny' Donnelly, un prisonnier politique irlandais qui avait été emprisonné dans la célèbre ‘Crumlin Road Prison’ de Belfast, rebaptisée ‘Europe's Alcatraz’. Joindre l'histoire et la musique. Et le message est clair…
Jolie ballade, « A Pint Of The Plain (A Drop Of The Pure) » a sans doute été composée au sein d’un irish pub en sirotant une ' Guiness' bien tiède. Tout comme « Someone Saved Me », « The Auld Triangle » et « Blood on The Streets Of Dublin ». Nous sommes dans un univers proche de Shane MacGowan, le chanteur de The Pogues et des Dubliners…
« St. Patrick's Day Irish Punk Song » nous rappelle le jour de la naissance du band.
Le disque nous réserve deux bonus. Tout d’abord une excellente version du « I Can Only Give You Everything » de Scott et Coulter, un excellent morceau de rock/garage/r&b réminiscent des sixties, que le Them de Van Morrison avait repris, mais aussi les Troggs. Puis, le « Last One To Die » de The Rancid, un titre qui figurait sur leur long playing, « Let The Dominoes Fall », paru en 2009. Endiablée, l’adaptation est également très réussie…
Bretonne, Emmanuelle Monet, aka Manu, est l'ex-chanteuse de Dolly, une formation qui a marqué la galaxie du rock hexagonal, au cours des 90’s. Le combo a publié quatre albums qui se sont vendus à près de 400 000 exemplaires. Après une décennie de succès (NDR : rappelez-vous de leur tube paru en 1997, « Je N' Veux Pas Rester Sage »), l’aventure s'est tragiquement interrompue en mai 205, suite à la mort du bassiste Micka.
Manu est attirée par le Pays du Soleil Levant, c’est indéniable. Réalisé et mixé par Jean-François Delort et Nikko, son premier elpee solo, « Rendez-Vous », est paru le 29 septembre 2008. Il s’est écoulé à plus de 10 000 copies. Plutôt intéressant, il a bien accueilli par la critique musicale et le public. Elle part alors en tournée dans toute la France jusque fin novembre 2009, périple ponctué par la sortie d’un cd/dvd live intitulé « Rendez-Vous à l'Elysée Montmartre », l’année suivante. Et elle grave en 2012 son second LP, « La Dernière Etoile ».
Manu vient de publier un Ep 4 titres au cours duquel elle chante en japonais. Certaines plages ont été remixées ou enregistrés dans une version live.
« Tenki Ame » a bénéficié du concours du violoncelliste/pianiste Damien Jarry et du harpiste Christophe Saunière, une compo dont la superbe mélodie est balisée par la voix cristalline, douce et apaisante de Manu. C’est d’ailleurs cette voix qui fédère les différentes chansons. Des émotions positives émanent de cette chanson, comme si elles nous venaient du pays insulaire de l’Asie de l’Est. On y retrouve les couleurs, ses douceurs, ses traditions et ses sourires. De l’exotisme aussi. Une petite merveille qui prélude la sortie d’un remarquable opus…
Puis, le rythme change pour « Mô Jikkai », une version nippone de « J'Attends L'Heure ». C'est beau ! L’artiste se frotte également à l’électro. Notamment sur « Amaku Ochiru », déjà excellent dans sa mouture, proposée en 2008.
« Suteki Ni » a été enregistré live à L'Elysée Montmartre en 2009. Nicolas Bonnière, l'ancien guitariste de Dolly, y apporte son concours. L’adaptation ‘live’ a de la pêche. Et les accords saturés de la gratte n’y sont pas étrangers. La voix de Manu évoque ici plutôt celle de Satomi Matsuzaki (Deerhoof). Pour la petite anecdote, c'est cette chanson qui a déclenché chez Manu, l’envie de réaliser ce projet. Elle avait la musique, mais pas les paroles. En 2006 Suzuka Asaoka, animatrice de l'émission 'Tokyo Café' (sur la chaine Nolife), va lui écrire les textes en japonais. Et le morceau figurera sur le premier elpee solo de Manu. Depuis les deux femmes ne se sont plus quittées. Preuve en est, elles réitèrent l'expérience et écrivent 3 autres titres. Manu les enregistre et demande à des amis de les remixer : « Amaku Ochiru (2080) », Alif Tree Remix et « Tenki Ame » (Santiago Walsh Remix). Les versions sont différentes et agréables à l’oreille...
« Tenki Ame » a été immortalisé en live. La combinaison exclusive entre la harpe de Christophe Saunière et la voix de Manu est magique et parachève ce bien bel objet.
Cette pop sucrée/salée (NDR : un peu comme ces galette bretonnes) se savoure de préférence au sein d’un climat zen et cosy…
Il n’y a rien à faire, je me méfie toujours –légitimement– des groupes qui posent comme des boys band sur les photos illustrant leur album ! Une faute de goût commise par Nevermind Nessie, un ensemble issu du Nord de la Belgique (NDR : de Lokeren, très exactement), formé en 2009. « Story of a Lost Generation » constitue leur premier elpee. Et finalement, son punk/folk d’obédience celtique n’a rien de déshonorant et s’avère même plus que respectable, s’inscrivant dans la digne lignée d’un autre combo belge, le Black Tartan Clan. Respectant la pure tradition ‘Singalong’ (NDR : un « Raise the Flag » aux effluves marines), Nevermind Nessie se pose en version ‘unplugged’ des fameux Dropkick Murphys –si populaires de l’autre côté de la frontière linguistique– en propageant des hymnes célébrés dans les pubs (« Party in Sin City »), entonnés par une voix d’ivrogne (NDR : en anglais mais aussi en flamand, breton et italien !) et entretenus par un violon, une rythmique enlevée ainsi que le classique accordéon. Efficace dans le style, ce band est à écouter en regardant le film ‘Braveheart’ ou pour fêter la Saint-Patrick en consommant une Guinness. Ou une Duvel, bien entendu !
Ben Rice est un artiste issu du Nord-ouest américain. Il a étudié la guitare –section jazz– et la musique classique à l'université de l'Oregon. C'est cependant par le blues qu’il est le plus séduit. Il se sert de guitares Resophonic ou bricolées à l’aide de boîtes de cigares, qu’il utilise comme caisse de résonance. Il a été finaliste, au sein des Illmatics, lors de l'International Blues Challenge de Memphis, en 2014, dans la catégorie groupe. Il y est retourné en 2015 et a été à nouveau finaliste, mais dans celle de ‘solo/duo’. Il y a aussi remporté le prix de meilleur guitariste dans cette même section. Il a publié son premier opus en 2013, "Pour me some whiskey".
Lucy Hammond est chanteuse, compositrice et productrice. Elle rencontre pour la première fois Ben Rice, en 2011, Au printemps 2014, ils tournent en duo et se produisent dans le Mississippi, l'Arkansas et le Tennessee. Ensemble, ils viennent de graver ce mini album de cinq titres pour témoigner leur attachement au blues authentique.
"Destination Clarksdale" ouvre le disque. Un titre particulièrement bien choisi ; et pour cause, Clarksdale est situé au cœur du delta du Mississippi, une ville qui abrite le ‘Delta Blues Museum’. La musique est ici uniquement acoustique. Ben est un brillant guitariste. Tout en expression, sa voix est étonnante ; et elle est tout à fait complémentaire à celle, plus puissante, de Lucy. Et dès le titre d’ouverture, "Ida Mae", c’est flagrant. Profondes, ces harmonies deviennent même bouleversantes, tout au long de "Oh Lord", un plage qui glorifie le Seigneur, au cours de laquelle Ben a recours à une Resophonic au son métallique. Ben chante divinement "Wants me back again", tout en exprimant des émotions authentiques. Des sonorités minimalistes entretiennent "Turn my back on you", une jolie ballade au cours de laquelle la guitare se fait discrète pour permettre aux deux voix d’épancher toute leur sensibilité. Lucy Hammond signe "Muddy water", une piste qui nous entraîne au cœur du delta. Sa voix est grave, expressive, naturellement puissante, probablement forgée dans l'exercice du gospel.
Les Pays-Bas viennent d’enfanter un nouveau groupe. Un de plus, serions-nous tentés d’ajouter. Manifestement, le blues contemporain y est en pleine effervescence. Rusty Apollo nous vient d'Amsterdam. Un quintet fondé au printemps 2014. Il réunit Rogier Van der Ploeg (ex-Soviet Sex, Blue Murder, Astral Bodies) à la gratte, Onno Vorhoeve (ex-Cadillac Walk) à la slide, Kim Snelten (ex-Drippin Honey) à l’harmo, Mike Meijer (ex-Gigantjes) à la batterie et Michiel Van Leeuwen (ex-Gruppo Sportivo, Rudolph Dancer) à la basse. Ces trois derniers se partagent les vocaux. Un aréopage de musiciens issu d'univers différents qui ont décidé de s’associer sous la bannière du blues! Une union bien scellée ou simplement momentanée ? Difficile à dire, car l’elpee n’épingle que des reprises de titres, pour la plupart notoires dans l'univers du blues.
La cover du "I'm going down" de Don Nix ouvre l'opus. La voix de Mike Meijer est âpre. L’harmo de Snelten s’impose naturellement. Mais les deux sixcordistes tirent également leur épingle du jeu. Celle du "I'm going upstairs" de John Lee Hooker est plus enlevée, un boogie chanté par Michiel Van Leeuwen et lacéré par quelques petits coups de griffe assénés par l'harmo. Le meilleur bluesman du lot est sans aucun doute Kim Snelten qui propulse le riff célèbre du "Mellow down easy" de Willie Dixon, popularisé par Little Walter. Le "Smokestack lightning" de Howlin' Wolf nous entraîne dans une transe hypnotique. Impérieuse, la section rythmique favorise la progression acide des guitares. Calme et sérénité reviennent au cours de l’indolent "Highway 13", un morceau signé John Lee Hooker. Epaulé par l'harmo et la slide d'Onno, Michiel murmure plus qu’il ne chante. La plage monte ensuite en puissance, se chargeant d’une profonde intensité dramatique, lorsque les cordes largement amplifiées se joignent à l’ensemble. Retour aux origines du blues et à ces fameux ‘fife'n'drums’ pour le "Chevrolet" de Memphis Minnie. Seules les percussions de Mike et la flûte d'Onno se conjuguent pour baliser la voix profonde, caverneuse et déclamatoire de Meijer. Caractérisé par ses percus à l’avant-plan, le "Kokomo me baby" de Mississippi Fred McDowell est un blues primitif et originel. L'harmonica participe au riff. Les deux grattes fluctuent discrètement. Un morceau qui gagne en intensité en fin de parcours. Le prologue de "Back door man" est totalement déjanté. Issue de la plume de Willie Dixon, cette compo a été popularisée par Howlin' Wolf, en 1960. Les six cordes sont à l'agonie et gémissent de désespoir. Rusty Appolo semble dans son élément quand il adapte le répertoire de Wolf. Snelten brille sur sa musique à bouche, tout au long de "Wreck my life". La cover du "Take out some insurance" de Jimmy Reed s’étire sur le rythme paresseux du blues des swamps louisianais. En finale, Rusty Appolo s'attaque au "Crawling King snake" de Big Joe Williams, un titre écrit en 1941 et repris par une multitude d’artistes, dont Howlin' Wolf en 1966 ; et c'est bien entendu la version de ce dernier qui inspire nos Bataves. La voix de Mike Meijer est la plus adaptée pour perpétuer l'esprit de Wolf. Kim se défonce sur son harmonica ; ce qui nous plonge à nouveau dans une ambiance hypnotique. Si cet elpee est de bonne facture, il faut espérer que Rusty Appolo puisse se montrer aussi intéressant dans un répertoire plus personnel…
Tahoe est un jeune groupe parisien fondé en 2013. La même année il grave déjà deux premiers singles prometteurs : « Diopside » et « Vision Blurry ». Décembre 2014, il sort « Incomplete », un nouveau single, puis un clip baptisé « Vectors », juste avant de publier cet Ep. Découpé en 6 titres, « Wonders » est paru début 2015.
Tahoe est un quintet réunissant le chanteur Mickaël Lope, le claviériste/vocaliste Pierre Kerneis, le guitariste Maxime Thomas, le bassiste Maxime Portant et le drummer Antoine Sanna.
Tahoe pratique une musique alternative qui mêle post rock, hardcore, metalcore, rock, pop et électro. Si elle est naturellement agressive et balayée de synthés atmosphériques, le chant est clair, ce qui devrait ravir les fans de Dance Gavin Dance, Slaves ou encore Saosin.
Caractérisé par ses cordes de gratte discrètement métalliques, le titre maître est gorgé de claviers. Mais lorsque les riffs éclatent, l’ensemble s’emballe. La conjugaison entre la voix de Mickaël et de Pierre est judicieuse tout au long de « Vectors », une compo au cours de laquelle on pense tour à tour à Linkin Park, Korn, Asking Alexandria et même Betraying The Martyrs. Et la section rythmique s’y révèle particulièrement efficace, tout comme sur « Memory Failures ».
« Incomplete » est une plage puissante, paradoxalement caractérisée par des accords de gratte subtils. Le chant est envoûtant et stratosphérique. D’abord tout en douceur, la voix prend alors de l’amplitude lorsque « Crossed Paths » glisse vers le metalcore, une piste pourtant mélodieuse et bien structurée. Contaminé par l’électro, « OA » baigne dans un climat plus paisible.
La scène métallique hexagonale a peut-être trouvé une future merveille…
Il y a plus ou moins un an, ce jeune quatuor américain (Chicago), fan de David Lynch, publiait un premier opus intitulé "Sunken". En moins d'une demi-heure, ce combo était parvenu à démontrer un véritable potentiel. On attendait donc Twin Peaks au tournant du deuxième album, histoire de voir si la confirmation était au rendez-vous...
Tout d’abord, on a encore et toujours l'impression que leurs sessions se sont déroulées au sein d’un grenier. A cause des nombreux grésillements et crissements d'amplis. Cadien Lake James continue d’alterner chant perçant ou soyeux, selon les morceaux. Les plages sont tantôt crasseuses, dans l’esprit des Black Lips ou Thee Oh Sees, tantôt psyché/rock, propices à se transformer en pseudo tubes, comme chez Ty Segall. Et dans une même chanson, on peut entendre des riffs de guitare incisifs et des choeurs qui tapissent l’arrière-plan. Le fil conducteur ? Le sens mélodique que l’on retrouve tout au long des seize morceaux de cet opus, capable de vous communiquer une forme de jouissance ambiante. Et après plusieurs écoutes, on tombe carrément sous le charme.
Twin Peaks vient donc de confirmer tout le bien qu’on pensait de lui...
Originaire d’Arlon, Carrolls réunit 5 étudiants néo-louvanistes qui ont décidé de se lancer dans l’aventure pop/rock. Le quintet vient de graver un premier Ep 6 titres, un disque produit dans le ‘Chênée Palace Studio’ cher à JC Cremers (notoire pour son travail opéré auprès de Starflam). La formation belge propose une musique mélodieuse à la sensibilité british (« Waltz for Those Who Know It Ain’t No Waltz »), un style qui rappelle surtout les Arctic Monkeys, surtout à cause de la voix d’Amaury Louis (NDR : « She’s My Little Sugar Rainbow Honey Piggie Pie »… merci pour les titres à rallonge). En milieu de parcours, le combo en profite pour balancer « Pygmalion », une petite bombe aussi efficace que complexe, avant de concéder une ballade plus que convenue, intitulée « Infinity Lesson #4 ». Malgré ce faux pas, Carrolls incarne une belle promesse au sein du paysage brit-pop-rock wallon (?!?!?)…
Ce concert constitue une belle occasion de combler une double lacune. D’abord, celle de n’avoir jamais mis les pieds dans la superbe salle du Rockerill, malgré les nombreuses invitations (y compris lors des ‘Afterwork’ du jeudi). Et ensuite, d’assister enfin à un concert complet et correct de Front 242. Dernières mésaventures en date : les problèmes techniques rencontrés lors de l’Amphi festival de Cologne, en 2014, et l’annulation pure et simple, pour raisons financières, à l’Eurorock, il y a quelques semaines. (SL)
Ambiance bon enfant, limite soirée entre copains. Un site industriel qui correspond bien au profil groupe. Des murs parsemés d’ogives de verres (le coucher de soleil y resplendit). Un plafond d’une hauteur impressionnante, autant à admirer autour de soi que sous les feux de la scène. Le contenu se marie passablement au contenant. (Stelli)
Nous arrivons trop tard pour le set de Ex RZ. En fait, il s’agit du nouveau patronyme choisi par le combo légendaire Red Zebra. D’après les échos recueillis dans la foule, le duo a assuré son rôle de supporting act en dispensant son post-punk rituel. Dont le tube « I can't live in a living room » et en final, « Magazine », un titre que le chanteur (qui s’exprime dans un français parfait) estime personnellement ‘fantastique’…
Les lumières se tamisent. Le logo F242 resplendit sur le fond de la scène, joliment réétudié, efficace et propret. Un logo qui confère aussi un regain de jeunesse sur les tee-shirts des nombreux quadras et quinquas en ébullition. Fidèles à leurs tenues vestimentaires, pour d’aucuns peut-être empruntées à leur progéniture ou l’inverse... Car l’auditoire est peuplé de mélomanes d’à peu près tous âges. Et dans l’ensemble il est assez content d’être là et d’humeur plutôt joviale.
Nous sommes toutefois magnanimes au sujet de la balance, moyennement satisfaisante. Et pardonnons avec clémence la lourdeur des trémolos basse confondant la batterie, au risque de mettre quelques secondes avant de reconnaître les morceaux. Car dès l’entame, une bouffée de bonne humeur souffle sur « Moldavia » et « Body ». Nous avons même droit un petit élan chorégraphique, visuellement assez agréable bétonné par une cohésion intéressante. « U-Men » (NDR : tiré de l’album « Geography », qui remonte quand même à 1982) rappelle bien des souvenirs et ranime la foule, tout comme « No shuffle ». Des retrouvailles et clins d’yeux sur les pogos des années révolues qui ne le sont finalement pas. Sur « Headhunter », on se retrouve même à entamer en chœur ‘one you lock the target, two, you bait the line…’
Une petite salve stand-by lors du rappel, « Punish » sert un gimmick redondant tambour battant, qui calme les danseurs, et on sent même passer discrètement un intervalle d’étonnement. Mais pas de quoi entacher ce set d’une heure quarante minutes de partage et réminiscence. Car il y en a eu, croyez-nous, des souvenirs de coups de coude et gesticulations endiablées émanant d’individus désireux de ne point oublier ces atmosphères générées par des débuts édifiants. Ceux de Front 242, of course !
Set List :
- Moldavia
- Body 2 body
- Rain
- Together
- Take one
- Rhytmus
- XXX
- Quite unusual
- U-Men
- No shuffle
- Lovely Day
- Commando
- Kampf
- Don’t crash
- Religion
- Headhunter
- Welcome to hell
Rappel
- Loud
- Masterhit
- Punish
(Organisation Rockerill)
Ce vendredi, à l’extérieur, la température est caniculaire. La climatisation de l’Orangerie du Bota devrait me rafraîchir les idées. D’autant plus que ce soir, il s’agit d’un spectacle quelque peu rétro. Du stoner et du psyché en compagnie de VHS From Space, en supporting act, et de Black Mountain, la tête d’affiche. La formation canadienne célèbre son dixième anniversaire et a décidé de partir en tournée pour y interpréter les plages de son premier elpee. Un opus éponyme. De nombreux artistes adoptent la formule. C’est apparemment à la mode…
Bruxellois, VHS From Space est un quatuor réunissant Christophe Gennen (guitare, synthé, chant), Jérôme Vandewattyne (guitare, chant), Thomas Gennen (basse) et François Vandewattyne (drums). Le band a déjà écumé tous les bars de notre capitale pour défendre son nouvel Ep 6 titres, « A Taste From Space ». C’est tout de noir vêtu que les musicos montent sur l’estrade. Même leurs visages et les bras sont peints en noir, tout comme le tour des yeux et le masque qui surplombe leur nez. Mais de la peinture fluo a été badigeonnée sur leurs vêtements, les doigts et les masques. Leurs compos sont essentiellement instrumentales. Leur style ? Semi math rock / semi grunge, les grattes lorgnant plutôt vers Nirvana voire Pearl Jam. Et le tout est subtilement teinté de psychédélisme.
Après une petite intro, le set s’ouvre par un « Satellite Me », ma foi, plutôt atmosphérique. Les riffs de guitares sont bien balisés par la section rythmique, tout au long de « Meth ». « Sounds Of Uranus » synthétise idéalement leur expression sonore. Un titre qui me fait parfois penser à It It Anita. Judicieusement intitulé, « Vanishing Gaze » nous transporte dans la stratosphère, notamment grâce à la voix éthérée. Une nouvelle compo : « Memories ». Et le concert de s’achever par « Nowhere », plage qui clôt également l'Ep. Une belle découverte programmée chez Fred Cerise. A revoir absolument !
Originaire de Vancouver, Black Moutain est un quintet au sein duquel militent le chanteur/guitariste Stephen Mc Bean, la vocaliste Amber Webber (la seule présence féminine parmi les mâles couverts de poils), le préposé aux synthés Jeremy Schmidt, le bassiste Arjan Miranda et le drummer Joshua Wells. Le groupe fête donc sa décennie d'existence. Et c’est également en 2005 qu’il a publié « Black Mountain », son premier opus. Cette réédition est prévue officiellement pour le 23 juin. Et elle paraîtra également sous la forme d’un vinyle coloré, enrichi d’un second elpee, dont les bonus tracks sont partagés entre démos et un extended remix de « Druganaut ».
Pour ce jubilé, le combo a donc décidé d’interpréter son premier long playing. Histoire de se faire plaisir, mais aussi de satisfaire ses aficionados. Son dernier en date, « Wilderness Heart », remonte à 2010. Il faisait suite à « In The Future », paru en 2008. Hormis la petite B.O. réalisée pour le film « Year Zero », en 2012, leur discographie ne recèle aucun autre long format. Faut dire aussi que trois de ses membres développent des projets parallèles : Stephen McBean chez Pink Mountaintop ainsi qu’Amber Webber et Josh Wells au sein de Lightning Dust.
Votre serviteur cherche une place idéale pour assister au set. Il se déplace de gauche à droite pour se retrouver face à Amber, la chanteuse. Sa voix n’est guère perceptible. Problème de balances ?
Chez Black Moutain, la musique est, en général, puissante, parfois un peu trop, en s’appuyant sur une ligne de basse pachydermique. La formation puise ses sources au cœur des seventies. Dans le prog/rock et le metal. Pink Floyd, Led Zeppelin et Black Sabbath figurent parmi leurs influences majeures. Autrement dit, le combo ne fait pas dans la dentelle. On dénombre entre 400 et 500 personnes au sein de l’Orangerie. Un auditoire plutôt éclectique. Depuis le jeune boutonneux jusqu’au quinquagénaire. Pas de light show tape-à-l’œil. Mais bien destiné à bien mettre en exergue l’expression sonore
« Modern Music » ouvre le set. Un titre musclé par les grattes incisives. Plus ‘floydien’, « Don't Run Our Hearts Around » est rogné par des claviers réminiscents du Deep Purple époque Jon Lord (NDR : 3 ans déjà que le légendaire organiste s’est éteint !) Les riffs de guitares sont généralement speedés. Le psychédélisme des 60’s et du début des 70’s est remis au goût du jour. Coup de canif au contrat, « Tyrants » et « Wucan » sont des extraits d’« In The Future », deux morceaux plus atmosphériques entretenus par la conjugaison des voix de Stephen et Amber. Distorsion de guitares et ligne de basse imposante nourrissent le psyché/blues « Set Us Free ». « No Hits » en revient à sa ligne directrice. Le spectre de Kraftwerk plane lorsque Jérémy éclabousse le morceau de synthés vintage. La voix d’Amber illumine « Queens Will Play ». Dommage que le son ne soit pas au diapason. Il est bien meilleur au fond de la salle, là où votre serviteur a décidé de reculer. Bien vu, car c’est alors que le combo va nous délivrer un « Druganaut » d'anthologie. A cet instant, la musique baigne dans le psychédélisme pur jus. En fin de show, le combo attaque « Defector », puis « Stormy High », un troisième extrait de l’opus classieux « In The Future ». Mais encore une infidélité à sa thématique. Une conclusion fulgurante, davantage rock’n’roll, alimentée par des grattes bien huileuses.
Votre serviteur estime alors avoir eu sa dose et tire sa révérence avant le rappel. Pas un mauvais concert. Même plutôt bon. Mais qui ne s’est pas déroulé dans des conditions sonores optimales. Dommage !
(Organisation: Botanique)
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Comme Body Count n’avait prévu aucune salle belge pour sa nouvelle tournée, les aficionados du plat pays ont dû traverser la frontière Nord (Eindhoven, Pays-Bas) ce jeudi, ou Sud, le vendredi (à Esch-sur-Alzette, au Grand-duché de Luxembourg), pour assister à son spectacle.
Finalement votre serviteur opte pour Eindhoven, mieux connu pour le stade de football du PSV, mais également pour son immense complexe Philips, véritable rempart de la cité. Après une petite visite touristique et la dégustation d’un plat au fromage sous le soleil, direction la salle Eiffenaar. Pas difficile à trouver ; suffit de suivre la marrée humaine, chevelue, tatouée ou/et motorisée qui partage la même destination…
Un endroit à la configuration plutôt surprenante. En fait l’espace réservé aux concerts n’est qu’une partie de ce grand bâtiment, situé à deux pas de la gare. Différentes structures y coexistent, dont une discothèque. Il faut donc emprunter des escaliers plutôt raides, dans le style de l’Aéronef de Lille, avant de débarquer dans une pièce peuplée de gros bras, rendant les déplacements, notamment pour se rendre aux différents bars, assez difficiles. Faut dire que vu l’engouement suscité par ce spectacle, les 1 500 tickets se sont écoulés en quelques jours.
Powerstroke assure le supporting act. Une piètre caricature du band métal/hardcore yankee. Le combo pousse même le vice à s’exprimer dans un anglais américanisé, entre les titres, alors qu’il est belge, issu du Nord du pays même. Etonnant, il a déjà assuré la première partie pour Suicidal Tendencies et même réussi à figurer au line up du Graspop…
Après cette pénible ouverture, et malgré un peu de retard, Body Count s’apprête à monter sur le podium. Et le public de se réveiller d’un bloc. Les premiers musiciens débarquent masqués (ou la tête enserrée par un bandana), suivis par deux choristes. Les accords de « Body Count’s in the house » viennent à peine de retentir qu’Ice-T déboule le bras tendu, sur l’estrade. Ce qui déclenche déjà les premiers pogos. « Masters of Revenge », « Bowels of the Devil » et « Manslaughter » (NDR : le tire maître d’un elpee paru en 2014) s’enchaînent, tambour battant. Guère avare de communication entre les titres, Ice-T demande notamment aux filles de se mélanger un peu plus aux trop nombreux mecs agglutinés aux premiers rangs. Il nous présente aussi l’un des deux choristes, qui n’est autre que son fils. Et qui l’accompagnera au chant sur le très controversé « Cop killer ». Sa famille est également sur place ; notamment Coco Austin son épouse, plantureuse et star de télé-réalité. Elle se trémousse sur le côté de la scène. Ernie C. (NDR : c’est le dernier membre du backing group originel ; les trois autres sont décédés dans des conditions particulières, la plus spectaculaire frappant le bassiste Mooseman, tué lors d’une fusillade à Los Angeles) impressionne tant par son physique qu’à la gratte. Et tout particulièrement tout au long de « Talk shit, get shot ».
Lors du rappel Ice-T se fend d’un discours contre le racisme. Curieusement, l’auditoire accueille tièdement ses propos. Y aurait-t-il d’anciens disciples de Pim Fortuyn dans la salle ? Heureusement, les premiers rangs s’agitent à nouveau sur le tube « Born Dead », puis de la cover de Biohazard, « Institutionalized ». « Momma's Gotta Die Tonight » clôt le set en douceur, et les paroles ‘My mother taught me good things, taught me bad things’ transforment un gros dur en leader au cœur tendre. Si tendre, qu’il prend la peine de serrer des tas de mains, par poignées, avant de saluer longuement la foule. Il est vrai que cette tournée, il ne l’a pas organisée pour se faire du blé ; lui qui empoche de gros cachets en tournant dans la série TV à succès, ‘New-York unité spéciale’. Bref, un retour réussi pour le natif du New Jersey et sa troupe…
(Organisation : Eeffenaar)
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