Responsable d’un superbe album en 2006, « Black Cat John Brown », Alamo Race Track avait quelque peu disparu de la circulation. La formation batave avait littéralement percé à la même époque que Girls in Hawaï, malgré le peu de promo réservé sur le territoire noir-jaune-rouge. Quoiqu’il ait pu leur arriver entre-temps, le combo néerlandais est aujourd’hui de retour. Son line up est véritablement chamboulé et sa musique embrasse un large éventail de références indie rock. Depuis Efterklang et Grizzly Bear (« Everybody Let’s Go »), en passant par Le Loup (« We Should Have Never Camped Here »), Of Monsters and Men (« Erase the Wires ») et même Arcade Fire (les légères envolées rencontrées sur « All Engines »). On est même parfois proche du plagiat à moins qu’il ne s’agisse d’une volonté de réaliser la synthèse de tout ce que cette musique a pu proposer au cours de ces dernières années. Mais le plagiat ne s’avère que stylistique et jamais mélodique, car le band est devenu un orfèvre d’une discipline qu’il maîtrise en manifestant une aisance harmonique rare. La voix du chanteur est proche de celle d’Isaac Brooks (Modest Mouse) et de subtiles touches électro permettent à Alamo Race Track de varier encore davantage les climats. Et finalement, « Hawks » devrait ravir les aficionados des groupes précités. Un retour gagnant même si un peu trop sur rails…
Depuis des générations, le cocu prête à sourire.
Un mot si souvent honni et pourtant si savoureux. Le monde en est bien peuplé et sous ses airs de gentil et discret jardinier, Avi Buffalo pourrait très bien en produire à lui seul une quantité astronomique. Soyons clairs, Avi Buffalo est un piège à filles.
Et ses mélodies sucrées, romantiques et parfaitement ciselées deviennent des outils de propagande.
« At Best Cuckold » –car c’est ici que démarre cette chronique– constitue la deuxième galette du Californien, Avi Zahner-Isenberg.
Pour rappel, la première datait de 2010, à l’époque ou le gamin était à peine pubère et même mineur si on prend en considération la politique de certains Etats américains.
A 19 ans, Avi nous avait carrément scotchés en publiant un LP extraordinaire. Jalouses, certaines mauvaises langues attribuaient ce succès à la chance. Les plus béates parlaient de génie. Soyons pragmatique, « Avi Buffalo » était un magnifique coup de pied asséné au cul de la scène musicale auto satisfaite, par la jeunesse frémissante. Une manière de dire : planquez-vous, on débarque.
4 ans plus tard, Avi Buffalo est donc de retour. Pour un second opus. Un exercice de style qui très souvent permet de confirmer ou d’infirmer la tendance.
Mais il faut rester sur ses gardes. On a beau être jaloux, nos compagnes ne sont plus à l’abri…
Déchirée entre passion et tendresse, « At Best Cuckold » est une œuvre véritablement hallucinante. La mise en forme est d’une précision incroyable. Entêtantes, les mélodies contaminent esprits et cœurs. Les rythmes pulsent. Tout est susceptible de stimuler les envies ou le désir.
En 35 minutes, le combo n’en fait pourtant des caisses. Il pose simplement ses accords sur les 10 plages de cet elpee, en toute quiétude et sans ambages.
Malheureusement, Avi Buffalo a décidé de splitter.
La formation estime avoir fait le tour du sujet et même de s’y être quelque peu égaré. Et pourtant, des égarements pareils, j’en veux bien toutes les semaines. Mais soyons rassurés, nous garderons nos femmes…
Difficile de dissocier Carl Barât de ses mythiques Libertines, responsables de deux albums classiques sculptés dans le garage rock, au début du millénaire, mais aussi de gommer l’ombre du défroqué, fantasque et hyper médiatisé Pete Doherty… Pourtant « Let It Reign » –son premier elpee gravé en compagnie de ses Jackals, engagés sur casting– mérite une oreille attentive, et bien plus que pour les trop souvent décevants voire même surestimés Dirty Pretty Things !
Produit par Joby Ford (The Bronx), cet opus démontre que l’Anglais a toujours une passion intacte pour les grattes. Mais également pour la musique so british. A l’instar de « Victory Gins », du très Clash –quoique plus pop– « Summer in the Trenches », de « Glory Days » ou encore de « War of the Roses » qui rappelle furieusement son ancien gang ‘libre’. Le gaillard se révèle cependant bien moins convainquant lorsque qu’il verse dans le romantisme, comme sur le complaisant et un peu trop lisse « Begining to See » ou le pénible et presque putassier « We Want More… » Un long playing inégal mais émouvant qui démontre que l’artiste a toujours la foi, malgré quelques pistes sillonnées en roue libre…
Rendez-vous le 18 juillet, dans le cadre du festival de Dour, pour constater si ce diable de Carl Barât a toujours la flamme…
Le label Mind Riot Music est un véritable dénicheur de talents. Il héberge ainsi Chinese Robots qui revient sur le devant de la scène musicale en proposant un nouvel opus. Découpé en six titres, il a été mixé par le talentueux Nicolas Leroux.
Réunissant aujourd’hui Pierre H. Perromat (voix, guitare, programmation), François Dessaudes (guitare, voix), Sylvain Rousselle (basse, voix), Caroline Delorme (claviers) et JP Boinot (batterie), l’équipe au large spectre ‘indie électro rock’ n’a jamais cessé d’être créative et prolifique depuis sa création, en 2009.
« Memory of the Shapes », tombé fraîchement dans les bacs chez les bons disquaires, relègue aux oubliettes le dancefloor au profit d’un line-up acoustique.
Le quintet ne se contente pas d’adapter vulgairement ses compos, mais offre une relecture en six titres de sa jeune carrière musicale. C’est lors de cet exercice de style que l’on discerne le talent véritable des musiciens ! Beaucoup s’y essaient, mais peut y parviennent ! Effet ‘unplugged’ oblige !
Alors que le fer de lance du band reposait jusqu’ici sous un angle forcément électrique et festif, ce disque prend le parti de distiller son lot d’émotions, riches et profondes, légères, complexes et oniriques à travers des mélodies qui restent malgré tout forcément addictives.
Une véritable mise en abîme. A moins que ce ne soit le point d’orgue d’une philosophie contestataire qui consiste à s’opposer au système ‘rock business’.
Qu’importe ! Ces robots chinois sont parvenus à se réinventer et méritent amplement une très grande distinction !
Au final, une seule erreur a été commise ! Celle de ne pas les avoir découverts plus tôt !
« Company » a bonne presse. Et c’est compréhensible.
D’abord, il s’agit du premier album de The Drink. Mais parvenir à mêler rock indie, pop glamour et math rock, en épiçant le tout d’une pointe d’électro, sans se planter, mérite de chaleureux applaudissements. Il ne faudra donc pas avoir recours au mercurochrome ni à la bande velpeau. La chute s’effectue tout en douceur. Et sur un coussin tout moelleux, partagé entre excitation et tendresse.
Tout le monde n’est pas (plus) Trish Keenan (1968–2011), feu la chanteuse de Broadcast, mais il faut admettre que Dearbhla Minogue, malgré un nom de famille pas facile à porter, a un timbre vocal savoureux, puissant, frémissant, capable de tutoyer les sommets, et finalement très proche de Patricia Anne. Son chant est parfaitement adapté à l’expression sonore qui rappelle évidemment le flegme légendaire du band de Birmingham.
Classieux, « Company » consume une intensité féroce, entre les envolées de cordes, la fougue des percus et les interventions du ukulélé. Pas de temps mort, mais de l’intrigue et de la surprise et surtout des atouts imparables pour convertir les éventuels sceptiques.
La foi déplace des montagnes.
Comment expliquer ce magnétisme, cette addiction, ce besoin de se lover dans l’univers de Fauve ?
Doit-on vraiment l’expliquer ? Il est vrai que c’est à la fois simple et compliqué. Un instant perdu puis retrouvé, le fil d’Ariane de Fauve, c’est nous. Nous tous qui nous identifions au groupe.
Parce que l’on est humain. Sensible et fragile. Parce que les déclamations de Fauve sont capables de t’anéantir ou de te rendre heureux. Sournoisement. Parce qu’elles sont véridiques. Elles remuent en ton for intérieur, incertitudes et désirs. Sans porter de jugement. Elles te rentrent dedans, te donnent envie de danser ou de baiser.
Fauve est le reflet de notre quotidien. De nos habitudes. Quand le climat est humide et les rues crasseuses. Mais également lorsqu’un putain de soleil brille la nuit, et nous donne l’espoir que si tout est compromis pour les autres, nous, on y verra clair… plus tard…
En gravant ce deuxième opus les Français ont encore frappé fort.
On se demandait comment ils allaient s’en sortir. Le premier elpee était si authentique, qu’il devenait presque impossible d’en proposer une suite de meilleure facture. Tenter ce challenge, c’était comme se tirer une balle dans le pied. Et bien Fauve est parvenu à accomplir cette gageure…
Bien sûr, certains morceaux sont plus sucrés, plus accessibles. Un peu comme si le crew avait voulu s’adresser à d’autres générations. Les trentenaires et les quadras ne pouvaient plus rester les seuls à vivre cette forme d’humilité…
Quelques compos sont ainsi davantage acidulées (« Tallulah », « Les Hautes Lumières »). Mais il faut rester attentif et ne jamais baisser la garde. Car des balles traçantes, les Parisiens en ont encore plein le chargeur. Suffisant pour nous faire tourner en rond. Insouciant et sous la pluie. Ouvrir la bouche sans hurler, tomber à genoux. Puis se relever, continuer et emmerder le peuple (« Bermudes », « Paraffine », « Azulejos », « Révérence », …)
Après avoir commis un irrésistible premier album éponyme en 2009, Fool’s Gold avait –on s’en doute !– publié un second essai (« Leave No trace ») deux ans plus tard. Un opus bien moins convainquant et d’ailleurs déjà oublié ! Un échec tant critique que commercial qui aurait pu mettre une fin à l’aventure du band californien drivé par l’Américain Luke Top (chant, basse) et l’Israélien Lewis Pesacov (guitare)… C’était sans compter sur la passion dévorante des deux compères pour élaborer une pop brassée aux musiques du monde ! « Flying Lessons » reprend les mêmes recettes qui ont fait la saveur de leur premier essai. Entre guitares aux sonorités africaines ravissantes (« I’m In Love »), psyché pop (« Lady of the Lake »), références à Talking Heads (« Run With Me »), funk tropical (« Flying Lessons ») et disco-funk propre à Fela Kuti (« Break the Cycle », un morceau déchiré par un saxo sidérant), Fool’s God ne vous trompe jamais sur la marchandise. Interprétées en anglais et parfois en hébreu (« Ta’alumah »), les compos de ce « Flying Lessons » sont en effet parfaites pour permettre à l’esprit de s’envoler…
Horse Thief est un quintet originaire de Denton (Texas) qui a migré en Oklahoma. Un groupe qui ne manque pas de potentiel. Cameron Neal en est le chanteur et le leader. Sa voix est nasillarde voire ‘dylanesque’. Après quelques années d'existence, le combo vient de signer son premier album, "Fear in Bliss". Et il est chargé de promesses. Pas étonnant dès lors que le label Bella Union (Fleet Foxes, M.Ward, The Flaming Lips, Father John Misty,...) ait décidé de le signer.
Le folk/rock de Horse Thief est mélodique, poignant et, surtout, diversifié. Même dans les énergies qu’il libère. Ce qui n’est pas toujours le cas chez ses confrères. L’opus recèle, à travers "Human Geographer", une compo dont le refrain est particulièrement accrocheur, un tube en puissance ; mais également des plages plus acoustiques comme Already Dead" ou encore "Dead Drum", curieusement hanté par Cat Stevens. Il nous réserve également des morceaux de rock épique, à l’instrumentation luxuriante, à l’instar du splendide "Let's Go", compo chargée d’émotion, construite en crescendo, qui clôt le long playing tout au long duquel on pense souvent à Midlake voire à Fleet Foxes… Un excellent LP, faut-il le rappeler ?
Steve et Alan militaient chez les Nimmo Brothers depuis 1990, une des meilleures formations écossaises de blues/rock. Depuis quelques années, ils ont décidé d’embrasser une carrière plus personnelle. Alan a monté King King en 2010, un quartet qui s’est établi à Glasgow. La formation a publié "Take my hand" en 2011, puis "Standing in the shadows" en 2013. En 2012, les Nimmo Brothers avaient néanmoins opéré leur retour en gravant "Brother to Brother", sur le label Armadillo.
Chez King King, Alan se consacre au chant et à la guitare. Le line up est complété par le bassiste Lindsay Coulson, le drummer Wayne Proctor et le claviériste Bob Fridzema. Au cours des dernières années le combo a collectionné les British Blues Awards, dans la catégorie ‘Best Band’ et ‘Best album’.
Le quatuor signe 8 des 9 plages de cet elpee. Le power blues rock de King King véhicule des accents dramatiques. La voix d’Alan est particulièrement puissante. Elle se détache dès "Hurricane", une ouverture au cours de laquelle ses partenaires se chargent des choeurs. Il chante d’un timbre particulièrement expressif, "You stopped the rain", une ballade à la superbe ligne mélodique, dont le groupe a le secret. Malgré l’intensité libérée, Alan exécute sa première sortie sur les cordes, tout en subtilité. Nimmo et Wayne Proctor ont soigné la mise en forme. Elle est focalisée sur l’aspect mélodique des compos, en réduisant le chant libre aux parties en soliste. Ce choix peut paraître discutable. Mais reconnaissons que ce type d’écriture rend l’écoute plus accessible. A l’instar de "Waking up" et "Rush hour". La voix décontractée et tendre rappelle finalement celle de l’ex-Free et ex-Bad Company, Paul Rodgers. L'envol de la guitare a bien été préparé ; dommage qu'il soit si court… Une recette reconduite pour "Crazy", nonobstant un tempo plus enlevé. Bob Fridzema tapisse "Lay with me" de ses interventions chaleureuses au Hammond. "Lay with me" est une douce ballade chargée d’intensité. Une seule reprise : "Just a little lie". Signée Paul Carrack et Miss Charlie Dore, cette version adopte un léger ton funk voire R&B. L’orgue Hammond plante à nouveau le décor sur "Take a look", une plage qui prend une ampleur dramatique. Raffinées, les cordes d’Alan montent progressivement en puissance. Excellent ! Ballade intimiste, "Stranger to love" confirme que le combo écossais est un spécialiste de l’exercice de style. Le climat se réchauffe rapidement sur "Take a look", une montée de température qui permet aux cordes du leader de s'emballer. Dommage d’ailleurs qu’elles n’aient pu davantage s’exprimer…
Klang is back. Les années 80 aussi. Et puis surtout le groupe qui a marqué la jeunesse de votre serviteur. A l'époque, il s’agissait de la formation belge de référence. Elle se produisait un peu partout au sein du Royaume, mais également aux Pays-Bas. Seul Kurt manque à l’appel de cette reformation. Mais les membres du combo ont toujours une pêche d'enfer, malgré quelques kilos en trop et d’inévitables cheveux gris. Il y a 3 ans, il s’était produit dans le cadre des concerts Cerise. Lors d’un set acoustique, auquel j’avais pu assister.
Le line up implique donc Claude Ongena, aka Klaus Klang, au chant et à la guitare, Robert Franckson à la seconde gratte et Phil Bertran, qui remplace Kurt, a la basse. Sans oublier le drummer Paul Englebert. Ex-Ice Creams, il milite chez B-Burnt en compagnie de Mark Irons, le frère de Matthew (NDR : chanteur de Puggy) et de Thierry Plas (ex-Machiavel). L’opus a été produit par ce dernier. C’est lors d’un concert de The Names, également alors reformés, que l’idée de reprendre le collier leur est venue. Un sentiment de nostalgie m’envahit. Je repense à l’émission ‘Impédence’ présentée par Pierre Guyaut (NDR : responsable de la formule ‘Ami du soir et de la guitare, bonsoir’) qui programmait régulièrement ce band.
Didier avait 17 ans quand il a découvert ce quatuor. A l'Ancienne Belgique. En 1980 ! Il assurait le supporting act de The Selecter. A l’issue du spectacle, je m’étais précipité pour acheter le vinyle de « The Pop Theory ». En 1982, Klang avait gravé son deuxième LP, « Dots And Dashes ». Puis silence radio. « Meanwhile In The Cosy Garage » est paru en décembre dernier.
« Angry Old Man » est hanté par XTC, « Something I Should Know » par Squeeze, « Perfect Sky » (NDR : cette section rythmique frontale !) par Elvis Costello et le single « Rock, Paper, Scissors » ainsi que le titre maître par les Beatles. « Angeline » et la ballade « Somewhere Closer To The Sunday » sont deux titres plus pop à la mélodie soignée. Dans le même registre, « Juliet » est une compo empreinte de délicatesse. Et enfin, « Highrise » est un hit potentiel. La voix de Klaus est toujours aussi limpide et les compos de ce long playing sont paradoxalement, bien dans l’air du temps.
Après voir gravé deux Eps (« Dream Out » en 2012 et « Lowtalker » en 2014 »), un single et figuré sur une compile (« Alcopop ! Records » en 2013), Menace Beach vient donc de publier son premier elpee. Au vu de l’emballage et de l’étiquetage, le contenu semblait alléchant…
Dès les premiers accords, on se rend compte que le quintet a du potentiel. A cause de ce riff un rien crasseux. Juste ce qu’il faut pour ne pas tomber dans le piège de la séduction ‘garage’. Malheureusement, au fil du sillon, les pistes ne s’envolent plus guère et finissent même, tout bonnement, plombées. Elles sont même insipides, emphatiques, ennuyeuses et larmoyantes, là où on les attend fragiles, solides ou festives.
« Ratworld » n’est pas franchement médiocre. Il lui manque un éclair de génie. Et puis, la plus grande faiblesse procède du vocal de Ryan Needham qui oscille entre un pénible John Dwyer (malade et sous antibiotique) et l’affreux Billie Joe Armstrong.
Binaire (NDR : pour ne pas dire chiante !), la rythmique est heureusement camouflée par les élégants accès du gratteur qui est un peu le seul musico a tirer son épingle du jeu sur les 12 pistes de l’LP.
Encore un disque qui risque de prendre de la poussière, au fond d’un tiroir…
SLUG est une émanation de Fields Music. Le leader n’est autre que Ian Black, musicien de tournée du groupe cher aux frères Brewis, qui a d’ailleurs piqué certains de leurs membres, pour enregistrer son premier album. Cet Américain possède cette même étonnante faculté à proposer une musique susceptible de partir dans tous les sens. Donc de demeurer constamment créative. Peu d’artistes oseraient mettre sur un même LP des morceaux calypso attaqués au steel drum (« Weight of Violence »), une envolée cinématographique exécutée au piano (« Peng Peng »), des titres complexes qui lorgnent tantôt vers Super Furry Animals ou The Beta Band (« At Least Show That You Care »), et des morceaux plus (math) pop – même s’ils naviguent quand même à quelques nœuds de Katy Perry– à l’instar des magnifiques mais proches du délire « Gresay Mind » et « Cockeyed Rabbir Wrapped in Plastic ». « Ripe » est une œuvre agréable, éclectique mais exigeante. La limace (=slug) est donc plutôt vive d’esprit !
Cet elpee affiche un profil bipolaire. Les deux pôles sont bien distincts. Le nombre de compos qui se les partage, identiques. Deux fois quatre.
Le premier baigne dans un garage/rock, alors que le second lorgne vers le prog rock.
Surprenant, déroutant même, le résultat laisse quelque peu perplexe.
Pourtant, ouvert à ces deux styles, je dois avouer ne pas être parvenu à réellement l’appréhender. Belle prise de tête !
L’aspect garage est-il le détonateur du développement prog ? Le côté prog sert-il de vivier au garage ?
Si certaines plages vont à peine au-delà des 120 secondes, les autres oscillent autour des 7 minutes et s’autorisent des solos délictueux de guitares.
En divisant l’opus en deux parties, on aurait pu savourer deux Eps prometteurs. Sans plus. En les associant, on déstabilise le mélomane. Qui peut même se sentir mal à l’aise…
Qu’ils soient adeptes de l’un ou de l’autre style, les puristes vont tirer à boulets rouges sur l’œuvre, c’est presque une certitude…
Pourtant, au fil des écoutes, on se rend compte que la formation est pétrie de talent ; et qu’en outre, ce long playing tient parfaitement la route. Proposer sur un seul support des plages de rock lo fi bien propres et d’autres malsaines était couillu, mais savamment calculé. Le label Merge Records a le nez creux pour dénicher des artistes géniaux. Et il vient encore de le prouver en signant ce band yankee au sein de son écurie.
A la recherche de l’incontournable inconfort, un peu comme ces chaussures magnifiques qui vous explosent les pieds mais demeurent les plus belles au monde (NDR : petite pensée pour mes loafers Dr Martens que je vénère), « Frozen Letter » ne se décortique pas, il doit s’enfiler d’une seule traite, la tête et le corps, sans réfléchir…
Si, si, les yeux sont comestibles…
Le Cirque Royal est bien garni, mais pas sold out pour accueillir Laetitia Sheriff, JOY et Dominique A, ce mercredi 13 mai. En 2012, ce dernier nous avait accordé un concert exceptionnel, soutenu d’un collectif de 9 musiciens, dont un quintet à vent, soit l’équipe qui avait participé aux sessions d’enregistrement de son album, « Vers les lueurs ». Et le spectacle n’impliquait aucune première partie. Ce soir, il sera donc précédé par deux supporting acts. Et il doit impérativement démarrer à 21h45.
Laetitia Sheriff ouvre le bal. Elle chante, joue tour à tour de la basse ou de la guitare (NDR : elle est gauchère !) et est épaulée par Nicola Courret aux drums et Thomas Poli (NDR : il a le même look que Thurston Moore, mais quand il était jeune) à la six cordes et parfois aux claviers. La musique est très électrique. Quelquefois sonique ou stridulante. Elle me fait penser aux Pixies voire à Throwing Muses ; même que la voix de Laetitia emprunte parfois les inflexions de Tanya Donelly. Le set est puissant, peut-être même un peu trop pour une entrée en matière. Mais l’ensemble tient la route, et le public qui commence à affluer applaudit chaleureusement le trio.
Un autre trio embraie, JOY, le projet de Mark Huyghens et de sa compagne, Françoise Vidick. Sous le line up originel, le couple était soutenu par la violoncelliste Anja Naucler. Elle a été remplacée depuis par la guitariste/bassiste Katel. Et elle aussi est gauchère ! Le combo a publié, l’an dernier, son second opus, « All The Battles ». Debout face à ses fûts, Françoise imprime un tempo martial, tribal aux compos. Et malgré quelques problèmes de micro, en début de parcours, elle possède un fameux organe vocal, capable de monter dans les aigus. Mais le plus intéressant procède des harmonies vocales que les trois musicos conjuguent. Etonnant, mais parfois ces échanges me font carrément penser à ABBA. Pas la musique, cependant, plus climatique, ténébreuse, toute en ruptures et déchirée par de subtils éclairs d’électricité. Le set va même s’achever par un morceau post punk pour ne pas dire cold wave. Une belle surprise, due surtout, il faut le rappeler, à la qualité des vocaux...
« Eleor », le dernier opus de Dominique A, n’est pas facile à accrocher. Tiens, un de mes confrères estimait que le Nantais émargeait aux variétés. C’est un peu mélanger les torchons et les serviettes. Comme si H.F. Thiefaine, Murat et Lavilliers avaient été ravalés au rang de Johnny, Mireille Mathieu ou Frédéric François. Dominique Ané n’appartient toujours pas au cercle de Drucker…
Bref, revenons à la tête d’affiche. Votre serviteur est installé très haut dans le Cirque Royal. Dans une corbeille (?!?!?). Ce qui va lui permettre de découvrir un light show particulièrement performant. Cet anneau au-dessus du band, les lasers de couleur rouge, bleue, verte, orange, blanche, les cercles de lumière en circonvolution, le chenillard, des stroboscopes (NDR : que je déteste toujours autant) ; on en a plein les mirettes. On a même droit à un éclairage tamisé par un écran de fumée sur l’un ou l’autre morceau. Et ces artifices collent parfaitement aux chansons. Dont huit plages extraites du dernier elpee. Parmi lesquelles j’épinglerai le magnifique et contemplatif « Au revoir mon amour » et un « Convoi », tout en crescendo. Des morceaux plus sombres, plus intimistes, toujours aussi poétiques et même autobiographiques, dont les textes parlent d’amour et de voyages lointains ou imaginaires.
Avant d’entamer son set, il soutient que le Cirque Royal est une belle salle. Il plaisante avec son public, au sein duquel les réactions fusent. Il est épaulé par son fidèle backing group, soit le drummer Sacha Toorrop (Zop Hop Op), le bassiste Jeff Halam et le gratteur/pianiste/claviériste Boris Boulbil. Souci, le son n’est pas extraordinaire. Ce qui nuit à la compréhension des chansons. Heureusement qu’on connaît les classiques, « Immortels » dont la version est percutante ou « Le courage des oiseaux » à la sauce électro.
Lors du rappel, Dominique A revient sans le bassiste pour nous dispenser le minimaliste et frémissant Marina Tsvetaïeva. Inattendu, ce n’était pas sur la set list. Le quatuor est à nouveau au complet pour attaquer le déjanté et syncopé « (Retrouvailles) ». Dominique précise cependant qu’il ne s’agit pas d’une reprise de Marc Aryan, mais qu’il a écouté cette chanson dans le tour bus. Le combo embraie par la valse électrique « L’horizon », caractérisé par sa fin épique. Et le concert de s’achever par un autre titre minimaliste, « Oklahoma 1932 ».
Un très bon concert, mais pas aussi exceptionnel que celui accordé, au même endroit, il y a 3 ans. A cause de ce problème de balances qui ne permettait pas saisir les textes. Ennuyeux quand on est un des principaux porte-parole de la nouvelle chanson française…
Bernard Dagnies
Setlist : « Cap Farvel », Nouvelle vagues, « Le sens », « Revenir au monde » , « Celle qui ne me quittera jamais », « Par le Canada », « Au revoir mon amour », « Semana Santa », « Immortels », « Music Hall », « Ce geste absent », « Rouvrir », « Vers le bleu », « Eleor », « Le convoi », « Le courage des oiseaux »
Rappel : « Marina Tsvetaïeva » « (Retrouvailles) », « L’horizon », « Oklahoma 1932 »
(Organisation Les Nuits Botanique)
Il débarque dans la salle, vers 20h. Elle est presque comble. Les spectateurs occupent déjà les fauteuils face à la scène et les chaises du balcon. Les retardataires devront assister au concert debout. Il revient à Walter Hus d’entamer les hostilités. Fondateur du groupe avant-gardiste Maximalist, il est belge. Il siège derrière son piano. Et derrière lui on remarque la présence d’une machinerie au sein de laquelle figure notamment un orgue et un accordéon. C’est Walter qui a développé cette structure baptisée Orgue DECAP. Commandée par ordinateur, le mécanisme fonctionne en fonction de la programmation. Et le résultat est plutôt bluffant. Alors que Hus se consacre aux ivoires, l’accordéon se gonfle, l’orgue propage ses sonorités et les percus s’activent. Un dispositif qui permet à l’artiste de construire ses compos instrumentales en crescendo. Une chouette découverte, tant musicale que technique. Les ingénieurs ont dû apprécier.
Cinq minutes plus tard, le second concert débute. Pas trop le temps de prendre un rafraîchissement, d’autant plus qu’il est interdit d’emporter une consommation dans la salle. Et maintenant elle est pleine à craquer. Difficile d’ailleurs d’apercevoir quoique ce soit pour les retardataires. Flo Morrissey amorce sa prestation. Une compositrice insulaire âgée de 19 printemps. Elle est armée de sa guitare et chante d’une voix haut perchée. Et le Grand Salon correspond parfaitement au climat intimiste de son folk empreint de douceur. En vingt minutes, Flo met le public dans sa poche. Un set court mais intense, donc…
Un peu avant 21h30, Tobias Jesso Jr débarque sur l’estrade. Hormis trois morceaux, au cours desquels il se consacre à la guitare, le Canadien siège derrière le piano. Il est grand et ses cheveux sont bouclés. Malgré ses 29 ans, il ressemble à un ado. Il est venu défendre son premier elpee, « Goon », un disque qui a reçu d’excellentes critiques. Sans doute à cause des références manifestes à John Lennon. « Without You», « Hollywood » et « Just a Dream » constituent les moment forts du spectacle. Sans oublier l’excellent « True Love ». Ses morceaux son minimalistes. Pas d’artifice ni d’effets spéciaux. Pourtant, une bonne partie de l’auditoire accroche, alors que l’autre est prête à s’assoupir. Heureusement, entre les chansons, Jesso Jr raconte des anecdotes ou des blagues. De manière à rendre le show interactif et sympathique. Et cette opération de charme fonctionne… Si le personnage ne manque pas de talent et est doué pour ficeler de superbes mélodies, son concert manquait quand même de relief et m’a même parfois paru monotone…
Béber
Tobias Jesso Jr + Flo Morrisey + Walter Hus
(Organisation : Les Nuits Botanique)
Nous sommes le cinquième jour des Nuits Botanique. Et la veille de l’Ascension. Donc d’un jour férié. Votre serviteur assure un remplacement. A l’affiche de la Rotonde, on attend du lourd : les Australiens de Twerps, les Hexagonaux de Jessica 93 et des Américains de Wand. Et pour ne pas changer, il fait particulièrement chaud sous le dôme, d’autant plus que la foule est à nouveau bien compacte.
Twerps nous vient du pays des kangourous. Un quatuor bien sympathique réunissant le guitariste Marty Frawley, la jolie guitariste Jules McFarlane et le drummer Alex Macfarlane. Il chantent tous les trois. Sans oublier le bassiste Gus Lord. Marrant, mais Twerps est un mot anglais argotique que si traduit par andouille en français. Bref, fondé en 2008, le combo a publié un opus éponyme en 2011, un disque bien reçu par la critique et le public. Puis « Underlay », en 2014. Et enfin, « Range Anxiety », cette année. Et il est venu le défendre. Sa musique est pop, cool, mais lo fi, et elle évoque les magnifiques plages au sable fin du littoral aussie…
Caractérisé par ses accords de gratte hawaiiens, « Work It Out » est une compo particulièrement ensoleillée. Issue du premier elpee, « I Don't Mind » est une superbe ballade hantée par le Velvet Underground. La montée en puissance est construite en crescendo. La section rythmique dynamise « Cheap Education », une plage issue du dernier opus. Caractérisé par sa mélodie accrocheuse, c’est un hit potentiel. Marty se réserve le micro pour « Raft », tiré d’« Underlay », un LP paru en 2014. Sa voix est aussi fragile que celle de Satomi, la chanteuse de Deerhoof. Et il est toujours aux vocaux pour « Adrenaline », un morceau sculpté dans des accords de gratte réminiscents des Beach Boys. Des guitares qui prennent le pouvoir sur « Feelings ». « White As Now » est une berceuse pop sucrée et candide. Et le set de Twerps de s’achever par « Wait Til You Smile », un extrait du précédent long playing…
On étouffe sous la Rotonde, et je préfère prendre l’air pendant la prestation de Jessica 93.
J’y retourne cependant pour assister au set de Wand, une formation issue de la côte Ouest des Etats-Unis. Elle appartient au mouvement institué par Thee Of Sees et le charismatique Ty Segall. Elle a d’ailleurs assuré le supporting act de ce dernier lors d’une de ses dernières tournées. Leur style ? Du garage/rock psychédélique.
Le line up de Wand est classique. Un quatuor réunissant deux guitaristes, un bassiste et un drummer. La Rotonde constitue la première date de la tournée européenne. Deux albums à son actif, « Glanglion Reef » paru en 2014, et « Golem », sorti en avril dernier. La salle est pleine à craquer. C’est une véritable fournaise ! Le garage/rock de ce band consomme une électricité vivifiante, chargée de décibels. Incisifs, précis, les riffs de gratte évoluent constamment au bord de la rupture. Les drums sont puissants. A l’instar de Ty, Cory Hanson a un don pour jeter mettre l’ambiance. Le public commence à pogoter ou à se lancer dans le crowdsurfing. Pas de temps mort entre les morceaux qui s’enchaînent. Au bout d’un peu plus de 30 minutes, Cory Hanson annonce le dernier titre du concert. Le public n'est pas content. Mais Wand est malin, il va s’étaler sur plus de 20 minutes. Et malgré un volume sonore conséquent, le set n’a jamais été assourdissant. Pas d'infra-basses pour vous torturer les tympans. Normal, nous sommes dans la Rotonde. Acclamation du public conquis qui en réclame encore. Et croyez-moi, pas un spectateur ne quittera l’hémicycle, avant la fin du spectacle, ne souhaitant pas en perdre un instant, malgré la chaleur accablante. Quelle belle soirée!
Wand + Jessica93 + Twerps
Didier Deroissart
(Organisation : Les Nuits Botanique)
Les amateurs de musique électronique sont chouchoutés lors de ces Nuits Botanique. Après la Nuit dark électro ‘Night Owls’ proposée en ouverture, Flying Lotus et Fireworks en cours de route, c'est au tour du roi Rone de venir nous secouer le popotin...
Le Chapiteau est déjà bien garni quand Haring ouvre les hostilités. Le producteur belge propose des rythmes électroniques doux et lents basés sur des arpeggiatos analogiques qui sonnent très vintage. Sympa comme amuse-gueule !
C'est ensuite au tour du jeune français Théo, aka Fakear, 23 ans, de prendre possession de la scène. Fakear, c'est une invitation au voyage. A l’aide de ses ordinateurs et son contrôleur Native Instruments, il élabore des rythmes sophistiqués et propage des samples issus de la World Music, surtout les chants asiatiques, comme dans « Morning In Japan » ou « La Lune Rousse ». Evidemment, le problème chez les artistes qui militent dans la musique électronique, c'est d'identifier ce qui est véritablement réalisé en 'live'. Fakear tape avec précision sur les patches de son contrôleur ; mais quelle est la part de 'play-back' ? Nul ne le sait. Enfin, le 'son', comme on dit, est de haute qualité. L'univers musical exploré est étonnant, complètement exotique. Un chouette trip !
Mais la toute grosse foule est venue pour le prodige de l'électro à la Française : Rone. Erwan Castes ne paie pourtant pas de mine : chaussé de lunettes et l’air un peu gauche, on dirait un geek. Mais qu'on ne s'y trompe pas : à 34 ans, il est devenu une véritable superstar. Pour la petite histoire, son nom d'artiste procède d'une faute de frappe : lors de son premier concert à Paris, alors qu'il se produisait en tant que R.One (phonétiquement ‘air-wane’), le flyer mentionnait ROne, omettant le point.
Il s’était déjà produit au Botanique, en octobre 2013 ; mais ce soir, il a droit aux plus grands honneurs. Sur le podium du Chapiteau, la table de DJ de Rone ressemble à un vaisseau spatial et les lumières sont carrément époustouflantes. On se croirait dans 'Rencontres du 3ème Type' ! La musique, elle, est plus puissante que sur disque. On sent les infra-basses et les décibels! Le fameux « Bye bye macadam » déclenche la folie dans le public, de même que « Tohu Bohu » et « Bora ». Mais c'est évidemment « Parade » qui nous crucifie sur place par sa poignante beauté. Parfois, Rone se sert d’un thérémine (NDR : constitué de deux antennes, cet appareil est l'ancêtre du synthé). A la fin du spectacle, il s'avance vers le public, serre des mains avec un naturel désarmant, avant d'aller rapidement fumer une clope en coulisse. Ce gars représente véritablement le rêve de tout geek passionné de musique et d'ordinateurs. On vous recommande « Créatures », son dernier opus paru en février dernier. Un disque pour lequel il a notamment reçu le concours d’Etienne Daho. Un plaisir pour les oreilles et les neu-Rones...
Philippe Blackmarquis
Rone + Fakear + Haring
(Organisation : Les Nuits Botanique)
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