Fondé à Rennes en 2001, Bikini Machine figure déjà parmi les vétérans de la scène hexagonale. La bande emmenée par Fred Gransard et Patrick Sourimant est de retour et a l’élégante ambition d’égayer nos platines grâce à un nouvel elpee baptisé « Bang on Time ! » Le combo cultive une véritable passion pour le garage et surf des 60’s… Et nous le rappelle une nouvelle fois sur ce nouvel essai ! A l’aide de leurs claviers vintage bien spécifiques, les Français décochent, en un peu plus de 30 minutes, dix hymnes classieux qui semblent destinés à la récente BO du magnifique « Inherent Vice » de Paul Thomas Anderson. Le swing berce les imparables « Sulky Lisa » et « Stop all Jerk », la soul contamine « Stagger Man » et le garage/rock propulsé par les guitares saturées dynamise l’abrasif « Brace You Up ». Cerise sur le gâteau, « Watch Me Going By » constitue une plage à la fois sérieuse élégante et surtout réussie. Mais surtout démontre que Bikini Machine ose la métamorphose. « Bang on Time ! » porte bien son titre ; il était d’ailleurs temps que Bikini Machine fasse son come-back !
"With Julia" constitue le troisième opus de Matthieu Hocine, aka Kid Francescoli. Il est le fruit d’une histoire sentimentale et artistique qu’il a vécue en compagnie de Julia Minkin, à New York. Et pourtant, lorsque l’aventure de ce couple s’est achevée, les deux artistes ont décidé de poursuivre leur collaboration.
Et c’est au sein d’un climat électro-acoustique fragile, chargé d’émotion, que ce disque a été enregistré. Sculptées dans la mélancolie (« BlowUp », « Mr Know It All ») ou imprimées sur un tempo irrésistible (« Prince Vince », « Disco Queen »), les douze compos de cet opus ont le bon goût de ne jamais tomber dans le pathos. Un peu comme chez The Postal Service ou Tunng.
Le Marseillais vient certainement de graver un des albums les plus émouvants de l’année…
Il se produira, dans le cadre du festival de Dour, le vendredi 17 juillet.
Près d’un an après avoir gravé « Different Drummer », G.W. Sok (voix de The Ex) et Ajay Saggar (ex-The Bent Moustache) proposent leur nouvel opus. Et il s’intitule « Songs for the Golden Hour ». Pour la circonstance, le duo a reçu le concours d’excellents collaborateurs. Un elpee qui s’inscrit dans la lignée du précédent LP. Ainsi, les premières plages (« Ghetto of Eden », « SM Revelation ») sont hantées par l’esprit punk de The Ex. A cause des cuivres et du phrasé vocal de Sok, même si elles baignent au sein d’un climat oriental entretenu par le mélodica d’Aggar et la clarinette de Ditmer Weertman. Et puis parce que King Champion Sounds parvient toujours à insuffler à sa musique une énergie vindicative bien palpable.
Heureusement, la formation a le bon goût de ne pas livrer une copie conforme de son album précédent. Il nous réserve des pistes intégralement instrumentales qui s’aventurent dans le psychédélisme. A l’instar du reptilien « Moottoripyörän Matka »…
L’Objet est une formation issue de la région lilloise. Fondée en 2003, elle s’est déjà illustrée en supporting act de groupes notoires comme Russian Circles, Shipping News, Troy Von Balthazar ou encore DAAU. En outre, elle a également eu le loisir de participer à plusieurs ciné-concerts. Arnaud Boulogne et Julien Harpagès sont donc loin d’être des néophytes. A l’origine, le line up campait un trio. Réduit à un duo, le combo nous propose déjà son quatrième opus, « Toucan ».
Malgré son curieux patronyme, le combo dispense une musique intéressante et diablement efficace. Découpé en 6 plages, cet elpee navigue entre kraut-rock et post-rock. Pensez à Aucan ou à Maserati. Les deux musicos intègrent des lignes de guitare au cœur de rythmiques captivantes, tout en arrosant le tout de synthés tout droit sortis des 70’s. Même si l’expression sonore est essentiellement instrumentale, certains titres bénéficient de vocaux bien sentis, communiquant alors un plus grand raffinement au sens mélodique (« Abidjan », « Transparent »).
Bref, comme « Toucan » brille par son originalité, L’Objet mérite donc une attention toute particulière.
Ch’ti, ce combo nous vient du Nord de la France. Il réunit des musicos issus de VRP, Nonnes Troppo, Suprêmes Dindes et Marcel et Son Orchestre. De vieux routards issus de la scène alternative et festive du Nord-Pas-de-Calais. En l’occurrence Franck Vandecasteele, Cyril Delmote, Guillaume Montbobier, Jean-Baptiste Jimenez, Gauthier Dubuis et David Laisné. Qui se partagent contrebasse, banjo, mandoline, harmonica, guitares, breloques et accordéon. Ce collectif avait déjà gravé un premier elpee intitulé « Mets Tes Faux Cils Devient Marteaux ».
Interprétés dans la langue de Voltaire, les lyrics traitent d’une foultitude de thèmes qui oscillent de la famille aux transports en commun, en passant par le surmenage, le manque de tendresse, l’absence de compassion, les TOC, la superstition, la mort, l’amitié, l'espoir déçu, sans oublier les dérives communautaires et identitaires. Quant à la musique, elle s’inspire du folklore populaire : country, cajun, bluegrass, valse, swing manouche, zydeco et new musette.
Le projet est né de la rencontre entre Franck Vandecasteele, aka Mouloud, chanteur et percussionniste de Marcel et Son Orchestre, et de Cyril Delmote, guitariste des VRP. Le patronyme du combo est révélateur. Lénine est le père du communisme radical. Qui reflète l’engagement sociopolitique du band. Et en choisissant le terme Renaud –pas le boubourse réac’ qui carbure au Ricard– il a voulu rendre un hommage à la grande dame d'Armentières : Line Renaud.
« Qu'est-ce que je devrais dire moi » est un blues/rock de bonne facture. Agréable à l’écoute, « Mon Pote Et Mon Chien » aborde le thème des rencontres. Accordéon et grattes se taillent la part du lion sur « Victor Rodriguez », une plage au cours de laquelle les cuivres sont également bien mis en exergue. Caractérisé par sa jolie mélodie, « La Résidence » est une piste à nouveau entretenue par le piano à bretelles et les grattes qui exercent leur charme, une chanson au cours de laquelle on évoque la personnalité de Marguerite Yourcenar, mais qui aborde également les thèmes de la vieillesse, de l'hospice et de la mort.
Accordéon et banjo balisent « Le Visage De Dieu », un morceau qui décrit la dure réalité de la rue, peuplée de pauvres. « Les Liaisons Dangereuses » nous invite au bal musette. Tout comme « Transports En Commun ». Accordéon envoûtant et mélodica accentuent un sentiment de désespoir que ne renieraient pas les Ogres de Barback. Abordé ans l’esprit de Marcel et des VRP, « Pourvu Qu'il Pleuve » est une plage festive. Donc optimiste. Balayée par les interventions de la mandoline et du banjo, c’est également une invitation à rejoindre le dancefloor.
« Hyper Trichose Palmaire » est un rock endiablé dynamisé par les percus indus. La participation des Tambours Du Bronx est plausible… Hantée par Piaf, « Ma Môme » est une chanson qui relate l’histoire d’une ouvrière bossant à la chaîne. Lumineux, « Les Tocs » trempe dans le jazz manouche.
« 6, rue Brûle-Maison », c’est l'adresse d'un troquet lillois baptisé 'La Bodega', au sein duquel se produit plus que probablement Lénine Renaud. Un endroit qui pourrait devenir un rendez-vous incontournable pour les amateurs de ce type de musique festive…
Lorsqu’il ne compose pas des chansons pop pour Toro y Moi, Chaz Bundik se divertit en bidouillant ses machines sous le pseudo de Les Sins. Un projet pour lequel il a finalement gravé un premier elpee intitulé « Michael ». Un disque qui compile des morceaux composés depuis pas mal de temps. Des plages plutôt house (NDR : et pas vraiment électro-dance) au cours desquelles il sonde le hip hop (« Talk about ») ou le r'n'b. Pas toujours avec succès, cependant, le long playing alignant excellents titres, d'autres plus anecdotiques et même encore certains carrément superflus. Pas un LP transcendant, mais agréable à l’écoute, surtout comme musique d’ambiance…
De son véritable nom Jeremy Thomas McRae Blackall, Tom MacRae est né le 19 mars 1969, à Chelmsford, en Angleterre. Son premier elpee paraît en 2000. Il est éponyme et est suivi d'une tournée qui passe par les Transmusicales de Rennes, une première partie pour Autour de Lucie à Paris, puis 11 dates en tête d'affiche ainsi que la participation aux festivals d'été. Au cours de son premier périple, il s’intéresse au répertoire d’artistes français majeurs : Alain Bashung (en compagnie duquel il partagera l'affiche lors de sa tournée destinée à promotionner son deuxième LP), Miossec, Keren Ann, Françoise Hardy et Dominique A. Tom est nominé, sans pour autant remporter de prix, au Mercury Music Prize ainsi qu'aux Q Awards. Il y a plus de 15 ans que Tom sévit sur le circuit rock conventionnel. Il est également considéré comme l'un des meilleurs chanteurs/compositeurs insulaires.
Il nous revient flanqué de son fidèle backing group. Ses précédents périples, il les avait accomplis, d’abord soutenu par un quatuor à cordes, et puis en solo. Enfin, pas tout à fait, car un violoncelliste l’avait accompagné pour défendre son album « From The Lowlands », tout au long d’un circuit qui, a duré deux bonnes années. C’est également à cette époque qu’il compose pour différents confrères et consoeurs, dont Marianne Faithfull.
Le line up de The Standing Band réunit Olli Cunningham (synthés, accordéon, percussion et chant), Oli Kraus (violon), Richard Hammond (basse, contrebasse, percussion et chant), David Walsh (batterie) et enfin Brian Wright (guitares, banjo et pedal steel). « Did I Sleep And Miss The Border » constitue son septième LP. Il a été enregistré au Pays de Galles et dans le Somerset.
L'approche de l'écriture de ce nouvel opus est différente des œuvres précédentes. Les chansons sont plus narratives, donc moins autobiographiques. Elles traitent de sujets brûlant comme la mondialisation, l'immigration, la faim, le pouvoir des banques et de la finance ainsi que des dérives politiques…
« What A Way To Win A War » est le premier single paru avant la sortie officielle de l’elpee. Il ne figure pas sur ce disque, mais est téléchargeable sur les différentes plateformes officielles.
Sur « The High Life », Tom a la rage. L’instrumentation est agressive. La voix de McRae est blessée, rocailleuse. Gémissante, elle hante « The Dogs Never Sleep », une compo balayée de percus ténébreuses et sauvages. « Christmas Eve, 1943 » bénéficie d’une jolie mélodie au refrain accrocheur. La compo que je préfère. Sur « Expecting The Rain », il utilise sa voix comme un instrument, à l’instar de Christophe… « Let Me Grow Old With You » est une tendre ballade. Quelques cordes quand même sur « We Are The Mark », un concours qui accentue le sentiment de mélancolie de la chanson. Des bruitages métalliques et glaciaux lacèrent sa voix sur le sombre « My Desert Bride ». « Lover Still You » s’écoute comme une prière. D’autant plus que « Hoping Against Hope » nous parle de la fin du monde.
Tom est un artiste attachant qui respecte son public. Il repart en tournée et se produira dans le cadre des Ardentes le 10 juillet 2015 et à l'Ancienne Belgique le 2 octobre 2015.
Dans le rock contemporain, les formations exclusivement féminines sont rares à atteindre la notoriété internationale. Dans l’histoire du Rock, L7, The Slits, Raincoats et Shonen Knife sont certainement les plus (relativement) notoires. Sur la scène contemporaine, Savages et Warpaint en sont certainement les plus dignes porte-parole. En 2014, le quartet californien publiait un opus atmosphérique de toute beauté, largement plébiscité par la critique et notamment par l’équipe de Musiczine.
Bien loin de l’art rock proposé par les filles de Los Angeles, Sleater-Kinney s’autorise un come-back, en 2015, après une pause de près de dix années. La musique dispensée par le trio n’a pas fondamentalement changé, malgré cette longue période passée loin des studios. La recette punk est toujours mijotée soigneusement par le girl band originaire d’Olympia. Malheureusement, Sleater-Kinney s’est peut-être laissé un peu emporter par l’enthousiasme lié à la reformation. Parce que dès la première compo de l’elpee, et notamment lors de son refrain, la voix de Corin Tucker est particulièrement agressive. Bien sûr, son chant a toujours été sauvage, mais sur ce dernier LP, il l’est tout particulièrement. A tel point qu’il en devient une tare. Pas le moindre répit n’est accordé à « No Cities To Love ». Si certains mélomanes peuvent s’y retrouver, ce n’est pas le cas de votre serviteur. En apportant davantage de variation dans l’expression sonore, le résultat est susceptible de devenir plus percutant. Or, ici, tous les titres se ressemblent. Et s’il est facile de mettre en avant le cœur de l’album (« No Cities To Love », « A New Wave » et « No Amthems »), trois excellentes plages par ailleurs, le reste carbure à une vitesse de croisière constante. De quoi satisfaire, sans doute, les aficionados du combo et même les ‘punk addicts’. Quoique le retour des filles les plus énergiques de la planète rock soit une bonne nouvelle, « No Cities To Love » constitue donc une petite déception…
Ecartons d’emblée les hypothétiques tensions cachées (« Hidden Tensions ») susceptibles de créer un a priori à l’égard du rock ‘blanc bleu rouge’. Von Pariahs démontre, dès le single « Skywalking », qu’il ne navigue plus très loin des fleurons de la perfide Albion, grâce à ce titre aussi imparable et addictif qu’un hit de Franz Ferdinand ! Entre cold-wave (« Under the Guns ») et pop-rock 80’s plus classique (« Gruesome »), malgré un détour regrettable par le ‘stadium rock’ aux réminiscences The Killers (« At the Fairgound »), les Français ne se refusent rien, et se taillent un album qui devrait –au sein d’un monde parfait, suivant la formule consacrée– se hisser jusqu’aux cimes des charts, sans avoir recours au marketing, mais uniquement en tirant parti de ses mélodies… « Carolina » en est le plus bel exemple. A cause de ces guitares acérées et de la voix puissante du chanteur, rappelant celle d’Alec Turner des Artic Monkeys. Pas pour rien que les membres du groupe nantais s’effacent comme des fantômes sur l’image de la pochette : place à la musique !
Un an après avoir accordé un concert au Depot à Louvain, Chameleons Vox était de retour dans la même salle. Dirigé par Mark Burgess, l'un des plus talentueux chanteurs/compositeurs de l'histoire du rock (et un de mes ‘héros’), The Chameleons a marqué les années 80 en ciselant des bijoux de rock post-punk psychédélique, comme "Script of The Bridge" ou "Strange Times". Malheureusement, la formation s'est séparée après la mort de son manager Tony Fletcher, en 1987. Après avoir tenté plusieurs projets en solo ou en compagnie d'autres musiciens (The Sun and The Moon, Invincible, ...), Mark Burgess a décidé, en 2000, de reprendre le flambeau sous le patronyme Chameleons Vox (la voix des Chameleons) en s'associant au batteur originel, John Lever et à d'autres musiciens.
La tournée 2014 se concentrait sur l'interprétation intégrale du premier album des Mancuniens, « Script of the Bridge ». Cette année, Mark Burgess a enrichi la setlist en ajoutant des titres issus de leur second opus : « What Does Anything Mean? Basically », qui date de 1985.
L'année dernière, Mark Burgess avait accordé une interview à votre serviteur (voir l'enregistrement ici). C'est un homme attachant, brillant et pétri d'un humour typiquement britannique. Il nous avait parlé de son enfance à Manchester, des Beatles, de T.-Rex, de l'enregistrement de « Script... », de ses projets, etc., mais aussi, de son intérêt pour les OVNI, les expériences proches de la mort et les phénomènes paranormaux, en général.
Cette année, pas d'interview mais un concert qui promet, à nouveau, d'être émouvant. Le Depot est en configuration 'box', car un rideau coupe la salle en deux. The Chameleons Vox n'attire pas la toute grande foule, mais c'est un public de véritables fans, majoritairement des quadragénaires, qui est venu vivre ce moment unique.
Dès la première chanson, « Swamp Thing », le ton est donné. La formation reproduit à la perfection le titre original. Depuis qu'il a recommencé à jouer de la basse sur scène et qu'il s’est coupé les cheveux, Mark Burgess ressemble beaucoup plus à l'image qu'il reflétait dans les années 80. Ce qui frappe également, c'est l'excellent travail réalisé par les deux guitaristes, Neil Dwerryhouse et Chris Oliver, qui réussissent la gageure de reproduire les tonalités extrêmement élaborées, créées à l'époque par Dave Fielding et Reg Smithies. Par contre, pas de John Lever cette année : le batteur originel des Chameleons est remplacé par un Français, Yves Altana.
Le son général est parfait. Le public est assez calme mais la première grosse réaction ne tarde pas à venir, pendant « Monkeyland ». C'est un des titres phares des Chameleons. Le morceau s’ébroue tout en douceur, mais quand éclate le refrain, le public reprend comme un seul homme : ‘It's just a trick of the light !’
Pendant « Soul In Isolation », une composition particulièrement complexe issue du troisième elpee, « Strange Times », Burgess a recours au 'song dropping' en glissant quelques extraits d’« Eleanor Rigby », des Beatles. Et il introduit, lors de « Singing Rule Britannia (While the Walls Close In) », une évocation musicale de « Transmission », de Joy Division, une autre formation issue de Manchester.
Le set se termine par « Second Skin », une de mes 10 chansons préférées toutes époques et catégories confondues. Sept minutes de pur plaisir, où l'on ressent pleinement la profondeur de l'inspiration de Burgess, qui puise ses racines dans les années 60. Le public chante en choeur l'introduction mais le meilleur moment, c'est bien sûr la partie finale, superbement psychédélique. On flotte dans un autre monde, transpercé par la beauté hypnotique de la musique. Mark glisse à nouveau quelques notes de « Please, Please Me », adressant un nouveau clin d'oeil aux quatre garçons dans le vent, qui ont bercé son enfance.
Le rappel va nous réserver quelques classiques incontournables et indémodables, depuis l'énergique « Up the Down Escalator » jusqu'au superbe « View From A Hill », sans oublier « Return Of The Roughnecks ».
De retour sur le podium pour un second encore, événement assez rare pour le souligner, Mark Burgess accède enfin à la demande de certains fans, qui réclamaient « Don't Fall » depuis le début du concert. L'interprétation est impeccable et Mark Burgess clôture sa prestation en descendant de la scène avec sa basse pour se mêler au public. On a presque envie de lui dire : ‘Don't fall, Mark. Don't do like The Edge !’
En conclusion, hormis le manque relatif d'interaction entre les musiciens en ‘live’, ce show a été en tous points parfait. On a pu se rendre compte de l'incroyable spectre qui caractérise les Chameleons : une musique puissante et en même temps très sophistiquée, des paroles très poétiques, voire philosophiques, révélant un regard unique sur la société et la condition humaine. On attend impatiemment les nouvelles compositions de Mark Burgess et surtout son nouvel elpee, dont la parution semble malheureusement reportée d'année en année.
La première partie a été assurée par Der Klinke, une formation établie à Ostende drivée par l’ami Geert ‘Chesko’ Vandekerkhof. Savant mélange entre new-wave des années 80 et darkwave des années 90, sa musique évoque Fad Gadget, mais aussi Project Pitchfork. Responsable de hits tels que « The Doll » (inspiré par « Ladyshave », dixit Chesko lui-même) et « Where It Ends » (chanté par Sam Claeys, le bassiste, ex-Red Zebra), Der Klinke est un des groupes les plus prometteurs de la scène 'dark' belge.
Setlist Chameleons Vox :
Swamp Thing
A Person Isn't Safe Anywhere These Days
Here Today
Perfume Garden
One Flesh
As High As You Can Go
Caution
Monkeyland
Soul In Isolation
Singing Rule Britannia (While The Walls Close In)
Second Skin
Encore 1 :
Up The Down Escalator
Return Of The Roughnecks
View From A Hill
Encore 2 :
Don't Fall
(Organisation : Het Depot, Leuven)
Photo : Emmanuelle Golenvaux
Que faire pour se réinventer?
C'est sans doute la question lancinante qui doit hanter les nuits de John Dwyer, génie excentrique qui se cache derrière le patronyme de Thee Oh Sees.
Ou peut-être pas?
Car on l’imagine fort bien faire fi de tout avis extérieur et n'en faire qu'à sa tête.
Adoubé chevalier sonique par le public, autant que par ses pairs, le natif de Providence trace, depuis le milieu des années 90, un chemin ascensionnel qui tente de s'écarter de toute évidence, mais en maintenant le cap d'une certaine cohérence (certes propre à lui-même).
Saignant de son nom l'histoire du Rock, paraphant de sa patte un pacte secrètement tenu avec le diable.
Pas étonnant dès lors de le retrouver ce soir dans la cité ardente.
Date unique sur le sol belge oblige, une fort contingent de fans néerlandophones comme francophones avaient décidé de venir découvrir ou redécouvrir l'énergie brute de cet électron libre gravitant autour de la sphère Garage.
Plus que ravi de cette opportunité, je m'apprête à accomplir personnellement l'expérience, et pour la première fois, d'un live de Thee Oh Sees, que beaucoup m'annoncent à l'entame de cette nuit, comme un must absolu.
Déjà, l'électricité, palpable dans l'air, s'attache à mes atomes (crochus) et fouette ma curiosité.
Hosanna, Hosanna, et en route pour la joie!
Les premières grappes de spectateurs s'éparpillent à l'intérieur du Reflektor où un tapis de sol usé jonche le milieu du parterre.
Plongé dans l'obscurité, il va devenir en quelques instants le théâtre d'une projection nerveuse d'accords triturés et de martèlements sauvages sous amphétamines.
Une collision sonore orchestrée par Yonatan Gat et ses deux compères.
Certes, loin d'être évidente, voire même retors à certains moments, la musique du trio évolue constamment entre divers genres au sein d'un même morceau.
Chaque intervention instrumentale est annoncée par une lampe qui s'allume ou s'éteint, donnant le signal aux autres membres.
Cette interaction est le fil de l'improvisation qui donne lieu à une débauche d'énergie au plus près d'un public intrigué.
Dès lors, ce qui de prime abord ressemble un jet incontrôlé de testostérone s'avère en fait un subtil mélange abrasif savamment dirigé.
Entre free jazz et déambulations salsa schizophréniques, entre assauts bruitistes et mélopées acides, Yonatan Gat ne choisit pas.
Secouant frénétiquement un shaker explosif, il virevolte sur lui-même, esquisse un pas de danse, s'avance au milieu des sceptiques, s'amuse avec le public, se couche à même le sol pour se gargariser plus que pour chanter.
Le batteur, lui, incapable de tenir en place, semble condamné à rester en mouvement perpétuel.
S'exécutant sur ses fûts comme si sa vie en dépendait.
À l'image de la pochette de "Director" qui représente une route sinueuse posée de façon bancale au travers d'un paysage boisé, la musique des ces hurluberlus à la tignasse indomptable ne se laisse pas apprivoiser.
C'est elle qui tente de vous apprivoiser.
Au bout d'une petite demie heure, le set s'achève par des remerciements polis à l'adresse d'applaudissements hésitants, bien qu'enthousiastes.
Suivant ce souffle de folie, l'entrée en scène de John Dwyer sert d'intronisation à toutes sortes de spéculations.
Dans une nouvelle formule, bardée de deux batteries mais sans clavier attitré, quel sera le visage de la bête Thee Oh Sees, ce soir?
Avenant et souriant, cinglé d'un marcel marin rouge et blanc et moulé dans son short, l'ami Dwyer donne ses consignes, puis, une fois prêt, intime gentiment au préposé aux lumières que le show peut commencer.
Pied au plancher, évidemment.
Extrait de "Floating Coffin", "I Come From The Mountain" s'engouffre dans la brèche et allume la première mèche.
Le signal ainsi donné, les pogos peuvent commencer.
Débauche incandescente d'une énergie brute, les premiers titres s'enfilent les uns après les autres sans temps mort, offrant à la foule ce qu'elle est venue chercher.
Dans cette excitation suintante, je m'étonne néanmoins de la maîtrise redondante d'un groupe qu'on m'annonçait tellement excitant mais qui s'avère certes ô combien efficace, mais pas non plus monstrueusement original.
Tel un monolithe (ou un diamant, au choix) taillé au fur et à mesure, le set gagne en intensité dès "Tidal Wave" et surtout l'irrésistible "Whitered Hand" (extrait du dernier opus).
À défaut de justifier la présence de deux drummers jouant en mode simultané, cette succession frénétique de riffs endiablés permet d'apprécier leur parfaite synchronisation.
Quand le leader annonce les quatre derniers morceaux, il semble que le temps s'est arrêté un moment pour reprendre son souffle ; ce dont manifestement le groupe n'a nullement besoin.
Enrayée par un problème technique mineur, la machine doit hélas mettre fin à son déballage de furie un titre prématurément.
Qu'à cela ne tienne, personne ne pensera à lui en tenir rigueur.
Si l'incroyable efficacité de Thee O Sees a été démontrée, je m'attendais à davantage de surprises.
Plus d'excentricité. Plus de folie. Plus d'improvisation.
Il reste néanmoins que ce moment passé en leur compagnie était très galvanisant.
(Organisation : Reflektor)
Dans le cadre d’une mini tournée baptisée ‘We Cut The Night Tour’, AaRON s’est produit ce dimanche 24 mai, au Grand Mix de Tourcoing. Retour sur un moment magique et intimiste dont Simon Buret et Olivier Coursier ont le secret.
En cette fin d’après-midi orageuse l’atmosphère est lourde, votre serviteur se dirige tranquillement vers le Grand Mix quelque peu nerveux à l’idée de voir AaRON au sein d’un espace aussi confiné.
La salle est pleine à craquer mais je parviens néanmoins à me faufiler au premier rang sur la droite de l’estrade. Les fans sont bien décidés à ne pas perdre leur place, d'autant plus que le bar restera fermé toute la durée du concert.
C'est Camp Claude (NDR : Camp, pour la nostalgie des jolies colonies de vacances ; et Claude, prénom mixte comme le trio, mais aussi le deuxième prénom de Diane) qui ouvre le bal. La charmante Diane Sagnier, photographe et réalisatrice de profession, est accompagnée par Mike Giffts (synthés) et Leo Hellden (basse).
Dès les premières notes, la voix sensuelle de Diane vous transporte. Elle chante vraiment bien et sans en faire trop.
Fortement influencé par la scène post-punk des années 80, le trio livre un set carré et dynamique.
Si Miss Saignier est bien la leader du groupe, elle peut s’appuyer un backing group solide et dont la complémentarité est impeccable. Mike Giffts est capable de jouer du clavier à trois doigts tout en restant bien cachée derrière ses RayBan noires, tandis que Leo Hellden apporte à l’ensemble une structure consistante et une bonne rythmique, corrigeant ainsi les éventuelles petites imperfections.
Bref une première partie des plus savoureuses ; une attitude, une classe et une élégance qui donnent envie de s’intéresser de près au futur proche de ce trio.
AaRON retrouve donc la scène après 3 ans d’absence. 21h00, le set débute ; et le courant passe instantanément entre les aficionados et le tandem. Malgré quelques erreurs techniques au démarrage, il va rapidement mettre le feu sur les planches en dégainant son nouveau single, « Blouson Noir ».
Simon nous adresse quelques timides signes de la main pour nous inviter à sauter sur le rythme effréné des basses qui peuplent en masse ce titre.
La scène va, au fur et à mesure du show se transformer en un véritable spectacle de son et lumières. Et pour cause, les faisceaux des projecteurs et les générateurs de fumée font florès. Un voile de lumière bleu vient même couvrir l’ensemble du premier plan, permettant à Simon de passer les mains au travers, vision tellement surréaliste que nous sommes comme aspirés ; d’autant plus que les mains de Simon transpercent en permanence le rayon indigo. Quant à nos oreilles elles ont déjà franchi le rideau ainsi que notre esprit et elles sont aussi à deux doigts de passer également la porte, tellement la musique régale.
Les succès qui ont provoqué l’engouement national s’enchaînent. La paire retrouve rapidement ses marques sur les planches et se sent de plus en plus à l’aise.
Le Grand Mix prend les allures d’une véritable discothèque, alors que les maîtres de cérémonie clament à plusieurs reprises : ‘C’est bon de vous retrouver’. De quoi faire exulter de joie les fans, alors que la chaleur et la moiteur ambiante ne cesseront d’augmenter au fil de la soirée.
Aaron ralentit la cadence pour nous offrir une superbe version de « U-Turn ».
Particulièrement minimaliste, elle est balisée par la petite rythmique imprimée par le synthé d’Olivier et caressée par la voix de Simon qui est maintenant tout à fait parfaite.
Ce titre donnera le ton à la seconde partie du show, plus mélancolique et épuré. Le duo est aux anges et la salle conquise.
Dans l'ensemble le set affiche une teinte beaucoup plus électro/pop, ténébreuse bien sûr, même si les anciens morceaux bénéficient d’un relookage plus contemporain.
L’osmose entre le duo et le public ne cesse de s’intensifier. La configuration et l’ambiance intimiste du Grand Mix y est sans doute pour quelque chose. Bref, c’est l’endroit parfait pour se remettre en selle et démarrer une tournée qui s’annonce excellente.
« Magnetic », « Blouson noir », « Onassis », « We Cut » et « Leftlovers » figureront sur le prochain elpee « We Cut the Night » qui paraîtra ce 18 septembre 2015. Les plages sont déjà bien intégrées dans le set d’Aaron. Et difficile de cacher son enthousiasme, vu la qualité de la prestation. En outre, comment ne pas être impatient d’écouter ce nouvel opus ? Et puis de retrouver AaRON sur une plus grande scène (NDR : l’Aéronef en février 2016 !)
Simon et Olivier reviennent accorder pour un rappel, et balancent à nouveau « Blouson Noir ». Le Grand Mix est alors en ébullition.
A la sortie, les spectateurs affichent tous un large sourire. Ils ont le sentiment d’avoir vraiment vécu un moment inoubliable.
Les Artificial Animals Riding On Neverland me laisseront au final un goût de trop peu, mais une énorme satisfaction tant d’un point de vue scénique, que musical. On n’a pas vu le temps passer ; mais qu’il est difficile de revenir sur terre après avoir partagé un tel moment !
(Voir aussi notre section photos ici)
Set list
1. Magnetic gtr*
2. Blouson noir
3. Onassis
4. Blow
5. Seeds of gold
6. Ludlow
7. Ride on
8. U turn
9. Arm your eyes gtr*
10. We cut
11. Rise gtr*
12. Little love
13. Leftlovers gtr*
14. Blouson noir
(Organisation Grand Mix)
The Experimental Tropic Blues Band se produisait ce samedi 19 avril, au Salon de Silly, afin d’y présenter un curieux concept intitulé ‘The Belgians’. Après une bonne heure trente d’un show particulièrement déjanté et décomplexé, votre serviteur part à la rencontre d’un des deux guitaristes : Jérémy dit ‘Sale Coq’. Sans doute, le plus exubérant de la bande ; et pourtant il a la tête bien sur les épaules. Entretien.
Comment est née l’idée de réaliser une ode patriotique et électrique à notre drôle de pays ?
Elle est née suite à un simple concours de circonstances. Aux Etats-Unis, les gens ne nous surnommaient pas les ‘Tropics’, mais ‘The Belgians’. A notre retour, nous avons accordé un concert dans le minuscule Lou's Bar, à Liège. Nous voulions rendre hommage à notre pays. Nous avons dès lors choisi de conserver ce sobriquet plutôt sympa. Le programmateur du Festival de Dour, Alex Stevens, y était. Il estimait le concept original et nous propose alors de nous produire le jour de la Fête nationale, tout en gardant ce nom, afin de marquer le coup. Dans un premier temps, on a estimé l’idée saugrenue. Mais finalement nous avons joué le jeu à la condition que nous puissions projeter quelques images propres à la Belgique sur un écran, durant le set. Les étapes se sont construites intuitivement pour finalement aboutir à ce que nous avons présenté ce soir.
Un concept album consacré à la Belgique, est-ce sérieux ?
Le spectacle de ce soir est un condensé d’évènements qui ont marqué la Belgique. Parfois drôles, parfois dramatiques, comme les tueries de Liège, par exemple. Ils constituent le miroir de notre société. La Belgique est-elle sérieuse ? Est-ce sérieux de vivre dans un pays qui n’existe même pas aux yeux des Belges et du monde ? Nous voulions présenter, naïvement, la vision que nous avions de notre propre patrie sans prise de position aucune. Il s’agit d’une démarche plutôt artistique, proche de celle des dadaïstes.
Cet elpee serait-il plutôt le reflet d’une récréation, d’une blague potache ou d’un cri du cœur ?
Il résulte de la culture et de l’expérience de Jon Spencer. Il nous a inculqué un principe, celui de pouvoir exercer ce métier tout en restant soi-même et en acceptant ses erreurs. Sa philosophie est la nôtre. Nous sommes issus de la même école. Lui comme professeur et nous comme ses élèves. Pour ma part, je n’aime pas du tout les disques léchés. Je préfère de loin ceux dont l’imperfection est palpable. Ceux qui trébuchent le plus en quelque sorte. Le lâcher prise est essentiel dans ce métier.
Quelle symbolique souhaitiez-vous développer en adaptant ‘La Brabançonne’ ?
A vrai dire, nous n’avions jamais imaginé enregistrer un album intitulé « The Belgians ». La mise en place s’est opérée en fonction des rencontres et des circonstances. Lorsque le projet a mûri, la Brabançonne s’est imposée d’elle-même. Cependant, nous la voulions ‘façon’ Jimi Hendrix, afin de nourrir davantage le disque et le spectacle. Encore une fois, rien n’a jamais été calculé. Nous avons d’abord réalisé l’album. Le visuel a été conçu par ‘Film Fabrique’ et ‘Sauvage Sauvage’, deux structures qui avaient déjà bossé sur nos clips. Les morceaux prennent tout leur sens à l’appui des images. Il était important que notre démarche soit bien comprise, et tout particulièrement la signification que nous voulions communiquer à notre définition du surréalisme. Par exemple, pour « Belgian Hero », il était intéressant d’appuyer la dichotomie entre un chômeur qui noircit ses cases et celle d’une Justine Hénin savourant une victoire. Nous fonctionnons à l’instinct à vrai dire. C’est essentiel ! Le jour où nous changerons cette perspective, nous sommes morts.
Les paroles sont sans langue de bois et bien éloignées de ce fameux ‘compromis à la Belge’ !
Oui, effectivement.
On a l’impression qu’en gravant un tel LP, le groupe n’a pas voulu s'enfermer dans une routine et a osé prendre des risques, notamment celui de ne s’adresser qu'à une partie de son public potentiel. Est-ce exact ?
En Belgique, la prise de risques n’existe pas. Un groupe belge ne parviendra jamais à révolutionner le milieu. Seuls ceux issus du pays de l’Oncle Tom parviennent véritablement à imposer leur propre vision des choses. En Belgique, il n’y a que Hooverphonic, Stromae et dEUS, même si ce dernier est à la traîne aujourd’hui, qui y soient parvenus sur notre territoire. Pour notre part, nous sommes juste une bande de potes qui prennent plaisir à faire un truc complètement barré. Nous avons l’opportunité de poursuivre cette voie et le public nous suit. Que demander de plus ? Notre prochain projet sera différent, mais tout aussi décalé. Nous y avons travaillé pendant une année complète. Ce qui a exigé beaucoup d’investissement, mais le plaisir est omniprésent…
Lorsqu’on écoute "Belgians Don't Cry", on ne peut s’empêcher de penser aux sonorités new beat des Confetti’s…
C’est exact. Les Confetti’s restent une référence. Tu sais, lorsque nous avons enregistré « She Could Be My Daughter », nous recherchions clairement cette identité noir/jaune/rouge en y insérant des sons propres aux fanfares belges. Tu y entends beaucoup de percussions. Toute cette culture appartient à notre patrimoine et nous ne pouvons l’ignorer, en fin de compte.
La pochette du disque nous projette dans un univers proche du communisme. Qui a eu cette idée et pourquoi ?
Le postulat de départ était d’y voir des personnes sur une plage belge. A la place des yeux, nous avions imaginé des gaufres. Puis, Pascal Braconnier (NDR : Sauvage Sauvage) avait une autre idée en tête. Il nous avait suggéré de retranscrire les dernières images du film ‘La Planète des Singes’ où sur fond d’apocalypse, la statue de la Liberté reste figée. Nous estimions ce concept très intéressant. Nous avons donc pris le parti de mettre en exergue le symbole national qui est l’Atomium et l’avons transposé sur la jaquette. Le produit fini est une forme d’art en quelque sorte. Il y a une pochette, des chansons à textes et un spectacle.
Que pensez-vous de l’étiquette de ‘groupe sérieux qui ne se prend pas trop au sérieux’ ?
Ecoute, on s’en fout. On peut écrire ce que l’on veut sur nous, ces réactions ne nous touchent pas. Le pire serait de tomber dans l’indifférence complète. Nous essayons de faire partager notre univers à un maximum de personnes, sans aucune pensée manichéenne. Nous ne sommes pas dans une optique carriériste. Il y a quinze ans que le groupe existe et pourtant nous ne passons toujours pas à la radio. Mais au fond, ce n’est pas important. Tu sais que lorsque nous avons commencé, le batteur était complètement néophyte. Il était guitariste et n’avait jamais mis la main sur une batterie auparavant. Nous voulons pratiquer naïvement de la musique, sans se fixer d’objectif précis. Il n’existe vraiment aucune volonté arriviste chez nous.
Tu déclarais, lors d’une interview, que tu avais voté blanc pour la première fois de ta vie et que tu ne te rendrais plus aux urnes, à l’avenir. Coup de gueule ou coup de com’ ?
Je ne crois plus en la politique belge. Je recherche une certaine forme d’utopie en quelque sorte. J’ai l’impression que les gens sont pris d’une forme d’aliénation. Nous ne voulons pas communiquer un message politique à travers nos chansons. Mais plutôt d’afficher notre propre perception des événements. En fait, notre discours est politique, mais sans le vouloir. Je ne m’y intéresse absolument pas, ni aux programmes proposés par les partis. Ils ne prennent pas leurs responsabilités. J’assume complètement et ouvertement ces propos.
Une formation qui prend pour patronyme ‘The Belgians’, mais qui ne s’est pas encore exportée en terres néerlandophones, n’est-ce pas un peu paradoxal ?
Les Belgians n’ont jamais été invités en Flandre, c’est vrai. Par contre, nous nous sommes déjà produits à l’Ancienne Belgique. Mais, ce jour là, la salle était quasi francophone.
Quels pourraient être vos homologues flamands ?
Je me sens assez proche d’un Mauro Antonio Pawlowski, même si son univers est assez différent (NDR : il a entamé sa carrière en 1992 comme chanteur d’Evil Superstars et a ensuite rejoint dEUS).
La belgitude est-elle soluble dans le rock ?
Les étrangers parviennent difficilement à comprendre ce qu’est la belgitude. Pour un belge, c’est un concept assez naturel somme toute.
Difficile de l’exporter, et notamment en France ?
Nous avons déjà joué en France à deux reprises. Les Français ne parviennent pas à comprendre toutes les subtilités liées de notre culture. C’est tout à fait normal. Nous nous inscrivons dans une démarche plutôt spontanée. Dans le cas contraire, nous n’aurions jamais pu tourner ailleurs qu’en Wallonie avec tout au plus dix dates. Nous ne sommes ni carriéristes, ni arrivistes. Notre aventure ne nous permet pas de gagner notre vie. Nous voulons juste nous amuser et donner du plaisir. Pour de nombreux artistes, faire de la musique, c’est d’abord se façonner une identité avant même de pouvoir proposer quoique ce soit de concret. Cette démarche n’a jamais été notre truc. Nous avons réalisé un spectacle sur la Belgique, sans même imaginer qu’on allait le mettre en scène par l’image. Jamais, nous ne calculons.
C’est le ‘live’ qui vous permet de bénéficier d’un certain écho auprès du public. Ce nouvel opus semble d’ailleurs davantage taillé pour la scène. Etait-ce calculé ?
Ce disque est invendable, c’est clair. Je considère qu’il s’agit avant tout d’un concept album. Une fois complètement achevé, on passe à autre chose, c’est tout. Nous travaillons pour l’instant sur le projet suivant. Ceux qui s’installent d’ailleurs dans la routine sont pathétiques...
Le très sympathique Tom Mc Rae se produisait, ce 18 mai, à l'Archiduc, dans le cadre des cafés-concerts, pour défendre son nouvel album « Did I Sleep And Miss The Border ». Un showcase proposé en guise de release party, devant une quarantaine de personnes. L'Archiduc est situé à deux pas de la Bourse. C’est un endroit très ‘classe’ que fréquente régulièrement Arno.
Votre serviteur s’installe à droite de l'entrée, bien calé dans un fauteuil qui a déjà bien vécu. Il est aux premières loges, face à un podium improvisé qui occupe a moitié du bistrot. Heureusement, une partie de l’auditoire peut également assister, confortablement assis, au spectacle, du balcon. Olli Cunningham siège derrière un immense piano à queue. A sa droite, se plante le bassiste, Richard Hammond, et juste à côté de lui, le guitariste Brian Wright. Sans oublier le drummer David Walsh, en retrait. The Standing Band. Tom occupe le centre de l’estrade.
Qui présente d’abord ses musicos. Soit The Standing Band. Puis remercie le public et le patron du zinc. Etonnant, dès que l’un ou l’autre client se présente à la porte d'entrée, Tom lui ouvre la porte et l’invite à entrer dans l'établissement, pour participer à la fête
Et on est parti pour une heure de concert. Qui s’ouvre par « The Dogs Never Sleeps ». Balisée par les drums, l’instrumentation est puissante. Régulièrement, Tom tourne le dos à l’auditoire, pour observer ses musicos. Le son est excellent. Armé de sa gratte semi-acoustique, Tom embraie par « We Are The Mark ». Au beau milieu de la chanson, Tom interrompt le spectacle et fixe la porte d’entrée. Un dernier arrivé souhaite pénétrer au sein de la taverne. McRae lui ouvre et lui signale qu’il est le bienvenu, s’il fournit l’assemblée en cocaïne. Fou rire général. Le client entre discrètement et s’installe au bar, alors que Tom reprend le fil de la compo, le plus naturellement possible. Franchement, c’est vraiment un type qui a le sens des relations humaines… et de l’humour…
Armé de sa gratte, il aborde, quasi en solitaire, « Expecting The Rain », une ballade uniquement soutenue par quelques battements de caisse claire. Tom McRae utilise un peu sa voix comme un instrument. Il souffle dans son harmo pour attaquer « Let Me Grow Old With You ». De plus en plus grave, sa voix monte en intensité, alors que la section rythmique brille de mille feux. Ce qui déclenche les acclamations nourries du public. Tom a empoigné sa guitare électrique pour interpréter « Christmas Eve, 1943 », un titre empreint de charme et de tendresse qui prend toute sa dimension en live. A cause de ces chœurs religieux qui engendrent une forme de recueillement, au sein de l’auditoire. Le set s’achève par « What A Way To Win A War », un morceau acoustique au cours duquel les musicos et le public participent aux clappements de mains. Un chouette showcase. De quoi patienter, en attendant le retour de l’artiste, à l'Ancienne Belgique, en octobre prochain.
(Organisation : Gentle Promotion + Archiduc)
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