Côté pile ou côté face, un concert des Swans recèle toujours une part de mystère...
Selon l’humeur de son mentor ou du mélomane, mais également les circonstances qui entourent le déroulement de la soirée, le résultat peut s’avérer une expérience transcendante ou une épreuve physique et douloureuse (surtout pour les tympans délicats).
Mais ce qui est certain, c'est qu'il se passe toujours quelque chose.
Au moment où la pièce de monnaie voltige dans les airs, incertaine de la face qui échouera sur le sol, les premières grappes de spectateurs s'avancent solennellement vers l'autel où Michael Gira et les siens transformeront l'atmosphère en une matière palpable et l'air en un incandescent magma en fusion.
Mais avant le déluge, place à la montée des eaux...
Okkyung Lee, est seule sur l’estrade.
En vérité, non. La jeune artiste est accompagnée de son violoncelle.
Elle et son instrument font totalement corps pour livrer une prestation déconcertante.
Qui en aucun cas ne peut laisser indifférent.
Ses soli dressent une cartographie imaginaire de l'émotion à fleur de peau.
Grinçants pour certains, électriques pour d'autres, ses incessants va-et-vient le long de son manche sont vertigineux et libèrent une intensité indescriptible.
Si une totale immersion en solitaire est nécessaire pour pénétrer l'univers de cette artiste, c’est après avoir atteint le cœur de sa musique organique, que la magie peut exercer ses charmes. Mais pour parvenir à atteindre cet état de conscience, il faut également être hermétique à toute distraction extérieure (ce qui dans le cas de votre serviteur s'avère délicat, ce soir).
Expérimentale, marginale et abstraite, son expression sonore a le pouvoir de convertir celles et ceux disposés à oser une telle plongée en apnée.
Son archet ciselant l'épine dorsale jusqu'à en tirer l'essence du frisson.
À contrario, pour celles et ceux restés au pas de la porte, cette musique évoque tour à tour le chant du bourdon dans une bouteille de verre ou encore la lente agonie d'un brame engoncé dans une gorge rocailleuse.
Elle n’est guère accessible et exige un minimum d'abandon.
Perso, distrait par de nombreux éléments extérieurs, je n'ai pas autorisé la demoiselle à pénétrer mon esprit, déjà tourné vers le noir ramage des oiseaux nocturnes.
Au vingt et unième coup d'horloge, le gong retentit.
Par vagues successives, la vague sonore ondule et envahit l’espace.
Telle la marée montante, qui bientôt nous submergera.
Lentement, mais sûrement.
Après plus de vingt minutes essentielles au conditionnement, le set commence à s'articuler autour de Michael Gira, plus shaman que jamais (et diva me souffleront certains).
"Frankie M" suit donc ce déluge en s’infiltrant lentement, insidieusement, dans nos ouïes, nos esprits et nos âmes.
Une rythmique hypnotique, lourde et puissante assiège sournoisement nos remparts, rejetant toute forme de complicité maligne…
Physique, âpre et rugueuse, la bête envahit tout l’espace.
Haletante, elle nous pousse dans nos derniers retranchements.
Sa puissance est monstrueuse, mais sa sensibilité est à fleur de peau...
Orchestrant tel un rituel, le chaos organisé autour de lui, Gira exige autant du public que de son groupe ou de toute personne impliquée dans le processus.
Son attitude despotique a depuis longtemps forgé son image, voire son mythe, et il semble prendre un certain plaisir à en jouer.
Impassibles et rôdés aux desseins de leur maître, les autres membres s’exécutent autour de cette ossature et dirigent le son exactement où le dieu Gira l'exige, soit vers des cimes ténébreuses et tourmentées où la pleine conscience se brise sur des versants saillants.
Exigeant, voir intransigeant, seul maître à bord d'une embarcation frayant au travers du tumulte, Michael Gira est LA figure de proue de Swans, quitte à laisser les autres comme de simples faire-valoir.
Pourtant, inutile d'êtres devin pour constater que Swans ne serait pas ce qu'il est actuellement, sous une autre configuration.
Derrière cet effacement, qui semble parfois confiner à l'ennui –suffit d’observer Kristof Hahn, délégué au pedal steel, qui mastique un chewing-gum– se cache en fait le secret de Swans ; soit une harmonie parfaite au sein d'une hégémonie indiscutable.
Cinglant l'air de ses bras, exhortant sa troupe, l'homme au stetson (absent de son chef, ce soir) dirige donc l'auditoire vers le gouffre tendu comme une gueule affamée.
L'écume aux lèvres, la créature nous happe.
Rares sont celles et ceux qui s'échappent ou font mine de vouloir y échapper.
Après plus de deux heures de célébration, la messe est dite.
En communion avec leur public, les cygnes tirent leur révérence.
Majestueux.
Les tympans déchirés mais l'esprit libéré, la foule peut alors se retirer.
Dehors, la nuit est douce.
Les premiers avis s'échangent sur le parvis.
Au bout de l'expérience, résonne pour un long moment encore l'écho de Swans.
(Organisation Reflektor)
Créé en 2009 par Luis Vasquez, The Soft Moon a contribué à l'émergence d'un style musical à la frontière entre post punk, shoegaze, dark wave, psyché et électro/techno. Aujourd'hui, après avoir publié trois albums et accompli une tournée en première partie de Depeche Mode, le projet de ce Californien d’origine cubaine est devenu le fer de lance d'une nouvelle scène alternative.
Consécration suprême : il accède même aux programmations des festivals branchés 'indie', à l’instar de ce concert accordé en clôture des Nuits Bota. Votre serviteur a eu l’opportunité de d’interviewer l’artiste à deux reprises, ce qui permet notre nouvelle rencontre avant le spectacle. Il me confie ses inquiétudes relatives au choix de la salle. On peut en effet s'étonner qu'un groupe 'noisy' soit programmé dans le Grand Salon, un espace assez intimiste et privé de podium. La Rotonde ou l'Orangerie auraient été mieux adaptées à la puissance que libère la musique de The Soft Moon. Heureusement, Vasquez a quand même obtenu que les sièges du public soient enlevés.
C'est Walter Hus, 'résident' au Grand Salon pendant tout le festival, qui ouvre les hostilités. Il est connu pour le générique de fin du film « The Sound Of Belgium », une adaptation pour Orgue Decap du cultissime « Universal Nation » créé par le producteur electro trance Push. L'Orgue Decap est un instrument inventé par W. Hus : il est composé de flûtes d'orgue et se combine à différents instruments (percussions, accordéon, ...) ; le tout est piloté par des automates programmables reliés à un ordinateur et un clavier. Dingue !
Lors de la soirée Night Owls, il y a une semaine, Walter Hus avait interprété une partition très techno ; mais ce soir, l'orgue de barbarie version 2.0 sonne plus classique, plus cinématographique. Le compositeur gantois joue sur un magnifique piano à queue et l'étrange orchestre impose une ambiance unique, hypnotique même. On épinglera particulièrement « Faro, Ode à la Bière », une belle chevauchée martelée par le rythme des flûtes d'orgue. Surréaliste...
Nul besoin de pause car la formation suivante a déjà installé ses instruments devant l'orchestre de W. Hus. Il s'agit de Prairie, le projet ‘ambient’ du Bruxellois Marc Jacobson. Son premier opus, « Like a Pack of Hounds », est sorti en février. Accompagné de Grégoire Fray (guitare et claviers, Thot et The Hills Mover) et de Catherine Graindorge (violon), Jacobson propose des atmosphères sombres aux structures harmonieuses tout en y entretenant une certaine tension, voire même en y communiquant un sentiment d’angoisse. Pensez à Sigur Rós, Haxan Cloak, Kreng : c'est onirique, comme la bande-son d'un océan calme au crépuscule. Plus tard, des vagues puissantes, déclenchées au synthé-controlleur Akai par G. Fray, viennent se fracasser sur nos tympans, enrichies de guitares cristallines et d'interventions de violon torturées. Superbe et envoûtant...
Un saut dans le temps et nous sommes prêts à accueillir The Soft Moon. Nous avons pris soin de nous placer au premier rang, vu qu'il n'y a pas d’estrade. C'est le problème au Grand Salon, comme d'ailleurs aussi dans le Witloof Bar. Les sons de synthé de « Inward », l'intro du dernier album « Deeper », s'insinuent dans les baffles et les trois musiciens prennent place. Aux côtés de Luis Vasquez, on reconnaît les deux Matteo : Matteo Salviato à la basse et aux drumpads ainsi que Matteo Vallicelli, à la batterie.
Ce dernier entame un beat répétitif à la grosse caisse pour attaquer « Black », un des meilleurs titres de « Deeper ». La voix de Luis évolue à la frontière entre murmure et cri, un style de chant immortalisé par Trent Reznor. La comparaison avec Nine Inch Nails ne s'arrête d'ailleurs pas là. L'ambiance générale du titre est très 'NINiesque', une tendance qui caractérise plusieurs titres récents de Soft Moon. Dans l'interview qu'il a accordée à Musiczine en février dernier (voir ici dans Musiczine et là sur Youtube), Luis nous confiait qu'il considérait Trent Reznor comme ‘une âme-sœur’ (‘a kindred spirit’) ; ce qui explique sans doute cette corrélation inconsciente.
En tout cas, la musique dispensée par The Soft Moon est fabuleuse et captivante, comme si elle était le fruit d’une combinaison parfaite entre l'héritage post punk/new wave/shoegaze et des sonorités technoïdes plus récentes. En parlant de post punk, « Alive » et « Dead Love » déroulent ensuite leurs basses très ‘Curesque’ et leurs guitares ‘batcave’ dopées au flanger. Ici, le chant de Vasquez est plus tribal, davantage dans le cri comme chez Andrew Eldritch. Pour les solos, Vasquez utilise un Moog Sub Phatty, duquel il tire de longues notes en ‘sustain’, qu'il étire et triture à l'aide du 'pitch bend', la molette qui permet de modifier la hauteur de note.
Tout au long de « Far », une bombe imprimée sur un tempo frénétique, le public réagit en dansant et en bondissant, provoquant même un début de pogo. « Wrong » accentue la pression encore grâce à son rythme robotique et son riff exécuté au vocodeur. Au milieu du morceau, Vasquez se fend d'un solo de percussions sur... un fût. Un chouette moment post-industriel !
J'attendais impatiemment « Wasting », une composition issue de « Deeper », qui marque une évolution vers un chant plus structuré et la présence de vraies mélodies. Je n’ai pas été déçu : l'interprétation est impeccable et on est bluffé par la prouesse vocale. Pendant le refrain, on ne peut s’empêcher de penser à Martin Gore et même à Tears For Fears, des comparaisons que Luis accepte volontiers (cfr l'interview).
La fin du set est une irrésistible montée en puissance qui culmine au moment de « Being », un véritable brûlot ! Drapé dans un riff de guitare à nouveau très 'Curesque', Vasquez crie ‘I can't See My Face’ avant d'éructer ‘I don't know who I am – What is this place – I don't know who I am’, lors d’un final super noisy.
La formation revient interpréter trois titres : « Die Life », « Parallels » et « Want ». Les derniers moments sont à nouveau hallucinants, martelés par les percussions et un interminable crescendo de synthés. Un concert superbe, très percutant, nettement mieux maîtrisé que celui accordé par le musicien au Magasin 4, en 2012. C'est d'ores et déjà un des meilleurs de 2015 ! Je n'ose imaginer le résultat au sein d’une Orangerie pleine à craquer. Une prochaine fois, peut-être ?
(Organisation : Les Nuits Botanique)
C'est le dernier jour de l'Eurorock et aussi le plus important, car c'est aujourd'hui que doivent se produire les plus grandes têtes d'affiche : Killing Joke, Front 242, Fields of The Nephilim, etc. Pour rappel, l'Eurorock est un festival qui tente de renaître de ses cendres après 12 ans de silence. Se déroulant à Neerpelt, dans le Limbourg, il se focalise sur les musiques ‘sombres’ qui ont marqué les années '80. Et tout particulièrement les genres new wave, post punk, rock gothique, EBM (Electronic Body Music), synth-pop, électro-indus, etc.
Lorsque nous arrivons sur place, vers 13h, le ciel est gris et il semble régner une atmosphère de chaos. Nous l'apprendrons plus tard, le festival a dû être interrompu vers midi en raison du vol d'une partie de la recette. En outre, victime d’un malaise l'organisateur a dû être hospitalisé. Après plus d'une heure et demie d'attente, des responsables montent sur le podium pour annoncer que le festival a été repris en main par des volontaires et qu'ils vont essayer de poursuivre le programme en compagnie des artistes qui acceptent de jouer gratuitement ou pour une partie de leur 'fee'.
Lacrimas Profundere, monte alors sur l’estrade. Un groupe allemand de rock gothique. Sa musique est sombre et mélancolique, ce qui a l'heur de plomber encore plus l'atmosphère.
Il faudra attendre Crash Course In Science pour nous remonter quelque peu le moral. Issue de Philadelphie, la formation est née en 1979. En ‘live’, elle propose une minimal synth très sautillante et pétulante. Michael Zodorozny, un des membres originaux, est toujours au poste. Il chante plein d’entrain les petites perles de pop expérimentales que sont « Flying Turns » ou « No More Hollow Doors ». La chanteuse qui le soutient s'acquitte honorablement –même si elle en fait parfois un peu trop– des parties vocales, interprétées à l'origine par Dale Feliciello : « Cardboard Lamb » et « It Costs To Be Austere ». Nice show !
Groupe de metal gothique, Xandria tente de réchauffer un peu l’atmosphère, qui demeure cependant morose. Et ce n’est pas le set assez décevant de Portion Control qui parviendra à inverser la tendance.
Un peu plus tard, on apprend que Front 242, Neon Judgement et Fields of The Nephilim ne se déplaceront pas. Pffff... On craint que l’Eurorock ne tourne au fiasco et puis... miracle, on nous informe que Peter Hook and The Light, la formation drivée par le légendaire bassiste de Joy Division et de New Order, va quand même jouer! On est soufflés car le Mancunien a une réputation de mauvais caractère ; et on se souvient du ramdam qu'il avait provoqué lorsqu'il n'avait pas été payé lors du Shadowplay de Waregem. En prenant du recul, il faut reconnaître que c'est sans doute Peter Hook qui a sauvé l'Eurorock d'une débâcle totale.
Au moment où il monte sur l’estrade, Hook précise d'emblée : ‘Nous allons jouer pour rien mais on a déjà dû jouer pour rien dans des festivals encore pires que celui-ci !’ Il enchaîne immédiatement par « Atmosphere » et on a l’impression qu’un événement va se produire. En effet, survolté par les circonstances négatives, Peter Hook va accorder une prestation remarquable, carrément punk ! Ce sera un véritable ‘best of’ de Joy Division que le combo va dispenser, en hommage à Ian Curtis, à quelques jours de la commémoration de sa mort. Evidemment, la voix de Peter Hook est plus que limite ; et il l’avoue lui-même. Mais de le voir interpréter des classiques comme « Insight » et « Dead Souls », 35 ans plus tard, ça fait chaud au coeur. C'est son propre fils, Jack, qui se charge de la basse. Peter ne sait pas cumuler voix et instrument en même temps, mais il nous réserve quand même quelques parties sur sa superbe Eccleshall de couleur rouge. Pendant « Digital », la foule entame même un pogo ! Le reste du show touche au sublime : « Isolation », « She's Lost Control » et enfin, « Shadowplay » nous achèvent complètement. Peter Hook a prouvé qu'il était un grand Monsieur. En plus, il se murmure qu'il a prêté son 'backline', son matériel de scène, aux autres groupes suite à la défection d'un des fournisseurs. Chapeau !
Vers 18h45, boostés par ce grand moment et par le soleil qui est revenu, nous retournons vers l'autre podium pour assister au concert d'Absolute Body Control, le premier projet créé par Dirk Ivens, à la fin des années 70. Comme d’habitude, il est accompagné par son compère Eric Van Wonterghem, aux claviers. Poursuivant sur la lancée de Peter Hook, le duo belge aligne également hit sur hit. Evidemment, le son est moins énorme : c'est de la synth-pop assez minimale, comparable au premier album de Depeche Mode. « Melting Away » est superbe et Dirk se déplace sur la scène tel un félin à la recherche d'une proie. Après un tout nouveau titre, « Sorrow », assez calme, ABC repart en force et attaque « Never Seen » et « Give Me Your Hands ». En rappel, le tandem va nous gratifier d'un excellent « Into The Light » : ‘Proficiat, Dirk & Eric !’
Nous nous autorisons une pause pendant Whispers in The Shadow, une formation de cold wave/gothic rock déjà vue auparavant, mais pas question de rater Anathema ! Créé à Liverpool au début des années '90, ce band est parvenu à faire évoluer son style du doom-metal vers le prog-metal, avant de s’orienter vers un prog rock alternatif proche de Steven Wilson, Radiohead, voire même Portishead. ‘Nous ne sommes pas payés mais il y a des choses plus importantes que l'argent. Le respect, par exemple, le respect pour vous, qui avez payé vos tickets’. C'est par ces mots, admirables, que Vincent Cavannagh, le chanteur, entame le concert. Le premier titre est éponyme, c'est « Anathema » et aux côté de Vincent, on retrouve la famille Cavannagh : Danny à la guitare et Jamie à la basse. A la batterie, il y a John Douglas et au second chant, la jolie Lee Douglas (encore une histoire de famille).
Pendant « Untouchable Part 1 & 2 », on se met à planer sur les belles harmonies mais l’ensemble manque un peu de pêche. Heureusement, on a droit au fabuleux « Closer », un OVNI musical aux confins de l'électro, du prog rock et de l'indie rock : une pure merveille. Anathema prend congé sur « Distant Satellites » et on remercie les musicos pour le merveilleux geste désintéressé qu'ils viennent de poser. Thx !
Epuisés, nous nous accordons une nouvelle pause pendant Tanzwut et après une courte interruption, on entend la musique d'Eyes Wide Shut (« Masked Ball » de Jocelyn Pook) et c'est... Killing Joke !!! La formation de Notting Hill commence en force, par son plus grand hit, « Love Like Blood ». Immédiatement, c'est le délire dans le (et autour du) chapiteau. Le son est d'une puissance phénoménale et Jaz Coleman, arborant son look rituel de Severus Rogue (ça me rappelle quelqu'un – private joke), parvient sans trop d'effort à placer sa voix de stentor au-dessus de la mêlée. On vit un grand moment, qui se poursuit par Wardance », « Complications » et « Requiem ». Le béret sur la tête et la cigarette au bec, Geordie White est impérial, comme à l'accoutumée. Quant à Youth, à la basse, il a l'air de plus en plus... jeune ! Symboliquement, le groupe nous réserve « Money Is Not Our God », un titre de circonstance ! Au total, Killing Joke va interpréter 17 titres, dont certains, rallongés. Un show exceptionnellement long et d'une rare intensité.
Trop fatigués pour attendre Therion, nous quittons la plaine de Neerpelt satisfaits, persuadés d'avoir assisté à un festival à nul autre pareil. Evidemment, il faudra que la lumière soit faite sur ce qui s'est réellement passé mais une chose est sûre : c'est l'altruisme des volontaires, tant techniciens que musiciens, qui a permis au festival de poursuivre son déroulement et pour cette raison, ils méritent notre respect ! Et c'est grâce à eux que l'Eurorock n'est pas devenu l'Horror-rock... Hum...
Pour les photos, c’est ici
Rongé par l’ennui un samedi de mai, votre serviteur a été intrigué, au détour d’une promenade, par le va-et-vient de badauds tout droit sortis d’un mouvement hippie post Woodstock.
Sa curiosité l’a conduit à l’entrée d’une propriété communautaire à Jemappes au sein de laquelle se déroulaient des festivités destinées à récolter des fonds participatifs. Un mini festival à la clé (‘Les sons du petit Marais’) !
Il s’agissait de la toute première édition du genre. Elle n’a malheureusement pas attiré grand monde. Il faut avouer que la publicité accordée à cet évènement était quasi inexistante. L’affiche proposait une artiste à la connotation exotique : Hano-ah. J’avais pourtant d’autres chats à fouetter. Je ne me suis donc intéressé qu’à elle. Bien m’en a pris…
Le monde de la musique est une véritable jungle à travers laquelle il est souvent difficile de se frayer un chemin. Certains groupes sont éphémères. Parfois, ils ne parviennent pas à procurer la moindre émotion. D’autres, encore, laissent un souvenir indélébile… Aurore Di Cesare, à l’état civil, appartient de cette minorité !
Véritable OVNI dans le paysage musical, cette jolie jeune femme à l’allure prépubère, semble avoir traversé, le temps d’une parenthèse, le tube cathodique d’une émission de télévision style High School Musical.
Elle jouit en réalité d’une solide expérience dans le domaine, bien qu’elle vienne à peine de souffler ses 27 bougies !
Ainsi, alors âgée de 21 ans, elle parvient à fédérer suffisamment de fans afin de récolter la coquette somme de quinze mille euros.
Le Crowdfunding lui permet de pénétrer le marché grâce à la publication d’un premier opus dix titres intitulé « At the crack of dawn ». Lors des sessions d’enregistrement, elle s’était intelligemment entourée d’un orchestre classique. Distribué par Universal, le disque a été produit par le talentueux Renaud Lhoest, malheureusement disparu trop tôt après avoir souffert d’une longue et pénible maladie.
La suite de la carrière de cette Montoise d’adoption sera vécue comme une conte de fée. Après une première création pour le ‘Festival au Carré’, organisé par le Manège, Hano-ah se produit en live dans l’émission ‘50 degrés nord’ sur Arte ainsi que ‘Sans chichis’, sur la RTBF.
Cerise sur le gâteau, les chansons de son répertoire sont reprises pour la BO du film anglais « Echoes of summer sin » de Steven Owen.
Fort de ce succès, un Ep quatre titres voit le jour 2013. "Slow waltz ", permet à la belle Italienne de revenir sur le devant de la scène avec des fondamentaux. Expérimental dans la démarche intellectuelle, ce mini album se veut aussi plus épuré. Un disque à son image en quelque sorte !
Sur les planches, malgré une carapace qu’elle souhaiterait dure comme la pierre, la demoiselle redevient une petite fille. Ses failles et faiblesses refont surface. Parfois hésitante, presque timide, elle reste subtilement émouvante.
Ses questionnements sont nombreux ! On la sent meurtrie dans sa chair et son cœur, victime d’un passé torturé ! Sa musicalité trahit, à peine, des blessures qui semblent ne pas s’être encore refermées totalement. Une artiste à fleur de peau !
Son univers campe un mélange étrange de sons oniriques produits par son synthé et des loop vocaux amusants. Plutôt douée pour la beat box, c’est surtout lorsqu’elle s’exécute au piano-voix, qu’elle devient d’une sensualité époustouflante ! Ses paroles me bercent. Un peu comme un enfant dans les bras chaleureux de sa mère !
Planté à une encablure de l’estrade, je la contemple et redevient tout à coup le gosse que j’étais jadis découvrant son petit train en guise de cadeau de Noël. Je ne sais quoi dire. Je suis transi d’émotions. Je frissonne, mon cœur palpite et j’ai les jambes en coton…
C’est dans la langue de Voltaire qu’elle transcende viscéralement son répertoire ! Sa reprise de Noir Désir, « Le vent nous portera », est un chef-d’œuvre ! Elle parvient à se réapproprier ce titre légendaire. C’est dans cet exercice de style que l’on discerne le talent véritable des musiciens ! Beaucoup s’y essaient, mais peu y parviennent ! Chapeau bas M’dame !
Plus cocasse, l’angulaire sous laquelle elle dépoussière par sa seule créativité un titre ultra populaire de Desireless, « Voyage voyage ». Magnifique !
Son anglais approximatif dénature par contre quelque peu ses compositions écrites en anglais. Elle devrait y être plus attentive !
Artistiquement proche de Lisa Gerrard, Dead Can Dance ou encore This Mortal Coil, son show d’environ une petite heure est un melting pot de tendresse et de mélancolie. Qu’on aime ou pas son univers, on ne peut rester insensible à un telle prestance et à ce grain de voix particulier, éraillé parfois, mais tellement envoûtant.
Ses yeux pétillent de bonne humeur. Il lui est difficile de contenir ses larmes lorsque la thématique du cancer dont un ami proche n’a pas survécu, est évoquée. Ce qui pour le commun des mortels serait une faiblesse, elle, en fait une force !
Le regard ténébreux qui me glaçait le sang au début du spectacle devient tout à coup limpide, transparent. Je parviens à lire dans les grands yeux bruns d’Aurore comme dans un livre ouvert. J’y vois ses imperfections et ce spectre de contradictions qui l’entoure et fait d’elle une personne attachante dans le sens le plus noble du terme…
Seule petite ombre au tableau, son ‘live’ souffre de temps à autre de l’absence de consistance sonore. Même si le minimalisme issu de son créneau identitaire lui va comme un gant, les efforts qu’elle prodigue restent insuffisants afin de capter durablement l’attention de son auditoire. Dommage !
Hypnotique et mystérieuse, il n’était pas besoin d’être un fin observateur pour constater que cette demoiselle m’a littéralement métastasé l’âme. Je n’en suis pas sorti indemne. La vie est parfois bien étrange…
Setlist :
Walking away
The river
Slow waltz
Monster
Voyage voyage (reprise)
In the sea
Le vent nous portera (reprise)
Leave me, don’t hurt me
My dear
La rumeur (reprise)
Gnôthi + Hano-ah + Gabba Lovers + The Cherry Blossoms + Ozvald
Le 15 mai, Broadcast Island et Birdy Hunt assuraient le supporting act d’un des groupes les plus en vogue sur la scène belge, à savoir Recorders.
C’est dans l’enceinte de l’Alhambra, salle charismatique située en plein cœur de la Capitale Européenne de la Culture, que se déroulait l’événement du jour. Si le son était de mauvais à moyen au fur et à mesure du déroulement des différents spectacles, l’ingénieur son s’en est plutôt bien tiré lors de la troisième prestation ! L’endroit souffre en effet de l’effet désastreux de trop nombreux échos difficiles à maîtriser, semble t-il…
Place à Broadcast Island. Autant le dire, même s’ils manquent ici et là d’un peu de précision dans le jeu, que les quatre gaillards, à l’allure juvénile, ont livré un show bien croustillant et percutant !
Passionnés de musique, les Bruxellois se sont déjà forgé une solide expérience. Intitulé « Everyone say Yeah ! », leur Ep leur a permis de pénétrer au sein de la jungle musicale. C’était en 2012 et le band militait alors sous le patronyme de Hey Yeah.
Après six ans d’existence, il a tout simplement décidé d’en changer. Comme une envie de se reconstruire, faire fi des erreurs du passé et embrasser de nouvelles ambitions.
Convaincant à souhait, BI enchaîne les dates et se voit même proposer le circuit tant envié de salles plus importantes telles que l’AB Club (en 1ère partie de Minéral, projet du guitariste d’Archive, Craig Walker), le Botanique (de Strypes), le Belvédère (d’Intergalactic Lovers) ou encore dans le cadre du BSF. C’est dire l’engouement dont il fait alors l’objet !
Etrangement, la voix du singer n’est pas sans rappeler un certain… Morrissey. Ce mimétisme bien involontaire trouble parfois !
Leur fer de lance ? Le rock ‘rentre dedans’ ! Ils sont jeunes, talentueux et en ont dans le pantalon. J’ai hâte de les revoir lorsqu’ils auront pris quelques années de bouteille !
C’est ensuite au tour de Birdy Hunt de titiller nos récepteurs auditifs. Et c’est un euphémisme… Ces Parisiens ont partagé une même affinité musicale commune lors d’une soirée festive.
Très vite, les répétitions s’enchaînent et donnent naissance à une salve de titres pêchus !
S’ensuit une tournée d’une quinzaine de dates en Angleterre, terre promise du bon son. Le retour sur investissement est immédiat. Les gars se forgent rapidement un nom dans ce milieu très fermé !
Cette escapade les entraîne dans les studios londoniens de Denmark Street. Un premier album est gravé en 2008. Malheureusement, il restera inédit !
La véritable consécration arrive en 2011. Des concerts à gogo, une participation à la sélection SFR Jeunes Talents pour le Printemps de Bourges et les ‘Avant Seine’ de Rock en Seine.
Finaliste du prix RLM l’année dernière, Birdy Hunt publie « Shoplift ». Une claque !
Proposant une expression sonore sise à mi chemin entre les Killers et Bloc Party, le set prend la forme d’une thérapie de groupes aux dépressifs qui auraient eu la bonne idée de se fondre dans la fosse !
Ces gamins, poseurs, arrogants, mais très professionnels sont taillés pour le ‘live’ ! Ils ont assuré comme des grands ! Quelle prestation !
La cohésion entre les musiciens en dit long ! Ici, pas de place pour l’individualisme !
L’enseigne lumineuse placée au fond de la scène et les LED à l’intérieur des fûts du drummer communiquent même des réminiscences seventies. Grandiose !
Recorders avait l’honneur de clôturer ce mini festival. Adoptant une ligne de conduite plus commerciale que ses deux prédécesseurs, le groupe cultive une pop mélancolique assez classique, mais aux accents pop/rock issus de l’Oncle Tom, le tout stimulé par des beats métronomiques et balayé de nappes de synthé atmosphériques.
Gordon, le leader du band, fonctionne au diesel ! Quoique formé en 2006, le premier album ne tombe dans les bacs qu’en 2014. Mixé par Tony Hoffer (M83, Phoenix, Air, Beck, The Fratellis), à Los Angeles, et financé partiellement grâce au Crowdfunding, « Above The Tide » permet au groupe de décrocher plus ou moins 70 dates (dont une mini tournée en Angleterre) et s’assurer de l'airplay sur Pure FM et Studio Brussel, depuis 2012.
Propulsés au rang médiatique par le clip « Purple and Gold » qui a recueilli plus de 50 000 vues dès la première semaine, Gordon Delacroix, Alexandre Meeus, Arnaud de Ghellinck et Florian Donnet (il fêtait ses 25 printemps) s’étaient grimés le visage comme d’habitude. Une manière comme tant d’autres d’affirmer une identité un peu tribale. Seul Pierrick Destrebecq, le drummer, ne s’était pas livré à ce rituel. Comme pour se distancer des autres…
Durant près d’une heure, le combo va balancer une salve de titres tous plus festifs et entraînants les uns que les autres, oscillant de « Kelly » à « Someone Else's Memory », en passant par « 85 MHP » et « Colorimetic ». La tristesse et l’amertume n’ont pas leur place dans la setlist.
Le batteur s’en est livré à cœur joie tout au long de « Wolf Drums ». Son drumming est d’une précision incroyable ! Il percute sans vergogne fûts, caisse claire, grosse caisse et diverses cymbales de manière incisive et sans la moindre hésitation ! La maîtrise de cet instrument de musique ne s’improvise pas ! A bon entendeur…
La formation a interprété un titre du prochain elpee qui sortira tout prochainement, histoire de goûter le dessert avant le menu principal, en quelque sorte. La patte sonore est toute aussi reconnaissable. Ce qui n’est pas de nature à augurer des surprises… Wait and see !
En guise de clôture, « Beach » a rappelé qu’il était temps de se dire au revoir. Le marchand de sable n’était en effet plus très loin, même s’il n’a jamais enrayé du moindre grain, cette belle mécanique…
(Organisation : Alhambra)
L'Eurorock renaissait de ses cendres après 12 ans de silence. Il se déroule à Neerpelt, dans le Limbourg, et se focalise sur les musiques ‘sombres’ qui ont marqué les années 80. Et tout particulièrement les genres new wave, post punk, rock gothique, EBM (Electronic Body Music), synth-pop, électro-indus, etc. On se réjouissait du retour de ce festival, d'autant que l'autre grand évènement de ce type, le ‘Gothic Festival’ (qui a changé de nom par la suite, pour devenir le ‘Shadowplay’), avait disparu de la circulation, suite à un imbroglio financier. Si vous avez suivi les communiqués de presse diffusés ces derniers jours, vous êtes donc bien informés : l'Eurorock a dû être interrompu à midi, le samedi 16 mai, en raison du vol d'une partie de la recette. Pris d’un malaise, l'organisateur a dû être hospitalisé. L’organisation a été reprise en main par quelques volontaires et heureusement, la plupart des groupes ont accepté d’abandonner leur cachet ou une partie de leur 'fee'.
Mais revenons au vendredi. Lors de notre arrivée, vers 13h (nous avions fait l'impasse sur la soirée de 'warm-up' du jeudi qui ne proposait qu'un groupe 'live'), rien ne laisse présager cette future débâcle. Tout semble baigner dans l’huile. Un énorme chapiteau abrite deux podiums qui se font face. Ce qui permet de passer d'un concert à l'autre sans interruption. Ce n'est pas encore la toute grande foule, mais l'ambiance est sereine ; et en plus, il fait beau !
Nous mangeons un bout en écoutant de loin la musique électro-indus de XMH ; mais c'est au moment de This Morn' Omina, que nous nous pénétrons sous la tente. Quoique méconnu, ce combo belge (le jeu de mot, lui est connu!) surprend agréablement. Sa musique post-industrielle véhicule des accents tribaux, notamment grâce au chant et aux percussions 'live'. Le line up réunit le fondateur Mika Goedrijk, Karolus Lerocq, Jelle Mattez, Peter Morningstar et mon ami Bavo Jipla. Dans l'ensemble, le set est réussi, fascinant et irrésistible. Une belle découverte !
Star Industry, c'est un peu le Sisters of Mercy noir-jaune-rouge. Son rock gothique se complait malheureusement trop dans le mimétisme pour attirer l’attention. On a quand épinglé une reprise, très douteuse, du célébrissime hit ‘Kids’ de MGMT. Hum...
Ensuite, le légendaire Luc Van Acker, une des figures marquantes de la pop/new wave des années 80 en Belgique, va nous accorder un show impressionnant. Coiffé de sa casquette de marin et entouré de 6 musiciens, il nous propose les meilleurs morceaux de son unique album, « The Ship », un elpee qui date de 1984. L'ambiance est très fun, et très funky ! « Feels Like Love », « Wildlife » et « Climbing The Mountain » déménagent littéralement. Classique, « Zanna » est superbement exécuté en duo, non pas en compagnie d’Anna Domino, mais de la choriste du band. Chouette set !
A Split Second est une autre formation belge. Selon la légende, elle est la responsable de la new beat. C'est en effet un de ses morceaux, « Flesh » qui, ralenti de 45 tours à 33 tours (+ 8% de pitch) par le DJ Marc Grouls, a lancé ce phénomène au Boccacio, près de Gand. Mais il ne faut pas se tromper : A Split Second est au départ, un groupe EBM. Créé par Peter Boone et Marc Ickx en 1985, il est toujours actif aujourd'hui. Sur les planches, il commence par le célèbre « Colonial Discharge », qui est malheureusement coupé au moment de l'instrumental pour laisser la place à « Rigor Mortis ». Pendant « Colosseum Crash » et « Mambo Witch », on remarque la très forte présence sur le podium du chanteur, Marc Ickx. Très autoritaire, il va jusqu'à agresser (gentiment) son guitariste sur le titre « On Command ». La dernière flèche décochée sera... « Flesh », dans sa version rapide (45 tours), pour le plus grand plaisir d'un public de plus en plus nombreux et de plus en plus réceptif.
Après une longue pause, nous revenons pour Diary of Dreams, les champions de la darkwave allemande. Originaire de Reutlinger, la formation emmenée par Adrian Hates est une tête d'affiche régulière des festivals gothiques. Sur disque, sa musique est très élaborée et affiche un côté solennel, symphonique et romantique. Malheureusement, le band a la mauvaise idée de durcir le ton en ‘live’, de rajouter des guitares un peu poussives et d'en faire une tonne pour jouer aux ‘entertainers’. Mais ne boudons pas notre plaisir, la qualité y est et les compos font quand même mouche, que ce soit « Chemicals », « Undivided » ou surtout, le superbe « Kindrom ».
Nous zappons volontairement Crüxshadows, ne supportant ni la voix de canard du chanteur, ni le côté pop décérébrée des compositions. Nous préférons nous placer pour la sensation de la journée : Suicide Commando. J'ai beau avoir vu la formation de Johan van Roy de nombreuses fois, je suis toujours soufflé par la puissance de sa musique. Après avoir créé son projet en 1986, le Campinois est devenu un des pionniers de l'electro-indus, en combinant les aspects EBM de groupes comme The Klinik ou Front 242 et des éléments post-industriels inspirés par Throbbing Gristle ou Cabaret Voltaire, épiçant le tout à d’une imagerie très 'dark' et de vocaux 'diaboliques', trafiqués par de multiples effets. Son hit « See You In Hell » a été l'un des club-killers des années 90 et continue de faire le bonheur des soirées 'dark'. A l'Eurorock, le groupe n’a pas joué « See You In Hell », mais il y a suffisamment de titres irrésistibles dans le répertoire de Suicide Commando pour satisfaire les fans. « Bind, Torture & Kill », par exemple ou « God Is In The Rain », caractérisé par son riff très orienté folk (eh oui!). Van Roy est, comme d'habitude, vêtu d’une chemise noire, sur laquelle il a noué une cravate rouge. Il virevolte d'un côté à l'autre de l’estrade. Le public réagit très positivement à cette musique captivante et danse sans hésiter sur « Dein Herz Meine Gier » ou « Love Breeds Suicide ». Les vidéos sont superbes, extrêmes et d'une esthétique volontairement violente. « Attention Whore » et « Die, Motherf*cker Die » clôturent à merveille une prestation en tous points irréprochable. Bravo !
A peine le temps de souffler que les amis de Vive La Fête entament leur set de l'autre côté du chapiteau. Els Pinnoo et Danny Mommens font pratiquement partie des meubles. Il n'y a pas un festival ou une fête de village sans un concert des Gantois. Créé en 1997, Vive La Fête a réussi à percer grâce au support fourni à l'époque par Karl Lagerfeld. Leur show à l'Eurorock est sans surprise, très professionnel. Leur style associe new wave, Neue Welle avec un côté électro-pop naïf très touchant. « Tokyo », « Assez » et « Schwarzkopf » sont d'une efficacité redoutable et la danse frénétique d'Els Pynoo incite tout le monde à remuer les fesses. Dans « Noir Désir », la chanteuse nous montre toute l'étendue de son registre vocal par des cris qui s’élèvent de plus en plus haut. La prestation s’achève très classiquement par la reprise du thème de Jésus-Christ Superstar à la guitare et un final très rock. Rien à redire !
Il est maintenant 22h et on commence sérieusement à se les geler sur la prairie de Neerpelt. Le chapiteau laisse passer le vent qui devient glacial. L'enthousiasme retombe un peu, d'autant que les deux formations suivantes, Oomph ! et ASP, sont tout sauf passionnantes. Le style de Oomph ! est proche de celui de Rammstein. Il est donc plutôt lourdingue. Le seul bon moment du concert survient lors de l’exécution de plus anciens titres, « Mein Herz » et, surtout, le fabuleux « Der Neue Gott », une bombe de dance-floor ! Mais pour le reste, les musicos sont un peu ridicules, dans leurs costumes de marins. Ils poussent même l'humour (?) jusqu'à entonner une chanson digne de l'Oktoberfest et finissent leur show par une adaptation d’« Always Look On The Bright Side of Life ». Ooumch !
La prestation d’ASP est pire ! Son rock gothique est encore plus pénible et le concert, interminable (1h15!). On ne comprend pas trop bien pourquoi ce groupe figure aussi haut à l’affiche du festival.
Au moment où Apoptygma Berzerk monte sur le podium, il est passé minuit. Frigorifiés, nous parvenons à résister pendant un peu plus de 20 minutes, juste assez pour constater que la formation norvégienne a quand même un peu perdu de sa superbe. Stephan Groth n'est plus le jeune éphèbe look-alike de Brian Molko. Il a pris un peu de poids et porte... une moustache ! Sa synth-pop acidulée ne passe plus aussi bien qu'il y a 10 ans, sans doute à cause de l'heure tardive… Nous décidons donc de rejoindre nos pénates, car demain est un autre jour !
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James Day est né à Valdosta, en Georgie, dans une famille de militaires. Ce qui explique pourquoi il n’a jamais vécu longtemps au même endroit, au cours de sa jeunesse. Quand la tribu revient à Biloxi, dans le Mississippi, James apprend à jouer de la guitare et prend goût au blues ainsi qu’à la roots music. Il passe quelques années à la Nouvelle-Orléans avant que l'amour ne le fixe à Philadelphie. Il y monte James Day & the Fish Fry en 2003. La musique de ce band propose alors un mélange de jump blues et de R&B néo-orléanesque. Ce combo publie un premier elpee, "Blues latitudes". A cette époque, Jamies se perfectionne à l'harmonica, à l’écoute de ses maîtres, Little Walter et Sonny Boy Williamson, puis de pointures davantage contemporaines, comme Kim Wilson et Rick Estrin. En 2009, il enregistre un excellent opus, "Firecracker'", sous la houlette de James Harman. Lors des sessions, il reçoit le concours de la crème des musiciens californiens jump, Nathan James, Carl Sonny Leyland, Johnny Viau et Marty Dodson.
"Southland" est une célébration de la musique du Sud des States, et principalement la Gulf Coast. Pour parvenir à son objectif, James a fait appel à son backing group, Fish Fry ; soit le guitariste Mark Shewchuk, le claviériste/accordéoniste Ron Baldwin, le drummer John Merigliano et le bassiste Michael Massimino. Mais également de nombreux invités. La prise de son a été réalisée au studio Widget, près de Philadelphie. Les quatorze plages et la production sont signées par Day.
Southern boogie imprimé sur un tempo ‘rollingstonien’, "Chain of pain" est une superbe entrée en matière. Chuck joue de la guitare essentiellement en mode rythmique. James se consacre à la slide. Les interventions au piano sont syncopées. "Next new thing" adopte un profil proche du West Coast jump. Un morceau très rythmé au cours duquel Ronnie siège derrière l'orgue Hammond, James souffle comme un forcené dans son harmonica chromatique, alors que Greg Snyder décolle sur sa guitare bop toute en swing. Excellent ! "Muscadine wine" nous entraîne au cœur des swamps. L'orgue Hammond s’impose. Mr Day double à l'harmonica et à la cigar box guitare et Carl Crabtree est préposé au saxophone baryton. "Time & Money" met le cap plein Sud. La plage baigne dans une atmosphère très Jimmy Reed. Redoutable souffleur californien, Mark Hummel se consacre à l’harmo alors que pas moins de cinq guitares justifient leur participation. Le Fish Fry nous embarque alors dans le jazz manouche en abordant "Nat'chel man", un titre balayé par la mandoline de Rich Delgrosso, le violon cajun de Bill Nixon et la clarinette de Walter Bechtold. Guitare, piano et harmonica entretiennent un swing tout au long de "Fish fry jump". Nous sommes retournés dans les bayous. Caractérisé par ses cordes acoustiques, sa mandoline, son harmonica et ses diverses percussions, "Country woman" revient aux racines. Propice à la fête, "One step des Chameaux" invite à la danse. Une plage qui baigne dans le cajun au son du violon, de l’harmonica et des percus. On se croirait chez Auntie Sue au Fred's Lounge de Mamou ! Blues d’une grande pureté, "Weather blues" nous plonge dans l’atmosphère du Delta du Mississippi. Les interventions à l’harmo de Mark Hummel son belles à pleurer, des larmes qui coulent également des accords dispensés par la National Reso-Phonic de Delgrosso, alors que Greg tente de les sécher à l’aide de son piano juke joint. "Zydeco Boogaloo" est une autre incitation à la danse, un morceau caractérisé par le recours à un frottoir, la présence de congas et bien sûr de l'accordéon à Ron Baldwin. Lors du carnaval, tous les street bands fréquentent la Nouvelle Orléans. "Festival time" en est une belle illustration, un titre qui bénéficie de la participation des Wild Bohemian Horns, dont le line up se partage clarinette, trombones, saxophones, banjo et accordéon. Irrésistible! La musique à bouche est insatiable tout au long de "Money smarts & charms", une piste rythmée par le piano honky tonk et balayée par la Telecaster de Mark Shewchuk. Et c’est le titre maître qui clôt l’opus. L’harmo de Mark Hummel ainsi que les voix féminines de Keli Vale et Alisa B. Anderson y préservent un climat, ma foi, très serein…
Organic est une formation belge fondée en 2011 par Raphaël Haubourdin. Préposé aux voix, claviers et programmations il milite également chez Kinex Kinex. Il est soutenu par Joris Oster à la basse, aux programmations et à la production (NDR : il sévit également au sein de Silver Riot) et le drummer Olivier Justin, qui a aujourd'hui rejoint le line up du combo. Leur premier opus, « Under A Carbon Constellation », avait causé la sensation en 2012, grâce à une musique novatrice, combinant post-rock, électro, prog, psyché, stoner, new wave et post punk : excusez du peu ! « Empty Century », leur second elpee est plus simple, plus direct.
Dans une interview accordée à votre serviteur dans le cadre de l'émission WAVES (Radio Vibration), Raphaël Haubourdin avait confié que l'objectif premier de cet LP était de faire danser le public lors des concerts. ‘C'est un choix collectif de production : on a pris l'option de bâtir des titres pour que les gens tapent du pied. Donc, dès le départ, on a choisi des rythmes entraînants, avec une approche plus directe.’
Le résultat est impressionnant. La majorité des plages sont de véritables bombes. On retrouve bien entendu les fondamentaux d'Organic : les puissants staccatos de basses post punk (Peter Hook n'est pas loin), les drums percutants, les synthés aux arpeggiatos spasmodiques et surtout la voix baryton si caractéristique d'Haubourdin. Mais par rapport au premier LP, la structure des compos est différentes. Elle est plus classique et implique intro, couplet, bridge et refrain.
La musique baigne essentiellement dans un power electro-rock teinté de post punk et de stoner, qu’on pourrait situer quelque part entre Joy Division, New Order, Editors, Nine Inch Nails et Queens Of The Stone Age. Le premier promo-single, « Alyss », évoque davantage le légendaire Chameleons, à cause de son côté post punk plus affirmé, alors qu’« Hyperbola » lorgne plutôt vers Interpol. Ses riffs caractéristiques et ses ‘oh oh’ lui confèrent un haut potentiel radiophonique. D’autant plus que le second couplet nous plonge dans une ambiance très 'dream wave' psychédélique. Il aurait été intéressant qu’une composition complète soit construite sur base de ce passage sublime.
Après « Position », un autre brûlot que n'aurait pas renié Trent Reznor en personne, « Moneytron » fascine par sa rythmique robotique, ses nappes de mellotron et son refrain épique. « Rip Me » est le 'rework' d'un titre d’Agent Side Grinder, un groupe suédois de post punk notoire dans les milieux dark/wave. Du morceau original, seule la voix de Kristoffer Grip a été conservée ; et autour d'elle, les musicos ont élaboré des arrangements 100% Organic. C’est la raison pour laquelle on ne peut pas parler de remix, mais bien de 'rework', un peu dans l’esprit de Trentemøller…
Enfin, chassez le naturel, et il revient au galop : "Mystical color », piste qui clôt l’opus, renoue avec le post-rock/prog exploré dans le passé. Longue de 12 minutes, cette plage est divisée en trois parties : une chanson plutôt classique, un intermède à la basse solo très post-metal et enfin, un final très psychédélique, voire même tribal, traversé par une incantation hypnotique à vous flanquer des frissons partout. Un peu comme si le combo nous laissait entrevoir un monde idéal, illuminé de lumière.
Au final, Organic confirme ici son énorme potentiel et il ne nous étonnerait pas que cet LP rencontre un succès international. Et pour y parvenir, le band a reçu le concours de deux labels qui publient "Empty Century" : Manic Depression, une écurie française, qui sort le disque en format vinyle et SwissDarkNights, label suisse, qui prend en charge le CD et Bandcamp. Superbe, la pochette s’inscrit parfaitement dans la lignée, ‘organique’ et ‘maritime’ du premier elpee. Après le crabe yéti, qui ornait celle d’« Under A Carbon Constellation », cette superbe création met en scène d'un homme tenant une méduse comme un cerf-volant ; une image très floydienne que l'on doit au photographe Gurbir Grewal.
Pour écouter « Empty Century », c’est ici
Pour pré-commander le CD, c'est là
Le vinyle sort fin du mois de mai. Pour être informé, suivez ORGANIC sur Facebook ici
On peut réécouter sur mixcloud l'émission WΛVES (Radio Vibration) du 10 mai, au cours de laquelle Raphaël Haubourdin a présenté « Empty Century ». C'est encore là
On peut aussi (re)lire leur interview, parue dans les colonnes de Musiczine en janvier 2013: http://www.musiczine.lavenir.net/fr/interviews/organic/comme-un-yeti-dans-l-eau/
Ecran noir. Le logo du groupe Satyricon fait son apparition. Il est sous-titré par la mention ‘With the Norwegian National Opera Chorus’. Des chuchotements se propagent, rapidement surplombés de notes au violon et piano. Lever du rideau sur un podium plongé dans l’obscurité, fumante en arrière-plan. Seules quelques lumières tamisées éclairent le plafond, permettant de deviner l’ombre d’un guitariste sur le côté droit de l’estrade. L’auditoire ne peut s’empêcher de lâcher un cri, suivi d’applaudissements nourris. Mais attention, en y mettant la forme. Opéra oblige. Des lumières rouges s’éveillent peu à peu, laissant percevoir une chorale d’une quarantaine de personnes. Sortant des abysses du plancher de la salle d’art norvégienne, Frost et son impressionnante batterie font irruption, sur les premières notes de « Voice of Shadows », titre d’ouverture de leur dernier LP en date, sobrement intitulé « Satyricon ». Des fumigènes envahissent à présent l’avant de la scène, avant que n’émerge Satyr, frontman du band, des entrailles de l’opéra norvégien. Deux spots éclairent en permanence les deux artistes, laissant le reste des musiciens dans l’obscurité, histoire de rappeler qui sont les deux seuls membres permanent de ce groupe phare du Black Metal. Le backing group est d’ailleurs toujours constitué de musiciens de session. ‘J’ai une longue histoire de coopération avec des musiciens de musique classique’, explique le vocaliste, avant de poursuivre : ‘Un violoncelliste du Trondheim Symphony Orchestra a notamment contribué avec nous sur l’album « Volcano ». Pareil sur « Now », « Diabolical » et sur « The Age of Nero », où c’étaient là des cuivres du Norwegian Radio Broadcasting Orchestra qui ont apporté leurs sonorités. Donc, au final, travailler avec le cœur de l’Opera Royal Norvégien n’a pas été quelque chose de nouveau pour moi mais bien une continuation d’expériences de ces vingt dernières années. Cela n’empêche, il s’agit là de notre plus grosse coopération’.
Cet enregistrement atypique, enregistré à la fin de l’année 2013, marquera certainement l’histoire du groupe norvégien. Non seulement le cadre est splendide, chargé d’histoire et de spiritualité, mais le cœur de l’Opéra Royal apporte une profondeur incroyable aux morceaux, une aura aux contours diffus mais belle et bien présente. Preuve en est, par exemple, lors de cet intermède qui précède « Die By My Hand », où le chœur seul vient annoncer le morceau dans une envolée lyrique, sobre et inquiétante, figeant Satyr à l’avant de l’estrade. Outre l’intéressant clivage visuel entre le cœur tiré à quatre épingles et un Satyr légèrement maquillé, cheveux longs emmêlés et tout de cuir vêtu, il est agréable de constater cette passion pour la musique qui unit les artistes. Une rencontre de deux mondes que, à première vue, tout oppose. Mais une année et demie de travail a permis d’explorer les compositions jusqu’à atteindre une essence commune. Une alchimie explosive qui vous transporte et vous prend aux tripes. On dépasse le stade du musical pour, de temps à autre, toucher du bout des doigts le monde du spirituel. Moment particulier lors de « Phoenix », tiré de leur dernier opus, où Satyricon est rejoint sur les planches par l’ex-Madrugada, Sivert Høyem (NDR : chanteur norvégien de rock). Les classiques barrières du Black Metal, pourtant bien enracinées, sont ici détruites pièce par pièce. Le public a de plus en plus de mal à rester assis. Faisant la part belle aux dernières compositions, ce ‘live’ va de temps à autre quand même puiser dans un répertoire plus ancien, et notamment « The Pentagram Burns », « To The Mountains », « Den Siste »… ou encore un des grands classiques, « Mother North ». Si vous n’avez pas les poils qui se dressent sur la peau, à l’écoute de ce titre, devenu un hymne de l’histoire du Metal, alors je ne comprends plus rien.
Que vous soyez fan ou pas de Satryricon, vous ne pouvez pas passer à côté de cet hybride musical. Une rencontre hors du commun qui creuse profondément au sein de vos entrailles et repousse encore un peu plus les murs de la création. A vivre!
Tracklist : Voice Of Shadows - Now, Diabolical - Repined Bastard Nation - Our Wold, it Rumbles Tonight - Nocturnal Flare - Die By My Hand- Tro Og Kraft - Phoenix - Den Siste - The Infinity of Time and Space - To The Mountains - The Pentagram Burn - Mother North - K.I.N.G
L'European Challenge est une compétition qui réunit les meilleures formations blues européennes. Sa première édition date de 2011. La 5ème s’est déroulée dernièrement à Bruxelles, au sein de l'Ancienne Belgique. Belge, Howlin' Bill avait remporté le premier concours, organisé à Berlin. Pour ce nouveau challenge, la Belgique figurait une nouvelle fois parmi les favorites, puisqu’elle avait délégué les redoutables Doghouse Sam & His Magnatones. Le label Blues Boulevard a publié, un très beau double CD pour présenter dix-neuf des concurrents.
Au sein de la capitale européenne, c’est la formation basque, The Travellin' Brothers, qui a décroché les lauriers devant Doghouse Sam. Serais-je chauvin ? Perso, à l’écoute de l’extrait, proposé, le combo noir-jaune-rouge me semblait bien meilleur. Bien sûr, particulièrement exubérante, la formation espagnole a sans doute fait la différence grâce à sa présence scénique. Fondé dix ans plus tôt, sa cohésion est également un atout. En outre, elle a déjà publié six albums! Chargé de swing, son "Magnolia Route" tient bien la route ; mais ce n'est pas vraiment ma tasse de thé!
Wouter Celis alias Doghouse Sam est épaulé par ses Magnatones, une véritable machine rythmique. Issu de leur dernier opus, "Something's wrong" est un rockabilly à la fois classieux et chargé de dynamite…
Sur la troisième marche du podium on retrouve le Norvégien J.T Lauritsen flanqué de ses Buckshot Hunters, un ensemble de soul/blues qui véhicule des accents tex mex et zydeco. J.T chante en s'accompagnant à l'accordéon, "Play by the rules", une piste illuminée par une splendide intervention à la slide.
Plusieurs formations nous réservent un blues plus acoustique et dépouillé. Dont le duo autrichien, réunissant le chanteur/guitariste Herman Posch et l'harmoniciste Christian Sandera. Son "Devil's woman" est impeccable. Autre tandem, mais suisse, The Two, qui nous balance un très roots "On and on".
Le blues croate n’est guère notoire. Pourtant, le Delta Blues Gang pratique un delta blues solide et amplifié. La chanteuse a une très bonne voix et le gratteur se révèle plutôt habile sur sa Resonator.
Hongrois, Eles Gabor Trio ne sort pas vraiment du lot, et les voix sont discutables. Luxembourgeois, Remo Cavallini Band exécute le blues rythmé "Self control". D’honnête facture, il est caractérisé par l’intervention d’un orgue et la participation d’une voix féminine. Roumain, le Marius Dobra Band manque quand même de classe. Polonais, Drunk Lamb semble hanté par Jimi Hendrix. Surtout le sixcordiste. Slovaque, Jergus Oravec Trio est un power trio qui puise ses références à la même source ; mais son "Real" possède un potentiel certain. Danois, Bound by Law pratique une forme de country alternative, réminiscente de Johnny Cash! Le blues scandinave jouit d’ailleurs d’une excellente réputation. A l’instar de Micke Bjorklof & Blue Strip des vétérans finlandais, qui démontrent tout leur brio à travers "Ramblified". La voix est consistante et les interventions à la slide, incisives…
La Suède aurait pu mieux choisir. Le Lisa Listam Family Band est annoncé comme la nouvelle sensation locale. Copie à revoir, même s’il faut attribuer une mention spéciale à l’harmoniciste Mikael Fall. Lui, franchement, il a la classe. Et d’autres pays auraient également pu élire de meilleurs représentants. Le funk/soul/blues de Pillac (France) tient la route, mais la voix de Xavier Pillac me semble un peu limite. Le hard rockin' blues de Jessy Martens Band (Allemagne) tire un peu trop sur la corde métallique, même si la chanteuse se débrouille plutôt bien au sein des climats dramatiques. Le "That's swing!" du Dave Moretti Blues Revue (Italie) fait vraiment tache d’huile. Le "Once and for all" du Leif De Leeuw Band reflète mal l’effervescence vécue par la scène batave contemporaine. Dépouillé, son blues est surtout caractérisé par la présence d’une bonne voix féminine et un excellent guitariste au style minimaliste.
L'Angleterre enfin, avait délégué le jeune Laurence Jones. Déjà repéré et signé par le label allemand Ruf, c’est un grand espoir du blues insulaire. Il excelle tout au long de son "Soul swamp river" ; mais il bénéficie du concours de fameuses pointures : Johnny Sansone à l'harmonica et trois musiciens du Royal Southern Brotherhood : Mike Zito, Yonrico Scott et Charlie Wooton. Laurence Jones a manifestement un avenir dans le blues. Signalons enfin l'absence de titre du band letton Elastic, sur cette compile.
En ce jeudi 14 mai, ce n’est pas vers un ciel quelconque, mais bien dans la petite ville flamande de Vosselaar que l’Ascension du jour s’est déroulée. Tout comme la figure mythique du grand barbu qui change l’eau en vin (NDR : pour la circonstance, la bière aurait été plus appropriée), c’est un Sylosis ressuscité qui est apparu ce soir sur les planches du Biebob. En effet, fin septembre 2013, les Anglais, alors en supporting act de Trivium et DevilDriver, sont proches d’y laisser leur peau, suite à un accident de voiture. Profondément marqués par cet évènement, les artistes sortent, au début de cette année, telle une catharsis, l’album « Dormant Heart ». Déclinaison par la scène.
C’est sous un crachin indigne d’un mois de mai que votre serviteur débarque devant le Biebob. Quelques badauds, adossés à la façade, bravent la pluie et grillent une cigarette. Une porte dérobée sur le côté permet d’entrer dans cet espace hybride, à mi-chemin entre le bar et la salle de concert. Ambiance intimiste assurée. La maigre affluence est probablement la conséquence de ce jour férié. On ne peut pas dire qu’on se bouscule. Mais bon, finalement, rien de tel pour profiter du spectacle à son aise.
Tout droit venu de San Diego, Wovenwar grimpe sur le podium. Quoique responsable d’un seul elpee à son actif, paru l’année dernière, la formation californienne n’est pourtant pas inconnue sur la scène Metal. Et pour cause, elle implique le chanteur de Oh, Sleeper. Et puis des membres du combo de Metalcore As I Lay Dying qui, pour pouvoir poursuivre leur job –vu que leur vocaliste s’est fait coffrer pour avoir payé un tueur à gages, afin de liquider sa femme– ont donc décidé de changer de crèmerie. Wovenwar joue ici davantage la carte du Heavy Metal, malgré une image quelque peu hétéroclite. Tel un Gaulois à la moustache plus que fournie et voluptueuse, Jordan Mancino siège derrière les fûts. Nick Hipa, le guitariste, pourrait être un cousin germain de Chuck Billy. Et Josh Gilbert, casquette à l’envers vissée sur le front, se consacre à la basse. Un étonnant tableau ! Mais il faut reconnaître que la prestation musicale est moins éclatante. Le groupe est en effet loin de bénéficier, ce soir, d’une balance de son optimale. La belle voix de Shane Blay est étouffée et les parties de guitares sont à la fois confuses et uniformes. Ce qui n’empêchera pas le quintet de donner ce qu’il a dans le ventre. Pour un public qui va se montrer réceptif et enthousiaste. Neuf des quinze plages de leur LP seront exécutées pendant ce set, au cours duquel le frontman va s’armer de sa six cordes, pour trois d’entre elles. Tous les ingrédients étaient bien présents, et il en a fallu de peu pour que la sauce prenne.
Les roadies débarrassent ensuite le matos afin d’installer celui de Sylosis. Les Anglais ne s’embarrassent apparemment pas de décors superflus. Seuls deux petits amplis Marshall (au fond orange flanqué d’un ‘S’ entouré d’un cercle noir) évoquent l’imagerie du band. La petite salle anversoise est à peine plongée dans le noir que retentissent les premières notes de l’épique « Wheres the Wolves Come to Die ». Les artistes apparaissent un à un sur l’estrade, mais le vocaliste Josh Middleton rencontre des problèmes avec sa gratte. Très calmement, un roadie vient à son secours et l’aide à enfourcher une nouvelle, pendant que s’écoule petit à petit l’inquiétante introduction du morceau. Middleton finit par s’en sortir et y replonge sans aucune difficulté. Il rejoint son micro et commence à s’époumoner. Force est de constater que les soucis techniques rencontrés par Wovenwar ne sont plus ici du même ordre. Ce n’est certes pas encore parfait mais désormais tout à fait acceptable. Bien qu’en tournée pour la promotion de son dernier elpee, « Dormant Heart », Sylosis n’oublie cependant pas d’intégrer de plus anciennes compos, la setlist épinglant deux morceaux de chacun de ses précédents opus.
Les Britanniques ne sont pas du style à arpenter la salle dans tous les sens. Tout le monde reste à sa place et se concentre sur l’exécution des morceaux, tissant petit à petit une bulle qui graduellement va englober l’auditoire. Pas la peine de mentir, ce n’était pas l’affluence des grands soirs. Seule la moitié de la petite salle était remplie. N’empêche que les metalheads qui assistaient au show savaient pourquoi ils étaient venus, écoutant tantôt presque religieusement certains passages lancinants et hypnotiques (« Leech », « Mercy ») mais donnant également de la voix quand la situation s’y prêtait, se lançant même timidement dans un circle-pit et un ‘wall of death’, à la demande des artistes.
L’aspect le plus impressionnant de cette soirée a sans doute été de pouvoir ressentir physiquement l’aspect technique des compos, mais également des émotions aussi diverses que variées en notes. Tout en parvenant à contenir intérieurement cette puissance presque jouissive, quoique insidieuse. Bien palpable, elle n’est jamais dévoilée au grand jour. Elle pointe juste le bout de son nez, de temps à autre. Une intensité que le band parviendra à entretenir tout le long du set qui, au final, aurait pu durer un peu plus longtemps. Une heure de spectacle, comme tête d’affiche, ce n’est pas le minimum syndical mais on n’en est pas loin. A moins d’être forcé de marcher un caillou dans la chaussure, Sylosis a donc encore de belles années devant lui.
P.S. : le 20 décembre 2014, la chronique de l’album « Dormant Heart » s’achevait par la phrase suivante : ‘(…) à voir si le band parviendra à transcender de la même manière son public, quand il montera sur les planches ». Pari gagné!’
Setlist : Where the Wolves Come to Die - Fear the World - Dormant Heart - To Build a Tomb - Mercy - Teras - Servitude - Leech - All Is Not Well - Altered States of Consciousness - Empyreal - Conclusion of an Age (rappel).
(Organisation : Biebob concerts)
Un fameux évènement s’est produit à l'Ancienne Belgique, au cours de ce mois de mai, puisqu’un même groupe (Arsenal) est parvenu à aligner 6 dates, toutes sold out. Côté records, seuls Channel Zero est parvenu à en faire autant (6) et Puggy un peu moins (4). Arsenal a donc voulu fêter sous cette forme, ses 15 années d’existence. La formation aurait pu remplir quatre fois de plus la grande salle, sans problème. Lors de ces soirées, le band a eu le bon goût d’offrir un cadeau à chaque spectateur, en l’occurrence un code qui lui a permis, pendant 24 heures, de télécharger l'enregistrement de vos cris et applaudissements pendant le show et le concert dans son intégralité.
Le grand rideau rouge est fermé. Fait plutôt rare à l’AB. Un piano, des machines et des samplers entourent un micro et un siège. Lydmor assure la première partie d'Arsenal et elle dispose de très peu d’espace pour son récital. Très jolie, cette Danoise nous vient plus précisément des Iles Féroé. Sa musique est électronique, mais aussi et surtout étrange. Une expression sonore qui soutient sa voix très particulière. Un chant hanté, passionné. Malgré le peu de surface disponible, elle parvient à danser. Et même à parcourir la fosse de long large, avant de s’écrouler presque aux pieds de votre serviteur. Pour son plus grand bonheur… Du public aussi, totalement conquis par sa prestation, il faut le préciser. Dans le passé, elle a déjà participé aux concerts de la bande au chanteur/guitariste John Rohan et claviériste/bidouilleur Hendrick Willemyns…
Arsenal n’est pas encore monté sur les planches, et l’ambiance est déjà fiévreuse. Le rideau rouge s'ouvre et laisse apparaître une forêt de grands arbres, illuminé par l’arrière. Une roue de spots à leds trône juste au-dessus d'Hendrick. A sa gauche, David Donnat (Suarez) se charge des percus. Et juste devant lui, s’est glissée la choriste Charlotte Adigéry. Bruno Fevery, le second gratteur, s’est planté à l'extrême gauche, et Mirko Banovic (Arno), le bassiste, à l'extrême droite, les deux sur une même ligne. Dirk Loots, le drummer est installé entre Mirko et la futaie. Sans oublier la très sexy et sympathique Léonie Gysel. Lors d’un concert d’Arsenal, il y a de la musique, de la danse, mais surtout une grande fête à laquelle communie l’auditoire. En 120 minutes, elle va nous conduire au 4 coins du monde, à travers différents climats reflétés par leurs albums publiés à ce jour.
Le set s’ouvre par « Angola » (NDR : extrait du premier LP, « Oyebo soul »), une compo qui baigne dans une atmosphère afro. Polyglotte, John la chante en dialecte africain. Dynamisée par les percus, la musique est largement métissée. Et puis, la plage intègre des chants d’oiseaux, un peu comme si cette nature était bien vivante.
« The Coming » est un extrait du second elpee, « Outsides », paru en 2005, titre au cours duquel on retrouve souvent Gabriel Rios, comme invité. Il n’est pas de la partie ce soir. Issu du même long playing, « Switch » est découpé par des guitares incisives et balisé par la section rythmique. « Mister Doorman » et « Amelaka Motinga » opèrent un retour au premier LP. Deux morceaux funkysants et colorés, propices à la danse. Et croyez-moi, la foule gigote allègrement dans toute la fosse.
John, Léonie et Shawn Smith (NDR : guest, il n’en est pas à sa première participation lors d’un spectacle d’Arsenal) chantent « Pacific » (NDR : qui figure sur « Lokemo »). Cap vers le Brésil pour « Saudade Pt 1 et 2 » (« Outsides »). Estupendo », c’est la plage d’ouverture de « Lotuk », gravé en 2008. Une compo un peu particulière pour Didier. Sa préférée, en quelque sorte. John pousse sa voix dans les aigus sur « High Venus » et « Not Yet Free », deux compos atmosphériques particulièrement synthétiques…
Léonie transcende sa voix pour interpréter « Longee ». Elle en profite également pour exécuter quelques pas de danse africaine en compagnie de sa collègue Charlotte. John et Léonie sont partout sur les planches. Ils interagissent constamment avec l’auditoire. Si tu souffres du dos ou des jambes, il est inutile de te rendre à un concert d’Arsenal. Car tu vas en faire de l'exercice sur le dancefloor.
Lydmor débarque sur l’estrade. Elle vient poser la voix sur « Temul ». Puis c’est au tour de Shawn Smith de poser la sienne aux côtés de celles de John et Léonie pour « Lotuk », qui clôt le spectacle. Les artistes s'éclipsent. Mais on sait qu'ils vont revenir.
On installe un piano à l'avant de la scène. Shawn se le réserve pour adapter « Either ». Lydmor se consacre une dernière fois au micro sur « Sharp Teeth ». Et « Melvin » constitue le point d’orgue de cette véritable fête à la musique. Si vous n’avez jamais eu le loisir d’assister à un show d’Arsenal, je vous le conseille vivement. Leurs spectacles sont chaque fois différents et vous y passerez un excellent moment festif.
(Organisation : Live nation)
Leur patronyme est inspiré du tableau d’un peintre britannique qui a vécu au XIXème siècle, Henry Wallis ; et en peu de temps, la formation est parvenue à devenir la coqueluche de la nouvelle vague française.
Entouré d’une aura de mystère, responsable d’un mini Ep, difficile à trouver sous sa forme physique, Feu! Chatterton suscite autant l’agacement que la passion.
Mis sous les feux des projecteurs, leur mélange audacieux de textes alambiqués et de mélodies détournées alimentent les conversations de comptoirs.
Alors, méritent-ils tout le foin fait autour d’eux?
Tentative de réponse à cette question.
20h30, le voile se lève sur Ivan Tirtiaux, trio belge qui propose 40 minutes de belles et sombres compositions de folk, interprétées dans la langue de Molière.
Parfois bluesy, mais jamais chiante, sa musique parvient à convaincre une bonne partie de l'auditoire.
Celui-ci se montre très respectueux, évite les bavardages intempestifs, et ponctue la fin du spectacle d’applaudissements chaleureux
Contrat assuré.
Le show a peine terminé, on se presse contre le podium afin d’assister à ce qui s'annonce comme la prochaine sensation rock hexagonale, même si leur répertoire est encore limité (NDR : un Ep 5 titres difficile à se procurer dans le commerce, mais heureusement disponible sur toutes les plateformes habituelles).
21h35, la Rotonde est comble, prête à accueillir ses presque déjà idoles.
Le quintet investit la scène sous un éclairage rouge intense qui sied à merveille au lent titre d'ouverture “Je t'ai toujours aimé”, première reprise de la set list, elle est signée Polyphonic Size.
Un démarrage tout en douceur...
D’emblée, le son est parfait.
La salle retient son souffle, la nappe de synthé est envoûtante et la guitare cristalline. Tous les regards se focalisent sur Arthur, figure emblématique et ô combien charismatique du jeune combo.
Croisement improbable entre feu (!) Elno (des Négresses vertes) et un jeune Nick Cave, il vit ses textes tel un acteur dramatique. Il grimace, se frappe régulièrement la poitrine, lève les bras au ciel...
Les deux morceaux suivants sont des inédits. Imprimés sur un tempo plus rapide, entraînant, ils se révèlent très efficaces, voire entraînants. Plus pop et plus frais également, ils augurent le meilleur pour l'album, dont la sortie est prévue en septembre.
Les acclamations sont plus que généreuses, toute la salle semble sous le charme.
Arrive enfin le premier titre notoire de la soirée... “Cote concorde”, aux allures de déjà classique.
Cinq minutes plus tard, la salle explose littéralement.
Votre serviteur se revoit lors du premier concert de Bloc Party, accordé à l'Orangerie en 2005 ou de Suede, au Vk, en 93...
On a vraiment l'impression d'assister à l'éclosion d'un futur grand groupe et de vivre un de ces moments qu'on se racontera encore dans dix ans, fiers de pouvoir dire : ‘J'y étais au premier de Feu! Chatterton, en Belgique’.
C'est à ce moment là que le leader en profite pour nous remercier, au nom du band : ‘C'est notre 1er concert en Belgique. On ne s'attendait pas du tout à ça !’
On sent toute l’équipe véritablement surprise et touchée par un tel accueil.
L'ambiance monte encore d'un cran quand le combo enchaîne “La mort dans la pinède”, “A l'Aube”, et “La Malinche”, leur titre phare, qui nous met à genoux.
Quelque part entre “Cherchez Le Garçon" et "Girls and Boys", tout est imparable dans ce morceau, et survolant le tout, la voix d'Arthur, est profonde et puissante.
Au loin, on entend la clameur : ‘oh ouiiiiii’ (NDR : allusion au refrain)
Après à peine trente cinq minutes, le chanteur annonce ‘Voici notre dernier morceau, mais rassurez vous, il dure’
“Bic Médium”, soit un nouvel inédit, s’étend effectivement sur... quatorze minutes!
Un titre énorme, épique dont l’intensité n’en finit pas de croître... on ne voit pas le temps passer…
À la cinquantième minute d'une prestation parfaite, le band quitte la scène sous un tonnerre d'applaudissements, visiblement enchanté par notre accueil.
On a beau être dans la Rotonde, on le voit déjà remplir l'AB, après quelques minutes de prévente, d’ici quelques mois.
Je pensais qu’un rappel était impossible, vu leur manque de répertoire ; mais la formation remonte quand même sur l’estrade, pour nous réserver une deuxième reprise/adaptation de la soirée, soit le “Jungle d'Asphalte” de Bob Marley.
Mais point question de reggae ce soir.
Le morceau est proposé à la sauce ‘Feu! Chatterton’.
Le dernier titre est peut être le moins efficace de la soirée, sans doute pas tout à fait en place.
L’histoire de ‘Bénédicte et Christian, se promenant dans la forêt des Vosges... Christian demande l'heure à Bénédicte... ‘16h moins dix, lui répond-t-elle’.
L’auditoire s’amuse de la manière très personnelle adoptée par le frontman pour nous présenter ce dernier morceau...
Vingt-deux heures quarante-cinq, salut final de la troupe.
Arthur en profite pour annoncer leur retour : ‘Nous jouerons à la porte d'en face, dans l'Orangerie, le 17 octobre. A bientôt… merci !!’
Nous y serons... Peut-être vous aussi?
Oh ouiiiii... Merci aussi. (Voir aussi notre section photos ici)
Ivan Tirtiaux + Feu! Chatterton
(Organisation : Les Nuits Botanique)
Les Nuits Botanique 2015 : jeudi 14 mai
Orangerie
Soley + Aurora
Photos :
http://musiczine.lavenir.net/fr/photos/soley-14-05-2015/
http://musiczine.lavenir.net/fr/photos/aurora-14-05-2015/
Wildbirds & Peacedrums. Oiseaux sauvages et tambours de paix. Quel joli patronyme pour ce duo dont la musique est à la fois simple et percutante et les voix sont gracieuses comme des pirouettes ou entrechats.
Ce couple, à la ville comme au boulot, parvient à refléter son intimité affective et ses émotions, à travers ses chansons.
Il s’agit du quatrième opus de cette paire suédoise. Et il frappe fort. Très fort. D’ailleurs à l’issue de son écoute, on est un peu sonnés.
Pas d’artifices inconsistants. Un max de simplicité et d’authenticité pour communiquer au mieux. Les 9 plages de « Rhythm » sont parfaitement maîtrisées. Et surtout succulentes.
Andreas Werliin balise et stimule l’expression sonore en frappant ses fûts. Il produit une assise rythmique sur laquelle vient se poser la voix de Mariam Wallentin. Une voix douce qui arrondit les angles tout en pimentant les morceaux. La musique a du corps, mais aussi de l’âme. Et c’est primordial. Il n’y a pratiquement rien de plus. Des percussions, des voix et le souffle d’un esprit qui danse. Fallait oser ! Et le zeste d’électro est tellement subtil, qu’on ne se rend même pas compte de sa présence…
Fruit de la rencontre inopinée entre la raison et le rêve, « Rhythm » est un disque vraiment splendide…
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