L’Alhambra ! C’est le troisième week-end consécutif que j’y mets les pieds.
Ce vendredi avait une saveur particulière pour votre serviteur. Peut-être a cause du calendrier. En effet, c’est la première journée du printemps. Ou encore, des effets de l’éclipse solaire tant médiatisée et aux résultats plus qu’improbables…
Je ne sais pourquoi, mais, durant cette soirée, mes pensées vaguaient vers une personne très chère à mon cœur… Sans doute parce qu’il s’agissait de la journée du bonheur ; sentiment qu’elle peine à connaître. La vie peut parfois être injuste !
Pour une fois, j’arrive pile à l’heure. 20h00 pétantes. Je remarque la présence d’à peine une petite dizaine de personnes dans la salle. C’est une blague ou quoi ? Quelle tristesse ! Pourtant, l’entrée n’était fixée qu’à quelques euros. Donc a priori très accessible ! Les gens peinent de plus en plus à se déplacer alors que la mixité des activités culturelles y est légion !
Parmi cette poignée de badauds, je croise deux de mes anciens professeurs du supérieur. Il y a belle lurette que nous nous étions vus. Toutes ces années n’ont pas égratigné mon capital sympathie à leur égard. Nous nous échangeons nos différents parcours en prenant un godet.
Au cours de la conversation, mes comparses d’un soir avouent être venus voir Giani Sabia, le chanteur du groupe Lemon Straw. Ils lui ont donné cours il y a une quinzaine d’années. Drôle de coïncidence, je fréquentais aussi cette école, à cette période.
Je dois réaliser son interview. Mais vu le changement d’horaire du spectacle, il est reporté après celui-ci…
Une marée humaine envahit tout à coup l’hémicycle. Il est 21 heures. Gonzo assure le support act. Je ne parle évidemment pas du personnage du Muppet Show, casse-cou qui fait tout pour se faire remarquer en soufflant dans sa trompette mal embouchée.
Non ! Le Gonzo dont il est question aujourd’hui est un groupe ‘multivitaminé’ aux genres très différents : il y a du rock, du punk, du hip-hop, de l'afro-pop et même de la country. De quoi procurer un cocktail explosif !
Ces 5 mecs ont déjà bien bourlingué : Baptiste (Saule), Vinc' (Fugu Mango, Bikinians), Simon (Hibou, Le Yeti), Nico (Eleven) et Joe (A Mute).
Dès les premiers riffs de guitare, Baptiste Lalieu met une ambiance de feu. Un vrai boute-en-train ! On n’est pas là pour s’emmerder après tout ! Les titres s’enchaînent à une cadence hors du commun. Le gars invite même deux jolies filles à venir se trémousser le popotin sur un titre qui leur est dédié. Quelques mains se lèvent. Deux demoiselles s’avancent et s’exécutent. Elles se font plaisir ! A mes mirettes aussi !
Lors de la chanson suivante, les gays sont mis à l’honneur ! Personne ne lève la main. Pas peur ou par pudeur. Tant pis, le show continue. L’ambiance n’a rien perdu de son amplitude !
On rigole ! On s’amuse ! On pinte ! Tous les ingrédients d’un bon concert festif sont réunis !
A 21 heures 45, le combo tire sa révérence !
Une quinzaine de minutes plus tard, changement de style, et place à Lemon Straw.
Le band réunit Giani Sabia (Chant & Guitare), Boris Iori (Dobro, Harmo, Lap steel Guitare) et Xavier Bouillon (Piano). Ils sont venus défendre, ce soir, les couleurs de leur deuxième LP, « Running Home », tout fraîchement tombé dans les bacs.
Le parcours de Giani est assez atypique. Il quitte l’usine en 2002 abandonnant un système prolétaire dont il semble n’avoir tourné aujourd’hui qu’une demi page. Au cours de notre interview, lorsqu’il évoque son passé, il subsiste une certaine nostalgie mêlée à une rancune difficilement dissimulable.
Il décide alors d’apprendre la guitare et compose ses propres chansons.
Lors d’un stage musical, il rencontre Boris, son futur acolyte.
Il jouera dans quelques groupes de la région. Souhaitant perfectionner son anglais, il part vivre à Londres, Dublin et ensuite New York.
A son retour, Boris et lui montent alors Lemon Straw. Renaud Lhoest (Arrangeur et Violoniste) les rejoint quelques mois plus tard. Ainsi, est née la légende !
Le groupe belge s’était révélé grâce à « See You On The Other Side », titre éponyme de leur premier album, sorti en mars 2010.
Produit en collaboration avec Dada (guitariste du groupe Suarez), ce long format s’inscrit dans une certaine symbolique de changement tout en conservant à la fois les belles mélodies et un côté dépouillé.
Cousu de fil blanc, l’approche est plus pop, plus contemporaine. Plus radiophonique aussi. Le synthé atmosphérique de Xavier et la boîte à rythmes communiquent une certaine énergie à l’ensemble.
Les titres s’enchaînent autour de la voix émouvante et chaude de Giani. Ce type est à fleur de peau ! Complètement humain ! Je ressens une certaine fragilité en lui ! Une réelle sensibilité ! C’est plutôt rare chez un homme !
La set list est bien pensée. Comme si les membres du groupe avaient voulu nous raconter une histoire ; leur histoire. Les titres se suivent et parviennent chaque fois à générer une émotion intense. Les chansons touchent véritablement l’affect !
L’intimité entre le groupe et le public s’intensifie. L’environnement, assez feutré de la salle, y est sans doute pour quelque chose. C’est l’apanage des endroits de taille modeste. Ils permettent ces moments privilégiés !
Plus le temps passe, plus j’ai d’ailleurs l’impression d’être au milieu de mon salon, joint entre les lèvres et verre de whisky à la main, en train d’écouter une bande de potes !
Cet opus rend clairement un hommage appuyé à Renaud Lhoest, violoniste et pianiste décédé trop tôt à la suite d’une longue maladie, en décembre 2014. L’excellent et puissant « See you on the other side » lui est d’ailleurs spécialement dédié. Joué ce soir, il prend encore une dimension toute particulière ! Je sens mes yeux embués. La fragilité qui est la mienne en ce moment y est sans doute pour quelque chose…
Ce que je retiendrai de cette soirée, c’est le talent et charisme qui émanent de cet individu plutôt réservé…
J’irai les revoir, c’est sûr ! En attendant, place à l’interview…
Set list
Air
Does anyone feel like me
What’s going on
Out of time
Which side are you on
See you on the other side
Chapel
I’m gonna crawl
I don’t care
Running Home
Rappel :
The walls
Run
Lola Colt est un groupe londonien partagé entre 3 filles et trois mecs ? Un sextuor qui a publié son premier album, en 2014. Intitulé « Away from the water », il a reçu d’excellentes critiques en Grande-Bretagne, mais n’a guère suscité d’intérêt sur le Vieux Continent. Curieux quand même qu’en 2015, il suffit qu’un groupe injecte un zeste d’électro dans sa solution sonore, pour voir toute la presse conventionnelle et même soi-disant alternative s’extasier. Alors que lorsqu’un artiste ou un groupe a du potentiel ou est authentique, curieusement il est snobé. Parce qu’il n’est pas dans l’air du temps. Bref, on ne refera pas le monde, mais ce manque d’esprit critique commence à m’inquiéter. Ou alors, certains journalistes ont peut-être capitulé, face au pouvoir de l’industrie musicale... Mais revenons à nos moutons ; c’est-à-dire le concert que Lola Colt accordait ce mardi 17 mars au Witloof Bar du Botanique.
On dénombre une centaine de personnes dans le sous-sol, pour accueillir le combo. Si l’acoustique est excellente, il faut reconnaître que la vision n’est pas idéale. Et ce n’est pas Béber, un de mes collaborateurs, qui me contredira…
Bref, à 20h20, Lola Colt monte sur le podium. Martin P Scott, le drummer est bien installé à l’arrière-plan. Son kit de batterie comprend une grosse caisse située à sa droite, à mi-hauteur. Régulièrement, il remplace un de ses sticks par une maraca pour frapper les peaux de ses fûts. Ce qui donne une caisse de résonance particulièrement profonde à son drumming. Gun Overbye a enfilé une sorte de poncho à rayures obliques sur lesquelles sont imprimés des fleurs. Ce qui communique un effet psychédélique assez étonnant lorsque le light show, créant des zébrures, se met à tournoyer en spirale, autour d’elle.
Le concert s’ouvre par une de leurs premières compos, « Boom boom blasphemy », un titre aux sonorités sixties. Kitty s’est emparée du tambour et le martèle sauvagement et en cadence, tout en remuant le corps sensuellement et par mouvement syncopés. Un véritable top model, à la coupe de cheveux singulière. Des cheveux de couleur jais, qui lui cachent le plus souvent la moitié de son beau visage. Elle se charge des claviers et notamment d’un orgue à soufflets. Mais aussi parfois du tambourin, des maracas et des backing vocals. La troisième fille se consacre à la basse. Il s’agit de Sinah Blohberger. Les deux autres grattes sont assumées par James Hurst, dont la pilosité est digne des Magic Numbers et Matt Loft, barbe bien taillée, vêtu de noir, le look mexicano.
La voix de Gun est puissante et rappelle immédiatement celle de Grace Slick. Les musicos sont parfaitement dans leur trip. Peu loquace, Overby a pourtant un fameux charisme, il faut le reconnaître. Sa six cordes scintille de mille feux. Matt s’y révèle aussi sobre qu’efficace. Il se consacre au shahi baaja (NDR : un instrument à cordes pincées indien de la famille des cithares) sur « Moonlight ». Gun a opté pour la sèche lorsque le band attaque « Time to burn ». Après l’indolent et lancinant « White lane », on a droit au superbe « Vacant hearts », caractérisé par ses sonorités de guitare tintinambulantes. « Heartbreaker » baigne au sein d’un climat énigmatique, ‘doorsien’. C’est à partir de « Diamonds » que le climat va devenir transique. Gun a récupéré le tambour et imprime un rythme hypnotique. « Jaguar » clôt le set. Le morceau débute en douceur. James à la crécelle et Gun à la maraca produisent des bruitages rappelant la cascabelle du serpent à sonnettes. Puis, évoluant sur un tempo tribal, la compo va s’enfoncer dans un long développement psychédélique structuré. Les trois guitares libèrent tout leur feedback. Le son est à la limite de la saturation, mais le climat est particulièrement envoûtant et plonge l’auditoire dans un trip cosmique et extatique. Ovation !
Et finalement, alors qu’il n’était pas prévu, le band va nous accorder un rappel dans le style du dernier titre. Soit « Away from the water », le morceau maître de l’opus. Près de 20 minutes de délire et de délice psyché. Acclamations nourries et remerciements des musicos. Ils ne reviendront plus. Mais franchement, on espère les revoir bientôt dans une salle plus adaptée. Notamment pour pouvoir bénéficier de toutes les facettes de leur light show, décrit par la presse insulaire, comme un paradis kaléidoscopique, mais ce soir réduit à sa plus simple expression. Car sous son aspect simplement musical, Lola Colt pourrait devenir énorme. C’est votre serviteur qui l’affirme. On en reparlera…
(Organisation : Botanique)
Set list
Boom Boom Blasphemy
Rings Of Ghosts
Highway
Moonlight
Time To Burn
I Get High if You Get High
White Horse
Vacant Hearts
Heartbreaker
Diamonds
Jaguar
Rappel
Away from the water
(Organisation Botanique)
Ce soir, le Cirque Royal est plein à craquer. Pas étonnant, puisque Christine & The Queens s’y produit. Héloïse Letissier, aka Christine, avait déjà rempli l’Orangerie du Botanique, il y a peu. Elle fait donc son retour, flanquée de ses trois musicos, mais également de deux danseurs fantastiques. Elle a fréquenté les cours d’art dramatique ; un background qui va transparaître tout au long des 90 minutes de son show. Votre serviteur n'a pas reçu son sésame via l’organisateur. Les websites sont écartés. Dommage ! M’enfin, Didier est un petit futé et sa Botacarte lui permet d’accéder au spectacle…
Paradis assure le supporting act. Un duo français de musique électronique qui bidouille derrière une immense table installée à l’avant-scène, sur laquelle est posée des tas de machines, des synthés et autres samplers. Tiens, dans leur set list, il y a une version électro d’une compo d’Alain Souchon, « La ballade de Jim ». Pas vraiment convaincante. Et on ne peut pas vraiment qu’une interactivité s’établisse entre le tandem et le public…
Il est 21 heures lorsque la Reine Christine déboule sur l’estrade, suivie de deux danseurs, qui vont même se muer, parfois, en contorsionnistes. Christine vient de publier son premier album, « Chaleur humaine », un elpee précédé par le single « Saint Claude ». L’opus a été enregistré sous la houlette d'Ash Workman (Metronomy, Klaxons et Summer Camp). Le public est déjà très chaud. Christine lui adresse directement la parole, et notamment aux spectateurs des premiers rangs, sans pour autant oublier de remercier ses aficionados. Et elle a de la répartie ! Elle attaque une cover audacieuse du « Paradis perdu » de Christophe, une adaptation à laquelle elle a judicieusement intégré des textes de Kanye West. Elle revisite complètement le « Photo Souvenir » de William Sheller. Emprunté à Mickaël Jackson, le pas de danse exécuté par la diva est savamment coordonné. Dispensé par des tubes leds, le light show monte ou descend selon les chansons, éclairant tantôt l'un, tantôt l’autre musicien, tantôt encore le trio dans son ensemble. Christine à une voix particulière, mais qui flatte l’oreille. Elle nous parle de ses chansons et tout particulièrement de son LP « Chaleur humaine ». Une invitation à se rencontrer et même à s'enlacer. Très complice à l’égard de son auditoire, elle reste pourtant humble et accessible, malgré le succès fulgurant de sa carrière.
Au second rappel, elle entre en totale communion avec le public pour « Nuit 17 à 52 ». Tous les smartphones sont allumés, comme autrefois les briquets. Et le spectacle est tout bonnement magique…
Christine & The Queens revient en Belgique prochainement. Le 28 juin 2015, dans le cadre du festival Rock Werchter et le 2 octobre à Forest National.
Un bien bel objet que cette réédition limitée du premier album d’Asgeir Trausti Einarson (je vous épargne les accents et l’accent), sorti en deux mille douze.
Enième livrée d’un même opus, certes (voir chronique ici), mais présentée avec goût.
Récapitulons pour les absents :
Suite au succès national de son tout premier enregistrement dans la langue de ses ancêtres, le jeune Asgeir s’engage à conquérir le monde, comme ses glorieux aïeux, jadis.
Décidé à ne pas se les geler éternellement dans ses paysages givrés, il décide ensuite d’enregistrer le même disque, dans la langue universelle : l’anglais.
Une excellente initiative qui lui permet de lever les amarres et de voir du pays (et nous étions présents lors de ses passages aux confins de nos territoires)
Peu à peu, le lutin, architecte en congères, se fait une place au soleil.
Le reste appartient à la légende, consignée avec soin, à la fin du livret, par Asgeir en personne.
Mais plus qu’une jolie histoire, la musique d’Asgeir recèle bien des charmes.
D’abord, le petit farfadet possède un bien joli organe vocal et sa musique, subtilement boisée dans une forêt électronique, a de quoi faire chavirer bien des cœurs en dehors de son seul pays de glace.
Pourquoi alors ressortir à nouveau ce disque ?
Outre l’aspect marketing, il faut bien avouer qu’on ne décèle pas de véritable raison, si ce n’est contaminer d’autres fans, en attendant la sortie de nouveautés.
« In The Silence » reprend donc l’idée de la double version, mais l’édition limitée offre un troisième volet en bonus, sur lequel nous attarder ultérieurement.
Les deux premiers CD’s sont donc des jumeaux, à l’exception de la langue.
Bien sûr, à quelques exceptions près, au sein de notre lectorat, nous ne trouverons que des amateurs de la version anglaise. Certes, la VO est fort agréable à écouter en mangeant des marshmallows au coin du feu sur une peau de phoque synthétique. Mais nous garderons cette option pour les futures soirées d’hiver.
Pour l’heure, revenons à ce silence (in English, please), cher à Asgeir.
Un beat en suspension, bientôt rejoint par une caresse pianotée et la voix d’ange vient se poser délicatement.
Plus qu’une recette, presque une marque de fabrique.
Tout le monde n’aime pas la neige, mais au demeurant, presque tout le monde est d’accord sur le fait que voir danser des flocons dans un ciel étoilé a quelque chose de magique.
Et bien, c’est cette métaphore qui sied aux compositions de notre habitant des contrées nordiques.
S’ils s’en trouvent pour se lasser rapidement d’un tel spectacle, d’autres, à l’âme toute retournée, n’hésiteront pas à venir coller leur nez à la fenêtre encore et encore, à l’écoute de cet album, ma foi, fort bien réalisé, produit et exécuté.
Le jeune homme disposant d’un joli minois, on comprendra aisément que son auditoire se compose d’une majorité de cœurs sensibles et autant l’avouer, principalement féminins.
Les orchestrations sont fignolées (cuivres et cordes) et le résultat subtil et charmant.
Le single « King And Cross » se démarque quelque peu de la mêlée et justifie son choix de fer de lance.
Mais « Head In The Snow » remporte lui tous mes suffrages.
Sinon, pour son efficacité, « Torrent » se pose là comme titre phare au milieu de cet opus, en embuscade dans cette fausse torpeur initiée par l’ensemble des chansons, avec ses assauts aux allures militaires de Vikings frondant les océans.
Un titre qui se dévoile ensuite pudiquement, mais en affichant la même grâce sur le troisième disque, consacré aux chutes de studio, remixes divers et… à une reprise déstabilisante.
Prenant soin de confronter le feu à la glace, l’Islandais nous gratifie d’une cover du « Heart-Shapped Box » de Nirvana ; mais du bout des doigts.
Sa voix de tête s’élevant bien au-dessus des cimes.
Bref, « In The Silence » enfonce le clou, là où « Dýrð Í Dauðaþög » traçait une voie royale aux pieds de ce talentueux bonhomme des neiges.
Et s’il s’agit du même disque, on s’en fout un peu, parce que au demeurant, comme dans un film, on optera pour la version qui nous plait.
C'est la cinquième édition de l'European Blues Challenge Contest. L'an dernier, l'évènement avait été programmé à Riga, en Lettonie. Cette année, c’est Bruxelles qui a été désigné, et plus particulièrement l'Ancienne Belgique. Un choix posé par l'European Blues Union. Cette compétition est organisée par la Brussels Blues Society en collaboration avec la région de Bruxelles-Capitale ; et elle se déroule les 13 et 14 mars 2015.
Pour ce deuxième jour de compétition, 9 groupes issus de 9 pays différents sont programmés, la Lettonie ayant déclaré forfait. Le temps imparti à chaque concurrent est strictement limité à 20 minutes. Pas une de plus ! Afin de montrer ce qu’il a dans le ventre.
Il revient au quatuor luxembourgeois Remo Cavallini Band d’entamer la seconde journée. Il nous propose des extraits de son deuxième opus, « Self Control ». Comme la plupart des concurrents qui se produisent lors de cette compétition, il s’agit encore d’une découverte pour votre serviteur. Mais quand un line up implique des cuivres, je m’enthousiasme plus rapidement. Pour la circonstance, un trompettiste et un saxophoniste sont donc de la partie. Et ils apportent manifestement un plus à la musique du RCB. La voix de Remo est assez rauque. Les cordes de guitare montent régulièrement en intensité. Et la prestation de s’achever par une cover très personnelle du « Every Day I Have The Blues » de BB King…
Dave Moretti Blues Revue est un quartet italien. Il est composé du chanteur/harmoniciste Dave Moretti, du gratteur Damir Nefat, du bassiste Emanuele Pavone et du drummer Fabio Brunetti. Plutôt roots, leur blues est parfois pimenté de funk. La voix de Dave est rocailleuse et ses interventions à l’harmo sont redoutables, ravageuses. En final, le DMBR nous réserve une superbe reprise de Louis Jordan.
Herman Posch Duo est un tandem réunissant deux vieux briscards de la scène blues/roots autrichienne. C’est la sèche qui fait la part belle au bluegrass et les sonorités discordantes du dobro qui alimentent l’aspect roots. Les voix se conjuguent en harmonie et un harmo vient souffler un vent de fraîcheur sur l’ensemble. Du blues louisianais très profond et lumineux.
Micke Bjorklof & Blue Strip est un groupe finlandais qui jouit déjà d’une certaine notoriété. Pas étonnant qu’il ait drainé une tel nombre de fans. Le guitariste est gaucher, mais il est surtout particulièrement adroit et précis sur son manche. Dynamique, la section rythmique est judicieusement enrichie de percussions ; un cocktail qui vivifie leur blues/rock classique dans la forme, mais novateur dans le fond.
Ils sont basques et nous viennent de la région de Bilbao, en Espagne. Les Travellin' Brothers vont dynamiter la soirée. D’abord, à cause de leur chanteur, Jon Careaga. Il n’hésite pas à se jeter rageusement dans la fosse. Et vient même titiller les spectateurs assis aux premiers rangs, pour les inciter à danser et jumper. Il nous annonce, en français, qu'il revient de la Nouvelle Orléans, lorsqu’il présente « Magnolia Route », le titre maître de son dernier elpee. Les cuivres sont généreux, parfois aussi dévastateurs. Le piano Hammond communique la couleur r&b. Pas étonnant que le band ait réussi à décrocher de nombreux prix. Le public s’enflamme. Et même Francis Delvaux se met à jumper sur sa chaise à l'étage. Jon interprète a cappella, au milieu de la foule, un « Love, Joy And Happiness » d'anthologie. Impressionnant !
Encore un trio classique guitare/basse/batterie. Il est issu de Slovaquie et a choisi pour patronyme Jergus Oravec Trio. Jergus, c’est le guitariste. Il pourrait être le petit frère slovaque de Fred Lani. Il est doué sur son instrument et possède une bonne voix. Mélodique, le blues/rock dispensé par ce groupe alterne le plus paisible et le plus musclé. Le meilleur moment du set constitue certainement leur version du « Hey Joe » de Billy Roberts, morceau popularisé par Jimi Hendrix, réincarné ce soir dans l’âme de Jergus. A revoir, c’est une certitude
J’ai zappé Drunk Lamb, un combo polonais dont la musique –pour ce que j’ai pu entendre– assez musclée a apparemment bien été appréciée par l’auditoire
Et concédé 10 minutes à mes compatriotes, Doghouse Sam & His Magnatones. Un trio guitare/batterie/contrebasse issu du Nord du pays. Carré, bien ficelé, son blues est régulièrement teinté de rockabilly. Pensez à Brian Setzer. A la sauce belge, leur version du « Baby Please Don't Go » de Big Joe Williams, dont Van Morrison avait fait un hit, tient pourtant parfaitement la route. Et finalement, DS&HM va décrocher le deuxième prix.
Mais pas pu assister à la prestation de la formation norvégienne Jt Lauritsen & The Buckshot Hunters. A 23h30, votre serviteur était rassasié, mais fatigué. Comme la veille, à la même heure, il est rentré au bercail. Et ce n’est pas la porte à côté…
Car finalement, c’est bien Travellin’ Brothers qui a décroché la palme. Il a de nouveau fait l’unanimité, comme en 2014 à Riga, A Contra Blues, un autre groupe espagnol. La sixième édition de l’European Blues Challenge Contest se déroulera l’an prochain, en Italie.
(Organisation: Brussels Blues Society)
Remo Cavallini Band + Dave Moretti Blues Revue + Herman Posch Duo + Mick Bjorklof And Blue Strip + Travellin' Brothers + Jergus Oravec Trio + Drunk Lamb + Doghouse Sam And His Magnatones + Jt Lauritsen And The Buckshot Hunters
Igor Prado est un jeune guitariste de blues brésilien. Quoique âgé de 33 ans, son talent est unanimement reconnu. Il s’est établi dans la grande ville de Sao Paulo. Il y a maintenant seize ans qu'il écume toutes les scènes de notre planète. Son backing group réunit son frère Yuri, à la batterie, Rodrigo Mantovani, à la basse, ainsi que Denilson Martins, aux saxophones. La formation puise ses principales sources d'inspiration dans le blues et le West Coast swing des années 40 et 50. Le combo a participé à de nombreuses sessions auprès de bluesmen yankees. Dans son pays, Igor a produit d'autres artistes locaux, comme les harmonicistes Flavio Guimaraes et Robson Fernandez, pour le label Chico Blues. Aux Etats-Unis, la formation a été accueillie les bras ouverts par les responsables du label Delta Groove. Ce qui leur a permis d’enregistrer en compagnie du chanteur/harmoniciste californien Lynwood Slim, l'album "Brazilian Kicks", en 2011. Et ce "Way down South" est dédié à la mémoire du regretté Slim, décédé en août 2014. Cette collection rassemble des enregistrements exécutés entre 2012 et 2014, avec des bluesmen prestigieux américains, rebaptisés pour la circonstance, les Delta Groove All Stars. La plupart des prises de son ont été réalisées dans des studios de Sao Paulo!
C'est à Sugaray Rayford que revient l’honneur d’ouvrir les hostilités. Il est déjà sur les charbons ardents tout au long de "Matchbox", une compo signée Ike Turner au cours de laquelle les envols de guitare sont partagés entre Igor et Mike Welsh. Sugaray chante aussi le downhome blues majestueux "Big Mama blues", épaulé par le patron de Delta Groove, Randy Chortkoff à l'harmonica. Lynwood Slim a été immortalisé sur deux plages. Il est au micro pour "Baby won't you jump with me", soutenu par Igor et Junior Watson aux guitares ; puis pour "You better believe it", un boogie jump saturé de swing et illuminé par les superbes sorties d'Igor Prado et du saxophoniste Denilson Martins. Kim Wilson participe aussi à deux plages. Il manifeste beaucoup de panache pour chanter le "Ride with me baby" de Long John Hunter, devant le trio de base brésilien ; avant de flemmarder sur le swamp blues "If you ever need me", mais à l’aide de son harmonica. L'un des fils de Muddy Waters, Mud Morganfield, se réserve les vocaux sur "She's got it", une piste qui fleure bon le style Chicago Southside du paternel. Et on y savoure les interventions étincelantes du souffleur brésilien, Ivan Marcio, alors qu’Igor est passé à la slide. Deux harmonicistes issus de Los Angeles sont également de la partie. A seigneur, tout honneur, tout d’abord le grand Rod Piazza, épaulé par son épouse Honey au piano, nous emmène faire un tour à Chicago, à travers le notoire "Talk to me baby" de Willie Dixon. Puis Mitch Kashmar, sur le "What have I done" de Jimmy Rogers. Si Igor est divin sur ses cordes, il se débrouille plutôt bien aux vocaux. Et le démontre sur le southern R&B "Shake & Fingertop", une plage tapissée par le Hammond B3 de Raphael Wressnign (NDR : de nationalité allemande, c’est organiste particulièrement expérimenté). Et encore sur "You got what it takes" de Joe Tex, au cours duquel il partage le chant avec le noir J.J. Jackson. Deux chanteurs/harmonicistes viennent clore l’opus. D’abord Wallace Coleman, le vieux bluesman du Tennessee. Il est en verve pour chanter le "Rooster blues" de Lightnin Slim. Et enfin Omar Coleman. Bien plus jeune et issu de Chicago, c’est un adepte de Billy Branch et Sugar Blue. Sa voix est puissante sur "Trying to do right", une piste qu’il interprète dans le cadre d’un duo acoustique. Remarquable!
À peine sorti de l'oeuf, All We Are, trio signé sur le prestigieux label anglais Domino, est déjà encensé par la presse britannique. L'Irlandais, Richard O'Flynn (batterie/voix), le Brésilien, Luis Santos (guitare/voix) et la Norvégienne Guro Gickling (basse/voix) se rencontrent alors qu'ils fréquentent tous les trois une école d'art à Liverpool. Très vite, le succès est au rendez-vous et la formation assure le supporting act de pointures comme Warpaint ou London Grammar. Une histoire rêvée donc... Cet album constitue donc la suite logique de cette ascension. Pour donner de la gueule à sa musique, All We Are a bénéficié du concours de Dan Carey à la mise en forme, producteur qui a notamment bossé pour Bat for Lashes, M.I.A et Hot Chip. Autant dire que l'histoire est trop belle pour être vraie.
Après avoir écouté l’intro, on craint devoir se farcir un énième groupe de pop qui se plait à superposer les nappes de claviers, avant de traiter le tout par la reverb’. Si la formule fonctionne bien, en général, elle commence tout doucement à agacer. Heureusement, rapidement, dès "Stone", "All We Are" dévoile d'autres facettes de l’œuvre. Les claviers sont toujours bien présents, mais les sonorités cristallines des guitares n’en sont pas pour autant réduites à leur plus simple expression. Peu à peu, à l'instar de "Honey", le trio incorpore des touches funk et soul dans sa musique. Les harmonies vocales triangulaires communiquent davantage d’intensité à certaines pistes, come sur l'excellent " Keep Me Alive".
Finalement, cet opus éponyme nous réserve une belle volée de surprises, bien loin de ce que le début de l’elpee laissait présager. On ne s'en plaindra donc pas...
Initié à l’aube de l’odyssée de l’espace, ce projet aux contours flous rebondit donc après treize années en apesanteur.
Évolution nébuleuse qui l’a vu atterrir sur la surface faussement plane du label Dead Ocean dès deux mille douze (l’album « I Love You, It’s Cool », épinglé en son temps par Pitchfork) et permet dès lors à Jon Philpot, la tête et le cœur de Bear In Heaven, de concrétiser ses idées en les matérialisant sous forme de groupe à part entière.
Ainsi, « Time Is… » relève autant des introspections de son mentor que du subtil équilibre susceptible de se créer au sein d’un band.
Bien entouré, le commandant Philpot met donc en orbite dix titres naviguant entre une électro maligne et une variante élégante du Krautrock.
La voix douce de notre pilote en chef fait office de parfait contrepoint à la pâleur fantomatique de l’ensemble aux sonorités clairement figées dans un âge de glace (à vrai dire, les eighties, l’âge d’or du genre).
Quelques incursions de guitares noyées de reverb’ se reflètent dans cet édifice de verre, pas aussi poli qu’on pourrait imaginer.
Maîtrisant son univers, Bear In Heaven ne craint pas de mettre ici des chœurs, là d’évidentes mélodies qui passent comme une hostie à la messe ou encore dans certains recoins, d’obscures nappes de brume qui se dissipent avec grâce et lenteur.
Le voyage se déroule donc de manière on ne peut plus agréable, et c’est peut-être le seul reproche qu’on pourrait faire à cette œuvre, qui manque parfois d’un sursaut de gnaque.
Mais il est des rêves vaporeux qui se passent très bien de tout accroc.
Mon objectivité a été mise à rude épreuve, à l’écoute de ce « Closing Time », le 3ème elpee d’Erland & The Carnival, tant leur précédente sortie, « Nightingale », avait usé mes platines et enchanté mes oreilles. C’était en 2011 ! Emmené par Erland Cooper et Simon Tong (Ex-The Verve) et soutenu par David Nock, le groupe entretient une charmante dose de mystère et possède cette évidence mélodique classique indéboulonnable… Bonne nouvelle, « Closing Time », enregistré dans le Studio 13 de Damon Albarn, développe les mêmes nobles caractéristiques que son illustre prédécesseur, c’est-à-dire un rock teinté de folk, légèrement progressif et faussement guilleret. Les claviers se taillent une fois encore la part du lion sur ces morceaux parfois enjoués (« I Am Joan »), ces ballades romantiques aux cuivres délicats (« Quiet Love ») ou ces mélopées plus feutrées (« Radiation »), interprétés avec retenue et passion par un Erland Cooper qui clôture l’opus, en apothéose, par le glacial et quasi a capella « Daughter ». Erland & the Carnival s’inscrit dans la grande tradition de la pop britannique initiée par les Kinks et incarnée plus récemment par les trop méconnus (et aujourd’hui disparus) Pete & the Pirates (« That’s the Way it’s Should Have Began (but it’s Hopeless) ») ou les Liverpuldiens de The Coral. Les 10 morceaux de « Closing Time » n’ont a priori rien de tapageur ou d’immédiat ; mais à force de les écouter, ils vous ouvriront bien rapidement les coffres de leurs trésors sonores…
Groupe phare et emblématique du label liégeois Honest House, Frank Shinobi est un peu le grand frère des groupes indie-rock wallons. Pourtant contrairement à ce que l'on pourrait croire, le combo n'a sorti qu'un album ; et il remonte à 2010. Cependant, il n'a jamais cessé ses activités et a continué d’accorder des concerts, un peu partout sur le territoire belge. Mais si Frank Shinobi n’a pas beaucoup enregistré depuis, c’est parce que ses membres ont développé différents projets en parallèle. Et notamment Mambo ainsi que Coastline Truckers. Quoi qu'il en soit, il a fallu attendre 5 longues années avant que ne paraisse leur second opus, intitulé "Semantics".
D’emblée, on retrouve les mêmes ingrédients et les mêmes influences, puisées essentiellement chez 31Knots (cfr. le tapping sur « Turborécession ») et Modest Mouse. Au fil du temps, Frank Shinobi semble avoir gagné en agressivité. Les chants sont plus tranchants et les guitares davantage incisives. Malgré les riffs techniques et les arpèges qui se superposent, les mélodies sont omniprésentes tout au long de l’opus (comme sur l’excellent « La saga du fardeau »). C’est d’ailleurs l’une des grandes forces de la formation. En outre, de manière générale, leur expression sonore s’est enrichie. Et la production est tout simplement parfaite. Il est loin les balbutiements de leurs premières mises en forme
C’est donc une grande joie de retrouver Frank Shinobi sur disque ; et on espère ne plus devoir attendre une demi décennie pour voir un nouvel elpee paraître…
Lorsqu’il a publié son 4ème album, Dan Mangan a voulu mettre en exergue le travail opéré par son backing group rituel, Blacksmith. Il a ainsi décidé d’ajouter le patronyme du band à son nom.
Malgré le titre pour le moins estival, « Club Meds » ne reflète pas la bonne humeur supposée des clubs de vacances, mais explore plutôt cette mélancolie profonde inhérente à ces obscures messes animées par les fameux G.O… Le titre fait d’ailleurs plutôt référence à l’automédication, comme si le Canadien avait composé un album pour soigner ses blessures. L’ambiance est donc relativement sombre, portée par une instrumentation riche et puissante (trompettes, violons et autres claviers), galvanisée par la voix profonde de Dan Mangan. Entre folk électrique (« Pretty Good Joke »), ballade au superbe crescendo final (« Mouthpiece »), vignette digne d’un crooner moderne (« XVI »), plage plus méditative (« A Doll’s House / Pavlovia ») ou pop étrange rappelant Peter Gabriel (l’irrésistible « Vessel », caractérisé par ses motifs africains), le natif de Vancouver tisse des pièces étranges, hymniques, lyriques, à l’insidieuse et évidente beauté, auxquelles il ne manque parfois qu’un chouia de relief en fin de parcours, pour atteindre la perfection…
Dan Mangan se produira au Café Video le 20 avril prochain, à Gand.
Canadienne, Samantha Martin est originaire d'Edmonton. Elle vit aujourd'hui à Toronto. Cette jeune artiste est imprégnée de la musique des racines : gospel, blues, country et americana. Son premier elpee, "Back home", date de 2008. Elle se produit ensuite en compagnie d’un combo baptisé The Haggard. Et publie un elpee en 2012, "Samantha Martin and the Haggard". Elle vient de monter un nouveau backing group, Delta Sugar. Samantha chante et joue de la sèche. Elle a conservé son gratteur, Mikey McCallum. Le line up est complété par l’organiste Jimmy Hill ainsi que les deux choristes, Sherie Marshall et Stacie Tabb. Pas de section rythmique, ni basse, ni batterie. Miss Martin a une voix savoureuse et puissante, manifestement éraillée, probablement usée par les excès. Elle signe l’intégralité de son répertoire. Et elle a du talent !
En ouverture, "Give me your money" a de quoi impressionner. Les accords amplifiés de la guitare introduisent une voix émouvante, troublante, autoritaire, mais aussi déchirante et empreinte d’une grande sensibilité. Qui se fond naturellement dans les chœurs gospel de ses deux choristes. "Addicted" nous plonge dans un southern soul, ma is conjugué au féminin, dans l’esprit d’Aretha Franklin ou Etta James. Cependant, sans cuivres ni section rythmique. Et l’orgue nous conduit vers l'église baptiste locale. Tendre ballade soul, "When you walked away" est introduite par les cordes acoustiques de Samantha. Plus rythmé, "Don't shout" est stimulé par des percus et des claquements de mains. L’approche soul est maîtrisée par la voix impérieuse de Samantha ; et à titre exceptionnel, on assiste à un envol de guitare bien amplifié et nerveux dispensé par McCallum. "One more day" est enfiévré par le gospel. "Take us swiftly home" se rapproche à nouveau du southern soul. L’orgue et les cordes électriques balisent le jeu des questions et réponses échangé entre le chant autoritaire de Miss Martin et les vocaux de ses amies Sherie et Stacie. Une formule qui se poursuit dans la douceur et la tristesse sur "Won't you stay". "Mississippi sun" est une très jolie ballade country. Manifestement, la voix s’adapte parfaitement aux divers styles abordés. Percussions et claquements parsèment encore "Crown", une excellente piste de gospel/soul. "I won't justify" bénéficie d’arrangements vocaux remarquables, que domine bien sûr Samantha. Les cordes de Mikey sont bien mises en exergue sur ce morceau tapissé par l'orgue de Jimmy. De toute bonne facture, cet elpee s’achève par "Tell the heavens", interprété a capella…
My Own Holiday est un duo issu du Sud de la Californie. Il réunit le chanteur/guitariste Joey Chrisman et le batteur Nick Bartolo. Joey signe l’ensemble du répertoire. Et il admet volontiers que ses compos baignent dans le rock classique, la pop et le folk ‘dylanesque’. On aurait cependant vite l’envie de comparer leur style à celui des White Stripes ou des Black Keys. Comme de nombreux tandems qui pratiquent du blues/rock. Et puis, n'ont-ils pas été signés par Eclecto Groove, la division la plus rock du célèbre label blues californien, Delta Groove ? Avant de publier "Reason to bleed", la paire avait gravé deux elpees autoproduits, "Even you out" et "From noon to midnight". Joey et Nick ne se sont pas encore énormément produits hors de leurs frontières. Ils avaient quand même participé au célèbre Moulin Blues Festival, qui se déroule aux Pays-Bas…
En ouverture, "Hold on me" est sculpté dans le rock. La cohésion entre les deux musicos est parfaite. La manière dont les riffs rythmiques de la guitare s'inscrivent dans la ligne des percussions n’exige pas réellement la présence d'une basse. Les sessions se sont déroulées en prise directe. C’est un principe auquel le tandem ne veut pas déroger. La voix de Joey me fait parfois penser à celle de Tom Petty. Le gratteur favorise le jeu en accords sur "Razorblades", une piste aux effluves blues chargés d’intensité. Chrisman a une bonne voix. Il est capable d’en moduler la puissance. A l’instar de "Two coins", une plage dont la rythmique souligne les accents dramatiques, alors que la guitare est totalement déjantée. Excellent! Plus folk/rock, "Memphis" est une ballade à la mélodie accrocheuse. Elle a un potentiel commercial indéniable. Récréatif, "Devil in me " est un titre brut de décoffrage. La guitare adopte des lignes de basse plutôt zeppelinesques. "Reason to bleed" poursuit sous un format rock largement teinté du blues. Les motifs se développent lentement mais sûrement. La voix est très expressive. "Whiskey in the well" est une ballade acoustique empreinte de douceur et de sensibilité. "On the floor blues" est un blues lent classique. La voix de Joey est particulièrement démonstrative ; et lorsque Chrisman communique des tonalités de basse à ses cordes, le spectre du Led Zeppelin originel se remet à planer. Sans la moindre fioriture, "Smile" campe un boogie classique. "Stone free" emprunte le rythme d'un cheval au galop qui arrache tout sur son passage! Et pourtant, les arrangements sont très réussis. Jolie ballade, proche du R&B, "Stranded" concède des accents pop bien discernables. La délicatesse des vocaux y est sans doute pour quelque chose. "Don't shine on me" s'étire paresseusement dans le blues, avant que Joey n'élève le ton de sa voix et ne libère ses cordes, dans une frénésie certaine. Ce très bon opus se termine par "Right back where I started", une jolie ballade country/folk.
Plus besoin de présenter New Model Army, actif depuis mille neuf cent quatre-vingt, puisque ceux qui ignorent leur existence sont ceux qui ont choisi de les ignorer.
Pour le reste, pas grand chose à ajouter.
On ne prêche pas les convertis.
À l’instar de son titre évocateur, « Between Wine And Blood » poursuit la croisade entamée, il y a déjà trente-cinq ans.
Et à cet âge respectable, pour un groupe aussi intègre, il n’est plus besoin de bousculer les événements.
Du moins les fondations.
Car le contenu est toujours aussi excitant, passionné et viscéralement vivant.
Révolutionnaire, engagé, réponse hargneuse aux gentils Levellers et fier représentant d’un genre ignoré sur ses propres terres, NMA (pour les intimes) continue donc sa campagne contre vents et marées.
Parmi ces groupes fédérant un amour inconditionnel de la part de ses fans de la première heure, la bande à Justin pourrait être l’étendard brandi devant une armée de fantômes.
Mais de cela, NMA n’en a cure…
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