De nationalité australienne Iasiah jouit d’une fameuse notoriété comme producteur. Et depuis bien longtemps. Disposant de son propre studio, il a notamment bossé pour Julio Iglesias, les Goo Goo Dolls mais aussi des groupes locaux comme Midnight Oil et Cold Chisel. Mais c’est avant tout un passionné de blues. Il a ainsi été élu comme ‘performer’ de l'année, en 2010, par la Blues Society de Sidney. En 2011, Brunt représente l'Australie à l'International Blues Challenge de Memphis. Puis publie un Ep 6 titres éponyme, en édition limitée. En 2013, il grave un long playing intitulé "Nursery Rhyme Blues". Pour la circonstance, il s’est rendu à New Orleans, aux studios Audiophile Recording. Il a mis en boîte neuf compositions personnelles. Lors des sessions, il a reçu le concours du bassiste Richard Bird, du batteur Mark Whitaker et du claviériste Mike Hood. Iasiah chante et joue de la guitare. Son blues est très personnel. Il en émane constamment un charme indéniable, une chaleur certaine. Et pourtant, l’artiste ne s'enflamme jamais. Il est cool, laidback comme on dit outre-Atlantique.
Dès "She's s fine", on constate que la voix d’Iasiah est très expressive. Il la soutient de sa slide, mais bénéficie également du concours des interventions à l'orgue Hammond de Mike Hood, un élément important dans l’expression sonore de sa musique. L'atmosphère est toujours aussi flemmarde, tout au long du superbe "Let your heart know". Et comme les sessions se sont déroulées en Louisiane, on est naturellement plongé dans l'atmosphère paisible des swamps, réminiscente d’un certain Tony Joe White. Le Mississippi n'est pas loin, lorsque "The river runs high" adopte un profil blues basique. Kenny Claiborne (NDR : issu de la Crescent City, il est responsable d'un club sur Frenchmen Street, un des meilleurs de la Nouvelle Orléans, mais drive également son propre band) est à l’harmo et ses interventions sont blafardes… Mike Hood, un musicien local qui se produit régulièrement dans le quartier français, est remarquable aux ivoires, sur "Precious stone", une petite perle au tempo enfin plus enlevé. Superbe, "With a kiss" nous replonge dans le climat indolent. Langoureuse, la voix me rappelle quelque part celle du vétéran anglais, John Mayall. Les échanges opérés entre la slide à l’agonie et le piano sont de toute beauté. "Lover's blues" recouvre un chouia de rythme. L'orgue Hammond illumine "Just the way that it goes", alors que Brunt écrase légèrement les sonorités de ses cordes. Une langueur cadencée balise "Never give up", une piste au cours de laquelle le piano s’anime et la slide se met à gémir. Le mellotron de David Stocker dispense ses sonorités de cordes et de flûte, tout au long de "Which way to go", une finale mélancolique au cours de laquelle la ligne de basse tracée par Richard Bird sonne le glas...
Chanteur/compositeur/guitariste, John Campbelljohn est âgé de 60 balais. Ce Canadien vit sur l’Ile de Cape Breton, dans la province de Nova Scotia, à l'Est de son pays. Il apprend très jeune à jouer de la guitare et chope le virus du blues en écoutant Robert Johnson, Son House, Fred McDowell et son maître intemporel, BB King! Il devient rapidement un adepte de la guitare slide. Il cite, parmi ses maîtres, Sonny Landreth, Ry Cooder et Duane Allman. En 20 années d’expérience, il a aligné une belle brochette de disques, dont le premier, "How does it feel?", remonte à 1993. Depuis, il les publie sur des labels allemands. L'un de ses derniers, "Celtic Blues – Live in Hamburg", célébrait, en quelque sorte, ses racines celtiques. John signe les douze plages de "Chin up". Il les a enregistrées au sein de son propre studio, en compagnie de Neil Robertson à la batterie, Ronald Hynes à la basse et Robert Campbell aux claviers.
L’elpee s’ouvre par "The Memble boogie", un excellent boogie qui permet déjà à la slide de tirer son épingle du jeu. Et il déménage. Bien soutenu par sa section rythmique, John se consacre au dobro sur le nerveux "I got it all". Les sonorités sont particulièrement métalliques. Il se sert à nouveau de cet instrument pour attaquer "Meet my maker", alors qu’amplifiée, la slide pousse de petits cris. Les cordes sont vivifiantes tout au long de "The poor man says", un titre sculpté dans un funk rythmique. Et il est irrésistible. Le chant est épaulé par les voix féminines de Martha Mae et Megan. Un style qu’on retrouve régulièrement sur cet elpee. A l’instar de "Castaway" ou de l'excellent "Attitude", piste au cours de laquelle la gratte semble soudée à la basse, alors que la slide ne cesse de gémir. Robert Campbell siège derrière le piano sur "How stupid is that", une ballade roots qui permet au dobro de libérer ses plus beaux effets. Les accords de gratte sont légèrement réverbérés sur "Stop making excuses". Légèrement rock, ce blues constitue manifestement une des meilleures plages de l’opus. Blues/rock so british, "Sally in the Alley" évoque le Cream originel. Les accords de six cordes semblent même hantés par Eric Clapton voire Albert King. "Fantastico Supremo" est une plage ludique. John se réserve l’orgue et David Myles se consacre à la trompette sur "Good morning Mr Blue Sky", un titre qui véhicule des accents exotiques. Essentiellement acoustique, "She's gone – My little love song" clôt l’opus, un morceau caractérisé, de nouveau, par la présence très marquée du dobro.
Piètre jeu de mot en guise d’intro… mais il serait criminel de passer à côté de cet album qui rend hommage à Crime, groupe culte américain qui a sévi de 1977 à 1979 dans la Bay Area. A l’origine, il réunissait Johnny Strike, Frankie Fix, Ron ‘The Ripper’ Greco et Ricky Tractor (viré par la suite et remplacé par Brittley Black). Sans surprise, le son et la production de l’ensemble s’avèrent particulièrement ‘garage’ ; mais c’est probablement la volonté du gang de San Francisco d’adopter des tonalités à la fois sales et punk ! Il y a un peu de Lou Reed dans la voix de Johnny Strike. Le gang californien ne lésine pas sur les riffs acérés de guitares. Ainsi, il nous propose une version plus crasseuse du « Rockin’ Weird » des Ramones, une autre bande trop rock’n’roll dont elle partage la triste nécrologie, suite aux excès en tous genres… Crime a ainsi été endeuillé par les disparitions successives de Ricky Tractor en 92, Frankie Fix en 96 et Brittley Black en 2004. En prenant l’initiative de publier cette compilation, la maison Munster a aussi voulu leur rendre hommage, à travers les trois singles produits par le groupe à l’époque ; et notamment la série de tubes punks bluesy (« Piss on Your Dog ») et sauvages (« Baby You’re So Repulsive », « Frustation ») ainsi qu’une version inédite et bien nerveuse du medley « Be Bop A Lula/Peggy Sue ». N’empêche, à cette époque, la musique était quand même moins aseptisée
Nés de parents camerounais, Cécile Doo-Kingué est née à New York City. Elle a vécu en France, aux Etats-Unis, et s’est établie aujourd'hui à Montréal, au Canada. Elle chante en s’accompagnant à la sèche, souvent d’une manière assez nerveuse. Son style ? Un cocktail de blues, de soul et d’afro-folk, dont elle puise les sources à ses origines et expériences diverses. En 2010, elle avait gravé "Freedom calling", un album autoproduit. Fin 2012, elle publie "Gris". Chanté dans la langue de Molière, il va lui permettre de décrocher plusieurs nominations locales. C’est toujours en solitaire, qu’elle a concocté "Anybody listening", sous-titré "Part 1 : Monologues" ; mais cette fois en anglais. Il s’agit du premier volet d’une future trilogie baptisée, "monologues" ; car c’est à elle seule qu’elle parle. Comme elle l'avoue, ses chansons traitent de ses expériences, bonnes et mauvaises, de ses vagues à l'âme, ses coups de gueule, ses vices et ses vertus. Sincère, courageuse et déterminée, elle veut rester elle-même.
"Make me" déborde de funk. Expressive, la voix de Cécile s’anime pour chasser le diable qui la possède. "Third World Child" est une compo introspective. Sur un motif inspiré du blues, cette très belle chanson à la mélodie délicate évoque ce que cette fille du tiers monde incarne. Elle plaque des accords secs et nerveux sur sa slide tout au long du très blues "Six letters", un titre qui dénonce le racisme et les atrocités commises un peu partout sur la planète. Cécile se veut positive sur "Little bit". Elle envoie un message d’amour à l’aide de notes guillerettes libérées par ses cordes. Tout au long de "Home", cette citoyenne du monde prône, tant en français qu’en anglais, la tolérance… Imprimé sur un pur rythme blues, "Bloodstained Vodka" est un manifeste pour la défense des droits civiques, de la condition féminine ainsi que de celle des gays qui vivent dans la Russie totalitaire de Poutine. Femme convaincue et convaincante, elle aborde les thèmes du vice et de la dépendance sur "Sweet talkin' devil" et "Animal Kingdom". Teinté de folk et de jazz, "Anybody listening" est une compo qui traite de la solitude ainsi que du besoin d'amour et de communication. Tout au long de cet opus, Miss Doo-Kingué défend ses visions personnelles de la ‘Condition Humaine’. Une œuvre bouleversante réalisée en solitaire, au sein de son propre studio, The Bedroom.
Enfin, il est arrivé. Le tant attendu premier morceau vocal de Martin Garrix est sur les ondes. Dévoilé en avant-première, lors de l’Ultra Music Festival, qui se déroulait en Afrique du Sud, le 14 février dernier, « Don’t look down » est le second titre du prochain opus du Hollandais, marqué par de nombreuses collaborations. Ici c’est auprès du chanteur américain Usher qu’il revient en force.
L’Anglais Ed Sheeran était pourtant attendu pour prêter sa voix à ce premier tube vocal de Martin Garrix, son label Spinnin’ Records en aura finalement décidé autrement. Et c’est en compagnie d’Usher que le jeune Batave s’est affiché pour la sortie de ce nouveau single. On avait déjà pu entendre la star US collaborer avec la scène EDM. C’était en 2011, sur l’album « Nothing but the Beat » de David Guetta pour le titre « Without You ».
A seulement 18 ans (il soufflera ses bougies le 14 mai prochain), le DJ originaire d’Amstelveen nous démontre encore une fois toute l’étendue de son talent. En s’offrant les services d’Usher, le quatrième DJ mondial, selon le dernier classement réalisé par le DJ Mag –enregistrant une progression de 36 places par rapport à 2013– nous offre une audacieuse collaboration.
« Don’t look down » est, certes, un titre plus classique que ce dont on a l’habitude d’entendre chez Martijn Garritsen –on pense notamment aux « Animals » ou encore « Tremor »– mais il est parfaitement taillé pour les radios. Les deux artistes nous avaient d’ailleurs mis l’eau à la bouche en publiant le 12 mars dernier sur les réseaux sociaux, un selfie en studio.
Fruit d’un virage musical voulu, ce morceau électro-pop, chanté, au style frais, a officiellement été dévoilé quelques heures avant la cérémonie des Youtube Music Awards, mi-mars. Les deux artistes n’apparaissent cependant pas dans le clip déjanté de ce single, où l’on voit un employé d’hôtel remuer ciel et terre afin d’attirer l’attention d’une séduisante cliente.
Révélé en 2013 par son tube planétaire « Animals » (écoulé à plus d’un million d’exemplaires au États-Unis), celui que l’on surnomme le mini Guetta nous prépare encore quelques belles surprises. L’album intitulé « +x » sortira dans le courant de l’année et laissera place à de nombreuses autres collaborations. On épinglera notamment la présence d’Ed Sheeran, Matisse & Sadko, David Guetta, Avicii, Tiësto ou encore Hardwell. On y retrouvera également le désormais célèbre « Forbidden Voices », titre paru le 6 février afin de remercier les dix millions d’abonnés sur sa page Facebook.
A l’écoute de cette nouvelle sortie, nul doute que 2015 sera pour le prodige batave une année riche en succès et qu’il occupera le devant des scènes avant même la sortie complète de son deuxième elpee. Près de 4 minutes de bonheur et de douceur endiablée qui vous laisseront sans voix. De bon augure pour la suite !
Epaulé par le producteur Brian Bacchus, vainqueur aux Grammy Awards pour son travail auprès de Gregory Porter et Norah Jones, le jazziste de Brooklyn, Allan Harris, dévoile « Black Bar Jukebox », son nouvel album solo, qui révèle le musicien new-yorkais étaler avec une classe folle, sa voix de velours à travers 13 titres au charme intemporel. Des morceaux qui devraient ravir les fans de Frank Sinatra et autres Tony Bennett. Composé à la fois de titres originaux mais surtout de reprises (notamment de John Mayer, Elton John et Kenny Rankin), « Black Bar Jukebox » possède cette élégance soul et jazzy vintage que seuls présentent ces titres sortis des mythiques clubs de jazz d’Harlem. S’il n’offre aucune réelle surprise dans son interprétation, Allan Harris s’érige en maître ès romantisme grâce à ses titres au groove imparable et chaleureux. Ce juke-box swinguant en diable accompagnera à merveille vos BBQ ou autres ballades automobiles estivales…
Chanteur, guitariste et compositeur, Ian Siegal est l'artiste anglais le plus populaire aujourd'hui dans les milieux du blues et de la roots music. Depuis le début de ce nouveau millénaire, il a publié toute une série d'albums, très bien reçus par le public et la critique. Il cumule les British Blues Awards depuis 2010. Cet opus a été immortalisé ‘live’ au North Sea Jazz Club, à Amsterdam, en avril 2014. Pour la circonstance, son backing group, The Rhythm Chiefs, réunit trois jeunots : le guitariste Dusty Ciggaar, le drummer Raphael Schwiddessen et le bassiste Danny Van't Hoff. Et ils sont bataves. Malgré son jeune âge, Ian a une voix déjà ravagée. Manifestement, l'artiste a déjà sa part de vécu.
Le concert s’ouvre par une compo imprimée sur le rythme du chemin de fer. Pas étonnant, puisque la plage s’intitule "I am the train". Le très jeune Ciggaar s'affirme d’emblée ; un gratteur hyper doué qui s’est indéniablement forgé un style personnel. Funky, "Brandy balloon" évolue sur un tempo nerveux. Dusty est à nouveau très incisif sur cette piste qui figurait sur l’elpee "Meat & Potatoes", paru en 2005. La voix de Siegal emprunte un timbre caverneux, rugueux, digne de Howlin' Wolf, tout au long de "Kingdom Come", un titre issu de "Broadside", publié en 2009. Très belle compo, "Writing on the wall" est une cover d’un combo de pub rock anglais, Plummet Airlines. Pas vraiment blues, ce morceau lorgne plutôt vers Van Morrison. Caractérisé par ses accents latins, le jeu de cordes est particulièrement original ; et, en outre, il est remarquable. Les musiciens sont parfaitement soudés. Le guitariste hongrois Ripoff Raskolnikov signe "Temporary", un excellente roots song. Les notes dispensées par Ciggaar sont d’une limpidité incroyable. "Early Grace" est un pur blues inspiré des maîtres originels du Delta. Ian a fixé son bottleneck. La musique est envoûtante, lumineuse, mais également extrêmement dépouillée. Perso, j’estime qu’il s’agit du meilleur moment du concert, tant l’artiste libère de sensibilité. La cover du "Gallo del cielo" de Tom Russell nous entraîne sur les pistes poussiéreuses du Texas. La pedal steel de Dusty réverbère d’évidents accents métalliques, tout au long de ce morceau qui baigne dans la country et le tex mex. Empreinte de douceur, "Queen of the Junior Prom" est une ballade composée par Siegal et Keith Harrison, il y a plus de dix ans. Elle figurait sur son premier LP, "Standing in the morning", un disque paru en 2002 sur le label allemand Taxim. En fin de show, Ian est rejoint par Tees Garthé, dont la voix douce et féminine soutient celle chargée de passion de Siegal, pour interpréter le Love hurts" de Bryant Boudleaux, un titre transformé en hit, il y a bien longtemps, par les Everly Brothers, puis plus tard, par Nazareth. Tees prête encore son timbre frêle sur la finale "Please don't fail me", écrite par Rudy Lentzen, un musicien d'origine indonésienne qui vit aux Pays-Bas. Encore une ballade roots, très inspirée par le blues, caractérisée par de belles parties de cordes. Un excellent concert!
Correy Harris est un musicien de couleur noire qui pratique avant tout du blues, mais aussi du reggae. Agé de 46 ans, il est originaire du Colorado. Cet universitaire est bardé de diplômes. La sortie de son 1er elpee, "Between midnight and day" remonte à 1995. En 2002, il apporte sa collaboration au Malien Ali Farka Toure, pour enregistrer l’excellent opus "From Mississippi to Mali". Depuis, il a publié une belle volée d’albums sur les labels Alligator, Rounder et Telarc. Il est aussi à l'aise sur la guitare acoustique qu’électrique. En janvier 2013, Corey a signé chez Blues Boulevard ; et dans la foulée, gravé l’LP "Fulton Blues". Ce nouveau long playing a été immortalisé à l'Ile de la Tortue (Turtle Island), dans les Caraïbes. Lors des sessions, il a reçu la participation de quatre musicos, le pianiste/organiste Chris Whitley, le saxophoniste Gordon Jones, le bassiste Jayson Morgan et le batteur Paul Dudley.
"Santoro" ouvre la plaque. Empreinte de charme, cette plage met en exergue la voix puissante de Corey et le sax ténor de Saxman Jones. Basique, "E Blues" est un downhome blues inspiré par le traditionnel notoire "Catfish Blues", un morceau écrit et enregistré par Robert Petway, en 1941. Jones et Corey y excellent à nouveau, et ce dernier sur la gratte électrique. Il a composé "Sista Rose" en l'honneur de sa sœur, une plage séduisante imprimée sur le rythme accrocheur et festif du calypso, qui baigne dans la douceur et le soleil des Caraïbes. Corey nous entraîne ensuite en Jamaïque, lors d’un medley réunissant "Cleanliness"/"Babylon walls"/Ark of the Covenant", qui fait la part belle au reggae. Pas étonnant qu’il ait baptisé son backing group Rasta Blues Experience! "Sweatshop" continue dans le même registre, une piste à nouveau galvanisée par les interventions au saxophone. Jolie chanson soul, "More precious than gold" s’illustre par sa mélodie contagieuse. Un des sommets de cet opus caractérisé par une finale qui retombe joyeusement dans le reggae. Plus jazz et très rythmique, "Where all the kings gone" met en exergue piano et sax, avant que la basse de Brother J Morgan ne prenne le relais, pour s’autoriser un envol, en fin de parcours. Très dansant, "Better way" adopte le tempo rapide du ska. "Basheads" est abordé comme une longue jam. Les accords de gratte sont de plus en plus aventureux alors que le saxophone tutoie les sommets. "A Blues" clôt l’elpee, un superbe blues lent que chante Corey, avec un cœur gros comme ça! Excellent!
L’histoire d’Hir*shima m*n am*ur commence en 2005. Elle est née d’une rencontre entre Fabrice Bonnaudin (voix/guitare/programmation), Joël Lafarque (batterie) et David Lansat Campa (basse).
Une première démo en décembre 2007 et un maxi cinq titres deux ans plus tard, « Un pas dans ta mémoire » leur permet de se produire au sein de salles de concerts intimistes (du pavillon sauvage à Toulouse en passant par le Florida d’Agen) tout en plongeant le mélomane au sein d’un univers empreint d’onirisme.
« L’homme intérieur », premier long format du trio, intègre à la fois éléments électroniques et organiques. Un savant mélange de post-rock et d’électro rock. Ce disque est un véritable travail d’orfèvre qui puise son inspiration dans les blessures, les souffrances et la nostalgie…
L’originalité procède de la narration d’histoires aux subtilités insoupçonnées, parfois presque militantes, qui se construisent insidieusement et progressivement tout au long des dix morceaux constituant ce bel objet. On est donc loin du classicisme couplet/refrain. Plutôt, une déclinaison chantournée entre slam et rap.
La diction, souvent emphatique, parfois incantatoire, de Fabrice, laisse entrouvrir les portes obscures de l’inconscient où se mêlent horizons métaphoriques et méandres mélancoliques renforçant avec véhémence, mais sans jamais les dénaturer, le processus sensoriel et le fonctionnement de la pensée. Jubilatoire !
Cette poésie d’un art nouveau relate le plus souvent des sujets introspectifs. La plage éponyme décrit l’authenticité profonde, mais oh combien fragile, de la race humaine, par exemple.
Parfois, la thématique est plus pragmatique. « Le film est terminé » conte le regard d’un homme pétri d’émotions face à un passé qui semble à jamais torturé. On n’en sort pas indifférent !
Je recommande vivement l’écoute des dernières quarante-cinq secondes du disque. L’auteur y aborde la fin de vie, avec une approche pudique et poétique, comme quelque chose qui s’impose à l’être humain, majestueusement. Il compare la mort à la mer qu’on découvre la première fois. Emouvant !
Bref, vous l’aurez compris, les références dans des domaines connexes comme la musique, le cinéma et la littérature y sont légion !
Sans nul doute, un de mes coups de cœur cette année ! A recommander aux mélomanes, avides de sensations musicales nouvelles !
« Lighght » constitue le second opus solo de Kishi Bashi, aka Kaoru Isshibashi, un Américain de souche japonaise. Il est d’ailleurs né à Seattle. En 2012, il avait publié un excellent premier elpee, intitulé « 151 A ». Chanteur et multi-instrumentiste, il privilégie cependant le violon. Il est même considéré comme un prodige. Il est également le vocaliste et leader du groupe de synthé-pop new-yorkais Jupiter One. Et il apporte également et circonstanciellement, sa collaboration à Of Montreal ainsi qu’à Regina Spektor.
D’une durée d’à peine 50 secondes, « Debut - Impromptu » ouvre l’opus. Une première intervention au violon surprenante, colorée et légèrement sucrée. Caractérisé par son titre abracadabrant, « Philosophize In It! Chemicalize With It! » est une piste à la fois symphonique et emphatique, qui nous entraîne au cœur d’un périple féerique. Atmosphérique, la voix de l’artiste évoque quelque peu Mika. La mélodie est accrocheuse. Electro/pop, « The Ballad Of Mr. Steak » lorgne vers Phoenix. Une compo à tiroirs balisée par le violon. En fait, lorsque d’autres instruments entrent en ligne de compte, ils se fondent discrètement dans l’ensemble et sont destinées à mettre en exergue les sonorités sensorielles produites par l’archet. Parfois Kishi me fait penser à un Nigel Kennedy qui pousserait l’audace au délire et surtout à la danse. A l'image de la superbe pochette, Kishi aborde toute une palette de styles différents, que ce soit de la pop, du psychédélisme, du folk, du jazz et même du classique.
La combinaison entre voix et violon fait absolument merveille sur « Carry On Phenomenon », une plage à la fois belle et solennelle. « Bittersweet Genesis for Him AND Her » agrège classique et rock'n'roll. Interlude, « Impromptu n° 1 » de va pas au-delà de la minute. Kishi a empoigné une gratte acoustique pour attaquer, « Q&A », un titre sculpté dans le folk traditionnel. « Once Upon a Lucid Dream (in Afrikaans) » baigne dans la pop légèrement psyché. « Hahaha Pt. 1 » et « Hahaha Pt. 2 » émargent davantage au prog/rock. Réminiscent d’un Alan Parsons Project au sommet de son art, « In Fantasia » clôt cet excellent long playing.
Doug MacLeod est un bluesman blanc. Américain, il est originaire de New York. Agé de 68 balais, il vit depuis bien longtemps à Los Angeles. Ce musicien privilégie l’instrumentation acoustique. Compositeur prolifique, il a prêté sa plume à de nombreux bluesmen notoires, à l’instar d’Albert Collins, de Pee Wee Crayton, d’Albert King, de Coco Montoya, de Son Seals et de Joe Louis Walker. Il est également conteur. Sur les planches il aime parler longuement avec son public. Il a décroché deux WC Handy Awards en 2014, comme meilleur artiste et pour avoir réalisé l’album acoustique de l'année. Ses débuts discographiques remontent à 1984. Il y gravait alors "No road back home", sur Hightone. Son dernier date de 2013. Il s’agit de "There's a time", paru chez Reference. Le nouvel opus a été enregistré à Marin County, en Californie. Pour la circonstance, il a reçu le concours de grosses pointures ; en l’occurrence le batteur Jim Bott (NDR : militant chez les Mannish Boys, c’est un ex-Mighty Flyers et Fabulous Thunderbirds) et le bassiste Dennis Croy, fidèle à Doug depuis 1999.
L'album s’ouvre par "Rock it till the cows come home", une boogie woogie chargé de swing. Le spectre de Louis Jordan plane sur cette piste, caractérisée par le concours du pianiste Mike Thompson, invité pour la circonstance. Il s’agit d’une des deux seules plages du style sur cet elpee, mais elle met en exergue le talent des musiciens. La voix de Doug est très expressive. Elle a du vécu. A l’instar du remarquable "Too many misses for me", un blues dont le message est authentique. Jazzyfiant, le solo sur les cordes acoustiques est digne de Wes Montgomery. Des cordes empreintes d’une grande sensibilité balaient "Find your right mind", une ballade indolente qui bénéficie, en outre, d’une jolie mélodie. Très roots, elle se signale par son dépouillement extrême. Et la section rythmique exécute le service minimum. Boogie pur et dur, "Vanetta" est abordé sans l’esprit d’un maître du genre, John Lee Hooker. S’étalant sur un peu plus de 7’, "Serious doin' woman" est la plus longue plage de l’opus. Elle rend hommage au prince du blues des swamps louisianais, Tony Joe White. Un compo hantée par l'esprit de son "Polk Salad Annie". Plage instrumentale, "Ridge runner" nous entraîne au cœur des Blue Ridge Mountains, dans les Appalaches. Les percus de Bott et la ligne de basse tracée par Croy tirent ici leur épingle du jeu. Doug chante autoritairement "New morning road", un downhome blues dont les accords de gratte lorgnent vers John Lee Hooker et Lightnin' Hopkins ! Il se sert de son bottleneck pour jouer en slide sur le nerveux "Raylene", un titre sur lequel il confesse sa passion pour les femmes. Plus roots, "Heaven's the only place" est une de ses plus anciennes chansons. Doug la vit intensément. Ses interventions aux cordes sont immaculées. Et cet elpee s’achève un peu comme il avait commencé, à travers "You got it good (And that ain't bad)", une plage qui rend hommage à Duke Ellington, tout en restituant le swing aux acteurs du rythme et au piano de Mike Thompson…
Innes Sibun est un chanteur/guitariste de rockin' blues anglais. Il a d’abord milité au sein du Blues Explosion, formation qui a publié "That's what the blues can do", un elpee mis en forme par le légendaire Mike Vernon (NDR : il a également produit à l'époque des artistes comme Eric Clapton et Peter Green du Fleetwood Mac), qui avait fondé le label Blue Horizon dans les sixties. En 1993, il est recruté par Robert Plant pour l’accompagner lors de sa tournée mondiale "Fate of nations". Innes va ainsi faire le tour du Monde. De retour chez lui, il reprend ses activités au sein de sa formation et publie quelques long playings chez Viceroy et Provogue. En 2004, Sibun remonte un nouveau backing group. Il repart en tournée et grave quelques opus, cette fois pour le label Zyx. Il y a peu, il a signé chez Blues Boulevard, écurie pour laquelle il a publié "Lost wilderness", fin 2013. Innes a toujours été un fervent admirateur du regretté irlandais Rory Gallagher auquel il est parfois comparé. Pour concocter ce "Blues Transfusion", il a reçu le concours de plusieurs musiciens issus de Bosnie-Herzégovine, mais également comme invités, le bassiste Charlie Jones et le batteur Clive Deamer. Huit plages ont été enregistrées à Mostar, en Bosnie Herzégovine, les quatre autres, en Angleterre.
"Love light" ouvre le long playing. Et c’est de la pure dynamite. Innes chante sans forcer, de manière décontractée. Il concède rapidement un solo dynamique qui fait mouche. Sa voix est soutenue par celle d'Antonja Batinic. "I'll take care of you" est une compo issue de la plume de Gill Scott Heron. Intimiste et tendre en introduction, elle se métamorphose au fil du morceau. Empreinte d’une grande sensibilité, la guitare reste cependant bien au service de la chanson. Sibun se réserve toutes les cordes (guitare, mandoline et basse), devant la batterie de Clive Deamer (ex-Portishead, Radiohead), tout au long de la roots song acoustique "Old time used to be". Instrumental, "Blues for Sherman" est un superbe blues lent dédié à son ami, le bluesman de couleur noire, Sherman Robertson. Innes égrène ses notes sur le fil du rasoir. Sa maîtrise est impressionnante, face à l'orgue Hammond de Gabrijel Prusina. Nonobstant les accords de gratte en dérapage contrôlé, "One of these days" est une plage de rockin' blues très mélodique. Autre instrumental, "Esma" est d’une extrême limpidité, proche de ce que pouvait nous réserver le regretté Gary Moore. Prusina siège derrière le piano pour "Find my way home", un blues/rock classique, imprimé sur un tempo soutenu. Innes nous propose encore deux plages acoustiques, en solitaire. Tout d’abord, "Stari Most". Encore un instrumental au cours duquel il double sèche et clavier. Entre blues et musique classique, sa ligne mélodique est accrocheuse. "Why don't you call me", ensuite. Qu’il attaque au dobro. Il rend alors un très bel hommage à Rory Gallagher en reprenant son "I fall apart", en formule trio. Soutenu par le drummer Dzenan Mujic et le bassiste Atilla Aksoj, on croirait vraiment entendre l'ange irlandais disparu. Speedé, "I used to be your man" émarge au rock'n'roll. Et c’est à nouveau au sein d’un autre trio, impliquant Deamer et Charlie Jones, qu’il clôt cet opus, à travers le blues/rock funky, "Give up the fight".
Une belle soirée est programmée à deux pas de chez moi. Au Salon de Silly, une structure organisationnelle affiliée à Club PlaSMA (Plateforme des Scènes de Musiques Actuelles). Un passage obligé en Wallifornie pour les artistes et groupes émergents, mais également confirmés. Ce soir dans le cadre de l'échange linguistique 'Interclub Tour', le Salon présente une formation issue du Nord du Pays, The Spectors. Elle assure la première partie d’Experimental Tropic Blues Band, trio liégeois qui est venu présenter son concept album « The Belgians ».
Le line up implique trois jolies gonzesses : Marieke Hutsebaut à la basse et au chant, Hannah Vandenbusshe à la seconde voix et aux synthés ainsi que Stéphanie Mannaerts aux drums. Le line up est complété par deux gratteurs, Emiel et Maxiem Charlier ; ce dernier se chargeant également des parties vocales. Le combo brugeois vient de publier un premier elpee, « Light Stays Close », un disque dont l’expression sonore oscille entre new wave, indie rock et dream pop. Il a été enregistré sous la houlette de Chris Urbanowicz, ex-guitariste d'Editors.
Le band ouvre le bal par « Green Eyed Monster », une compo extraite de l’LP, caractérisée par une longue intro atmosphérique. Ce qui permet aux musicos de rentrer dans leur set. Hannah possède également un beau timbre et le démontre sur le très beau et séduisant « Flakey ». Place ensuite au titre maître de l’opus, avant d’aborder « Like Sand », une compo caractérisée par sa ligne de basse épurée. Conjugués, les vocaux des deux filles sont envoûtants. La frappe de la drummeuse est appliquée, métronomique, mais surtout efficace. Maxiem Charlier chante énergiquement « Going Down », un morceau issu du premier Ep. Et Marieke, tout en douceur le plus pop « Wish Me Away », un titre souligné d’interventions de cordes délicates. Elles deviennent même limpides tout au long de « Wrong », avant que le spectacle ne s’achève par les vaporeux « Nico » et « Drone ». Dommage que les musicos soient aussi statiques sur l’estrade, et puis que le volume sonore ait été aussi puissant. Ce serait à la demande du groupe. Néanmoins, The Spectors a assuré de belle manière son rôle de supporting act pour The Experimental Tropic Blues Band, dont le compte rendu est ici…
(Organisation : Silly Concerts ASBL)
L’occasion était belle de découvrir enfin le Reflektor, première salle de concert d’une réelle envergure à Liège.
Inauguré début mars, ce nouvel écrin a déjà eu l’occasion d’accueillir, entre autres, Jean-Louis Murat et Oscar and The Wolf.
Perso, le concert de la petite folkeuse américaine était une belle opportunité de vérifier tout le bien qui avait déjà été dit au sujet de cet endroit.
Et force est de constater que Liège possède (enfin !) un lieu digne du nom en matière d’investissement musical.
Si les proportions de l’endroit restent modestes (on y entassera quand même près de six cent personnes les soirs de gala), il faut reconnaître que ouatée et teintée de reflets bleus, son atmopshère est manifestement propice à bien des réjouissances.
Et puis, surtout, l’acoustique est absolument bluffante.
Bref, d’excellentes conditions pour apprécier pleinement le spectacle de ce soir, tout comme ceux programmés dans le futur.
Peu de monde à l’entame de cette soirée aux abords intimistes.
Le seul Sam Amidon est donc contraint de chauffer la salle, armé de sa guitare sèche ou de son banjo.
Un exercice périlleux auquel l’Américain semble néanmoins rôdé.
Pour attachantes que sont ses chansons sur support physique, sa prestation ne m’emballe guère.
Si les plus polies des oreilles daignent refuser l’appel d’une bière savourée en terrasse, les autres s’esquivent par grappes au fil du set.
Vous laissant deviner à quelle catégorie appartient mon appareil auditif, laissez-moi enchaîner sans plus attendre sur le concert ce la charmante Sharon.
Faisons fi de toute surprise.
Il semble évident que chaque spectateur sait à quoi s’attendre.
Et Sharon Van Etten n’est pas du genre à décevoir ses fans.
Si l’artiste s’excuse pour les quelques approximations rencontrées, suite à la mise en place de son groupe qui la rejoint pour le premier soir, pas un spectateur présent ne pensera à lui en tenir rigueur.
Car ici, tout est soigneusement mis en place, et rien ne semble dépasser.
La configuration scénique du band, installé en arc de cercle, ouvre directement la voie de la modestie, mais certainement pas de l’effacement.
Car la voix a, au fil du temps, gagné en assurance.
La présence sera donc opérée par le biais de ce vecteur.
Les interventions entre les morceaux sont un peu formatées, certes, mais l’émotion transmise pendant l’exécution des morceaux, assure son quota de frissons.
Le répertoire gonflé d’amertume s’égrène comme un chapelet, à peine secoué par quelques vagues électriques.
Pas de mise en danger, mais une constante mise en abîme qui tire ici quelques larmes, là quelques zestes de bonheur.
Voilà, cela s’arrête là. Tout simplement.
Les fans savent pourquoi.
Je ne fais pas partie de cette catégorie.
Donc je me suis un peu lassé...
Faut dire que j’avais déjà vu.
Du coup, mes portugaises allaient de temps à autre prendre la température au dehors, mon gosier clapotait dans une bière ou mes lèvres tiraient longuement sur une cigarette, avant de revenir et de constater que tout était toujours parfaitement coordonné...
Rien à reprocher, rien à regretter.
Une excellente soirée qui s’achève au final devant un point merchandising étonnamment déserté.
Par les fans, mais aussi par Sharon elle même.
Dommage, quelques prétendants l’attendaient de pied ferme !
(Organisation : Les Ardentes)
Photos concert du 17 avril au Botanique :
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