Bien qu’elle ait choisi un patronyme à consonance louisianaise, cette formation est en réalité française. Elle est même originaire de la Gironde. Un quintet qui réunit les mêmes musicos depuis 1997. A ce jour, il a enregistré "Blues attack" en 1998, le live "Bon Ton Roule" en 1999, "Radio Gumbo" en 2002, "Raw & spicy covers" en 2007, "Fire on the Bayou" en 2008 et "Here comes the crawfish groove" en 2010, avant de publier ce "Swamp it up! " Bien évidemment, ses membres aiment la Louisiane sous toutes ses coutures musicales ; que ce soit à travers le cajun ou le zydeco pratiqué du côté de Lafayette, du swamp blues rencontré à Baton Rouge ou encore du jazz, du funk et du swing prodigués à la Nouvelle Orléans. Tous chantent, dont trois comme solistes. Le line up s’établit donc comme suit : Fabio Izquierdo (accordéon, harmonica, percussions diverses), Cédric Le Goff (piano, orgue), Fabrice Joussot (guitare), Jean-Charles Duchein (basse) et Stéphane Stanger (batterie et percussions). Ils jouissent d’une solide réputation ; ce qui leur a permis de participer, comme invités, à de multiples sessions d'enregistrement.
Nous plongeons immédiatement dans la Crescent City, soit la Nouvelle-Orléans, dès "Pitchtraow tune". Les cuivres, les voix et le piano de Cédric y entretiennent l'ambiance. "Tailgator groove" reflète la joie de vivre, une compo qui trempe dans le zydeco au cours de laquelle l'accordéon (of course), la planche de Philippe Sauret, l'orgue et la guitare sont bien en place. Fabrice Joussot signe "Dance around me", une ballade empreinte de charme et de tendresse, et légèrement teintée de cajun. "Freeborn man" nous entraîne dans les marais, près de Baton Rouge, une plage remarquablement interprétée par Loretta, la chanteuse des Bad Kings. Anthony Stelmaszack se consacre à la six cordes alors que Fabio souffle dans les aigus comme feu le légendaire Slim Harpo. Fabrice se réserve le micro sur "My dog", un titre de roots/rock entraînant. Et Cédric pour "What ya doin' first", un titre de funk. Sa voix est superbe, alors que le trombone de Thomas Besse est en effervescence au cœur du brass band. Syncopés, les accords de piano colorent de sonorités néo-orléanaises "Real, real man", une plage hantée par Huey Smith, Allen Toussaint et Professor Longhair. Cédric est toujours aux ivoires pour attaquer "Don't look back", un blues lent de bonne facture, avant d’être rejoint par le front de cuivres et l'orgue Hammond. "Women & Buicks" retourne au cœur des bayous, un rock entretenu par l’accordéon, alors que la guitare ne tient plus en place. Soutenue par les chœurs du Gumbo Special, la voix de Sugaray Rayford (NDR : il est hébergé par l'écurie Delta Groove) est puissante et expressive tout au long de la reprise du "Pray for your daughter" d'André Williams, une piste parcourue par le banjo de Manu Bertrand, un spécialiste du bluegrass. Caractérisé par ses accords de gratte reverb, dignes de Tony Joe White, "The great zombie" macère dans le swamp rock. Evoluant sur le rythme indolent des marais, "Rainy day night in Georgia" clôt ce remarquable opus, une plage que chante Jimmy Burns, bluesman issu du Mississippi, d’une voix particulièrement expressive…
Originaire du New Jersey, Dana Fuchs est une chanteuse de blues/rock. Quoique âgé de 40 balais, elle ne manque pas de charme. Elle avait entamé son parcours musical dès 16 ans, au sein du groupe Holiday Inn. Elle s’établit à New York et rencontre celui qui est toujours son compagnon, le guitariste John Diamond. Elle monte alors son Dana Fuchs Band, et publie un premier elpee, "Lonely for a lifetime", en 2003, puis un live en 2008, intitulé "Live in NYC". Elle interprète le rôle de Janis Joplin dans la pièce musicale "Love, Janis", un rôle qui lui va comme un gant, vu la similitude entre sa voix et celle de feu l’icône texane. Ce qui va lui ouvrir la voie du succès. Et tout particulièrement lors de la sortie des elpees "Love to beg", en 2011, et surtout "Bliss Avenue", en 2013.
Les deux supports (cd et dvd) consacrés à "Songs from the road" ont été immortalisés au Highline Ballroom de New York, en mars 2014. Pour la circonstance elle avait reçu le concours de Jack Daley à la basse, Joe Daley à la batterie et des Screaming Sirens aux chœurs.
Dana entame le show par son titre fétiche, "Bliss Avenue". Eraillée, sa voix s’enflamme très vite, et évoque inévitablement celle de la mythique Janis Joplin. Redoutable gratteur, John Diamond y torture les cordes de sa Telecaster. Et elles vibrent tout au long du blues/rock "Handful too many". Soutenu par des chœurs gospel, "Livin' on Sunday" baigne dans un climat plus funky. Pete en profite pour tirer son épingle du jeu. Dana est la plupart du temps sur les genoux pour interpréter "How did things get this way". Illuminé par les harmonies de trois vocalistes blanches, Elaine, Nicki et Belle, ce rock déménage. La voix de Mrs Fuchs est particulièrement expressive, tout au long du lent et mélancolique "So hard to move". Dana avait entamé sa carrière dans le gospel. Et on s’en rend compte, lorsqu’elle joint sa voix à celle des trois autres voix féminines sur "Summersong". Judicieusement intitulé, "Set it on fire" est un brûlot rock'n'roll. Emouvante, "Sad salvation" est une ballade gospel acoustique. Dana empoigne une sèche pour attaquer "Tell me I'm not drinking", une autre ballade vivifiante. "Love to beg" est le seul morceau qui ne figure pas sur le dvd. Caractérisé par une excellente introduction, il glisse vers le r&b, dans un style proche des Small Faces circa 60s, en imaginant que la voix de Steve Marriott s’efface au profit de vocaux féminins. A cet instant, les cordes de Diamond font merveille. Elles sont même carrément déjantées. Un des meilleurs moments du concert ! Sculpté dans le country/rock, "Rodents in the Attic" adopte le rythme du cheval au galop, une piste hantée par Ennio Morricone. Dana reste littéralement collée au plancher alors que son Jon est étincelant sur sa gratte. Pete siège derrière le piano pour le blues/rock classique, "Nothin' on my mind". Le tempo se calme pour "Vagabond wind", un blues au cours duquel, chargée de feeling, la voix de Dana se révèle tout bonnement exceptionnelle. Digne de Janis. Miss Fuchs vit son répertoire. Elle manifeste beaucoup de présence sur les planches. Et elle le démontre encore sur "Long long game", une plage au cours de laquelle John s’autorise un étonnant envol psychédélique sur sa six cordes. "Keep on walkin'" est un autre R&B incandescent. Le public est debout. En rappel, elle attaque "I've been loving you too long", une ballade qui figurait au répertoire d’Otis Redding. Puis le "Don't let me down" des Beatles, une compo signée par John Lennon, en 1969. Et ces deux versions sont bouleversantes. Excellent!
Gregor Hilden est de nationalité allemande. Un guitariste de blues qui jouit d’une belle expérience, puisqu’il a déjà publié une dizaine d'albums. Il ne chante pas ; aussi, très souvent, il sollicite le concours de collaborateurs. Et quand ce n’est pas le cas, il se contente d’une œuvre exclusivement instrumentale. Pour enregistrer "In phase", il a bénéficié de la participation de son backing group, constitué d’un claviériste, d’un bassiste et d’un drummer.
"Mr Magic" ouvre la plaque. Un funk très clean. Alors que Dieter Steinman imprime le tempo, l'orgue Hammond tapisse l’expression sonore au sein de laquelle la guitare se libère simplement, clairement, dans une tonalité proche de celle si chère à Carlos Santana. "In phase" baigne au sein d’un climat atmosphérique qui me rappelle un autre esthète des cordes, l'Anglais Snowy White. Une plage empreinte de délicatesse et vraiment belle. Blues rythmé, "On blues" vire à la musique d'ambiance, une piste qui met l'accent sur le piano électrique de Thomas Hufschmidt. Le long playing recèle quelques morceaux qu’on pourrait qualifier de fusion entre rock, jazz, funk et blues. A l’instar de "Rock-Zabern" et "Desert song". "Springtime" est illuminé par sa très jolie mélodie. Parmi les titres les plus purement blues, on épinglera "Blues from the outer side", au cours duquel le piano électrique est bien mis en exergue, l’indolent et superbe "Naylor's blues', le trop bref à mon goût "63", et "Fleetwood Mac", une compo qui réverbère des tonalités très proches de celles dispensées à l’époque par Peter Green. La guitare est d'ailleurs une Gibson Les Paul Gold Top! Il s’agit d’une des deux reprises du long playing recèle. La seconde est consacrée au "Chitlins con carne" de Kenny Burrell. L’opus s’achève par "Farewell blues", un morceau sculpté dans la pureté cristalline. Gregor Hilden est un excellent musicien qui ne quitte guère l'Allemagne. Il se produit régulièrement en compagnie d’un autre remarquable gratteur teuton, Richie Arndt, ou encore des UK All Stars de Sam Kelly!
"Morose Elephant" constitue le quatrième opus de ce chanteur/guitariste californien. Il fait suite à "Jeff Jensen", paru en 2007, "I'm coming home", en 2009 et "Road worn and ragged", en 2013. L’artiste a toujours aimé mêler les styles : rock'n'roll, funk, jazz et blues. En 2004, il fonde le Jeff Jensen Band. Il participe quatre fois à l'International Blues Challenge de Memphis. Depuis 2011, il y réside d’ailleurs. Il s’est produit pendant deux années auprès du formidable harmoniciste, Brandon Santini. Lors de ses tournées, il est soutenu par une section rythmique. Soit le bassiste Bill Ruffino, et un nouveau batteur, le jeune noir Robinson Bridgeforth.
La Texane Reba Russell donne la réplique vocale à Jeff sur "Make it through", un R&B funkysant. Ce dernier libère ses cordes dans un style très élégant. Victor Wainwright, un pote, siège derrière le piano électrique tout au long du solide "Get along", une plage aux sonorités métalliques. Et Jensen nous y réserve un envol irrésistible. Il se révèle toujours aussi brillant sur "Fall apart", une ballade R&B intimiste, discrètement cuivrée, dans le parfait esprit du southern soul de Memphis. Robinson canalise le tempo sur ses fûts tout au long de "Going home". Un titre funk qui ne manque pas de charme au cours duquel la voix de Miss Russell vient une nouvelle fois se joindre à celle de notre leader! Et les interventions de guitare sont belles à pleurer! "Paper walls" concède des accents empruntés à la valse et au jazz. Chris Stephenson joue sur un piano d'enfant et double à l'orgue Hammond. Signé Memphis Minnie et Kansas Joe McCoy, "What's the matter with the mill" lorgne vers le Memphis blues de BB King. Jeff et son ami Victor Wainwright partagent les vocaux, avant que ce dernier ne vienne se défoncer sur les 88 touches de ses ivoires, lors d’un boogie woogie furieux. Le violon d'Anne Harris colore "Ash and bone", une ballade acoustique, de teintes joliment surannées. "Elephant blue" baigne dans une atmosphère jazz, une piste instrumentale caractérisée par des échanges entre la guitare, l'orgue de Stephenson et la basse de Bill Ruffino. "Bad bad whiskey" est un succès décroché par Amos Milburn, en 1950. La nouvelle version a été traduite en country/blues classique. Victor se réserve le micro sur ce morceau dominé par les cordes acoustiques et l'harmonica d'Eric Hughes, un concitoyen de Memphis. "I'll always be in love with you" opère un retour au R&B cuivré. Victor Wainwright brille de mille feux au piano sur cette cover d’un ancien hit de Brenda Lee. Et avant de refermer cet opus, on a encore droit à un bonus track : "Empty bottles". Un duo acoustique échangé entre l’harmoniciste notoire californien, Gary Allegretto, et Jeff Jensen, qui se consacre également aux vocaux.
Agé de 66 ans, Donald Ray Johnson est un bluesman de couleur noire. Originaire du Texas, il a entamé son parcours musical en chantant dans l'église du quartier et lors des réunions de famille. Très jeune, il se consacre aux percussions, avant de se convertir au blues. Après avoir accompli ses obligations militaires, il s'installe à San Diego où il rencontre Lowell Fulsom, Bobby Womack et Pee Wee Crayton. Il joue ensuite en compagnie de Philip Walker et Joe Houston, à Los Angeles. Il croise alors le producteur Perry Kibble et deux jeunes Afro-américaines, Janice Marie Johnson et Carlita Durham. Ensemble, ils fondent A Taste of Honey. En 1989, il s’installe à Calgary, où il s'est forgé une solide réputation locale, comme chanteur de blues! Son dernier elpee, "It's time", date de 2010. Il faisait suite à "It ain't easy being blue", paru en 1995, "Donald Ray", en 1999, "Pure pleasure", en 2002 et "Travelin' man" en 2006. Cet LP est sous-titré "The Best of Donald Ray Johnson" et constitue donc un concentré de ses précédentes productions.
"Ain't no fun to me" ouvre la plaque. Imprimée sur un mid tempo, cette ballade soul/blues est issue de la plume d’un spécialiste du style, Al Green. La voix de Donald est chaleureuse et bien adaptée au genre, dont la coloration blues est procurée par un harmo parfaitement intégré. Des accords de gratte subtils illuminent, "Gone so long", un excellent blues. "These blues" est un extrait du dernier long playing, une piste qui évolue sur rythme enlevé. La guitare entre en effervescence, alors que la sortie du saxophone ténor est tout à fait judicieuse. Autre superbe ballade, "Always on my mind" trace une ligne mélodique intense, alimentée par une guitare électrique pourtant parcimonieusement dispensée. Plutôt contaminée par le style Memphis, "Slow down baby" est une compo qui passe bien la rampe. Orgue et cuivres se partagent la part du lion. La rythmique adoptée sur "Me and Jack" est enlevée et solide. "Last two dollars" est sculpté dans une soul de bonne facture. La voix est impeccable. Donald Ray Johnson est un excellent chanteur. Le saxophone, un délice pour les tympans. Nonobstant son titre, "No guitar blues" est un blues lent classique. La six cordes s’implique généreusement. Le saxophone est omniprésent. Le piano et de l'orgue tapissent l’ensemble. Sans doute la meilleure piste de cette collection. "It ain't easy being blue" et "Thrilling you killing me" figurent sur le premier opus gravé en 1995. Un disque qui privilégiait la quintessence du blues, philosophie rappelant l'Electric Flag de la fin des sixties, un combo alors fréquenté par l'excellent guitariste Mike Bloomfield. Le remarquable phrasé sur la gratte nous le rappelle. Ce "Best of" s’achève par deux pistes gravées sur leur dernier long playing, publié en 2010, dont la finale, "It's time", évoque Santana. Surtout à cause des percus, de l’orgue et des cordes de guitare éruptives. Excellent !
Quand on évoque Pat Kebra, on pense inévitablement à un ancien glorieux chapitre du rock français… L’artiste est en effet l’un des membres fondateurs du groupe punk parisien Oberkampf. Né en 1978, il avait été créé suite au débarquement de formations du style au sein du Bataclan (NDR : cette salle de concert mythique est située à deux pas de la station de métro du même nom). Kebra rend hommage à son ancien combo sur l’excellent titre éponyme qui clôt l’elpee.
Bien sûr, le 3ème opus de Pat Kebra sonne parfois un peu daté ; mais cette ambiance rétro est bien rendue, à l’instar du splendide et énervé « Ouvre les Portes », qui rappelle le magnifique « Frères Misères » cher à Mano Solo ou le bouleversant « Confidences » inaugural… Le résultat peut cependant s’avérer moins passionnant, comme sur « Vestiges », qui abuse de clichés dans son interprétation. Mais d’un bout à l’autre d’« Electrosensible », on ressent cette rage rock’n’roll jamais simulée, doublée d’une extrême sincérité. Notons la présence de Manu, ex-chanteuse de Dolly, sur le sensuel « Penser à Demain ». C’est une certitude, Pat Kebra n’est pas près de débrancher sa guitare…
Issue de Detroit, dans le Michigan, Eliza Neals est une chanteuse de blues/rock. Elle est aussi pianiste. Mais également auteur-compositeur et productrice. En 2012 et 2013, elle a décroché des Music Awards, dans sa Motor City. Quoique encore jeune, cette artiste a déjà publié de nombreux albums : "I'm waiting" en 2003, "Liquorfoot" en 2005, "No frogs for snakes" en 2008 et "Messin' with a fool" en 2012. Pour enregistrer "Breaking and entering", elle a reçu le concours de toute une ribambelle de collaborateurs. Des sessions qui se sont déroulées à Detroit et Ferndale, dans le Michigan, à Weehawken (New Jersey), et à Nashville (Tennessee).
Le dobro d'Howard Glazer nous entraîne dans son "Detroit drive". La voix d'Eliza est surprenante, expressive, au bord de la rupture. Acoustique, cette ouverture est également marquée par les pulsations rythmiques communiquées par Erik Maluchnik. Blues lent incandescent, le titre maître est balisé par les cordes de Glazer, désormais largement amplifiées et torturées. Eliza extirpe des mots de sa gorge, sans doute ravagée par les excès. "Jekyll and a hound" est sans aucun doute l'une des meilleures plages de l’elpee. Elle a été mise en boîte à Memphis, sous la houlette de Mike Puwal, qui assure aussi les parties de guitare. Rockin’ blues, "Goo Goo glass" concède des accents pop, une plage construite sur un riff débridé, dispensé par Glazer. Dans l’univers du rock, Kenny Olson est un guitariste particulièrement notoire et apprécié par ses pairs. Métalliques, ses interventions sont impressionnantes tout au long de l’indolent "You", un morceau au cours duquel Eliza siège derrière l’orgue Hammond tout en chantant d’une voix relativement plus douce. Olson participe également à "Southern comfort dreams", sur un rythme à peine plus soutenu, en écrasant judicieusement sa pédale wah wah. Rock entraînant, "Pretty gritty" est dominé par les cordes de Mike Puwal et les accords de piano sautillants de Miss Neals. La voix d’Eliza parvient à s’extraire de chœurs imposants sur "Windshield wipers", une piste aux accents pop. Dansant, "Sugar daddy" lorgne ver le R&B. Mike Puwal revient une dernière fois apporter son concours sur "I'm the girl", une autre plage dansante. Howard Glazer, le gratteur de Detroit, contribue aux deux derniers morceaux. Il est seul pour épauler Miss Neals, au chant et aux claviers sur "Spinning". Et ses interventions sont tourmentées et déjantées. La finale est en réalité une version condensée du long blues qui donne le titre à l’elpee, une adaptation baptisée communément ‘Radio Edit’.
Etabli en Californie, Bill Philippe a écumé toutes les scènes et arrière-boutiques de la région de San Francisco, au cours de ces vingt dernières années. Fervent adepte du funk néo-orléanais, il a scellé cet enthousiasme sur trois elpees, "Ascended Masters of the Order of the Tantric Fonk" en 2003, "Fonk" en 2008, et "Fonkology" en 2011. Depuis, Bill est revenu à sa passion originelle, le Delta Blues, celui de Blind Willie Johnson, Mississippi John Hurt, Robert Johnson et Muddy Waters!
Le répertoire de Bill oscille entre compos personnelles et adaptations de traditionnels du genre. Une exception qui confirme la règle : la cover du "Come on in my kitchen". Elle est signée par le légendaire Robert Johnson et a été écrite, il y a plus de 80 ans. Cette plage ouvre l’elpee ; et à son écoute on en attrape des frissons. Une adaptation respectueuse et passionnée, tant dans la voix que les cordes. Bill chante et assure les parties de guitares, sur tous les morceaux. "Father's lament" est une chanson particulièrement intimiste. Bill injecte beaucoup d’expression dans la voix, tout au long de l’excellente plage, "Wedded heart", qui voue un grand respect aux blues originaux d'avant-guerre. La passion le dévore encore sur "Tightrope". Lors des arrangements des traditionnels, il a pris soin de préserver l’esprit du blues. A l’instar de "Keep your lamp trimmed and burning", une compo attribuée à Son House, qui figurait sur "Death letter" ou encore de "You're gonna need somebody on your bond", une plage qui aurait été composée par Blind Willie Johnson. Bill rend hommage à son principal maître sur "The Ballad of Blind Willie", une version empreinte d’une grande sensibilité. Et c’est toujours la passion qui le guide sur "In my time of dyin'"…
Il s’agit du second album de Polar Circles, une formation suisse. Et cet opus est la parfaite démonstration que les pénibles Nickelback sont parvenus à faire des émules jusqu’au sein de la vieille Europe… A l’instar de « Landmark », titre d’ouverture, et de loin le moins bon morceau de l’opus. Une piste sculptée dans le rock FM sirupeux et lourdement lyrique. Heureusement, le quatuor semble plus à l’aise dans le registre pop, comme sur le très cool « Heavy Words ». Entre ces deux pôles divergents, les morceaux musardent tour à tour dans l’univers propre à Incubus nouvelle mouture (« Burnt Memories »), la ballade rock (« Time to Shine ») et les inoffensives salves heavy-pop (« Promises »).
Soulignons quand même les excellentes aptitudes des musicos, qui semblent avoir fait leurs gammes dans le monde du jazz. Sans oublier la voix, maniérée, mais impeccable, et la production parfaite… Si Polar Circles avait été américain, il remplirait les stades. Or, il est issus de Lausanne, agréable cité helvétique plus connue pour son architecture durable et son lac que pour ses riffs de guitares…
Au sein de l’univers du blues contemporain, Brandon Santini est considéré comme un de ses meilleurs représentants. Il y figure tout comme Jason Ricci et Dennis Gruenling. Originaire de la Caroline du Nord, il n’a que 33 ans. Il a émigré à Memphis, il y a une bonne dizaine d'années, afin de vivre le plus près possible des sources du blues et de fréquenter les bars de Beale Street. Il avait déjà gravé deux elpees, enregistrés dans le studio Ardent de Memphis, "Songs of love, money and misery" en 2011 et "This time another year" en 2013. Il a donc décidé d’immortaliser un de ses concerts en live. En l’occurrence, lors du Festival d’Eté de Québec, en juillet 2014. Et il a eu une bonne idée.
Pour la circonstance, il est soutenu par son backing group : le guitariste Timo Arthur, le bassiste Nick Hern et le drummer Chad Wirl. Le show démarre sur les chapeaux de roue par le bref "One more mile", un titre issu de la plume de Muddy Waters. On est déjà impressionné par la puissance de son souffle. Charlie Musselwhite et Brandon cosignent "This time another year", une piste entraînante qui baigne toujours dans le Chicago blues. Le spectre de Howlin' Wolf rôde. La voix de Santini est bien charpentée. Blues lent à coloration Chicago Southside, "Elevate me Mama" a été écrit par l'un des seigneurs de l'harmonica, Sonny Boy Williamson II, une plage figurait également au répertoire de Muddy Waters. Très bien ficelée, la nouvelle version met en exergue le dialogue entre la voix et l'instrument. Que du bonheur ! Long blues imprimé sur un tempo nerveux, "Evil woman" évoque plutôt Slim Harpo. Timo en profite pour sortir une première fois, de sa réserve, sur sa guitare. Et il est encore à l’attaque sur le classique de Big Walter Horton, "Have a good time", en bénéficiant de la collaboration du public canadien. Particulièrement alerte, "Help me with the blues" est un exercice de style de haute volée accompli par le souffleur et le gratteur. Les musiciens sont chauds, le public est brûlant. Après un petit break, le team attaque le notoire "Got love if you want it" de Slim Harpo, c’est-à-dire la référence incontournable au swamp blues louisianais. "No matter what I do" est un extrait de son opus précédent. La voix est autoritaire sur ce shuffle à la fois solide et torride. Brandon a coécrit "What you doing to me" en compagnie de Victor Wainwright et Jeff Jensen. Un blues paresseux pour musicos décontractés. Cap vers le Sud. Et en particulier l'Arkansas et le Mississippi, pour la cover du fameux "My backscratcher" de Frank Frost. Timo est intenable et dispense sa meilleure sortie aux cordes sur ce morceau bien rythmé, alors que l’harmonica se révèle tout bonnement éblouissant. La fin du concert est proche. Brandon se lance dans un boogie furieux, "I wanna boogie with you". Il se déchaîne. Ses poumons ne lâchent jamais prise. Quelle santé ! D’excellente facture, ce ‘live’ s’achève par un inévitable Chicago blues, "Come on everybody".
Huit titres, dont un caché sur cet Ep éponyme de près de 35 minutes. Si le bonus track est délicatement sculpté dans le folk, les autres plages sont toutes alimentées par un flux électrique continu. Le disque s’ouvre par l’enlevé « No sense in your eyes ». La rythmique est hypnotique et fédératrice, presque krautrock. Cinglantes, les guitares parviennent même à dessiner des arabesques. C’est toujours cette rythmique qui balise la mélodie sur le psyché/garage « I’m so proud », une compo qui aurait pu naître d’une rencontre entre les Warlocks et les Dandy Warhols, même si la voix tourmentée évoque plutôt Perry Farrel, époque Porno For Pyros. Une occurrence qui se reproduit sur « For another day », tramée cependant, sur un tempo languissant. Les cordes des grattes sont guillerettes, tintinambulantes, tout au long du plus pop « Evil ride », une piste qui lorgne vers House Of Love. « I need you tonight » baigne au sein d’un climat garage/punk malsain, aride. Un punk qui devient frénétique sur « Stepmother ». La ligne de basse obsessionnelle procure le tempo au sauvage et ravageur « If I were your only son », une composition évoquant Spacemen 3 voire Loop. Et si souhaitez en savoir davantage sur ce groupe liégeois, qui devrait bientôt publier son véritable premier album, je vous invite à (re)lire l’interview que le quintet a accordée au grand complet, ici
Originaire de l'Alabama, Candi Staton chante la soul et le gospel. Dans quelques jours, elle fêtera ses 75 ans. Dès son plus jeune âge, elle milite au sein du Jewell Gospel Trio. Pour y chanter. Elle commence à enregistrer dès 1953. Sa notoriété de vocaliste southern soul, elle la forge fin des 60’s et au cours des 70’s. Mais en 1982, elle en revient au gospel. La discographie de Candi est conséquente. Elle a décroché ses plus grands succès, quatre décennies plus tôt, quand elle enregistrait au sein du studio Fame, à Muscle Shoals, en Alabama, sous la direction de Rick Hall. Pour concocter son 27ème LP, elle y est retournée.
Quoique plus de première jeunesse, elle a conservé son joli brin de voix. Soutenue par les harmonies vocales de John Paul White et Jason Isbell (ex-Drive by Truckers), elle aborde "I ain't easy to love", en l’imprimant sur un impeccable tempo R&B. Rick Hall dirige "Commitment" et "Never even had the chance", deux plages balisées par la section rythmique constituée du bassiste David Hood et du drummer Tommy Harden. La fille de Candi, Cassandra Hightower, participe aux chœurs, sur "Close to you", une compo que chante Mrs Statton d’une voix autoritaire. Sur cette piste, Toby Baker double à la guitare et l’orgue. Le reste du long playing a été mis en forme par son fils, Marcus Williams. En outre, il apporte sa collaboration aux drums. La suite de l’opus baigne dans une soul intimiste ; et notamment "For eternity", "Even the bad times are good", "Where were you when you knew?" et "Go baby go", trois morceaux qui bénéficient de la participation de Steve Cuningham, à la pedal steel. La section de cuivres est au complet pour aborder "Beware" et "Treat me like a secret", des morceaux funk/r&b dansants. Mrs Staton et sa fille Cassandra signent "Three minutes to a relapse". Candi interprète "Have you seen the children?", une ballade r&b empreinte de tendresse et de passion qu’elle a composée. Tout comme "Have you seen the children?", alors soutenue par l'orgue de Kevin Griffin et le saxophone de Mike Burton. En bonus, elle revient chanter "Where I'm at", une plage dansante, funky et cuivrée.
A l’instar de The Notwist, Tarwater nous vient d’Allemagne. Mais ne jouit pas de la même notoriété. Et pourtant, il compte tout de même près de 20 ans de carrière ; son premier elpee datant d’ailleurs de 1996. Tarwater est un duo réunissant Bernd Jestram et Ronald Lippok. Et « Adrift » constitue déjà son 11ème elpee. Un disque qui ne devrait cependant pas booster sa popularité. Et pour cause, mêlant post-rock, prog-rock et électronica, ses compos –parfois instrumentales– se révèlent à la fois sobres et ma foi, quelque peu austères. Pas toujours très assurée, la voix me rappelle parfois feu Lou Reed, comme sur la superbe plage électro-pop « The Tape ». Un profil électro qui s’impose tout au long de « Rice and Fish », mais se conforme également au minimalisme sur « Stone in Exile ». Les mélodies sont cependant moins hymniques que chez la bande aux frères Ache. Ce qui n’empêche pas les pistes d’emprunter un profil tour à tour anecdotique (« Adrift », une compo aux accents orientaux), jazzyfiant (« They Told Me in the Alley ») ou vaporeux (l’ennuyeux « The Glove »). « Adrift » est une œuvre pas vraiment passionnante, mais étrange, nostalgique, intemporelle et empreinte d’une certaine sérénité…
De son véritable nom Rick Bates, Tas Cru est originaire du Québec. C’est un adepte du country/blues, mais également du rock/blues. Il a publié 8 elpees depuis 2006 ; et son avant-dernier, "Tired of Bluesmen crying", remonte à 2012. Rick s’est établi, entre-temps, dans l'état de New York! Tas et ses Moneymakers ont enregistré "You keep the money" au sein du studio Subcat à Syracuse. Les douze plages sont signées Cru ; et il en assure la production.
L'orgue de Guy Nirelli introduit "You keep the money", un R&B bien torché, inspiré par le bluesman du Delta, T Model Slim. Soutenu par les voix de Mary Ann Casale et Alice Ericksen, Tas Cru se réserve le lead vocal. L'harmonica bluesy de Dick Earl Ericksen (NDR : c’est l'époux d'Alice) et la guitare du leader entrent en dialogue. Tas est toujours au micro pour "A month of somedays", un blues lent impeccable tapissé par l'orgue Hammond de Norelli. Sa voix est chaleureuse et chargée de feeling. A nouveau épaulé par les deux choristes, il attaque "Half the time ", un blues bien rythmé. La guitare ne tient plus en place mais demeure constamment au service de l’expression sonore, alors qu’Ericksen s'éclate sur son harmonica! Indolente, mélodieuse, belle, "La belle poutine" est une plage aux arrangements particulièrement soignés. La six cordes libère toute sa sensibilité devant l’orgue Hammond et le piano électrique. Plus funky, "Heart trouble" est un morceau récréatif. Si la gratte est bien présente, on s’amuse des changements de tempo et des gémissements féminins. Des cordes acoustiques entament "A little more time". Elles cèdent cependant rapidement le relais aux électriques. Une piste aux arrangements soignés qui s'étire paresseusement. La même amorce régit "Take me back to Tulsa". La voix de Tas est nonchalante. Le tempo s'élève. Orgue, piano et harmonica entrent dans la danse. Et tout en picking, les interventions de gratte sont hantées par l'ancien maître de Tulsa, JJ Cale. Le climat est toujours aussi cool sur "Count on me", un excellent blues marqué par la sortie de Norelli sur l'orgue Hammond. Ainsi que tout au long du captivant "Bringing out the beast", une compo au cours de laquelle ce sont l'harmonica et l'orgue qui apportent la couleur sonore. Guitare Resonator et harmonica balisent la finale "Thinking how to tell me goodbye", une ballade country/blues acoustique…
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