Les concerts en appartement sont organisés par Frédéric Bulté (Les Soirées Cerises). Fred, aka Fred Cerise, est le plus grand programmateur et organisateur de concerts gratuits à Bruxelles. Très sympathique, c’est un vrai découvreur de talents. Chaque semaine, il organise au moins un spectacle musical par jour. Parfois deux ou trois. Dont celui-ci. Pour lequel il est absent. Difficile de se couper en trois. C’est une formule que j'apprécie tout particulièrement. Le public est limité. La proximité entre celui-ci et l'artiste est optimale. L’ambiance est conviviale. Le concept est gratuit. A la fin du show, l’artiste fait passer un chapeau. Chacun y met ce qu’il veut. Ce sera le cachet. C'est déjà la deuxième fois que je me rends dans l’appartement de Michel et Nathalie Rommelaere pour assister à ce type de représentation. La première, c’était pour le set du Canadien Woodpigeon, qui pourtant remplit aisément le Botanique. Les hôtes sont charmants. Les invités apportent leurs boissons et l'audition se déroule presque en famille.
Ce soir c'est au tour de Sarah Carlier de s’y produire. L'artiste a déjà assuré quelques premières parties prestigieuses et pointé le nez lors de festivals conséquents. Sous la formule du concert en appartement, c'est sa première. Si sur une grande scène, elle se montre particulièrement à l’aise, ici elle semble avoir le trac. Dans l’auditoire, je remarque la présence de son papa, Sylvain, ainsi que de Manon, sa fidèle amie, devenue la manager. Elle signe d’ailleurs 5 titres du dernier opus…
Une petite estrade a été installée dans la cuisine. Une chaise y est posée. Ce soir, Sarah ne pourra compter que sur sa guitare, sa voix et son ampli. Après avoir accordé son instrument, elle attaque son set. Manifestement, elle est stressée. C’est un exercice de style difficile, il faut le reconnaître. Mais pas insurmontable, car au fil du temps, elle commence à maîtriser son sujet. En fait, c’est son sourire ravageur qui détend l'assemblée. Elle finit elle-même par se décontracter et commence à discuter avec les spectateurs, serrés aux premiers rangs. L’auditoire est limité à une cinquantaine de personnes. Le public est attentif.
« She Said » ouvre le bal. Mon voisin de droite me confie que ce récital lui plaît, et me demande si je la connais. Ben quand même, depuis le temps. Il continue à me poser des questions sur l’existence d’un hypothétique album, des conditions d’enregistrement, et tout le Saint Tremblement. Il commence un peu à m'énerver et d'un ton courtois, je l’invite à la mettre en sourdine, à écouter et à apprécier. Sarah embraie par « Misery », un extrait du dernier elpee. La voix est chaude, le virage soul de Sarah enchante l'assemblée. En concert électrique, c'est plutôt du côté de Kingston que le soleil pointe. On passe ensuite à « Call You », la douceur est de rigueur, un petit retour au calme. Toute l'émotion de l'artiste passe dans la voix et le jeu de guitare. C'est presque divin. D’ailleurs, le gars de droite est en extase. Je pense qu'il devient amoureux. « For Those Who Believe », c’est le titre éponyme du premier opus de Sarah, mais aussi le premier morceau qui m'a fait vibrer. Elle nous propose sa version personnelle du « Going Back To My Roots » de Richie Havens. C’est une de ses influences majeures. Pour « Mr James », le gimmick de guitare met le cap vers la Jamaïque, alors que la voix se révèle purement soul. Si j’apprécie cette compo sous son format électrique, elle prend une autre dimension en acoustique. Raison pour laquelle, il est intéressant d’assister aux deux configurations. Issu de « For Those Who Believe » (NDR: c’est le titre de son premier LP), « Chorus Man » baigne dans une douceur certaine.
« Dreams » est un titre plus paisible au cours duquel la voix de Sarah exerce ses charmes… Et « Since » de poursuivre dans le même registre. Une autre cover, celle du « Hey Joe », popularisé par Jimi Hendrix. Et son adaptation est digne du maître. Le set s’achève par la chanson phare du dernier opus, « SMS » (« Save My Soul »), ce fameux hit écrit en famille. Un rappel quand même, au cours duquel elle reprend le « Billie Jean » de Michael Jackson. Une adaptation originale magnifiée par la voix de Sarah. Et la soirée de se terminer par « Resistant », un morceau que je découvre.
Bref, ce soir, le public a été conquis par la simplicité (NDR : elle remercie régulièrement le public) et le talent de Sarah Carlier. Et comme le son était nickel, je dois avouer avoir également passé une excellente soirée.
(Organisation Frédéric Bulté : Les Soirées Cerises)
Louvain-La-Neuve est plus paisible le week-end. La plupart des étudiants rentrent passer quelques jours dans leur famille, après une semaine de cours intensifs. Ou en tout cas c’est ce qu’ils racontent… Mais heureusement, la ville n’est pas inerte pour autant. La Ferme du Biéreau est une de ces structures qui accueillent des événements et font vivre les samedis louvanistes. Pour la circonstance, il s’agit d’un festival baptisé simplement ‘La Ferme’. Mais ne vous inquiétez pas, la soirée n’était pas silencieuse. Sept groupes vont se partager deux scènes, campant sur deux étages.
Un peu avant 19h, Moaning Cities ouvre le bal. Légèrement teinté de psychédélisme, le rock de ce groupe bruxellois, n’est pas sans rappeler Tame Impala.
Il faut ensuite monter quelques marches pour atteindre la deuxième salle. D’une capacité de 105 personnes, elle ne peut –théoriquement– pas en accueillir davantage. Mais en pratique, cette limite ne pose pas de souci, car de nombreux spectateurs redescendent au rez-de-chaussée pour y prendre un verre, manger un morceau (NDR : les petits plats sont préparés par une camionnette/snack ‘de luxe’) ou simplement griller une cigarette. Même si la pièce est bien remplie, elle n’est pas bondée et on dispose de suffisamment d’espace pour assister au set de Fago.Sepia. Les Français nous balancent un math-rock instrumental assez direct et explosif. La combinaison parfaite pour se réveiller définitivement.
Nous dévalons à nouveau les escaliers pour découvrir Mutiny On The Bounty. Derrière ce patronyme curieux se cachent des Luxembourgeois déjà bien expérimentés. A quelques jours de la sortie de leur nouvel elpee, ils se lancent dans un concert complètement instrumental ; une démarche plutôt inédite pour eux. Les compositions math-rock sont agréables. Je ne peux m’empêcher de penser à Foals d’ailleurs ; ce qui est, en général, bon signe. Mais malheureusement au fil du show, un sentiment de lassitude commence à m’envahir. Pas forcément à cause du groupe mais de la programmation. Enchaîner deux combos aussi similaires et sans vocaux n’était, à mon humble avis, pas une bonne idée. Certains fans de musique instrumentale m’ont confessé être satisfaits par cette situation. Mais perso, c’était trop long et presque redondant.
A/T/O/S embraie moins de cinq minutes plus tard. C’est un peu trop rapide à mon goût ; et personne n’a vraiment le temps de souffler. Le duo belge m’a plutôt déçu, peut-être à cause de ce tempo frénétique. Mais aussi des compos complètement plates. En outre, quand on est pas vraiment accro au trip hop, difficile de me faire changer d’avis. D’ailleurs celui de l’auditoire était sans doute partagé, vu qu’il était bien plus clairsemé que lors du concert précédent…
Place au sommet de la soirée. Plus besoin de présenter BRNS. J’apprécie leur indie rock expérimental ; et c’est toujours un plaisir de les voir et les écouter en live. Impossible de m’en lasser. Les spectateurs remuent en tout cas bien plus que pour les précédents sets. Pas de doute, il s’agit bien de la tête d’affiche. Un spectacle évidemment réussi auquel il n’a manqué que « Deathbed », un morceau issu de l’Ep « Wounded », qui me botte tout particulièrement, mais le band ne l’a pas interprété. J’aurai le plaisir de revoir le quatuor à Mons, la semaine prochaine ; malheureusement le groupe m’a confirmé que le morceau n’y serait pas joué non plus. Dommage…
Difficile de définir AK/DK. Batteries et synthétiseurs alimentent la musique de ces Britanniques. Elle est vraiment particulière voire même intrigante. En 2012, le duo a assuré la première partie des Dandy Wharols ; et ce n’est pas étonnant. Issu de Brighton, le duo m’a vraiment surpris. Je ne m’attendais pas du tout à une telle prestation. Il y a bien quelques passages répétitifs, mais en général, le son est assez jouissif. Je vous invite d’ailleurs à aller découvrir le morceau « Battersea » sur Youtube (voir ici) pour trois minutes de plaisir auditif. C’est d’ailleurs par ce morceau que le tandem a achevé sa représentation.
Nordic Giants clôt le festival. Encore un duo. Les deux musicos portent d’énormes masques de Chamans et un film illustrant leur musique qui se veut épique, est projetée sur deux écrans. Intéressant, leur post-rock pourrait gagner en attractivité, si l’orchestre qui les accompagne parfois était aussi de la partie. Du coup, je reste un peu sur ma faim…
Bref, on peut décréter que la deuxième édition festival La Ferme est réussie. Entre confirmation et découverte, personne ne s’est vraiment ennuyé. En outre, l’événement bénéficie d’une structure très agréable ; et pour cause on y trouve un marché de vinyles, une exposition et une jam patasonique, sise dans une grange juste en face (et où la bière au miel est excellente…) La ferme du Biéreau est définitivement devenu un des endroits rock de la Wallonie.
(Organisation : La Ferme du Biéreau)
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Chaque dernier vendredi du mois, de septembre à juin, ‘Le Terroir’ –un bar bien sympathique où la population locale savoure sa petite pression– accueille un concert rock. C’est à Horrues, un petit village, également le fief de votre serviteur. Quoique affichant un âge respectable, Brigitte, la patronne, gère ces d’jeuns tout en tentant de leur inculquer la culture rock. Pour février, l’affiche est consacrée au punk/rock pur et dur, mais festif. Et ce sont les Slugs, un trio né au début des 80’s et composé de vétérans qui est programmé. Un combo belge terriblement efficace sur les planches et constitué d’un line up tout à fait classique basse/guitare/batterie. Il y a du peuple dans la salle. En outre, le band a attiré de nombreux aficionados, qui vont faire monter la pression. Mais sans la mousse…
L'estrade où se produit la formation n'est pas bien large. Le groupe est venu présenter son dernier opus, « BanqueRoute », paru en 2011. Geoff est préposé à la basse, Ren se charge de la guitare et Bini se consacre aux drums. Avant de prendre place derrière ses fûts, ce dernier enlève ses chaussures et chaussettes. Les Slugs auraient pu naître d'une rencontre hypothétique entre The Clash, The Damned et UK Subs. Différence, mais elle est de taille, les lyrics sont exprimés dans la langue de Voltaire ou en dialecte wallon. Leur expression sonore est à la fois carrée, infernale, savoureuse et récréative. J'avais découvert le combo, supporting act pour Contingent et Sham 69, en septembre 2014, dans le cadre du 20ème anniversaire du Magasin 4.
Le set est découpé en deux parties. La première s’ouvre par « Tout tourne rond » et embraie par l'hilarant « Le Banquier ». Les morceaux sont enchaînés par paires, car ils sont brefs. Pas plus de 3', suivant un rituel du style. « Canada » rend hommage à nos compatriotes francophones, expatriés là-bas. « GPS - Derouf - Coup d'Pie Dan Et Gueule » sont interprétés en dialecte wallon. Les Slugs ont un message à faire passer. Et ils se servent de l'humour pour y parvenir. « Mr Le Prof » traite d'un métier bien difficile à exercer aujourd'hui. « Zoo et Binoche » adresse un petit sourire à Juliette. Et « Karaté-Ninja » clôt le spectacle.
Suivant le même rituel, le préposé à la vente des albums ôte son tee-shirt et exhibe son ventre. Il va tenter de faire son sumo, mais personne ne réagit dans l'assemblée. Un très bon set, apprécié autant pour les oreilles que pour les guiboles. Les artistes sont loin d'être des manchots. Les gens du cru ont apprécié et les musicos sont contents de leur prestation. Les Slugs reviennent ce 4 avril 2015, au Magasin 4 de Bruxelles, pour faire la fête à Pompon. Et l’affiche est particulièrement alléchante. Outre Les Slugs, s’y produiront Bj Scott, Daniel Helin, Goddog, Needle And The Pain Reaction, Odieu, The K., Pneumatic Head Compressor, Rene Biname ainsi que Romano Nervoso. Chacun pour un showcase de 20' ! Pas de prévente. Premier arrivé, premier servi.
(Organisation : Le Terroir)
Initialement, le concert de Chapelier Fou était programmé à la Rotonde. Vu le succès de la location, il a été transféré à l'Orangerie. Et a rapidement été décrété sold out. Perso, j’aurais préféré que ce spectacle demeure dans l’hémicycle. Une nouvelle fois, à cause de la qualité du son. Trop puissant. Les fréquences de basses parvenant même à faire trembler les structures métalliques de la salle. Un endroit pas du tout adapté aux sets de musique électronique. Ce n'est pas la première fois que votre serviteur constate ce phénomène.
Coiffé d’une casquette, Marc Mellia assure la première partie. Il se produit en solitaire devant ses machines et samplers. Electro, sa musique est expérimentale. Sa voix est même parfois filtrée à travers un vocodeur. Je découvre cet artiste, dont le spectacle se limitera à une bonne demi-heure. Et qui vu les conditions sonores, ne va pas s’avérer exceptionnel.
Le patronyme de Chapelier Fou s’inspire du conte ‘Alice Au Pays Des Merveilles’ de Lewis Caroll. En 2008, le Lorrain devient la révélation du Printemps de Bourges. J'avais repéré l’artiste, dans le cadre des Nuits Botanique, en mai 2012. Il se produisait en solitaire, armé de son archet et entouré de ses machines ; et j'avais adoré.
Novatrice, sa musique oscille entre le trip hop, la pop, le classique (NDR : il ne faut pas oublier que ce Messin a fréquenté le conservatoire, dès l’âge de 6 ans, pour y apprendre à jouer du violon et du clavecin) et le hip hop. Elle est imprimée sur des rythmes fluctuants. Accélérant ou décélérant, parfois même brutalement. Et son talent procède de sa capacité à maîtriser tous ces paramètres, à l’aide de ses synthétiseurs, samplers, machines, ordinateurs, tout en y brodant des lignes de violon…
Pour présenter son dernier elpee, « Deltas », paru en septembre 2014, il est soutenu par trois collaborateurs. Soit Camille, la violoncelliste, Maxime, le clarinettiste/saxophoniste et Chaton qui double au violon alto et aux bidouillages. Le préposé aux cuivres est barbu et suscite instantanément la sympathie. Le décor est dépouillé. Quatre tables placées l'une à côté de l'autre. Sur laquelle est disposé un tas de matos. Pas de setlist pour guider. Le son n'est pas trop à mon goût ; j’enfonce donc des bouchons dans les oreilles. Et franchement, c’est dommage, car c’est lorsque le quatuor va se servir d’un minimum d’amplification, que toute la magie et la beauté de cette musique –ma foi cérébrale, quand même– vont se libérer. Un moment de véritable communion et de complicité vécu entre le quartet et l’auditoire. Bref, hormis ce bref intermède, je n’ai pas vraiment pris mon pied ce soir ; et je suis reparti avant la fin du set, déçu. En espérant néanmoins revoir Chapelier Fou, dans d’autres conditions, pour me procurer de meilleures sensations.
(Organisation Botanique)
Si vous aimez les atmosphères sombres, le bon vieux rock qui pue des pieds et se fond dans le son bluesy, je vous invite à écouter ce « Cold Was the Ground », dernier album de The Midnight Ghost Train. Fermez les yeux, imaginez-vous roulant de nuit au milieu des plaines du Texas. Il fait chaud et humide, l’esprit embrumé tant par l’ivresse d’un bon whisky que par la liquidation en bonne et due forme d’une famille de bons petits Américains. Digne d’un cynique Tarantino ou d’un Rob Zombie déjanté.
« Along The Chasm », en guise d’introduction oppressante, est rapidement rejointe par des guitares rondes et ronronnantes qui ne cesseront de vous accompagner tout le long de la route. « Cold was the Ground », c’est du Stoner qui fait du bien par où il passe, mixé à la chaleur de transitions propres au Blues. Issu de Topeka, capitale du Kansas aux Etats-Unis, ce trio arpente les scènes depuis bientôt huit ans et publie donc son troisième opus studio. Les riffs ronds de « Gladstone » nous entraînent directement au cœur de l’album et plantent le décor roots et brumeux, où les riffs et la voix grave et rocailleuse de Steve Moss, vocaliste/bassiste du groupe, s’entrechoquent. Un contraste où le rugueux vient côtoyer le soyeux, afin d’élaborer une matière aux multiples reliefs. Comme tout bon Stoner, les morceaux profitent d’une alternance entre un rock endiablé rapidement exécuté et un étirement en longueur de certains passages afin de profiter de la couleur de chaque note, le tout dans un mouvement hypnotique nous entraînant dans un au-delà planant. « BC Trucker », single de l’album, déboule par un solo de batterie rapidement rejoint, en arrière-plan, par une basse aux accents réminiscents d’un ZZ Top, mais exécutés plus rapidement, et un riff bénéficiant d’un break bien placé, pour s’installer confortablement et rester en tête jusqu’à la fin du morceau. Ce dernier profite d’ailleurs d’un clip vidéo assez déjanté, où les trois gars du Kansas se retrouvent à jouer au milieu des champs, accompagnés d’un homme coiffé d’un masque de cochon et tournoyant en Quad autour d’eux. On y retrouve ensuite une bande d’enfants, habillés tels des Amish, quittant la ville et armés d’outils agricoles, rejoignant le band afin de faire la fête ensemble. Le clip se termine par un plan où brûle tranquillement l’homme-cochon sur une chaise en osier. What else ? Telle une parenthèse, « One Last Shelter », privé de tout apport vocal, démarre comme un morceau de Mötorhead pour ensuite se fondre en un intermède teinté de blues, avant d’être repris par une guitare frénétique pour finalement aboutir dans une sauce rock’n’rollesque bien épaisse. Mention spéciale à « The Little Sparrow », morceau intimiste susurré au micro, narrant l’histoire d’un homme hanté par sa musique en pleine nuit, l’empêchant de fermer l’œil happé par les songes. Peut-être un vieux fantôme, quand on sait que le père du frontmen s’est éteint il y a cinq ans, en lui laissant pour derniers mots : ‘Peu importe les raisons, ne cesse jamais de jouer de la musique. Vas-y toujours aussi fort que tu peux’. Une dernière volonté qui revêt tant de l’énergie à puiser que du fardeau à porter.
Fan de Rock bien gras, d’ambiance un peu crado et de western-spaghetti, ne manquez pas cet elpee qui devrait vous faire passer un bon moment. Pas question ici de se prendre la tête et de se poser un tas questions futiles, il suffit de se laisser aller afin d’être emporté dans le monde parallèle et barré de The Midnight Ghost Train. Une traversée nocturne en vieille Cadillac au milieu de nulle part.
The Midnight Ghost Train se produira ra le 10 mars prochain au Bunker (Bruxelles)
Attentif à offrir de belles mélodies sans brusquer l’auditeur, ce groupe ne prétend pas surprendre mais vise juste quant à proposer un agréable moment en sa compagnie.
Arrondies sous tous les angles, les mélodies, certes sages (à l’exception de quelques timides dissonances à l’entame de “Fire”) caressent dans le sens du poil et semblent même formatées pour certaines ondes radiophoniques.
Pas étonnant dès lors de retrouver deux titres en version ‘Edit’ pour rentrer plus aisément dans les plages horaires de grandes écoutes.
Faut-il pour autant condamner cette attitude?
Non, si on considère l’œuvre sous un angle relativement ouvert et en l’acceptant pour ce qu’elle est, n’évaluant intrinsèquement que ses réelles qualités…
À commencer par une voix pleine de charme qui se démarque immédiatement et séduit facilement.
Pour le reste, dans un registre qui lorgne vers le Post Rock (si on évoque cette étiquette dès qu’il est question d’intimes introspections conduites progressivement vers un certain paroxysme), les compositions de Volver héritent d’une luminosité chatoyante, même si parfois trop éclatantes.
Procurant leur lot d’émotions en usant d’évidentes ficelles, mais avec brio.
Forcément, ce vernis bien sage agacera les plus exigeants, puisque rien ici ne vient déranger l’apparente harmonie.
La faute aussi à une production léchée qui étouffe les bouillonnements en puissance et jugule les montées d’adrénaline.
Mais l’ensemble tient parfaitement la route et devrait plaire aux âmes romantiques teintées de sépia.
Sans rien bousculer, Volver pourrait donc très bien se faire une place au soleil et briguer quelques dates dans nos festivals cet été.
La vision des grands espaces de l’Ouest des States plane au-dessus de la musique du méconnu Wiltman, pourtant déjà responsable de son 3ème volet fichiers ‘Lo-Fi’… De sa voix d’outre-tombe, presque digne d’un Cohen (« Lost in Your Game »), mais surtout à l’aide de son très libre jeu de guitare, le Gantois Wim Kesteloot marche sur les plates-bandes de Ry Cooder (« The Weigth ») tout en nous incitant à voyager depuis notre modeste IPod… Entre le planant « Losers », caractérisé par ses samples illuminés et des plages instrumentales plus vaporeuses (« 38 Anderson Street »), les 7 titres proposés sur ce mini album sont autant de réussites. Belle découverte que ces ‘Lo-Files’ définitivement ‘High-Quality’ !
« Our loves » constitue déjà le quatrième elpee de Daniel V.Snaith, aka Caribou. Au fil du temps, le Canadien (Ontario) s’est forgé un style particulier, lorgnant de plus en plus vers l’électro. D’ailleurs, ce dernier essai est certainement celui qui doit le plus à l’électronique. Ainsi avoir tâté de l’électro-pop et du psyché, dorénavant, Caribou a décidé de faire danser les foules. Une philosophie qui lui va plutôt bien.
L’opus s’ouvre par « Can’t do without you ». Impossible de rester de marbre à l’écoute de ce morceau. Vu son expérience de DJ, Dan Snaith a le don pour faire monter la sauce et il ne s’en prive pas. Sur « Silver », le tempo ralentit et la voix du Canadien se manifeste. Son compatriote, Owen Pallet, vient poser quelques lignes de violon aux accents 80’s sur le titre éponyme. Et une seconde concitoyenne, Jessy Lanza, vient chanter sur « Second Chance », un morceau des r’n’b empreint de sensualité.
« Our Love » constitue l’album le plus accessible et dansant de Caribou. Certains titres risquent même de mettre le feu aux plaines des festivals européens, cet été. Il se produira d’ailleurs à Werchter ce 25 juin (en compagnie de Hot Chip, Foo Fighters, Oscar and the Wolf ou encore The Chemical Brothers,…), et à l’AB le 10 mars.
L’histoire de Benjamin Clementine est digne d’un scénario hollywoodien. C’est celle d’un beau gosse anglais, d'origine ghanéenne, qui, un jour, par dépit, a tout plaqué.
Il débarque de l'Eurostar à Paris, sans un sou. Son baluchon et sa guitare à la main, il connaît alors le froid, la faim, les problèmes de logement et le mépris du genre humain.
Afin de subsister à cette vie précaire, il va, pendant près de quatre ans, jouer dans le métro. Son répertoire sera essentiellement constitué de reprises de Jimi Hendrix, Bob Dylan, Leonard Cohen ou Nina Simone…
Et puis, un soir, sur la ligne 2, Clementine est repéré par un producteur, Aysam Rahania. Ce dernier voit en lui un bel homme élancé au visage carré, ainsi qu’un timbre de voix qui lui glace le sang… Il présente alors ce jeune prodige à un ami, Matthieu Gazier (Ekler'o'shock). Son histoire commence tout simplement à prendre une autre issue, dès cet instant.
En juin 2013, il signe sur le label Behind, un Ep de 3 titres.
Après un passage dans l’émission de Jools Holland, sur la chaîne BBC2, où il était invité aux côtés des Arctic Monkeys et de Paul McCartney, la magie Internet opère. Les réseaux sociaux s’enflamment. Le résultat est immédiat. « Cornerstone », première chanson écrite après une dispute avec sa petite amie, devient le titre le plus écouté sur la plateforme musicale ‘Spotify’ et ce durant quelques jours.
La presse et le public sont unanimement touchés par le lyrisme et la prestance de ce jeune garçon.
« At least for now », premier opus, est plus que prometteur. A la limite du conceptuel même ! Dès lors, très difficile à cataloguer. La musique est hybride et se situe entre jazz, blues, soul et folk.
Les onze titres s’écoutent d’une traite et oscillent, avec une même régularité, entre l’équilibre doux du piano et de la voix, sans jamais le transgresser.
Chaque note résonne comme une évidence ! Son timbre puissant et charismatique métastase l’âme. La voix gorgée et le phrasé du gaillard transcendent. Les frissons envahissent mon corps lorsque ses doigts martèlent les touches de son instrument, parfois de manière hésitante, tel un funambule sur le fil.
De toute évidence, cet artiste fait bien plus que de jouer de la musique ! C’est véritablement un accumulateur d’émotions ! La manière dont il s’implique dans ses chansons, y compris physiquement d’ailleurs, bouleverse !
Ses écrits viennent du cœur! Ils mettent à vif des sentiments exacerbés! Les blessures, les relations familiales ou encore amoureuses y sont dépeintes. Il y parle de la vie : la sienne.
Une mise en garde quand même : j’espère que pour le prochain album, il aura l’intelligence de contourner les préceptes commerciaux contemporains visant à servir la même sauce plusieurs fois de suite, afin de ne pas s’enliser alors dans un exercice qui deviendrait en conséquence trop facile et fatal pour lui.
Bref, qu’on l’aime ou pas, ce bonhomme ne laisse pas indifférent ! Certains verraient en lui une réincarnation de Nina Simone. Tout est dit !
Nouveau venu au sein de l’écurie liégeoise Honest House, Coastline Truckers démontre par ce premier 6 titres que la formation mérite parfaitement sa place, parmi d’anciens résidents comme Frank Shinobi ou encore Taïfun.
Se servant de deux basses et d’une batterie, le trio évolue clairement dans l’univers Honest House, une structure qui porte une affection toute particulière pour des groupes comme Modest Mouse, Karate ou encore Motorpsycho. Le combo ne se cache d’ailleurs pas derrière ses influences.
Comme on peut l’imaginer, vu la présence de deux fois 4 cordes, les Liégeois ne font pas forcément dans la dentelle. Les mélodies ne sont cependant pas absentes. Le point fort de leur musique procède des changements rythmiques qui surprennent à la première écoute et apportent une satisfaction certaine, dès la seconde. Une voix écorchée ainsi que les choeurs apportent un supplément d’âme aux morceaux.
Au final, ce premier petit format est plus qu’honorable. On attend quand même de voir ce que la suite va nous réserver.
Ce disque est vraiment singulier. Il est le fruit d'enregistrements opérés entre 2012 et 2013, aux studios Torricalla. C'était avant que leur bassiste, le redoutable Giancarlo di Marco, ne quitte le navire. Ce quatuor italien, établi à Teramo en Italie, implique alors, outre Giancarlo, Pietro Calvarese, à la guitare et aux bidouillages électroniques, Danilo Francesco, également aux grattes, ainsi qu’Alessandro Antinori, aux percussions. Auparavant, le combo avait publié deux 12 inches, "Satori" en 2013 et "Music to watch the clouds on a sunny day" en 2014. "Unforgettable, lost and Unreleased" est donc un recueil de fonds de tiroirs. L’œuvre ne respecte d’ailleurs aucune ligne de conduite. Giancarlo avait imposé un style à sa formation. Sa basse servait de structure aux jams improvisées des grattes au bord du délire. Elles étaient ainsi susceptibles de s’enfoncer dans le psychédélisme, mais également dans le space et le cosmic rock ; lors d’expérimentations qui semblaient pratiquement sans fin…
Sur les huit plages proposées, outre "Untitled", une brève et douce intro blues, trois plages dépassent les 10’ et une va au-delà des 20 minutes. Cette musique n’est donc pas destinée à votre chaîne hi fi, mais plutôt à la formule ‘live’. L’identité du combo demeure une énigme. La seule photo publiée sur un blog nous révèle des musicos qui ne sont plus de première jeunesse! Le moins âgé affiche plus de 40 balais ! Mais comment appréhender cette expression sonore improvisée et expérimentale, peu soucieuse de la qualité finale ? Prog ? Psyché ? Peut-être en optant pour une extension artificielle. Kraut rock ? Pourquoi pas ? Si on se réfère aux 70’s. Noise ? En adoptant alors une réflexion plus contemporaine.
"Bangkok" est une plage qui s’ouvre dans la douceur. Les guitares s'étirent paresseusement en boucle, dans l’esprit d’un d'Ash Ra Tempel, quatre décennies plus tôt. Avant que la suite ne se soulève, comme dans un tourbillon. Et suivant un même schéma, les cordes de Danilo et Pietro bercent paisiblement "Nicotine", jusqu’au moment où les cordes aux tonalités psychédéliques, pourtant parfaitement maîtrisées, ne viennent brouiller les pistes. Et lorsque les longues plages s’installent, la musique devient expérimentale. "Noise again" nous replonge dans l’univers chaotique et avant-gardiste de Hawkwind. Bref interlude paisible, "No name science" est orchestré par les cordes de Di Franco. "Radon" et "The monarch must die" sont des épopées de longue haleine, propices aux chevauchées cosmiques tourmentées. La première est parcourue d’un discours déclamatoire incompréhensible. La seconde se solde par une digestion laborieuse. Après "Mechanical lady", transition de courte durée, place à l’envol final, "My girlfriend is a zombieslut", une piste de 22’ qui nous entraîne au cœur de terres bien peu inhospitalières…
Retrouver un groupe phare qui a marqué son adolescence s’avère toujours un exercice relativement délicat… démontrant que les goûts –heureusement– évoluent au fil du temps.
Retrouver Lagwagon, pour la première fois depuis « Let’s Talk About Feelings », paru en 1988, constituait donc une aventure un peu casse-gueule et susceptible de se solder par une grosse déception. D’autant qu’il s’agit du premier elpee, commis par la bande du toujours aussi rutilant Joey Cape, en 9 longues années.
A l’époque, leur punk mélodique était davantage chargé d’émotions que celui de leurs confrères ; et tout particulièrement Green Day, No Use for a Name ou NOFX. Ainsi, Lagwagon jouissait d’une place bien particulière au sein de la scène californienne.
Première constatation, le potentiel compo du band semble s’être quelque peu étiolé. Mais musicalement, il a conservé sa force première, c’est-à-dire sa capacité à rendre hyper-mélodique son punk rock. Un style caractérisé par le recours à la double pédale et aux riffs supersoniques. Tout n’est cependant pas parfait, notamment sur le plus féroce, presque métallique « Cog in the Machine », titre pénible sur lequel la voix de Cape n’est guère convaincante. A contrario, l’elpee recèle quelques réussites punk ‘made in Fat Wreck’, dont « Burden of Proof/Reign » et « Burning Out in Style ». Introduite par une intro acoustique, la première piste s’illustre par son refrain très accrocheur, alors que la seconde est un imparable single power-rock.
Bref, ces retrouvailles ne se sont pas trop mal passées. Cet ami ami punk vieillit plutôt bien, a contrario de notre ex-pote, Offspring… Notons quand même, l’impact assez intéressant, causé sur l’expression sonore, par leur nouveau bassiste, Joe Raposo.
C’est Mike Crownover qui a fondé cette formation, en 2008. Elle nous vient du Texas et pratique du blues/funk. Pour compléter son line up, Mike engage le chanteur/guitariste Rick Jackson, le bassiste Rik Robertson, le trompettiste Jim Brady, et enfin le saxophoniste Anthony Terry. Le combo publie un premier long playing en 2012. Il est éponyme. Pour enregistrer ce second elpee, le band est retourné au studio Sugarhill de Houston. Et pas moins de quatre batteurs ont participé aux sessions.
Rick Jackson signe sept des douze plages. Sa voix est puissante et claire. Et elle s'impose dès l'ouverture, "Buy the blues", un blues lent bien cuivré, tapissé par l'orgue Hammond de Travis Doyle. Une compo au cours de laquelle la guitare s'intègre parfaitement dans l’ensemble. Teinté de jazz, "Current state of the blue" est une plage plus cool. Les drums de Walter Cross alimentent le feeling swing. La trompette et le saxophone se libèrent tout en s’adaptant au climat général de l’œuvre. Solide r&b, "Louis Blues" est dominé par la voix de Jackson. Les deux grattes s’autorisent un envol collectif devant les cuivres et l'orgue. Les musicos se révèlent particulièrement soudés tout au long de cet exercice de style propice à la danse. "Favourite fool" est une ballade lente guidée par la voix soul, expressive de Rick, alors que la trompette de Jim Brady musarde dans le décor sonore. Plage funk, "Love unmade" est parcouru de changements de rythme subtils. Jackson se réserve la guitare acoustique avant que les autres instruments, trompette, percussions et cordes électriques ne tirent leur épingle du jeu. La cover empreinte de douceur du "Bell bottom blues" d'Eric Clapton (NDR : période Derek & The Dominoes) est impeccable, mais sans surprise. Autre reprise, le "Mississippi Queen" de Mountain. Ce qui démontre que ce band texan est capable de reprendre des titres de blues/rock nerveux. Caractérisé par ses cuivres totalement libérés, "I gotta play" opère un retour au southern R&B classique. "Bought & sold" baigne à nouveau dans le R&B bien funky, une piste balisée par la basse de Robertson et la batterie de Joey Riggins, alors que Rick en profite pour écraser sa pédale wah wah. Pensez à Chic voire à Tower of Power. Le piano roadhouse de Randy Wall et l'orgue Hammond de Paul English trament la cadence de "Blues man dying", un titre de blues subtilement teinté de rock, au cours duquel, la guitare peut enfin mettre le nez à la fenêtre. Le notoire (NDR : surtout en Europe) "Still got the blues" de Gary Moore passe facilement la rampe ; pourtant, je suis convaincu que le NRB aurait pu pondre un slow blues autrement personnel. Et "She take me", responsable d’une dernière envolée funk, clôt ce long playing…
Racoon est un groupe batave né en 1997. Il réunit le chanteur Bart Van Der Weide, le guitariste Dennis Huige, le bassiste Stefan De Kroon et le drummer Paul Bukkens. Aux Pays-Bas, il est particulièrement populaire. Il n’avait pas fallu une semaine pour que « All In Good Time » ne décroche un n°1, au sein du Top 100 hollandais.
« Till Monkeys Fly », le premier elpee est paru en 2000. Racoon embraie ensuite par « Here We Go Stereo » en 2001, « Another Day » en 2005 et « Before You Leave » en 2008. Et enfin, par « Liverpool Rain » en 2011, leur cinquième opus, qui récolte un succès certain. Fondée en 1961, cette formation orange est la plus ancienne, encore en activité, sur le Vieux Continent.
Empreinte de douceur, la voix de Bart évoque celle de George Kooymans, du mythique Golden Earing. Enrobé d’harmonies vocales, « Shoes Of Lightning » est balisé par un piano languissant. Une langueur qui alimente la ballade « The Little One Falls ». Particulièrement groovy, « Heaven Holds A Place » constitue la pièce maîtresse de l’opus. Un hit potentiel ! Un groove qui stimule également le remarquablement cuivré « Good To See You », un morceau au cours duquel les cordes de guitares sont bien mises en exergue. « Tommy » est une plage bien harmonieuse et « Brick By Brick », entraînante. « Guilty » vous incite à rejoindre le dancefloor. Et on continue à y danser, mais le rock, tout au long du plus musclé « Spit Your Heart Out ». A défaut de parcourir les grandes plaines du Far West, « Boy Breaks Heart » nous propose un bref périple au cœur des Polders bataves. Et les guitares se révèlent irrésistibles sur cette compo belle et épurée à la fois. Après un « Young And Wise » de bonne facture, l’LP s’achève par « Fun We Had ». Et ‘fun’, j’en éprouve encore à l’écoute de cet album. D’ailleurs, pour l’instant, il tourne en boucle sur mon lecteur…
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