Drip Dry Man, c’est le projet d’un Gallois (NDR : il est issu d'Aberystwyth) plutôt énigmatique. Pas de biographie bien précise. En général, il se produit en solitaire. Il y apparaît grimé, jouant sur l'une des ses guitares en caisse de boîte à cigare, se servant de percussions à pied. Sa voix est étrange et grave. Elle nous replonge dans le passé. Les sessions d’enregistrement de cet album se sont déroulées entre le studio Max Trax au Pays de Galles et le Peter's Place de Gand, en Belgique.
Dès l'ouverture, il met la gomme. Tout au long d’"I ain't got nothin to prove", il déclame ses lyrics sur une trame blues/rock, d’une voix caverneuse et chaotique, soutenue par des chœurs paradoxalement délicats ; une plage très susceptible de rappeler le très emblématique Howlin' Wolf. "Candy" adopte un même profil, une piste entraînante qui baigne au sein d’un climat de transe. La ligne de basse de Luc Waegeman (ex-Starfighter, Kinky Star) et les percussions hypnotiques de Peter De Bosschere (ex-Give Buzz, Kinky Star, White Velvet) servent de charpente au développement des guitares du Drip Dry Man et de Tomas Gons sur "Fuck + Forget". Elles s’ébrouent dans un climat écrasant digne du Black Sabbath originel avant de glisser vers un fuzz généreux, réminiscent des Stooges originels. DDM ne se repose guère sur ses lauriers, et poursuit l’offensive sur "I'm the only one you want". Il épaule sa Cigar Box qui produit un déluge de sonorités acides propices à l'aventure psychédélique. La voix devient sépulcrale sur "Up in my business", comme si elle émanait de Captain Beefheart, qui se serait manifesté outre-tombe. Le trio prend ici son pied, et les tonalités métalliques dispensées ne feraient pas tâche d’huile dans l’univers de Jon Spencer. Etonnant, une trompette vient enrichir l’expression sonore de "Lucille". Le climat devient morose, voire sinistre, sur "Ain't nobody home", une plage interprétée en formule trio, grâce au concours de De Bosschere et Waegeman, qui adopte un mode de dérision prôné par un certain Tom Waits. "Do you still love me?" est sans doute la seule piste un rien plus allègre. Bart Maris déballe sa panoplie de cuivres, trompette, trombone et tuba, pour délivrer ce cri d’amour. Et "Roll on" est la plage la plus dépouillée. Les claquements sont percussifs. La basse est minimaliste. Et la voix, meurtrière. "Just 16" clôt l’elpee. Un blues/rock acide, psychédélique, déconcertant, taillé en pièce par les trois grattes. Et la voix est à nouveau hantée par celle du Captain Beefheart, dans un climat digne du Magic Band. Une œuvre pas facile d’accès, mais particulièrement originale…
Archive accomplit une nouvelle tournée des grandes salles. Et les deux dates prévues à l’AB, sont sold out. Dans la foulée, il embraiera par les festivals d’été. Votre serviteur vient de rejoindre la file d’attente qui s’allonge, jusqu’au coin de la rue des Pierres. Il parviendra cependant à temps pour se poster devant les barrières, face à Dave Penny.
Fondé en 1994, ce groupe compte donc aujourd’hui, plus de deux décennies d’existence. Un collectif à géométrie variable drivé par Darius Keeler et Danny Griffiths. Son style musical n’est pas aisé à définir, puisqu’il emprunte aussi bien au rock, à l'electro, au trip hop, au psyché qu’au prog. Un cocktail qui finalement s’avère très personnel.
Pas de supporting act comme mise en bouche, mais un film : « Axiom ». En mon for intérieur, j’imaginais un premier acte en compagnie de Birdpen, le projet de Dave Penney et Mike Bird. Ce ne sera pas le cas, même si on retrouvera la paire aux grattes, lors du concert. Depuis sa formation, le band s’est toujours intéressé à l'image, le graphisme et la mise en scène. Il aime surprendre le public lambda. Et pas seulement à travers l’expérimentation sonore.
La projection est réalisée sur un écran, pas trop grand, juste descendu du plafond. Vu ma position, suffisant pour se choper un torticolis. Un court métrage tourné en noir et blanc, d’une trentaine de minutes. Il a également servi de bande-son à un album paru en 2014 qui porte le même titre. Il raconte, au fil des différents chapitres, l'histoire d'une île (Axiom), dont la ville souterraine est sous la coupe d'une cloche qui sonne et décide du destin de ses habitants. De superbes arrangements de cordes enrichissent cette musique particulièrement paisible. (Setlist : « Distorted Angels », « Axiom », « Baptism », « Transmission Data Terminate », « The Noise Of Flames Crashing », « Shiver » et « Axiom (reprise) »). Archive semble inconsciemment marcher sur les traces du Floyd, quand il a réalisé son film « The Wall ».
Darius et Danny se chargent des claviers. Ce dernier également des samplers et de la basse. Le line up implique 3 vocalistes. Holly Martin apporte la touche féminine. Et Dave Penny (percus, machines) ainsi que chevelu Pollard Berrier procure, la masculine. Ces deux musicos et Mike Bird se consacrent aussi aux grattes. Steve Barnard, alias Smiley, se charge des fûts. Il a milité au sein des Mescaleros de l’ex-Clash, Joe Strummer. C’est après le décès de son leader, qu’il a rejoint Archive. Et enfin, Jonathan Noyce est préposé à la basse. Le band est venu présenter son nouvel et onzième album studio, « Restriction », publié ce 12 janvier.
Trois écrans sont disposés en arrière-plan, dont un plus grand placé au-dessus du drummer. Darius se plante à l'extrême gauche et va battre le rythme, de la main droite, pendant 2 heures. Danny lui fait face, à l'extrême droite. Laissant tout le reste de l’espace aux trois chanteurs : Holly, Dave et Pollard. Mike s’est installé à gauche du drummer et Jonathan, à sa droite.
Le set s’ouvre par un extrait du dernier elpee, « Feel It », fruit de la rencontre entre l’instrumentation organique et l’électro. Dave se réserve le micro sur cette compo balisée par les claviers. Progressivement, les riffs de guitares envahissent l'atmosphère, et adoptent un profil rock musclé. La belle Holly pose sa voix et Dave retourne derrière sa six cordes sur « Kid Corner », un morceau électro/rock qui vous invite à rejoindre le dancefloor. Le public, dans la fosse, commence à remuer. A contrario de Dave et Pollard, Holly demeure plutôt statique. Elle se concentre sur son chant empreint de douceur, mais chargé d’intensité. « You Make Me Feel » est un extrait du deuxième opus, « Take My Head », paru en 1999. Holly et Pollard se partage les vocaux sur ce titre de trip hop plutôt classique, mais dansant. Une conjugaison qui transpire la sérénité. Plus long et expérimental, « Dangervisit », est tiré de « Controlling Crowds », une plage gravée en 2009. C’est sous cette forme que j’apprécie le plus le combo. Soutenu par celle de Dave, Pollard nous illumine de sa voix fragile et cristalline. Holly s’applique aux vocaux sur « Black And Blue », piste qui figure sur le dernier long playing. Une superbe ballade dont seul Archive a le secret. Dave chante « Sleep », issu de « Noise », paru en 2004, une compo délicate et atmosphérique. Le lightshow est alors de couleur bleue, d’un bleu qui adoucit les moeurs.
« The Feeling Of Losing Everything » figure sur « Controlling Crowds, Part IV», un LP publié en 2009. Il est interprété sous la forme d’un chouette duo piano/voix. Epique, « Bullets » démarre en douceur, monte en crescendo avant de terminer en puissance. Nous ne sommes pas loin du prog de Pink Floyd. « Ruination » et « Crushed » sont deux autres extraits de « Restriction ». Deux titres plus rock. Plus énergiques. Dave a récupéré le micro. Holly le rejoint. Smiley martèle vigoureusement ses fûts, mais à la manière d'un métronome. Derrière moi les spectateurs s’agitent de plus en plus. De la même veine, « Conflict » et « Violently » (ils figurent sur « With Us Until You'Re Dead » qui date de 2012) font monter la pression. Holly chante « End Of Your Days ». Sa voix me flanque des frissons partout. J'écoute religieusement cette compo interprétée sous un éclairage de teinte azuréenne…
Il passe au vert (?!?!?) sur « Third Quarter Storm », moment choisi par Dave pour reprendre le ‘lead’ vocal, Holly le soutenant en ‘backing’. Le même duo embraie par « Waste », issu de « Noise », avant que Pollard ne prenne le relais en milieu du parcours. Ténébreux voire glacial, « Ladders » s'envole lors de son épilogue, en mode electro, mais en libérant toute son énergie. Et l’incontournable « Numb » achève le spectacle en beauté.
En guise de rappel, le band va nous accorder un autre morceau imparable, « Lights ». Pollard est aux vocaux, sur ce single, qui va s’étendre au-delà des quinze minutes. Du tout grand Archive, qui est de nouveau prêt à affronter les festivals d'étés. Ils sont d’ailleurs annoncés à Rock Werchter.
(Organisation : Live Nation)
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Après avoir réalisé l’interview de Miles Michaud, le leader d’Allah-Las, l’an dernier, il me semblait logique d’aller vérifier ce que le band avait dans le ventre, en ‘live’. Et comme, il se produisait à l’Aéronef de Lille, pas trop loin de mes pénates, la circonstance était idéale. Pas besoin de chercher une place de parking pendant des heures ou d’en choisir une qui vous coûte la peau des fesses, de se farcir les embouteillages ou de devoir dormir dans une gare, si vous manquez votre train du retour. Pour les provinciaux, Bruxelles devient de plus en plus inaccessible…
Bref, revenons à nos Allah-Las, responsable d’un second album d’honnête facture, paru l’an dernier. Un disque de psyché/garage/lo fi particulièrement cool, intitulé « Worship the sun ». Et un peu de soleil dans le cœur des mélomanes, à cette époque de l’année, ne fait de tort à personne…
Le combo californien a entraîné la formation néerlandaise Eerie Wanda dans sa tournée européenne, comme supporting act. Il s’agit du projet de la Marina Tadic, qui milite également chez Earh Mk. Sur les planches, elle est entourée de trois mecs. Un drummer, un guitariste et un drummer. Le combo pratique une sorte de pop/rock alternatif plutôt élaboré mais mélodique, parfois teinté de folk. Les compos ne sont pas trop mal ficelées, mais hormis la dernière du set, au cours de laquelle le percussionniste de tournée des Allah-Las viendra prêter main forte, l’ensemble manque quand même de relief. Et la voix un peu trop linéaire de Marina, qui se réserve la guitare rythmique, accentue cette impression. En outre, les balances ont été mal réglées. Ou alors, c’est le bassiste qui les a complètement bousillées, à force de monter le volume de son ampli. Un déséquilibre qui nuit aux interventions, pourtant joliment ciselées, du soliste. Un album est en préparation et devrait sortir en 2015. En attendant, il y a encore du pain sur la planche (NDR : qui a dit du gouda ?)
Lorsque Allah-Las monte sur l’estrade de l’Aéronef, disposé en mode club, mais suivant une orientation en largeur, soit en laissant le podium principal, séparé par une immense tenture noire, dans le dos (NDR : ce qui n’est pas une mauvaise idée, malgré des haut-parleurs d’ambiance qui vous massacrent les tympans avant le concert), on remarque la présence d’un musicien supplémentaire. Un percussionniste. Celui-là même qui avait rejoint Eerie Wanda, en fin de show. Et franchement, son concours va manifestement apporter un plus à la musique du band. Outre ses deux congas, il va se servir d’une panoplie de percus, suivant les titres : maracas, tambourin, cloches, hochets et j’en passe… Spencer Dunham affiche une attitude particulièrement cool, mais sa basse doit avoir cumulé les kilomètres, vu l’état d’usure de la caisse. Pedrum Siadatian, le guitariste soliste, est mince et grand. Sa tête campe un hybride entre Richard Ashcroft et Liam Gallagher. Matthew Correia, le drummer, c’est le sosie de Terence Hill. Celui qui avait joué dans le western spaghetti de Sergio Leone, ‘Il était une fois dans l’Ouest’. Enfin, chaussé de bottes blanches, chemise boutonnée jusqu’au col, Miles Michaud a dans le regard quelque chose de Jim Morrison.
Le set s’ouvre par « Busmans », un titre qui me rappelle quelque par Them (« Calm me down », proposé en fin de parcours adopte un même profil, à moins que ce ne soit celui des Fleshtones). Le son est excellent. Les quatre musicos participent aux vocaux. Et les harmonies vocales sont superbes. Réminiscentes du mouvement west coast. Seul Spencer se contente de participer aux choeurs. Claire, la voix de Miles est légèrement chargée de reverb. Celle de Pedrum est plus insulaire et me fait parfois penser à Noël Gallagher. Enfin, Matthew chante à la manière d’un Brian Eno, sur « Sandy ». Et lors du rappel, Miles et Matthew permutent de rôle. Le premier siège derrière les fûts et le second s’approprie le micro principal pour attaquer « Long journey », tout en agitant ses maracas de couleur rouge. Des maracas dont il se sert également parfois, tout en martelant ses peaux. Et franchement, je n’avais plus vu de batteur capable d’imprimer 3 cadences différentes à la fois, depuis Jonathan ‘Butch’ Norton (Eels). Les accords de gratte surf, sinusoïdaux ou discordants dispensés par Pedrum colorent les compos de sonorités délicieusement surannées, parfois même surf. Ceux dispensé par Miles sont plus rythmiques et chatoyants. Par rapport au denier elpee, les titres son bien plus allègres ou offensifs, très souvent même davantage percussifs. Les interventions de Matthew et du 5ème larron sont manifestement complémentaires et terriblement efficaces. Certaines mélodies sont aussi hymniques que chez les Dandy Warhols (« Buffalo nickel », « Had it all »). Le combo concède deux morceaux instrumentaux, bien évidemment ; « Sacred Sands » et l’irrésistible « Ferus gallery ». C’est d’ailleurs à partir de cet instant que la fièvre va commencer à gagner le public et provoquer le crowdsurfing. Le lightshow est sobre. Parfois de petites lumières bleues ou rouges apparaissent en arrière-plan. Et deux cylindres placés à gauche et à droite de l’estrade vont prodiguer des lumières blanches pendant « Catalina ».
Lors du rappel, les musiciens d’Eerie Wanda rejoignent Allah-Las sur les planches pour exécuter un « Every girl » qui met l’auditoire en transe. Et, le combo ne reviendra plus, malgré l’insistance des spectateurs conquis. Pour un premier concert en 2015, je suis comblé…
Setlist : “Busman’s holiday”, “Follow you down”, “Buffalo nickel”, “No voodoo”, “Standing”, “Sandy”, “De Vida Voz”, “Sacred Sands”, “Had it all”, “Catalina”, “Tell me (“What’s on your mind)”, “Ferus gallery”, “501-415”, “Calm me down”, “Better tha mine”, “Autumn dawn”, “Artifact”, “Catamaran” – Rappel : “Long journey”, “Every girl”.
Responsable d’un nouvel album baptisé "What's a terrible B, paru ce 20 janvier, The Decemberists se produisait à l’AB pour le défendre. Si elle jouit d’une belle notoriété outre-Atlantique, la formation n’a pas la même popularité sur le Vieux Continent. Et pour cause, ce concert annoncé depuis un bon bout de temps n’a pas vraiment drainé la grande foule. Et pourtant, les absents ont de nouveau eu tort…
Réputée pour la qualité de son songwriting, Serafina Steer assure le supporting act. Petite protégée de Jarvis Cocker, l’Anglaise chante, joue du piano ou de la harpe. Malheureusement, je n’ai pu assister à son set. Qui a débuté vers 19h30, devant un parterre plus que réduit. En arrivant vers 20h10, sa prestation était déjà terminée. Dommage !
Vers 20h30, les lumières s'éteignent. La sono diffuse une bande sonore. Anecdote, il y a un Manneken-Pis miniature qui trône sur un des amplis… Puis, Colin Meloy monte sur l’estrade, suivi par ses musicos qui débarquent au compte-gouttes. Toute l’équipe est tirée à quatre épingles. Et le quintet est soutenu par deux choristes, qui doublent circonstanciellement à la sèche ou au carillon tubulaire.
Le concert s’ouvre par "The Singer Adresses His Audience" et "Calvary Captain", deux excellents extraits du premier elpee, "Castaways and Cutouts", paru en 2002. Le ton est donné. La musique du groupe frôle déjà la perfection. Entrée en matière réussie. Meloy commence alors à mettre l’ambiance en discutant avec la foule, au sein de laquelle, manifestement, il a de nombreux compatriotes. Jamais le concert ne va baisser d’intensité. Que ce soit à travers les plages de leur denier elpee ou de morceaux piochés dans leur discographie plus que respectable (NDR : 7 albums à leur actif, quand même). Les tubes défilent. Les compos passent d’un style à l’autre, sans le moindre problème. Depuis le folk classique ("Down by the Water") au rock majestueux et épique ("The Island: Come And See/The Landlord's Daughter/You'll Not Feel The Drowning"), rien ne sera négligé. En outre, il faut aussi souligner le rôle de la multi-instrumentiste, Jenny Conlee, qui glisse de l’accordéon aux claviers (orgue, piano, synthés), en passant par le tambour. Pendant plus d'une heure et demie, The Decemberists va offrir une belle tranche de bonheur à son auditoire, particulièrement ravi du show.
Excellent de bout en bout, The Decemberists a accordé un set tout simplement parfait. Et démontré qu’il méritait d’émarger au gratin du mouvement folk/americana yankee…
Setlist
1. The Singer Addresses His Audience
2. Cavalry Captain
3. Down by the Water
4. Calamity Song
5. Grace Cathedral Hill
6. Philomena
7. The Wrong Year
8. The Island
9. Los Angeles, I'm Yours
10. Carolina Low
11. The Sporting Life
12. The Rake's Song
13. Make You Better
14. The Legionnaire's Lament
15. 16 Military Wives
16. O Valencia!
Encore:
17. Wonder
18. A Beginning Song
(Organisation Ancienne Belgique)
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Vingt secondes de chant liturgique, c’est le seul répit accordé par Wömit Angel avant de laisser exploser les fantasmes de leur cerveau reptilien. "Holy Goatse" vous traîne dans les plus vils instincts sataniques imaginés par les Finlandais. Hommage à un Satan qui se vautre dans les chairs déchirées, la sexualité contre-nature, le blasphème sur fond d’histoire de sorcière, de faits divers sordides ou de sadomasochisme gras. La couleur est annoncée d’entrée de jeu : tête de cochon mutilée, crochet de boucher, injure au savoir-faire des grands maîtres charcutiers. Ce n’est pas un coup d’essai pour les Finlandais. Leur premier elpee "Sodomatik Rites of I.NR.I.", sorti en 2012, nous avait déjà proposé un art qui tient plus de Jheronimus Bosch que du Douanier Rousseau. Je vous laisse chercher seul !
Au-delà de cette aura de bassesse, W. Horsepreacher, J. Violatör et Vile Anarchy proposent un Black Métal grinçant, fortement teinté de punk. Couverts de sang et de luxure, ils enchaînent les riffs, tambours violents en rythmes rapides, vocaux haineux dignes des pires moments de Sid Vicious et chœurs growls de chiens asthmatiques. Ces neuf titres regorgent d’influences : Motörhead, Impaled Nazarene, Sex Pistols, Mayhem. Mais plus qu’un ensemble linéaire, "Holy Goatse" est une succession de bons et de moins bons moments musicaux, une sorte de manga pornographique décadent au cours duquel de véritables constructions musicales sont entrecoupées de dissonances anarchiques. C’est ce qui en fait sa richesse. La montée en puissance et en destruction auditive est progressive. Ainsi "Serpens Cauda" et "Skin’n’Fuck" restent audibles et rythmés jusqu’à ce solo de guitare, en fin de morceau, fasse un peu tache dans l’originalité proposée. "Nekrofilian kutsu" est la plage qui se réfère le plus à l’univers punk ; mais de nouveau le solo gâche un peu le plaisir. "Nailgun Crucified " constitue le moment phare de l’ouvrage. Rien à blâmer. C’est jouissif pour les amateurs de punk pur et dur. Mais à partir de "Summoning the Spirits of Agony", piste au cours de laquelle éclate la guitare à la Motörhead, on passe en mode violence totale, parfois lassante, jusqu’à la folie vocale en soixante secondes du titre éponyme. A noter encore une belle prestation dérangeante de la dame fessée dans "The Witchhammer", histoire de sorcière et de trahison sur fond de torture.
Autant, à certains moments, j’ai pris mon pied au travers de ces 24 minutes de mise en ambiance sordide et vulgaire, autant à d’autres, l’expérience est devenue insupportable. Pourtant, dans les deux cas, à chaque écoute, j’y ai déniché quelque chose de nouveau. En conclusion, si vous cherchez de l’extrême à inscrire dans votre imaginaire, si vous avez une conception du Diable qui en exclut l’adjectif 'Malin' pour en créer une image voyeuriste à la Torquemada ou si vous avez honteusement raté vos études de boucherie parce que vous aimez massacrer du gigot, alors Wömit Angel vous mettra la bave aux lèvres. Pour les fans absolus, un nouvel EP "Maggotmouth" est en téléchargement libre sur leur site (ici) ou via Facebook. Ils nous proposent deux nouveaux titres et un réenregistrement qui remercie Vile Anarchy pour son dernier crime commis en compagnie de Wömit Angel.
Si vous êtes instable émotionnellement et éprouvez des difficultés à gérer vos pulsions, passez cependant votre chemin…
De grosses pointures de l’univers du Metal étaient attendues ce dimanche soir, à l’Ancienne Belgique. Drivé par son légendaire chanteur/guitariste Zakk Wylde, Black Label Society est originaire de Los Angeles. Un combo bien gras et incontournable du heavy metal de ces vingt dernières années. Ce soir, il va une nouvelle fois libérer toute sa puissance. Deux trios accompagnent cette formation, lors de cette tournée européenne : Black Tusk et Crobot. Le premier pratique un Sludge/Thrash pêchu, et le second un Heavy Metal teinté de Blues. Une soirée flairant bon le Rock’n’Roll dopé aux stéroïdes.
Cheveux longs, barbe, jeans, vestes à patchs ou Perfectos ornés de badges métalliques, tel est le dress-code implicite du public qui patiente devant l’Ancienne Belgique, attendant impatiemment l’ouverture des portes. Le show n’est pas annoncé sold out, mais il ne devrait pas en être loin. Rapide crochet par le stand merchandising, où les t-shirts à l’effigie de Black Label Society partent comment des petits pains. La fierté de porter hautes les couleurs du band passe apparemment au-dessus du prix élevé du chandail.
Direction ensuite vers le théâtre des opérations, où Crobot a pour mission de démarrer les hostilités placées sous le signe du Heavy. Première constatation : difficile de croire que le trio n’est actif que depuis 2011, tant il occupe bien la scène. Le ton est donné dès le premier morceau « Legend of the Spaceborne Killer ». Le son est lourd, groovy. La voix claire et hypnotique. Les guitares sont rondes. Jake Figueroa, le bassiste, ressemble quelque peu à Hendrix. Mais il est surtout emporté par la musique et semble vivre intensément chaque note qu’il arrache à l’aide de ses quatre cordes. Une symbiose partagée par le guitariste Chris Bishop, s’achevant même à terre en fin de set, alors qu’il gratte frénétiquement son instrument. Pointe d’acclamation dans l’auditoire, lors de « The Necromancer », où Brandon Yeagley, vocaliste du band, débute énergiquement ce morceau à l’harmonica. C’est frais, c’est naturel, ça donne le sourire et c’est rock’n’roll à souhait. Que demander de mieux pour débuter la soirée ? (Voir photos ici)
A peine le temps d’aller chercher une bière afin de prolonger ce moment de bonne humeur que le deuxième trio, Black Tusk, investit les lieux. Le backflag du groupe est hissé en arrière-plan, mais il est partiellement occulté par l’abondance de fumée. Parcourue de faisceaux de lumière rouges, l’ambiance est apocalyptique. Autant le démarrage de Crobot s’était opéré en douceur, autant Black Tusk enclenche directement la troisième vitesse. Assez justement, le trio se targue de faire du ‘Swamp Metal’, autrement dit du Metal des marais. Une métaphore bien trouvée pour cette ambiance lourde et sale entretenue par ces Américains qui nous viennent de Géorgie. Un rouleau compresseur où, telle une hydre à trois têtes, chacun des musiciens hurle au micro tout en grattant ou en martelant ses fûts. La dextérité de Jamie May, batteur du band, est à ce titre vraiment impressionnante. Parvenir à maintenir le rythme tout en chantant de la sorte requiert un savoir-faire remarquable. Musicalement, on ne peut pas louper que Black Tusk évolue dans le Sludge Metal, mais sur lequel vient se greffer la voix typiquement thrash d’Andrew Fidler (NDR : évoquant parfois celle de Kreator), offrant à l’ensemble une sonorité originale et captivante. Un set intense d’une demi-heure, où les Américains n’oublieront pas d’insérer « Bring me Darkness » dans leur setlist –demandant à l’occasion au public de crier avec eux ‘Six, Six, Six’ en guise d’intro– ou encore « Truth Untold », dernier single-vidéo issu de leur long playing « Tend No Wounds ». Black Tusk revient en Belgique dans le cadre de l’Ieper Hardcore Fest qui se déroulera les 14, 15 et 16 août prochains. (Voir photos là)
La température est à présent à point pour accueillir Black Label Society. La salle est plongée dans le rouge et un large drapeau à l’effigie du combo est déployé, cachant désormais l’entièreté de la scène. De quoi instaurer une tension pour la demi-heure à venir, en attendant le band. Cinq minutes avant l’heure H, les spots s’éteignent et un mashup de « Whole Lotta Love » de Led Zeppelin et « War Pigs » de Black Sabbath envahit l’espace, pour laisser ensuite place à un déchaînement de sirènes, annonciatrices du futur déferlement musical. Les premières notes de « The Beginning... At Last » retentissent. Le drapé tombe, la foule crie tel un seul homme, laissant enfin apparaître l’immense Zakk Wylde. Et encore, le mot est faible. Tel l’archétype du Viking, l’ancien guitariste d’Ozzy Osbourne, aux cheveux blonds aussi longs que la barbe, est planté comme un roc à l’avant du podium, ses doigts parcourant le manche de sa guitare. Vêtu d’un t-shirt de la tournée et d’une veste en jean patchée à l’image du quatuor, le géant à la musculature plus que développée fait face à un micro au pied orné d’un chapelet, de grosses chaînes et de crânes. Deux toiles tendues floquées de leur logo sont disposées à gauche et à droite de l’estrade. Un mur d’enceintes Marshall est disposé en arrière-plan, de part et d’autre de la batterie de Jeff Fabb. Derrière lui est accroché un backflag, frappé d’une grande croix sur laquelle figure le nom de la formation.
« Funeral Bell », tiré de l’opus « The Blessed Hellride », est de suite enchaîné. A ceux qui en douteraient encore, Black Label Society est avant tout le groupe de Zakk Wylde. Les artistes qui l’accompagnent sont plutôt appelés à se faire discret. Preuve en est l’étonnement non feint par Dario Lorina, lorsque le colosse l’appelle durant le set à le rejoindre à l’avant du podium afin de jouer côte à côte. Posté tout le long du spectacle sur la gauche de l’estrade, John DeServio, quant à lui, va quand même s’illustrer en arborant une basse aux cordes de nos couleurs nationales, noire jaune rouge. Le nouvel album, « Catacombs of the Black Vatican », est particulièrement mis en exergue. Un tiers des morceaux, exécutés ce soir, sont issus de cet opus, parmi lesquels « Heart of Darkness », « My Dying Time » et « Damn the Flood ».
Malgré son insubmersible apparence, Zakk laisse néanmoins parfois apparaître quelques signes de défaillance. Un certain nombre de petits flacons sont disposés à l’avant de la batterie ; et il vient fréquemment s’y abreuver. Pareille pour cette mystérieuse tasse au contenu fréquemment renouvelé tout au long du show. Sa mémoire n’est peut-être également plus ce qu’elle était, le frontman se référant à un pense-bête sur lequel figurent les lyrics, remplacé à chaque morceau. Ce qui n’enlève rien à ses aptitudes instrumentales exceptionnelles, déployées entre autre lors de ce solo de plusieurs minutes, majestueux selon certains, interminable selon d’autres, accordé en milieu de parcours.
La scène est ensuite une fois de plus plongée dans l’obscurité et un piano est installé sur la gauche de la scène. Dario Lorina abandonne sa guitare et s’installe derrière le clavier, afin d’entamer un émouvant « Angel of Mercy ». Les briquets s’allument dans la salle, les poings levés se transforment en va-et-vient de la main au rythme mélodique du morceau. Dans le public, certaines s’étreignent, d’autres s’embrassent. Juste à côté de moi, un fils, alors près des barrières à l’avant de la fosse, rejoint son père et le prend dans ses bras. Des larmes se mettent à couler sur les joues du père, visiblement ému. Outre son côté tout en muscle, Zakk Wylde possède en effet cette magie de pouvoir composer des ballades qui vous transpercent l’âme. Zakk et Dario permutent ensuite de place alors qu’« In This River » poursuit cette séquence ‘émotion’ de la soirée. Devenu un des classiques du groupe, ce morceau s’est transformé au fil du temps en hommage à Dimebag Darrell, ex-guitariste de Pantera assassiné en 2004, en plein show. Après un peu plus d’une heure de concert, Black Label Society entame sa dernière partie par le titre maître de « The Blessed Hellride » et « Concrete Jungle » issu de l’opus « Shot to Hell ».
Une prestation exceptionnelle, haute en couleurs et en émotions, qui se terminera en apothéose par leur tube « Stillborn ». Une fois de plus, Black Label Society n’a pas failli à son statut de groupe d’exception, ne manquant pas de nous mettre un fameux coup de botte au derrière tout en polissant son blason d’icône du Heavy Metal. Respect! (Voir photos ici)
Setlist : The Beginning... At Last, Funeral Bell, Bleed for Me, Heart of Darkness, Suicide Messiah, My Dying Time, Damn the Flood, Guitar Solo, Godspeed Hell Bound, Angel of Mercy, In This River, The Blessed Hellride, Concrete Jungle, Stillborn
(Organisation : Ancienne Belgique)
MusicZine a décidé d’investir l’AB, ce soir. Pierre couvre le concert de Black Label Society, qui se déroule dans la grande salle ; et votre serviteur celui d’Amparo Sanchez, au Club. Mais également de Milo Meskens. Ce jeune prodige n'a finalement pas participé à la finale ‘De Nieuwe Lichting’, organisée par StuBru. Mais il peut se targuer d'avoir assurer à trois reprises le supporting act, à l'AB, en une semaine. Les deux premiers pour Kensington, dimanche dernier, et aujourd’hui celui d'Amparo Sanchez. Qui est sold out. Comme très souvent dans cette salle devenue mythique.
Isolde Lasoen –la très jolie drummeuse de Daan National– qualifie Milo de ‘Jeff Buckley de Deinze’. Pourquoi pas ? Guitariste, Milo Meskens drive Black Tolex, un groupe issu du Nord du Pays, chargé de promesses. Ce soir, armé de sa sèche, l’artiste se produit en solitaire. Sa musique est le fruit d’un mélange de folk, de country, de blues de pop. Talentueux, il possède une bonne voix, dont le grain rocailleux est susceptible d’évoquer Buckley (NDR : of course), Bon Iver voire John Mayer. Et quand il se met à souffler dans son harmo, impossible de ne pas penser à Bob Dylan. Finaliste de nombreux concours en Flandre, il truste les premiers prix. Et y jouit déjà d’une solide notoriété. Vu ses aptitudes, il mériterait que la Wallifornie s’y intéresse. Et que les organisateurs de festivals, le programment, au cours de cet été. Une certitude, ce jeune premier est à suivre de très près.
Amparo Sanchez a pris du poids, depuis son dernier passage en Belgique. C’était à la Rotonde du Botanique, l'an dernier. Pas un compliment pour cette dame, à la voix si particulière. Ce soir, elle assure le dernier spectacle de sa tournée. Et en général, lors de telles circonstances, les musicos donnent tout ce qu’ils ont dans le ventre. Parmi les aficionados, on remarque la présence de nombreux hispanophones. Logique. Outre sa collaboration avec Calexico, elle a surtout vécu une belle aventure chez Amparanoïa, en compagnie –notamment– de Manu Chao, une formation latino de rock alternatif fondée en 1995, à Madrid. Sous ce patronyme paraît un premier elpee en 1997, « Poder Del Machin ». Caractérisé par ses racines cubaines, le deuxième, « Feria Furiosa », est publié en 1999. Il est suivi par « Somos Viento » en 2002, « Enchilao » en 2003, « Rebeldia Con Alegria » en 2004 et enfin « La Vida Te Da » en 2006. Amparo embrasse ensuite une carrière en solitaire et grave son premier LP, « Tucson-Habana », une œuvre teintée de blues et de rumba. C’est ce long playing qui a reçu le concours des leaders de Calexico, Joey Burns et John Convertino. Elle grave son second opus en 2012, « Alma de Cantaora », un disque pour lequel elle bénéficie de la coopération de 4 musiciens talentueux : le trompettiste Jose Alberto Varona Saavedra, le contrebassiste Jordi Mestres, le guitariste Willy Fuego et le drummer, Ricard Parera. Et ce soir, ils sont au poste…
Amparo est vêtue d’une robe ‘flamenco’ de couleur noire. Elle est chaussée de bottillons, laissant apparaître des jambes tatouées d’étoiles. Elle est venue défendre sont troisième elpee, « Espíritu Del Sol ». Et sa gratte électro-acoustique de couleur bleu azur, couverte de 'smileys', de petits soleils, de coeurs et de têtes de mort, accompagne sa voix empreinte de charme, tout au long de chansons, qu’elle interprète dans la langue de Cervantès.
Le set s’ouvre par « Plegaria », un extrait du dernier opus. Toute l'émotion de la mujer, passe dans la voix. « La Fiesta » est une superbe reprise d'Amparanoïa. Un titre judicieux au cours duquel les artistes vont se libérer et l’auditoire prendre littéralement son pied. « Hermosa » est tiré du dernier LP, « Espíritu Del Sol ». Issu de « Tucson-Habana »), « Corazon De La Realidad » nous transporte à Cuba. Le spectre du Buena Vista Social Club plane. Le public est ravi. A plusieurs reprises, il applaudit chaleureusement. Et c’est amplement mérité. Préposé à la contrebasse, le souriant Jordi Mestres cherche à séduire l’auditoire. Et il y parvient.
Les accords de guitare surf dispensés tout au long de « Mi Gitana » vous prennent aux tripes. La voix d'Amparo est douce et paisible sur ce titre au refrain entêtant auquel elle demande au public de participer. Je ne comprends rien, mais je suis le mouvement. Particulièrement dansant, « La Cuenta Atras » figure sur le deuxième elpee solo, « Alma de Cantaora ». Tout au long du set, les cuivres de Jose Alberto Varona Saavedra tirent leur épingle du jeu, même si parfois, ils se révèlent quelque peu envahissants. Après « Cuarteto En Paris » et « Alma De Cantaora », le concert s’achève par « Ella Baila Bembe ».
Enfin pas tout à fait, car Amporo Sanchez revient pour un rappel, sous un tonnerre d'applaudissements. D’abord uniquement soutenue par le sixcordiste, Jordi Mestres, dans un élan surf, sur le délicat « El Ultimo Trago ». L’Andalousie profonde illumine la voix d’Amparo. Les deux autres musicos opèrent leur retour pour participer à la remarquable cover du « Long Long Nite » de La Mano Negra. Un ‘encore’ d’un peu moins d’une demi-heure au cours de laquelle on aura encore droit à « En la Noche » et en guise d’apothéose à « La Parrandita De Las Santas ». Une très belle soirée, c’est une certitude…
(Organisation : Ancienne Belgique)
Absolution est trio anglais fondé en mai 2010. A son actif, "Issues", un premier album paru en 2012, et l’année suivante, "Live from the Front", un LP immortalisé en public. Leur musique mêle blues, rock, jazz et country. Le chanteur/guitariste Joe Fawcett en est le leader. Il revendique l'héritage de Vince Gill mais aussi de Joe Bonamassa, Robben Ford et Eric Clapton. Le line up est complété par Doug Lang à la batterie et Ben Gardner à la basse. Le trio a signé, début 2014, sur le label Blues Boulevard. "Absolution" constitue donc le second opus studio, un disque à la pochette particulièrement soignée. Joe et Doug signent, seuls ou ensemble, les douze plages.
"Blue situation" nous baigne dans un climat blues/rock. Chez ce power trio, l'unique soliste est le guitariste. Il est impeccablement soutenu par sa section rythmique. La voix n'est pas très puissante. Les musicos sont jeunes. Et cela s'entend. Très offensive, la guitare s’inscrit dans l’esprit du blues/rock mélodique pratiqué par Joe Bonamassa. Ses riffs entretiennent une ambiance dramatique. A l’instar de "Giving it up". Efficace, elle rappelle le Free, combo qui a sévi au cours des 70’s, malgré les quelques accents country qui planent circonstanciellement sur l’ensemble ! Le titre maître ne manque pas de charme. A cause de ses sonorités aux effluves surannées et des lignes de grattes bien construites. Caractérisée par sa ligne de basse empruntée à Jack Bruce, "Bitter Venom" évoque le premier power trio, né au cours des sixties, The Cream. Rock/blues puissant, Head for trouble" adopte des accents insulaires, largement inspirés par les débuts du style! "Empty, I'm down" campe un blues/rock indolent, cool, une piste au cours de laquelle la guitare et la basse entrent en fusion. "Left in the corner" nous entraîne dans le Delta du Mississippi. La guitare concède des accents métalliques. Dramatique, la voix est susurrée. Enfin, empreintes de subtilité et de sensibilité, les cordes finissent par se libérer, comme chez Robben Ford. Davantage grattées dans l’esprit des 70’s, elles évoquent Whitesnake tout au long de "Back to the levee", même si la voix de Joe est bien plus inoffensive que celle de Coverdale. "Some kind of liar" et "Lay me to the rest" trempent dans un blues/rock vaporeux et mélodique. "Long ride home" adopte un profil subtilement psychédélique. Acidulée, la gratte emprunte des chemins peu conventionnels. Excellent ! Et le long playing de s’achever par un brillant blues/rock intitulé "Don't know where (I'm coming from)".
Chanteur/harmoniciste, Howlin' Bill sillonne les routes depuis plus de 15 ans. Il y est soutenu par un excellent backing group de blues roots. Il a gravé son premier opus, "Cool it", en 2003. Et embraie par "Strike", en 2006, et un ‘live’ en 2009", immortalisé lors d'un concert sold out, accordé à l'Ancienne Belgique. Les tournées du combo sont interminables. Il s’est ainsi produit à trois reprises au Belgium R&B Festival de Peer et a parcouru l’Europe de long en large, transitant notamment par la France, Suède, Norvège, Pologne et Suisse… En 2011, il remporte le premier European blues Challenge, organisé à Berlin. Ce qui lui permet de publier un Ep sous la forme d’un vinyle ("Howl"), puis l’LP "Date with the devil", en 2012. L’année suivante, Howlin' Bill signe sur le label belge Blues Boulevard, et y publie une compilation baptisée "Midnight Hero". Le 1er novembre dernier, la formation célébrait donc ses 15 années d'existence, et début 2015, gravait "Hungry", un nouvel opus, pour lequel elle a encore reçu le concours de ses partenaires habituels, le guitariste Little Jimmy, le bassiste Walkin' Winne et le drummer Daddy T.
Bill a les dents longues. Il le montre dès le premier titre, judicieusement intitulé "I'm hungry", une piste imprimée sur un tempo enlevé. A peine a-t-il chanté un couplet qu’il se met à souffler dans son harmonica, aussitôt rejoint par le petit Jimmy sur ses cordes. Le rythme s’élève encore sur "Drink about it", un piste au cours de laquelle la guitare nous plonge dans un excellent climat swamp. "More than fifty reasons" revient dans un cadre plus propice au blues. Little Jimmy et Daddy T se partagent les choeurs alors que Patrick Cuyvers, invité pour la circonstance, se charge du piano. Blues nerveux, "Highway of life" adopte un tempo proche de Slim Harpo. La section rythmique assure avant que le boss ne se libère sur son harmonica! "Perfect lovers" est une plage country & western. Le son de la guitare est particulièrement réverbéré et la mélodie est digne d’une B.O. d’Enio Morricone. Dépouillé, "You will have to go" est un long blues lent qui met en exergue le talent des deux solistes. Un tempo toujours aussi indolent canalise "Up to you" vers les marais louisianais, dans un climat lugubre. Cuyvers siège derrière son orgue sur "Not my wife", un r&b aux accents funkysants entretenus par les percussions de Daddy T. Et ce même Papa T excelle tout au long de "Rich", constituant une véritable rampe de lancement pour les envolées de Bill et de Jimmy! "Get up" macère à nouveau dans les marais poisseux de la Louisiane. Les musicos chantent en chœur frénétiquement. Les cordes ont quartier libre. Patrick Cuyvers se réserve le piano électrique sur "Robbin' a bank", un excellent funk/soul au cours duquel Jimmy exécute un solo très bien construit. Après "Walk the line", un swamp blues de toute bonne facture, Bill se lâche lors d’une finale country récréative, inspirée par le père Noël…
Un homme d'âge mûr qui s'entiche d'une jeune fille fait toujours jaser. Mais heureusement, pas quand il s'agit de musique. Je peux donc confesser avoir succombé au charme d'une adolescente. Clementine Creevy est une adorable petite blonde californienne qui compose dans sa chambre depuis l'âge de 14 ans. Le team de Burger Records est enthousiasmé par ses chansons étonnamment abouties. Clem hésite un peu. Elle n'a que 16 ans, pas de permis pour se rendre au bureau du label (ce qui implique donc de demander à sa mère de la conduire) et surtout elle veut monter un groupe. Elle se décide enfin lorsqu'elle persuade une amie du même âge de se consacrer à la batterie et déniche un ‘vieux’ bassiste, âgé de 23 printemps. Cherry Glazerr est né.
Je ne suis pas le seul à avoir craqué sur l'irrésistible voix de la demoiselle, puisque le New-York Times présentait le groupe comme la révélation absolue dans son article consacré à Burger Records, l'année passée. Cette structure est décidément une bénédiction pour tous les amateurs de rock DIY, un vivier de talents exceptionnels. La hype ne faisait alors que commencer. Depuis lors, Cherry Glazerr a été la seule formation rock invitée par Tyler The Creator au Camp Flog Gnaw Carnival, cette grosse fête foraine organisée par le collectif Odd Future qui convie chaque année la crème de la scène rap. Et au grand amusement du groupe, Saint-Laurent a utilisé le délicieux "Trick or Treat Dancefloor" dans un de ses clips.
Mais revenons à "Haxel Princess". Ce premier opus, s'il oscille entre garage, indie-rock voire noise léger, repose sur une base pop. Il y a un talent pour les mélodies indéniable et souvent, une efficacité imparable pour qui aime ce style. Si l'on peut penser à une kyrielle de groupes de la scène indie américaine du début des nineties, on a du mal à citer un nom en particulier. La voix à la fois mutine, sensuelle et juvénile de Clementine Creevy et son talent pour les accords simples mais accrocheurs apportent le petit plus qui distingue Cherry Glazerr des centaines de groupes du même style. 25 minutes de pur bonheur dans lesquelles on a envie de se replonger dès le dernier des dix morceaux. Alternance de rythmes nerveux et d'atmosphères plus alanguies, "Haxel Princess" dévoile un son peu travaillé, direct, brut et quasiment dépourvu d'effets sonores. Une simplicité que l'on retrouve dans les paroles. Ces histoires de collégienne narrées malicieusement avec une économie de mots mais suffisamment ambiguës pour ne pas tomber dans le cliché. Est-ce seulement le beurre de son croque-monsieur qu'elle aime faire glisser dans sa bouche? Elle qui fantasme sur son prof tout en déclarant juvénilement sa flamme à son copain. On peut se le demander maintenant qu'elle vient de fêter ses 18 ans et d'emménager dans son premier apart.
Si l'album s'écoute en boucle, on vous recommandera de tendre l’oreille au punky "White is not my color this evening", un des meilleurs singles de 2014. Mais aussi au remuant "Cry Baby", qui prouve que les deux acolytes à la section rythmique ne sont pas que des faire-valoir. Le groove nonchalant de "Grilled Cheese" ou les accords lumineux du déjà cité "Trick or treat dancefloor".
Bref, "Haxel Princess" est une première réalisation pleine de sincérité et de candeur. On espère que le trio conservera ces qualités quand il s'agira de passer l'écueil du deuxième opus. Le deux titres sortis fin d'année sur Suicide Squeeze sont en ce sens rassurants. En attendant, faites battre le petit coeur du teenager qui est en vous et ruez vous sur ce petit moment de bonheur sans prétention.
En 2005, The Decemberists publiait « Picaresque », un magnifique album de pop/rock/folk. Et sur un label major, Capitol. Le signe de leur entrée dans la cour des grands aux States. La troupe à Colin Meloy grave ensuite « The Crane Wife » (2006), « The Hazards of Love » (2009) et « The King Is Dead » (2011), des long playings qui récoltent un certain succès.
Tout au long de sa, déjà, belle carrière, le groupe originaire de Portland (Oregon) est parvenu à se construire un style bien personnel. Qui se réfère à la nature. Tantôt, on respire l’air pur des bois et forêts ; tantôt on perçoit le souffle du vent salé qui vient de la mer. L’instrumentation est luxuriante et les airs, le plus souvent épiques. Pas étonnant que la presse les compare régulièrement à R.E.M. voire à Wilco.
Fondamentalement, ce septième opus se sert des mêmes recettes. Pièce centrale, la voix nasillarde de Meloy, est enveloppée par les différents instruments. Très classiquement et principalement par la guitare, la basse, l’accordéon et les percussions. Et selon leur feeling, les musicos viennent y ajouter toute une panoplie d’instrus différents.
« What a Terrible World, What a Beautiful World » débute très fort par les deux premiers singles, « Cavalry Captain » et « The Singer Adresses His Audience ». Un départ en trombe qui retombe comme un soufflet. Après ce coup de mou il faut attendre le plus mélancolique et bouleversant « Lake Song » pour que le combo prenne du poil de la bête. Bluesy, « Till the Water’s All Long Gone », « Carolina Low », en sont également deux autres belles illustrations.
Bref, malgré l’un ou l’autre bémol, il faut reconnaître que le long playing tient la route. Meloy est toujours aussi doué pour nous raconter et des histoires, et son backing band, à l’aise pour pondre des mélodies entêtantes.
The Decemberists se produira ce 24 février à l’Ancienne Belgique. A ne manquer sous aucun prétexte. La première partie sera assurée par l’Américaine Serafina Steer.
Klaas Delrue, c’est le chanteur du groupe Yevgueni, un groupe flamand qui rencontre un certain succès au Nord du pays. Parallèlement, il a décidé de monter un projet en solitaire. Et d'enregistrer un album dans la langue de Voltaire. Oui, oui, rien que des chansons en français. Il n’est pas le premier à avoir tenté le challenge. dEUS, Daan, Arno, Axelle Red s’y frottent ou s’y sont frottés avec un certain succès, avant lui. Le premier qui avait tenté l’aventure, c’était Johan Verminnen, au cours des années 70. Klaas revient tout simplement à ses premiers amours. Il est originaire de Rekkem près de Mouscron. Finalement, le français, c’est un peu sa langue maternelle… Et « Risquons Tout » n’est-il pas un hameau de Mouscron ?
Klaas a écrit ces chansons en compagnie de son frère Thijs. Le pari est audacieux, mais le résultat est plutôt réussi. L’artiste possède une jolie voix grevée par un léger accent. Les textes tiennent la route. Que ce soit à travers les cordes, les cuivres ou les accords de piano, les arrangements sont soignés et les chansons mélodieuses…
Je me pose quand même la question de savoir pourquoi ce type d'initiative ne se produit pas en Wallifornie. La Flandre n'est quand même pas un pays étranger. Bien sûr, la langue de Vondel n’est pas facile à apprendre pour un francophone. Mais dans l’univers de la musique, il ne devrait y avoir aucune barrière linguistique. Perso, il y a longtemps que je m’intéresse également aux artistes issus du Nord du Pays. Et croyez-moi, la scène y est florissante. Enfin, rappelez-vous que Musiczine est le seul site bilingue français/néerlandais en Belgique. On ne le dira jamais assez souvent !
David ‘D.A.’ Foster est un chanteur de blues. Il a entamé sa carrière à l'âge de 19 ans. Et tout particulièrement quand il est devenu l'un des propriétaires d'un nightclub devenu légendaire, établi dans le Connecticut, le Shaboo Inn, à Willimantic, un club susceptible d’accueillir un millier de personnes. Le patron du club, c'était Dick Waterman, qui manageait alors Bonnie Raitt, Roomful of Blues, Buddy Guy et encore Junior Wells. Les plus illustres bluesmen se produisent dans ce club, début des 70’s. Sa voix, David va la forger au contact de ces musiciens mythiques. En 1979, il fonde Shaboo All Stars, en compagnie du guitariste Matt Murphy, l’ex-gratteur des Blues Brothers, backing band du célèbre harmoniciste James Cotton. En 1982, le club ferme ses portes. Foster poursuit son aventure chez les All Stars, qui impliquent alors l’ancien bassiste d’Electric Flag, Harvey Brooks. En 1987, Brooks remonte cet Electric Flag, à Los Angeles. Il y engage David, aux vocaux, et Mike Finnigan, aux claviers. Foster revient, un peu plus tard, dans le Connecticut, où il relance ses Shaboo All Stars. Il gère alors sa propre boîte, la Shaboo Productions. En 1999, alors qu'il se produit régulièrement au Mohegan Sun Casino, à Uncasville, il décide de changer le patronyme de son combo en Mohegan Sun All Stars. Un bon contrat à la clé, il rappelle son ami Mike. Et aujourd'hui, il peut enfin concrétiser son projet personnel, en publiant "The Right Thing", un long playing pour lequel il a reçu le concours du Phantom Blues Band, dont le line up réunit Mike Finnigan, le drummer Tony Braunagel, le bassiste Larry Fulcher et le guitariste Johnny Lee Schell. Mike et Tony en assurent la production!
R&B classique, "Good man bad thing" ouvre l’LP. Superbe blues rythmé, "The real thing" rocke subtilement. Soutenue par le piano roadhouse de Mike et les cordes de Jimmy Lee, la voix de Foster est souveraine. "We all fall down" est une ballade R&B que David chante face aux voix féminines conjuguées par Julie Delgado et Nita Whitaker. Finnigan y injecte ses interventions à l’orgue, alors que Josh Sklair saupoudre l’ensemble d’accords de guitare subtils. Un même tempo guide "Ain't doing too bad", un R&B légèrement funky au cours duquel les cuivres de Farrell Leonard et Joe Sublett font la différence. Jimmy Lee Schell introduit "This time I'm gone for good", une plage soul, très lente. Empreintes d’une grande sensibilité, ses cordes épousent le chant chaleureux de Foster. La reprise du "Super lover" d'Eddie Hinton est balisée par les percus de Tony Braunagel et Lenny Castro, mais laissent s’échapper les voix féminines et les cuivres. Des voix toujours enchanteresses qu’on retrouve sur "I need a good woman bad" et le "You just can't smile it away" de Bill Withers, une piste illuminée par la trompette de Lee Thornberg. "Smack dab in the middle" est un titre issu de la plume de Charles E. Calhoun, alias Jess Stone, un musicien qui avait notamment écrit pour les Drifters, Big Joe Turner et Ray Charles. Ce dernier l’avait inclus dans son répertoire. Ce R&B bien nerveux préfigurait la naissance du rock'n'roll. Sublett entre en effervescence sur le "Lie top me" de Brook Benton, blues de bonne facture. "Gee baby ain't good to you" baigne dans une atmosphère jazzyfiante, nightclubienne. Et l’elpee de s’achever par la meilleure piste du long playing, un blues basique judicieusement baptisé "Down home blues". Finnigan y double piano et orgue avec bonheur.
Handsome Jack nous vient de Buffalo, dans l’Est de l’état de New York. Un quatuor fondé en 2004, qui a entamé sa carrière en pratiquant du blues/garage/rock. Depuis, son style a évolué et s’est largement enfoncé dans le blues primaire. Le band a publié un premier album en 2011, "Super Moon", chez Radiator. "Do what comes naturally" paraît chez le très intéressant label Alive Natural Sound, sur lequel il vient de signer. Il a reçu le concours de Zacchary Gabbard, des Buffalo Killers, à la mise en forme.
Le line up réunit le chanteur/guitariste Jamison Passuite, le bassiste Joe Verdonselli, l’organiste/guitariste Phil Allport et le drummer Chad Salmeri. Leur combinaison de garage et de boogie soul s’assimile à la création d’un pont entre le blues du Delta et le southern soul de Stax (Memphis).
Dès "Echoes", on se rend compte que l’horloge de notre quartet s'est arrêtée, il y a déjà quatre décennies. Un blues rock drivé à l'anglaise. Pensez à l’époque où Free et Humble Pie avaient un franc succès. La voix de Jamison est plutôt caverneuse. Elle campe un hybride entre Eric Burdon et Ozzy Osbourne. Le rythme est paresseux. Les solistes restent sur la réserve. Le développement lent de la compo provoque un climat de transe hypnotique. Caractérisé par l’intervention à l’harmonica de Forest Jor, "Creepin" élève le tempo. La guitare met le nez à la fenêtre sur "Between the lines", mais en toute sobriété. "Dead tracks" est imprimé sur un tempo susceptible d’évoquer ZZ Top. Jamison se libère quelque peu sur ses cordes, et finit même par atteindre un pic d'excitation. Et le résultat tien la route. L'orgue de Bob Nave, un vétéran qui militait, au cours des sixties, au sein du combo de bubblegum The Lemon Pipers (NDR : souvenez-vous de "Green tambourine man", paru en 1968), teinte légèrement de pop,"Leave it all behind". "Ride on" opère un retour au blues rock primaire, languissant. En ajoutant un zeste de fuzz dans le son de sa gratte, Jamison lorgne vers Paul Kossoff de Free. Préparé à la sauce Handsome Jack, "Dry spell" n’adopte pas la course du cheval au galop, mais ce boogie baigne dans un climat plutôt proche des Doors de Jim Morrison. Solide, la section rythmique impose son tempo métronomique sur "Ropes chains", un blues rock basique. "You & me" est certainement une des meilleures plages de l’elpee. Hanté par Free, elle est dominée par la voix nasillarde de Passuite. Etonnant, ce long playing se referme sur "Wasted time". Jamison chante devant les voix des deux choristes, Beth et Kristen, sur cette piste brute, primaire…
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