En 2004, Micah P. Hinson gravait l’album « Micah P. Hinson and the Gospel of Progress ». Pour fêter le dixième anniversaire de cette sortie, le label Talitres a eu l’excellente idée de le republier, mais en lui attribuant un autre titre, « …and the gospel of progress ». Mais également de le remixer et de l’enrichir d’une plage ("Can't Change A Thing"). En outre, cet elpee est enfin disponible en vinyle. Un bien beau cadeau à offrir pour tout mélomane réceptif au folk.
C’est en hiver 2003, que l’artiste était entré en studio pour enregistrer son premier essai. Il n’est alors âgé, à peine, que de 23 ans. Il avait quitté Memphis (Tennessee) pour s’installer au Texas, traînant déjà derrière lui un passé déchiré par des problèmes d'addiction en tous genres et des échecs sentimentaux.
C’est à travers la musique qu’il va trouver la rédemption. Brut de décoffrage, son folk est saturé d’émotion. Ebréchée, sa voix est reconnaissable entre mille. Sa musique est élaborée et riche. L’instrumentation luxuriante. Il a recours aux claviers, guitares sèches et électriques, chœurs, etc. ; mais surtout, il est difficile de rester de marbre en écoutant les chansons de Micah P.Hinson. Cet opus recèle quatorze morceaux qui sont autant de cris du cœur. « As you can see » et « Patirence » en sont certainement les plus beaux exemples.
Bref, cette réédition est une excellente occasion pour (re)découvrir cet artiste méconnu du grand public. Pour celles et ceux qui le connaissent déjà, c’est l'opportunité de se replonger dans ce magnifique premier essai ; et par la même occasion, d’écouter les autres.
The Limboos nous vient d’Espagne, de la région de Madrid, plus précisément. Avant de publier "Space Mambo", son premier opus, le combo avait gravé un single intitulé "Not a soul around"/"Space Mambo". Il revendique pour style le R&B exotique, teinté d’une touche latine. Un quatuor réunissant trois garçons, le chanteur/guitariste Rol Fontoira, le guitariste/organiste/percussionniste Sergio Alarcon, le bassiste Marcos Mascato, et une fille, à la batterie, Daniela Kennedy.
L’opus démarre très fort par les percus de Miss Kennedy qui introduisent "Big Chef", un blues rageur qu'elle cosigne en compagnie de Fontoira Et ce dernier brille aux cordes. "Nervous" véhicule des accents latino-exotiques. L’orgue suranné de Sergio tapisse l’ensemble, alors que la gratte continue de faire la différence. Caractérisé par son jeu de cordes très personnel, "Early in the morning" est un blues hispanique très rythmique. Daniela éblouit au percus sur l’instrumental teinté d’exotisme, "Space mambo". Manifestement, elle constitue un atout majeur du combo. Quoique la gratte soit sculptée dans le blues, "What I'm saying" adopte le profil d’un bon vieux rock du début des sixties. "Tell me pretty baby" est issu du même moule. La voix est claire et la guitare ne tient pas en place. Et à l’écoute de l’excellent "Rockin'", on se rend compte que The Limboos s’est forgé un style bien spécifique. De cet elpee, j’épinglerai encore un "Call me a tramp", dont le cocktail de blues et de rockabilly me semble plutôt proche des Paladins. "Hoodoo", une piste sublimée par les cordes. Et "Jambalaya", plage qui clôt le long playing, dernière opportunité pour savourer les percus de Daniela. Un excellent long playing !
Quelle drôle d’idée de porter le même nom que l’ex-guitariste de John Lee Hooker ! Bref, le Michael Osborn qui nous concerne est né en Illinois. A 13 ans, sa famille s'établit près de Sacramento en Californie. Il suit des cours de guitare. En 1991, il devient musicien professionnel. Il se lance dans le blues et le rock. Son influence majeure ? Stevie Ray Vaughan. Il prend ensuite une pause dans sa carrière avant de refaire surface en 2006. En 2009, il publie son premier opus, "Fire & Fury". “In the dog house” constitue son nouvel elpee. Il a été enregistré dans le studio Dawghouse de Burbank, sous la houlette d’Alan Mirikitani (alias BB Chung King), qui s’est chargé du la production et du mixing. La majorité des plages sont signées par Mirikitani et Dennis Walker. Chanteur/guitariste, Mike est soutenu par le claviériste Teddy Andreadis, le bassiste Johnny Griparic et le drummer Lee Spath. Outre Stevie Ray Vaugan, Mike reconnaît aujourd’hui pour maîtres, Buddy Guy et Gary Moore. Il est responsable d’un blues/rock bien amplifié.
"Love vs Ego" entame les hostilités. La guitare y talonne la voix bien maîtrisée, qui domine même le sujet. Contagieux, "Company Graveyard" est un solide boogie qui fait mouche. Solide compo, "Lovin' time" est parcourue par des accords de gratte originaux. Et ils sortent même de leur réserve. Imprimé sur un tempo indolent, "Cold man cold" emprunte les riffs texans de ZZ Top ; et la guitare Epiphone est particulièrement adaptée à ce style. Des riffs rythmiques balisent "Fire & Gasoline", une piste rock, traversée par soli aussi soudain qu’audacieux. Andreadis tapisse "Tied up", un blues lent plutôt classique, de ses interventions à l’orgue, alors que le jeu de cordes est emprunté à Buddy Guy. Shuffle à la Texane, "Cheap women" est manifestement inspiré par le regretté Stevie Ray. "Veteran's song" concède des accents southern rock, une piste au cours de laquelle les cordes sont judicieusement libérées. Signé John Fullbright, un chanteur/compositeur issu de l’Oklahoma, "Satan & St Paul" nous entraîne dans l'univers de la country, une chanson de bonne facture enrichie par les interventions à la slide de Randy Mitchell. Autre boogie remuant, "Jump in your fire" nous plonge dans une ambiance fiévreuse. La voix est autoritaire et les intrusions de guitares prolifèrent. Le long playing s’achève par le titre maître, un instrumental au son bien métallique qui adresse un clin d'œil à la surf music. Excellent dans le style !
Harmoniciste canadien, Roly Platt jouit d’une excellente réputation tant en ‘live’ qu’en studio. Il est capable d’aborder une foule de styles différents. Depuis le jazz au swing, en passant par le blues, et même la musique de films et les jingles… Il a côtoyé, sur les planches, des vedettes canadiennes comme Dutch Mason, Matt Minglewood, Ronnie Hawkins, Roy Young ou Suzie Vinnick. Les compos sont majoritairement instrumentales. Et pour cause, Roly ne chante qu’à de très rares occasions.
"Put it where you want it" ouvre le bal. Bien rythmée, cette piste est mise sur orbite par le piano de Lance Anderson. L’intervention à l’harmo est propre, subtile, mais également entraînante. La guitare de John Tilden vient y ajouter son grain de sel. Neil Chapman libère ses cordes aux accents légèrement métalliques alors que Platt rivalise de créativité tout au long de "Mad River", un boogie allègre et plein de charme. Steve Strongman est chanteur/guitariste. Un Canadien. Et à chacune de ses interventions, c’est le bonheur. Ce sera le cas à deux reprises. "Goodmind to wonder" est un blues imprimé sur un tempo bien enlevé. La voix est excellente. Poussé dans ses derniers retranchements, Roly brille, une nouvelle fois, de mille feux. Agité par des percussions, "Congo strut" concède des accents jazz. Les échanges opérés entre l'harmonica, le piano électrique d'Anderson et la guitare de Tilden ne manquent pas de relief. Le thème musical d'"Over the rainbow" date de la fin des années 30. La mélodie est superbe. Roly Platt se la réapproprie. Ce véritable esthète a la même sensibilité dans le dialogue que notre Toots Thielemans. Il ne se borne pas à un style particulier, et se remet constamment en question. "Rippin' i tip" est un pur rock'n'roll, dans le style de Jerry Lee Lewis. Lance Anderson prend son pied aux ivoires, alors que pour la première et seule fois de l’opus, Roly est au micro. Mais pas seulement, car il souffle avec puissance et discernement. Superbe blues lent, "Ocean of tears" a été co-écrit par Roly et Steve Strongman. L’intervention vocale de ce dernier est bouleversante. Mr Platt nous rappelle sa passion pour Ray Charles. Il interprète ainsi brillamment et successivement deux de ses titres, "I got a woman" et "Georgia on my mind". "Funk Shui" met bien en exergue l'orgue Hammond de Lance Anderson. Très intéressant, cet opus s’achève par "Bartender's Blues", une compo acoustique, intimiste, écrite par James Taylor, et interprétée par Jordan John, chanteur torontois notoire.
Two Kids On Holiday est un duo qui nous vient de la Cité Ardente. En concert, il se produit en format trio. Après avoir gravé un premier Ep prometteur en 2012, « Tchouck Tchouck Nougat », et un single percutant, « Left And Right », l’année suivante, TKOH sortira son premier album, « Hurricane », le jour de son concert qu’il accordera à la Rotonde du Botanique, ce 20/02/2015, comme supporting act.
Le duo réunit le drummer Gil Chevigné et le chanteur/claviériste Julian Arlia. Il pratique une indie pop teintée d'électro, que les musicos qualifient de pop boréale. Gil milite également au sein du projet Thot.
Le groupe a été finaliste du Concours-Circuit, en 2012. Il reconnaît pour inspiration majeure, BRNS, Two Door Cinema Club et Animal Collective.
« Hurricane » est un disque destiné à se remuer sur le dancefloor. Particulière, limpide, la voix de Julian me fait penser à celle de Jimmy Somerville. En outre, elle colle parfaitement aux sonorités électro.
Empreint de douceur, atmosphérique, « Aloha » est tramé sur des harmonies vocales soignées. Le refrain est accrocheur. Les percussions sont généreuses, les guitares légères, et les clochettes rafraîchissantes. BRNS n’est pas loin. « Sunset » est particulièrement dansant. Percussions, sonorités électroniques, rythmique et voix entrent parfaitement en osmose, alors que la mélodie épanche une subtile saveur sucrée. « Future Is Bright » est une plage délicate, chantée d’un falsetto équivoque… Après « One Night Part I », « Pirate » met le grappin sur le vaisseau électro. « Blood As Food » est une piste paisible. « One Night Part II » est un morceau construit en crescendo. Et l’opus de s’achever par « The Leaves Are Falling » et « The Waves », deux titres printaniers et enchanteurs…
Casté en 2003 pour sa belle gueule par une chaîne télévisuelle française afin de participer à l’émission de télé-crochet Popstars, M. Pokora (Matthieu Tota, de son état civil) remporte, aux côtés de ses deux acolytes, Lionel et Otis, et sous le patronyme de Linkup, ce concours. Le succès sera immédiat, mais éphémère.
Depuis, le gaillard a fait son petit bonhomme de chemin. Son sixième album paraît sous un acronyme aussi pompeux que ronflant : « R.E.D. (Rythmes Extrêmement Dangereux) ».
Dans les bacs, depuis le 2 février 2015, ce long format aux couleurs mélodiques pop, imprimé sur des rythmes funky et bercé de ballades sentimentales est défendu par les singles "Le monde" et "On danse".
Plutôt tape à l’œil, le chanteur apparaît endimanché dans son costume classieux. Le tout sur fond rouge.
L’album impressionne ! A commencer par la plage d’ouverture. Tout simplement pathétique ! Une idée de bas étage ! L’artiste s’y fend d’un étrange plaidoyer qui n’apporte absolument rien : ‘Mesdames et Messieurs, il se peut que durant cette expérience, vous ayez des fourmis dans les jambes, dans le corps. Et un sourire indélébile sur votre visage. Alors, laissez-vous aller. Et bienvenu dans R.E.D’.
Le contenu dans sa globalité est du même acabit ! On s’ennuie dès les premières minutes ! La musique est d’une telle platitude et les textes sont d’une telle pauvreté, que le constat en est hallucinant ! Le bellâtre y parle surtout d’amour et de ruptures sous toutes ses formes, de manière assez personnelle, mais sans véritablement convaincre. Tout au plus, les adolescentes prépubères y trouveront leur compte, ravies de disposer d’une nouvelle batterie de tubes à fredonner entre copines, dans la cour de récréation.
Il s’offre pourtant le luxe d’un duo. En compagnie de Soprano. Pour « Mieux que nous ». Ce qui devrait lui permettre d’élargir son champ d’action et de toucher un public un peu plus sensible au rap.
Loin de moi l’idée de stigmatiser ce genre. J’admets qu’il en faut pour tous les goûts. Mais, doit-on pour autant considérer à tout prix la musique comme un sous-genre culturel ?
Le nombre de disques écoulés depuis sa sortie a permis à M. Pokora de signer le meilleur démarrage de sa carrière. Une situation sans doute consécutive aux groupies féminines. Et oui, autant dire les choses telles qu’elles sont : il brille davantage par sa photogénie et ses qualités scéniques que par ses capacités vocales !
Quoiqu’il en soit, on sent que cet opus est plutôt taillé ‘clubbing’. En showman chevronné, le Sieur Tota devrait également briller en live. Le ‘R.E.D Tour’ réunira d’ailleurs douze musiciens, deux acrobates et une troupe de danseurs ! C’est dire si le spectacle semble alléchant. A bon entendeur…
Reverse Cowgirls nous vient de Groningen, aux Pays-Bas. Un trio réunissant le chanteur/guitariste Michiel Hoving, le bassiste Harry Kingma, et le multi-instrumentiste Joost Dijkema (chant, guitare acoustique et électrique, bass drums, banjo, harmonica et percussions). Leur musique mêle country, rock'n'roll, bluegrass et swamp rock, dans un esprit punk. "Bucking" constitue leur premier elpee. Les deux vocalistes/gratteurs se partagent l'écriture.
Joost attaque "Damn the damage", armé de son banjo impétueux, épousant la frénésie du rythme. Michiel plaque ses accords rythmiques sur la guitare électrique. Une même ambiance baigne "Professional feeder". La voix est bien maîtrisée, tout au long de cette compo country/rock caractérisée par ses changements de tempo. Pas de pause. Joost prend le relais sur "Common order". Quoique accablée, la voix est toujours à l'offensive, reflet d’une attitude punk. Lancée au galop, "Bad luck & trouble" émarge au country alternatif ; une piste qui ne manque pas de charme. Tout comme "Praire road", un morceau plus paisible, à la mélodie soignée, au cours duquel voix, harmo et guitares excellent. Joost et Michiel chantent à l’unisson "Down south", un titre cosigné. Une plage qui met en exergue le jeu remarquable et tout en picking de Mr Hoving. Et il remet le couvert sur "Bad trip", une composition particulièrement harmonieuse. "Loose" relance la machine. Le train est lancé à toute vapeur. Et entraîne "Rosemary". "Homemade rust" est le titre qui m’a le plus fait flasher. Un superbe morceau de country alternatif illuminé par les interventions à la douze cordes de Michiel. Le banjo de Joost sonne le retour au country bluegrass sur "Chickenstew". Et l’elpee de s’achever par "Alligator", un swamp rock à la louisianaise, parcouru de cordes électriques bien réverbérées…
Sauce Boss est un personnage atypique. De son vrai nom Bill Wharton, cet artiste est à la fois chanteur, guitariste, chef cuistot et conteur. Il prépare ses propres sauces qu'il vend lors de ses concerts. Il cuisine ses gumbos, qu'il partage avec son public à la fin de sa prestation. Il arpente ainsi depuis très longtemps tous les troquets de Floride, Louisiane et du Mississippi. Depuis 1990, il en a mitonné pour plus de 200 000 fans et… gratuitement! C’est également un personnage charitable et profondément humain. En 2003, il a fondé le ‘Planet Gumbo’, une association qui vient en aide aux personnes nécessiteuses et aux sans-abri. Il a publié bon nombre d’albums, dont "Sky blues" en 2002, "Come and get it!" en 2004, "Florida Blues" en 2006, "Raw" en 2008, "Hot 'n Heavy" en 2010, "Live at the Green Parrot" en 2012, et enfin, ce "100% Pure".
Sauce Boss est seul sur les planches, armé de ses guitares et sa batterie de pied. C'est au son de sa vieille guitare slide largement amplifiée que s'ouvre "100% pure". Il chante d’une voix correcte, sans être trop affirmée, "Zipper Bird". Il se sert généreusement de ses percussions louisianaises et fait glisser son bottleneck le long de ses cordes. La prise de son de la guitare est impeccable sur les premiers accords de "Marquis de Swamp" ; et incontestablement, elle répercute parfaitement le climat lugubre des marais humides du Sud. La voix de Bill s’y révèle possédée, rageuse et narquoise. Une rythmique syncopée amorce "Gonna be all right", une plage aux accents exotiques. Nous sommes bien dans le monde de notre Chef. Et de toute évidence, il vit son répertoire. Notre gastronome a de plus en plus la rage au corps pour attaquer "Chains". C’est en simulant un mal-être, qu’il aborde le blues indolent "Delta 9 blues", à l’aide d’une slide impérieuse, primaire et poisseuse. Il hurle son désespoir. La slide est de plus en plus malmenée sur l’alerte "Peckerwood" ; le doigt d'acier parcourt frénétiquement le manche de son instrument. Bill extirpe un son métallique de sa Resonator, tout au long de "Chicago Combat Zone", un excellent country blues primaire. Ballade country, "Cadillac of a woman" baigne au sein d’une certaine douceur retrouvée! Un cap country prolongé par "Sun", mais sous un format plus nerveux. Une certaine frénésie envahit "Outlaw blues". La guitare libère de riffs métalliques pour suivre le chant passionné de Bill, sur cette compo qui clôt l’elpee. Ecouter Sauce Boss est une expérience qui vaut le détour ; le voir et goûter son gumbo, doit en être une autre, tout aussi intéressante...
Grande soirée pour l’écurie CenteRock ce samedi 21 janvier au Rock En Stock à Houdeng. L’ASBL présentait en effet trois groupes hébergés par son label, fondé il y a maintenant deux ans. L’événement était d’autant plus important vu l’annulation récente du Power Festival. CenteRock voulait donc profiter de l’occasion pour se rappeler au bon souvenir des rockeurs louviérois.
C’est Manu Gabriele et les Effets Spéciaux qui ouvrent les hostilités peu après 19h. Des textes en français et un son atmosphérique ont permis au public de rentrer calmement dans la soirée.
Place ensuite à Sourblast, qui évolue dans un tout autre style. Le quatuor propose des compos pop aux sonorités métalliques. De quoi séduire les aficionados de musique plus musclée…
Plus besoin de présenter Jane Doe and the Black Bourgeoises. Véritable fer de lance du label, le groupe de la très charismatique vocaliste a complètement séduit un auditoire qui était pourtant déjà tout acquis à sa cause avant la représentation. Le rock toujours aussi garage du collectif fait mouche et donne inévitablement envie de découvrir leur deuxième opus sorti récemment.
Pour finir, un guest de marque était venu s’ajouter à l’affiche : Fred and The Healers. Le combo va parvenir à faire vibrer le public de la région du Centre jusque tard dans la nuit, grâce à son blues/rock excitant. Une bonne manière de clôturer une soirée qui aura brassé large au niveau des sonorités et ravi les quelques 200 personnes qui s’étaient rassemblées dans la jolie salle houdinoise.
(Organisation CenteRecords)
Two Kids On Holiday est donc dorénavant passé d’un duo à un trio sur les planches. Le troisième larron n’est autre que Romain Cruppa, également impliqué dans un autre groupe issu de la Cité Ardente, Leaf House. Les artistes issus du collectif JauneOrange n’hésitent pas à s’entraider ou apporter leur collaboration, c’est connu. Un Romain, dont la voix sucrée risque bien de faire chavirer les cœurs du public féminin…
TKOH réunit le drummer Gil Chevigné et le chanteur/claviériste Julian Arlia. Des tandems de choc comme les White Stripes ou The Black Box Revelation qui se consacrent à la formule guitare/batterie, c’est plutôt devenu courant. Mais des duos qui adoptent la combinaison batterie/synthé, c’est plus rare. Hormis Cats On Trees, je n’en connais guère d’autres. Curieux, la release party organisée pour la sortie de leur premier elpee, « Hurricane », sert de supporting act à la formation danoise Team Me, un band prometteur. Mais qui ne m’a pas vraiment convaincu sur les planches. J’ai donc faire l'impasse.
Sut le podium, les drums sont plantés au beau milieu. Deux petits palmiers bordent les fûts, un peu comme pour créer un petit décor hawaïen. Julian s’installe à droite de biais, derrière ses machines. Romain, à gauche, armé de sa gratte. Au début du set, le public n’est pas très nombreux. A l’instar de celui des R'tardataires, le bus des aficionados est en retard. Et quand ils débarquent dans la Rotonde, l’auditoire est bien plus conséquent.
« Aloha » ouvre le bal. Un mot hawaïen qui se traduit par affection, amour, compassion, pitié, au revoir et bonjour. Une belle entrée en matière. Les trois voix s’y conjuguent à la perfection. Des harmonies vocales qu’on pourrait qualifier de riches et précieuses. Tout comme sur « Future is bright », une de mes compos préférées. Le trio semble très soudé. En ‘live’, les musicos sont d’ailleurs très proches comme chez BRNS.
On commence à sentir des fourmis dans les jambes dès « The Leaves Are Falling ». Elles gagnent bientôt le bas des reins. Et on se trémousse lors de cette invitation à rejoindre le dancefloor. Un vaisseau « Pirate » nous entraîne jusqu’au beau milieu du Pacifique (NDR : peut-être quelque part en Polynésie…), une plage aux sonorités électro particulièrement généreuses. Mais « Sunset », soit le plus beau moment de la journée...
Après avoir interprété « Father », une ancienne compo, Two Kids On Holiday mord à belles dents dans son « Blood As Food », avec l’énergie d’un vampire. « Jump Like A Frog » est un extrait du premier Ep, « Tchouck Tchouck Nougat », une chanson fraîche et printanière. Et la prestation de s’achever par une version percutante de leur single « The Waves » (NDR : plage à absolument visionner sur YouTube ici), un titre digne du répertoire d’Arsenal. Pas de « Left And Ride », ce soir, malheureusement, une de mes chansons préférées, mais quand même un concert de toute bonne facture qui a inconsciemment donné envie de partir quelque part au soleil, et pourquoi pas du côté des Iles Hawaii…
(Organisation : Le Botanique)
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Né sur les cendres du groupe Women (NDR : au sein duquel militait le drummer Mike Wallace et le bassiste/chanteur, Matt Flegel), Viet Cong est certainement l’une des sensations de ce début d’année. Il faut dire que, peu importe l’étiquette qu’on leur colle (post-punk, garage/rock, toutes les combinaisons sont possibles), la musique de ces Canadiens est jubilatoire. La preuve en est que, ce soir, le Witloof Bar est archi-comble. D’ailleurs, difficile de comprendre pourquoi le spectacle n’a pas été transféré dans une plus grande salle du Botanique. D’abord, parce que sold out, il a provoqué une déception légitime auprès des mélomanes qui n’ont pu se procurer un sésame. Et puis, parce quand c’est blindé, les ¾ de l’auditoire ne voient pratiquement rien du concert. Heureusement, la formation bénéficiera d’une séance de rattrapage, puisqu’elle se produira le 23 mai à l’Ancienne Belgique. Mais place au quatuor issu de Calgary venu défendre son premier opus éponyme.
Pour assurer leur première partie, Viet Cong a emmené dans ses bagages des compatriotes : Absolutely Free. Originaire de Toronto, ce groupe est en fait un avatar de la formation de math-rock, DD/MM/YYYY. Elle a ainsi l’opportunité de présenter son troisième elpee. Et il est également éponyme. Le trio monte sur les planches vers 20h. A ce moment, la salle n'est pas encore remplie. Il est donc possible de se faufiler entre les spectateurs et de profiter pleinement du spectacle (visuellement et auditivement). Après une longue introduction tout en apesanteur, la musique entre dans le vif du sujet. A la fois expérimentale, puissante et mélodieuse, elle fait mouche. Les compos sont particulièrement bien ficelées. Situé à un bon mètre de votre serviteur, le drummer impressionne. Le chanteur/claviériste/guitariste se montre particulièrement à l'aise, et change d’instrument avec une facilité déconcertante. Bref, je dois avouer avoir fait une excellente découverte. A l’issue de leur set, je me suis empressé d’aller acheter leur vinyle. Des premières parties d'une telle qualité sont plutôt rares!
Vers 21h, la salle est comble. Il est temps de jouer des coudes afin de choisir l’endroit idéal, pour voir ou entrevoir ce qui se passe sur l’estrade. Malheureusement, la foule est trop compacte aux premiers rangs, et ma vision se limitera à contempler Scott Munro (ex-gratteur de tournée pour Chad Vangaalen) jouer de la douze cordes. Si le Witloff Bar est parfaitement adapté à un groupe comme Viet Cong, il faut reconnaître que la salle l’est beaucoup moins en ce qui concerne les spectateurs qui ne sont pas parvenus à se planter aux premiers rangs. Soit…
Quoi qu’il en soit, les Canadiens semblent contents d’être là. Ce concert est le dernier de leur tournée européenne. Leur bonne humeur est communicative et tout au long de leur prestation, ils n’hésiteront pas à tailler une bavette avec le public. Dès le début du set, Viet Cong libère tout son potentiel. Les guitares sont incisives et parfaitement balisées par la section rythmique, basse/batterie. Puissante, néanmoins Une expression sonore sur laquelle Matt Flegel vient poser sa voix. Un peu ébréchée. Faut dire que le Canadien ne l’a pas ménagée tout au long de la tournée. Pendant une heure, les morceaux de leur premier album éponyme ainsi que de leur Ep « Cassette » vont défiler. Et lorsque le combo vide les lieux, l’auditoire est assez étonné que 60 minutes se soient déjà écoulées.
En un soir et deux concerts, les deux formations viennent de replacer (si c'était encore nécessaire) le Canada sur la sphère mondiale de l’indie-rock.
(Organisation Botanique)
Fondé par Bill Corgan, il y a 28 ans, Smashing Pumpkins est considéré comme un dinosaure.
Et on doit vite se rendre compte que nous sommes les victimes de ce prédateur.
Si le succès n’est réellement apparu qu’au début des années 90, on a vite fait le calcul, ces enfoirés ont grandi avec ma génération ; Corgan était d’ailleurs à peine plus âgé que votre serviteur.
Un dinosaure, certes, mais qui peine à disparaître.
Non pas que nous le souhaitions, mais parfois mourir de sa belle mort, communique au mythe une certaine forme d’élégance.
Dans le chef des Pumpkins, il semble impensable de poser le mediator.
Mais essayons d’être objectif ; en nous demandant ce que « Monument to an Elegy » a vraiment dans le ventre ?
Faisons fi des accords métalliques chers au combo. Oublions leurs martèlements de fûts spécifiquement marécageux. Délaissons ces fiévreuses envolées si caractéristiques. Supprimons la voix nasillarde de Corgan. Que reste-t-il ?
Une innovation ? Une nouvelle approche de la musique ? Une subtilité discrètement camouflée ?
Et bien, si on enlève tous les éléments spécifiques à leur expression sonore, il ne reste rien. Nada !
Il faut pouvoir accepter cette situation. Pourtant, 20 ans plus tôt le combo nous réservait des compos originales, percutantes, élaborées, savoureuses et même bouleversantes. Aujourd’hui, il se mord la queue et n’est plus que l’ombre de lui-même.
Pourtant, « Monument to an Elegy » devrait ravir les irréductibles, nostalgiques des nineties. Ceux dont l’horloge s’est alors arrêtée.
Vu le talent de la bande à Billy, il est incompréhensible de la voir incapable de se remettre en question. De s’ouvrir de nouveaux horizons sonores. Pourtant, elle a suffisamment d’expérience pour y parvenir. Afin de mettre à genoux la nouvelle génération, sur son propre terrain.
Bref, soyez rassurés quand même, tout au long de « Monument to an Elegy » Smashing Pumpkins fait du Smashing Pumpkins. Les aficionados crieront peut-être même au génie mais Dieu reconnaîtra les siens.
C’est sans doute après avoir écouté en boucle le « Ghosts of the Great Highway » de Sun Kil que ce duo a décidé d’enregistrer cet opus. Faut dire que la paire est particulièrement influencée par le folk et le blues obscur des années 30.
Et le moins que l’on puisse dire, c’est que l’inspiration leur a plutôt bien réussie.
Le tandem anglais réunit Alex Carter et Simon Kobayashi. Actionnaire chez Damnabli, ce dernier milite également chez Smallgang. Ensemble, ils ont décidé de nous tricoter une écharpe pour l’hiver, d’une grande douceur, en y tramant leurs plus belles mailles.
Subtil et ronronnant, « Album » se caractérise par sa fluidité et sa constance dans les accords délicats.
Comme pour lier la sauce, le duo devient trio, afin d’enrichir leurs envolées folk tantôt de drums, tantôt d’interventions d’une contrebasse.
Affichant de faux airs de Sam Beam, Lou Barlow voire Elvis Perkins, les Insulaires effacent les lignes de leur Union Jack pour redessiner, et sans le moindre complexe, un Stars and Stripes sans aucun complexe.
Dès que les doigts glissent sur les cordes, laissant transparaître, ce bruit de peau calleuse entre les accords, on voyage du Kansas au Kentucky, en passant par l’Ohio…
Parfois hasardeux (« Patient Song ») ou téméraire (« Home to No Home »), mais le plus souvent simplement excellent (« Stay By My Side », « Dartford Tunnel », « I Think the Shape of Your Head »,…), « Album » est une œuvre qui mérite une attention particulière. Classieuse, visionnaire, belle, tendre, enjouée, envoûtante, elle est de celles qui s’écoutent en faisant le vide autour de soi. Un peu comme lorsque derrière une vitre givrée, on regarde le froid se casser les dents contre votre bonheur, d’être au chaud…
Sarah Carlier a publié son deuxième album en octobre 2014. Il s'intitule "SMS", le texto de ‘Save My Soul’. Treize perles tissées le long d'un fil groovy, composées et chantées en anglais. Surtout enregistrés et mixées par Dan Lacksman, à Bruxelles. Les sessions d'enregistrement ont été opérées au studio SynSound. Le choix a été dicté autant pour ses qualités techniques (enregistrement analogique) que pour les qualités humaines de Dan Lacksman, maître des lieux.
Mais les compos ont également été préparées en famille. Faut dire que le paternel, Sylvain, est guitariste. C’est également lui qui s’est chargé de la mise en forme du nouvel opus. Et la maman n’a pas hésité à mettre la main à la pâte, en aidant sa fille à mettre en boîte « Save My Soul ». Sarah joue de la guitare, chante et compose depuis son plus jeune âge. Elle puise ses influences majeures chez Nina Simone, Jimi Hendrix, John Mayer et Richie Havens. Sa voix campe un hybride entre Tracy Chapman et Nina Simone. Elle compte parmi ses amis, depuis ses débuts, Laurent Stelleman et Frank Baya (NDR : des musiciens incontournables en Belgique francophone). Ils se sont également investis pour la confection de cet elpee. Enfin, elle a également reçu le concours de Manon De Clercq, personne de l’ombre et manager qui lui a quand même écrit 5 chansons pour cet opus. Sarah a voulu superviser chaque étape de la confection du disque. Une manière de prendre ses marques.
C'est en 2009 que Sarah s'est lancée dans l'aventure musicale, en présentant un projet sur AkaStarter du label Akamusic (NDR : ce qu'on appelle aujourd'hui le crowdfunding). 283 personnes avaient ainsi financé la sortie de son premier single, « Let's Believe ». En 2010, son second projet, est soutenu par 594 personnes. Il se concrétise en 2011, par la publication de son premier album, « For Those Who Believe ». Après avoir accompli quelques premières parties prestigieuses au Cirque Royal et à l'Ancienne Belgique, pour Yael Naim, Emeli Sandé, James Morisson ou encore Amadou et Mariam, Sarah se produit dans le cadre de plusieurs festivals, dont le Couleur Café et le BSF. En 2013, elle grave une version limitée en vinyle et cd de son « Live Flagey ».
« SMS » est un album résolument optimiste et particulièrement ‘groovy’. Il baigne à la fois dans le folk, la pop, la soul et le reggae. Il s’ouvre également aux musiques du monde.
Une gratte discrètement funky stimule « My Counsellor », un titre judicieusement (NDR : ce qu’elle n’a pas encore décidé d’inclure sur les planches) cuivré. Des accords de guitare réverbérés ouvrent « Misery », avant que la voix puissante de Sarah ne fasse son apparition. « Mr James » est un retour aux sources. Une jolie ballade folk/soul qui met du baume au coeur. Coécrite par Manon Declercq, « Dreams » est une plage bouleversante et visionnaire.
« Misty » replonge dans le funk. Sylvain, le paternel, y réincarne Nile Rodgers. Omniprésent, il a également écrit « Big girl » (NDR : non, ce n’est pas Mika). La voix de Sarah est empreinte de douceur tout au long de « Shut ». « Save My Soul » est une superbe chanson. Elle touche l’âme et remue vos tripes. Et c’est toujours le père Carlier qui se réserve la six cordes. Franchement, il est vachement doué. Un soutien rêvé pour un artiste. Le piano nous ramène au calme sur « Call You ».
La voix est particulièrement soul sur « I'm Yours ». Sarah adapte le « All Along The Watchtower » de Bob Dylan; histoire de se rappeler que le Zim a bercé sa jeunesse. « This Story » achève l’œuvre en beauté. Sucré, cuivré, cet excellent slow vous incite à entraîner votre partenaire sur le dancefloor…
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