On connaît Florent Pagny comme artiste. Celui qui collectionne les succès radiophoniques grâce à sa pléthore de tubes. Sans être exhaustif, citons « N'importe quoi », « Si tu veux m'essayer », « Caruso », « Savoir aimer », « Et un jour une femme », « Là où je t'emmènerai » ou encore « Chatelet les Halles ».
Il y a l’homme également, omniprésent sur une grande chaîne nationale française dans le cadre d’un programme de télé-crochet. Son look très changeant et sa grande gueule déplaisent parfois.
Souvenons-nous de ses critiques acerbes au sujet du système fiscal français à travers « Ma liberté de penser ». Pourtant, le single a eu sans doute le mérite de payer sa dette ! Mais, ça, il n’en parle jamais !
De même, il stigmatise l’effet pervers de la popularité. Selon lui (dixit ses propos dans un célèbre journal parisien), il faut être ‘moins productif, pour gagner moins d'argent’. Paradoxalement, il est présent de manière hebdomadaire sur le front télévisuel et touche plusieurs centaines de milliers d’euros pour chaque saison ! Etrange, pour quelqu’un qui ne cesse de cracher dans la soupe et se revendique (à tort) donneur de leçons !
Soit ! Revenons-en à l’essence même de cette chronique ! A savoir un regard distancé et objectif sur l’album « Vieillir ensemble » et son corollaire live.
Composé par un Calogero très en verve et complètement décomplexé, cet opus regorge de très belles chansons à la musicalité douce et intimiste. Un mix d’émotion et d’énergie, entre variétés françaises et pop rock de qualité.
L’écriture des textes a été confiée à sa compagne Marie Bastide. Ca se sent ! L’album y gagne en relief ! Lionel Florence a également mis la main à la pâte, tout comme Marc Lavoine qui a signé "Combien de gens".
Premier single, « Les Murs Porteurs » et sa symbolique lourde, impressionne. Tout simplement magnifique ! Le ton est donné !
Florent Pagny a ensuite envahi les ondes de son "Vieillir avec toi", deuxième extrait éponyme. Belle déclaration d'amour enflammée de l'artiste à sa femme, Azucena Camaño, mannequin et peintre argentin. Et par extension, une ode universelle à l’amour et au caractère éphémère de l’existence. Poignant de vérité !
Fait plutôt cocasse, le clip a été réalisé sur base d’une sélection d’une cinquantaine de photos personnelles envoyées par les internautes.
« Le Soldat », lettre d'un mobilisé à son Augustine, écho aux souvenirs heureux qu’un soldat se remémore pour se redonner un peu de courage, nous transporte au coeur des tranchées de cette page de l’Histoire.
La déclaration touchante d’un père à son enfant dans « Souviens-toi » est émouvante et renvoie l’image d’un passé si lointain en ce qui me concerne. Une de mes chansons préférées !
Après nous avoir habitués à des disques moins abordables, Pagny revient ici avec de la chanson française populaire, certes, mais dans toute sa noblesse. Le soin apporté aux écrits et aux mélodies fait toute la différence ! Un véritable travail d’orfèvre !
L'ensemble, aux arrangements soignés, se révèle de très bonne facture. Le gaillard semble aujourd’hui être habité d’une belle maturité artistique. On le sent toujours aussi mordant, mais de manière plus subtile et apaisée.
Florent, malgré tout, tu n’auras pas ma liberté de penser !
Difficile d’émettre une critique défavorable à l’égard de musiciens aussi talentueux qui étalent, tout au long de cet elpee, leur créativité, maîtrise et totale indépendance… « No monster » affiche d’évidentes qualités dans son style. Il s’agit du second opus du Toulonnais Matthieu Rosso, soutenu par son Red Quartet, dont le line up réunit le saxophoniste Denis Guivarc’h, le batteur Rafael Koerner et le bassiste Jean-Philippe Morel. Pas un long playing facile d’accès, vous vous en doutez. Un mélange de jazz et de rock progressif qui s’adresse d’ailleurs exclusivement aux disciples du free jazz voire de la musique purement expérimentale. Pas vraiment ma tasse de thé. Et puis, dans ce domaine, je reconnais que ma culture est plutôt sommaire et ne me permet pas d’émettre un jugement objectif. La fusion opérée entre interventions de saxophone, de grattes sauvages et de rythmes complexes pourrait vaguement évoquer un Primus sevré d’émotion. Bref, ce monstre sonore demeure pour votre serviteur une énigme qu’il n’a pu résoudre, faute de pouvoir en maîtriser les codes…
Tahiti 80 appartient à cette catégorie de groupes dont j’ai toujours entendu parler mais dont la musique m’était finalement inconnue… « Ballroom » constitue pourtant son sixième elpee ! Phoenix (NDR : des Versaillais) et Tahiti 80 (NDR : des Rouannais) partagent l’honneur d’être plus populaires à l’étranger (au Japon surtout…) que dans l’Hexagone…
Toujours emmenée par Xavier Boyer et Pedro Resende, la formation propose des morceaux taillés dans une même pop que celle de leurs illustres confrères. A l’instar de l’inaugural et très efficace single « Crush ! ». Entre ballade pop romantique (« Love by Numbers » et son saxo), vignettes pop sautillantes (« Coldest Summer ») et mélodies accrocheuses (« Seven Seas »), « Ballrooms » souffre cependant de quelques pistes plus faibles, comme sur le très mollasson « The God of the Horizon ». Ce qui n’empêche pas l’ensemble de tenir parfaitement la route ; et la présence du décidément omniprésent Richard Swift, déjà responsable de la mise en forme des très beaux long playings de Foxygen, The Shins et Damian Jurado récemment, n’y est pas étrangère. La conjugaison du son organique et synthétique solidifie le son, une cohérence qu’on retrouve de bout en bout dans cette musique dansante et mélancolique à la fois. Tahiti 80 constitue sans doute une découverte tardive pour votre serviteur, mais une excellente découverte avant tout…
La naissance de BRNS (il faut prononcer Brains) est plutôt cocasse. C’est après un nouvel an arrosé qu’Antoine Meersseman (basse/chœur) et Tim Philippe (batterie/chant) décident de créer un projet commun. Diego Leyder (guitariste) et César Laloux (multi-instrumentiste) les rejoignent peu de temps après.
Au fait, pourquoi ‘BRNS’ ? Passionnés de cinéma, les lascars se sont tout simplement inspirés du titre d’un film. Ni plus, ni moins !
Caractérisé par son drumming tentaculaire, ce nouvel espoir de la nouvelle génération de la scène montante noir-jaune-rouge avait marqué les conduits auditifs au fer rouge, lors de la sortie de l’excellentissime « Mexico », en 2012.
La musique de cette jeune formation est difficile à cataloguer ; hybride à souhait, elle est le résultat d’une addition complexe de rythmiques non conventionnelles, d’un son pop, parfois un peu rock, et d’une dose métronomique d’électro.
Réunissant sept pistes, « Wounded », était véritablement époustouflant ! Un renouveau dans le genre ! On était donc en droit de penser que le premier album serait de cette trempe…
Finalement, il n’en sera rien… Pas pour cette fois en tout cas ! Peut être est-ce l’effet pervers du succès ? Pas une raison pour taxer cet opus de médiocre ! Non ! Il faut juste l’écouter pour ce qu’il est, c'est-à-dire un axe médian de morceaux complexes et évolutifs. L’exercice en soit est déjà suffisamment compliqué !
« Patine » reste facilement identifiable. Riffs de guitares et beats syncopés tourbillonnent, sans jamais s’y perdre, autour de la voix particulière de Tim.
Quelques belles surprises figurent tout de même au menu ! La plage d’ouverture « Void » donne le ton ! Savant mélange de gravitation et de lévitation. Sans doute l’un des meilleurs morceaux, « My head into you » met en exergue une savoureuse combinaison batterie/voix. Je m’en délecte ! On notera au passage une approche vocale différente, plus posée, mais néanmoins intéressante, dans « One, two, three, four ». A exploiter !
En conclusion, on ressent une volonté consciente (ou non) de la part de ces quatre garçons à employer les mêmes principes physiques utilisés précédemment. Ils gardent en effet cet air de liberté, sans jamais anesthésier l’auditeur. Refusant toute banalité rock, ils prodiguent ici un son résolument moins pop. C’est ce qui rend sans nul doute l’écoute moins abordable.
Plus élitiste et hétérogène donc, cet elpee ne restera probablement pas dans les annales. Il augure tout de même une belle série de promesses dans son ensemble.
Pas écervelé pour un sou, le combo bruxellois affirme un style et une culture assez éloignés de ce que l’on peut entendre généralement, tout en ancrant les bases d’une carrière que l’on espère longue malgré ce léger passage ombragé Ce n’est déjà pas si mal après tout !
Attention mythe ! On ne présente, en effet, plus Bryan Ferry, l’ex-leader de Roxy Music… revenu sous les ‘spotlights’, ces derniers mois, à travers sa participation au dernier album du très hype norvégien Todd Terje sur la grandiose reprise du « Johnny and Mary » de Robert Palmer (qui figure d’ailleurs au générique de son nouvel album).
« Avonmore » constitue donc une nouvelle étape dans la carrière solo parfois inégale du dandy anglais qui bénéficie de la participation des guitaristes Nile Rodgers (Chic), Mark Knopfler (Dire Strait) et Johnny Marr (The Smiths), du bassiste des Red Hot, Flea, ainsi que de Tara Ferry, son fils, préposé à la batterie. Il y présente ses premiers morceaux originaux depuis 2010 ; et, dans l’ensemble, l’opus est plutôt à ranger du bon côté de sa discographie. Tout d’abord grâce à sa voix inimitable. De velours, de crooner si vous préférez. Mais surtout parce que l’elpee recèle quelques singles romantiques qui ont une classe folle. A l’instar de l’efficace « Loop de Li » balisé par un saxo ou du plus soul « Midnight Train », une plage empreinte de tendresse… Si la cover du « Johnny and Mary » est remarquable, celle du « Send in the Clowns » de Stephen Sondheim est moins convaincante. D’ailleurs toute la plaque n’est pas du même niveau. On oubliera d’ailleurs bien vite des bizarreries 80’s comme l’anecdotique « One Night Stand » (NDLR : et pourtant si proche des premiers elpees de Roxy Music…) mais on retiendra surtout le retour réussi d’un artiste décidément intemporel !
Chez Ozvald, la colonne vertébrale est assurée par les guitaristes Stéphane Panozzo et Giuseppe Petolillo. Ce dernier se réserve également le chant. Stéphane est drummer de formation, mais c’est Maxime Pasquini qui se charge des fûts. Laurence Leclerq est préposée au violon alors que la basse est assurée par Raymondo Tornabene (ex-Al Dente) qui a remplacé Fabrice Giacinto au sein du line up. Fondé en 2012, le band est né des cendres du défunt Al Dente, au sein duquel militait Giuseppe. Un artiste qui a également sévi chez Rimbaut et Monsoon. Et en fondant Ozvald, il avait envie d'explorer un nouvel univers musical. Un univers dont les influences oscillent de Jimi Hendrix à Fink, en passant par King Crimson, Talking Heads, Primus, Pearl Jam et Pat Metheny. Elaborée, complexe même, presque prog/rock, la musique d’Ozvald nous entraîne à la découverte de fjords profonds et mystérieux de Scandinavie. S’y baignent elfes et sirènes dont les chants envoûtants vous tourmentent…
Tout au long de « The Little Guys With His Pie », la voix de Giuseppe est torturée, un peu comme celle de Bowie, une compo au cours de laquelle les interventions mélancoliques du violon vous remuent les tripes. Un violon qui devient même ravageur, sans pourtant agresser, sur « Next Time ». Et qui particulièrement amplifié, trituré, cherche à supplanter la six cordes sur « Empty Space ». Sans pourtant y parvenir. Après « Upside Down », que je qualifierai de véritable perle, le disque s’achève par « Highway To Glory », un morceau balisé par la section rythmique… Pour un premier essai, Ozvald n’a pas manqué sa cible. Excellent !
Il se produira en concert :
-Sam 07/02/15: Dour (@People's House + Speaking Corner)
-Vend 10/04/15: La Louvière (@l'Annexe)
-Sam 02/05/15: Hautrage (@Canal 10 + support)
-Vend 22/05/15: Dour (@SkiaRockFest + support)
-Vend 29/05/15: Hem/Lille/Fr (@Salle des fêtes + support)
-Vend 03/07/15: La Louvière (@La Taverne du Théâtre)
Bill Pritchard ne dira sans doute pas grand-chose aux plus jeunes lecteurs. Il évoquera sans doute plus de souvenirs aux amateurs d'indie-pop quadragénaires. Ce songwriter originaire de Birmingham connaît en effet son heure de gloire à la fin des années 80. Un succès qu'il rencontre surtout en France. Il est vrai que son adolescence est bercée par la littérature hexagonale et les cinéastes de la Nouvelle Vague. Et chose rare pour un jeune Anglais, ses idoles musicales sont Françoise Hardy et Véronique Samson dont les disques auront autant d'influence que les Kinks ou Tom Verlaine sur ses compositions. On trouve d'ailleurs dans chacun de ses elpees quelques morceaux chantés dans la langue de son cher Verlaine. Un amour de la chanson française qui se concrétise en 88 par l'album concept "Parce que" composé en duo avec Daniel Darc, puis l'année suivante, lorsqu’il reçoit le concours d’Etienne Daho qui produit "Three Months, Three Weeks and Two Days". Sans doute son LP le plus abouti, en tout cas le plus salué même si, personnellement, j'ai un attachement indéfectible pour le dépouillement acoustique de "Half A Million". On le retrouve également plus tard sur des compilations qui rendent hommage à Joe Dassin et Polnareff.
Le dernier opus qui élargit sa communauté de fans est "Jolie" en 91. Par la suite, les sorties se font plus rares et sont assez confidentielles. Un premier come-back est opéré en 2005 avant que ce long playing n’arrive un peu miraculeusement en 2014 sur le label Tapete. Une structure allemande qui aime, semble-t-il, sortir des oubliettes les dandys de la pop eighties puisqu'elle avait déjà signé Lloyd Cole il y a quelques années.
C'est l'occasion de redécouvrir l'univers romanesque de Bill Pritchard qui est à présent professeur (de français bien entendu) dans ses Midlands natals. Une vraie madeleine puisque son timbre n'a pas changé et que chaque morceau de "A Trip To The Coast" aurait très bien pu figurer sur les albums évoqués plus haut. Les compositions sont toujours aussi raffinées et léchées. Du travail d'orfèvre, tout en délicatesse et en sensibilité. Une pop sans artifice qu'on trouve peu de nos jours, pleine d'humilité. Celle des artistes qui n'ont jamais voulu se dévoyer. On épinglera l'entraînant "Yeah Yeah Girl" qui aurait pu figurer sur les premiers disques de Morrissey. L'élégance de "Posters", pop nonchalante et chaloupée éclairée par une délicieuse guitare americana. Citons encore l'enveloppante ballade "Almerend Road" ou le romantisme de "Polly". Simples et authentiques, les atmosphères de l'Anglais n'ont pas pris une ride. Elles semblent même intemporelles. Pritchard affiche cette sincérité désarmante qui touche notre part la plus sentimentale. Souhaitons que "A Trip To The Coast" signe le vrai nouveau départ de cet attachant poète. Le monde a bien besoin de ces petits îlots de pure humanité.
Alors qu’un florilège de jeux de mots pourrait évoquer ce projet avançant à demi-masqué, ce qui retient l’attention, et c’est bien là le principal, c’est la beauté qui en émane.
Oui, car c’est bien de beauté dont il est question ici.
Une beauté diaphane, mais palpable dès les premières mesures, qui se dévoile avec pudeur et discrétion, suscitant le désir au long de ses trois titres.
Et quand le désir naît lentement, il n’en est que décuplé.
Trois titres, c’est court, mais amplement suffisant pour adhérer à ce nouveau projet initié par un producteur italo-français exilé dans un studio londonien.
De quoi s’agit-il?
De compositions trempées dans un bain acide de Pop Psychédélique aux émanations Kraut et aux effluves enivrantes qui évoquent tour à tour un kaléidoscope d’images cinématographiques (Sofia Coppola ou Jésus Franco au hasard).
Musicalement, on évoque forcément quelques fiers représentants de ces diverses scènes, mais le traitement et l’approche distinguent Le Masque de toute comparaison hâtive et irrémédiablement réductrice.
Un petit Air de “Virgin Suicide” planant tout au long, dessinant les volutes de rêves évaporés.
En embuscade, “That’s All Over” clôture ce premier Ep en guise d’invitation à un retour qu’on espère des plus rapide.
À découvrir sans modération sur Bandcamp et c'est ici
Roger Hodgson et Rick Davies étaient les leaders de Supertramp, une formation responsable d’une dizaine d’albums (NDR : dont les incontournables « Crime of the century » et « Even in the quietest moments ») de rock dit progressif ; et puis de tubes encore diffusés aujourd’hui en radio, comme « Give a little bit », « Dreamer », « The logical song », « Take the long way home » et bien d’autres. Aussi, le retour de Roger Hodgson constitue toujours un évènement particulier, surtout quand il se produit au Cirque Royal. L'artiste est très apprécié par le public belge et il lui rend bien, en ‘live’. En supporting act, Natalia Doco est sortie de sa pampa argentine pour chauffer l’auditoire.
Natalia Doco est née à Buenos Aires, capitale de l'Argentine. A 21 ans, elle quitte son pays et parcourt le Mexique de long en large. Il y a un peu plus de deux ans, elle décide de tout plaquer et débarque à Paris, pour y vivre. En se servant de sa voix et de sa gratte. Elle apprend la langue de Molière. Elle est repérée par Serge Sabahi, un véritable découvreur de talents. Le courant passe immédiatement et une grande complicité s’établit entre Natalia, Serge et Jérémy Fréro, mais surtout avec Flo De La Vega. Une petite soirée romantique et ils ne se quittent plus. Au début, elle adapte des chansons d'Amy Winehouse, de John Lennon, d'Asaf Avidan et de Bob Marley. Puis, elle décide d’écrire ses propres compos. Interprétées en espagnol ou en anglais. Elle publie alors son premier elpee, « Mucho Chino », quelle interprète tour à tour dans la langue de Cervantès, Shakespeare ou Molière. Jacques Ehrhart, qui a produit « Chambre avec vue » d'Henry Salvador, « Sac des filles » de Camille et « Navega » de Mayra Andrade, se charge de la mise en forme. Natalia ne renie pas ses origines ni sa famille ; car son père était guitariste mais également fan de Led Zeppelin et de Chavela Vargas.
Ce soir, notre belle latino est seule sur les planches uniquement armée de sa six cordes acoustique. Quelques lampes sont allumées et accrochées au plafond. Le décor est planté. Et il est simple. Le Cirque Royal est sold out. Il est 18h00. Une heure inhabituellement avancée pour y assister à un spectacle.
Il n’est pas évident d’assurer une première partie, surtout face à un public averti et exigeant. Mais Natalia a suffisamment de talent pour le séduire. Sa beauté naturelle. Son sourire ravageur. Son toucher de guitare. Aussi précis qu’efficace. Et puis surtout une voix tour à tour limpide, puissante, caressante, enfantine ou sensuelle. De quoi vous réchauffer le cœur.
Après être montée sur l’estrade, Natalia Doco signale qu'elle a discuté avec Roger et qu'il est sympa. Fou rire général. D’autant que son accent hispanique provoque une bonne humeur contagieuse. Le son est excellent. Faut dire que la salle s'y prête facilement. Dès la première chanson, le public se laisse entraîner dans l’univers empreint de charme et de fraîcheur de l’artiste. Et au fil du show, il l’applaudit de plus en plus chaleureusement. Elle dédie une chanson d’amour à son compagnon de route Flo, en espagnol, parsemé de quelques ‘Je t'aime’ en français. Elle adapte le « Je me suis fait tout petit » de Brassens. On n’entend pas une mouche voler. Et termine son set par un « Mucho Chino » magistral. Suffisant pour satisfaire un public qui a la nette impression d’avoir assisté au concert d’un grand talent en devenir…
Roger Hodgson aime venir en Belgique et notamment au Cirque Royal. Il le déclare dès qu’il débarque sur les planches. Il est alors précisément 19h00. Il sait également qu’il bénéficie d’un fanbase plus que conséquent. Et il le signalera à plusieurs reprises. C’est le boss de Classic 21 qui est venu présenter l’artiste. Roger est un artiste attachant, sympathique et d'une simplicité déconcertante. C'est son premier spectacle en 2015 et Bruxelles constitue la première date de la tournée 'Roger Hodgson's 2015 Breakfast in America World Tour'. Donc on doit s’attendre une majorité de titres issus de cet opus vendu à plus de 25 millions d'exemplaires. Sur le podium, le décor est sobre. On y remarque la présence des habituelles plantes vertes (NDR : à force d’être trimballées aux quatre coins de la planète, elle ne doivent plus être très fraîches…) En arrière-plan, sur la gauche, est tendue une grande toile bleue, sur laquelle figure le nom de l'artiste.
Hodgson chante, joue des claviers, du piano à queue, de la gratte acoustique ou électrique. Quatre musicos l’épaulent : Aaron Macdonald au saxophone, mélodica, fifre, flûte traversière, harmonica, synthétiseur etc., Bryan Head aux drums, Kevin Adamson aux synthétiseurs et David J Carpenter la basse. Finalement, la setlist va proposer de nombreux hits de Supertramp. Nostalgie, nostalgie…
« Take The Long Way Home », extrait de l'album « Breakfast in America », sorti en 1979, ouvre le show. Première chanson aux claviers. Un premier moment fort. L’artiste est déjà longuement et chaleureusement applaudi. Place ensuite à « Sister Moonshine », tiré de « Crisis? What Crisis? », paru en 1975. Roger empoigne alors sa six cordes acoustique. Et il nous berce de sa voix particulière mais tellement douce. Moment de recueillement, lorsqu’il se charge des ivoires pour « Lover In The Winds ». A cet instant on a l’impression que l’auditoire boit les paroles du maître de cérémonie. Il revient vers son clavier placé en avant-scène pour « Breakfast in America », une pièce maîtresse. Les oreilles sont en extase ! Cette chanson a traversé les décennies sans perdre de son intensité. Aaron Macdonald s’y révèle magistral aux cuivres. En 1987, Hodgson a été victime d'une mauvaise chute et s’est brisé les deux poignets. Les médecins avaient signalé à Roger qu'il ne pourrait plus jamais jouer d'un instrument de musique. C'était mal connaître l'artiste. Un an et demi plus tard, à force de volonté et de soins, il recommençait à en jouer. Quelle volonté ! Et en 2000, il gravait l’elpee « Open The Door », dont il nous propose « Along Came Mary »…
« Hide In Your Shell » figure sur « Crime Of The Century », ce fameux long playing paru en 1974. Le véritable départ de la carrière de Supertramp. Cette compo évoque les thèmes du repli sur soi et de la folie. Malgré ses 65 balais, il y démontre que sa voix n’a rien perdu de sa superbe…
Il enchaîne deux morceaux : « Only Because Of You » et « Lord Is It Mine ». « Only Because Of You » est le titre maître de son premier opus solo. Un disque gravé en 1984, soit un an après la séparation de Supertramp. Et il en extrait encore « In the Eye Of The Storm ». « Lord Is It Mine » figure sur « Breakfast in America », un titre étrange et tendre à la fois, au cours duquel Roger siège derrière son piano. Et du même long playing, il nous réserve encore « The Logical Song », revenant, pour la circonstance, aux claviers. « Death And A Zoo », issu d’« Open the Door » est une composition construite comme un opera rock. Si la mélodie est soignée, l’instrumentation est plutôt emphatique. Du Pink Floyd à la sauce Hodgson! Anna fête son anniversaire ce soir. Elle est dans la salle. Elle lui avait écrit pour lui signaler et il lui dédie « Dreamer », après avoir exécuté au clavier un ‘Happy Birthday’, repris en chœur par l’auditoire. Roger Hodgson soigne son public aux petits oignons. L’inévitable « Fool's Overture », tiré d’« Even in The Quietest Moments » (1977) clôt le set. Et le final au piano est remarquable.
Lors du rappel, Roger nous accorde « Two Of Us » et « Give A Little Bit ». Une petite dernière avant de rentrer. C’est ce qu’il nous raconte en introduction de cet (avant)-dernier titre. Il n'est que 21h00. Car il concède encore « It's Raining Again ». Pas de parapluie, cette fois-ci ouvert, au premier rang, comme en 2013. Il sera pourtant nécessaire, dès qu’on mettra le nez dehors, car eh oui, il pleut…
(Organisation AA Productions)
Le Persistence Tour est une des plus grandes tournées annuelles européennes consacrée à des groupes de Hardcore. Cette édition 2015, transitant pour l’occasion par le Brielpoort de Deinze, se focalisait principalement sur des formations proposant un style old-school. L’occasion de (re)voir les stars new-yorkaises incontestées de Sick of it All, mais également Ignite, Walls of Jericho, Ryker’s, Turnstile, All for Nothing et Broken Teeth. Quelques heures de prestations de haute qualité, le tout dans un esprit de fraternité propre au Hardcore. Une belle réussite.
C’est en présence d’une salle à moitié vide que résonnent pourtant les premiers riffs de Broken Teeth. Autant certaines premières parties laissent parfois à désirer –ou laissent entrevoir encore un manque d’expérience de la scène– autant les Anglais placent tout de suite la barre assez haut. Deux morceaux s’écoulent et le tee-shirt du frontman est déjà de trop. C’est Hardcore, c’est viril et c’est sans concession. Il faut dire qu’il n’y a pas de temps à perdre ; toutes les formations ne bénéficient que de trente minutes pour faire leurs preuves, à l’exception des deux derniers noms. Les fans du combo sont bien présents, répliquant quand le micro leur est tendu. C’est d’ailleurs une des caractéristiques des concerts Hardcore : la grande proximité avec le public. Une symbiose entre la scène et la fosse à coups d’encouragements virils, de refrains et de cris.
Le drapeau à leur effigie est hissé depuis l’ouverture des portes ; c’est à présent à All For Nothing de prendre le relais. Les Hollandais pratiquent un Hardcore assez traditionnel ; mais se signalent par une spécificité : la présence d’une fille au chant. On pourrait croire naïvement que la première apparence virile et violente de ce style pourrait repousser la gente féminine. Au contraire ! Le band en profite au passage pour égratigner la montée du racisme en Europe, en hissant dans les airs un majeur évocateur. L’extrême droite et la xénophobie sont indissolubles dans ce style de musique. Et les artistes ne manquent jamais de le rappeler. Les gens commencent à affluer et le traditionnel demi-cercle autour de la scène commence à se former, laissant la place aux moshers pour se défouler. Les morceaux s’enchaînent, où la hargne des lyrics passionnés est contrebalancée par des passages mélodiques. On regrettera néanmoins parfois un étirement en longueur de certaines compositions.
La formation quitte l’estrade, laissant un quart d’heure aux roadies le soin de préparer le terrain pour les Nord-américains de Turnstile. L’organisation est à marquer d’une pierre blanche : les timings ont été respectés au poil ! Il ne faut pas attendre la fin du second morceau pour que Brendan, vocaliste du band, saute du podium, grimpe sur les barrières et propose le micro à la foule. Les corps foncent vers le frontman, se jettent l’un sur l’autre afin de pouvoir s’époumoner en compagnie du band. Pas de doute, l’ambiance est montée d’un cran et les t-shirts commencent à coller au corps. Actif seulement depuis 2010, Turnstile pratique un Hardcore old school influencé par Madball et Breakdown. Dans le genre, il fait preuve d’une grande maîtrise en ‘live’ et parvient sans problème à entraîner le public dans son sillage.
Une ambiance parfaite pour accueillir Ryker’s. Le décor prend des teintes rougeâtres, des bruits d’hélicoptère l’envahissent. Les cinq Allemands déboulent et de suite le ton est donné : un set sans concession de Hardcore largement influencé par la scène new-yorkaise. Quand Kid-D ne hurle pas, c’est un grand sourire qui illumine son visage. Le band semble content d’être présent et cette bonne humeur est communicative. Très vite le chanteur, dégoulinant de sueur, vient rejoindre les coreux agglutinés contre les barrières, alors que leur show ne vient que de commencer. Il lui suffit de prononcer le mot ‘circle-pit’ pour que les gens s’exécutent et commencent à tournoyer à l’unisson. Le groupe observe, partagé entre amusement et fierté. Inlassable, c’est sur « Hard to the Core » que Kid-D redescend dans la fosse, mais pour cette fois se mêler directement à la foule. Les fans l’entourent, chacun d’eux recevant à leur tour le micro pour hurler le refrain du morceau. C’est sur « Emergency », tiré de l’Ep studio « A Lesson in Loyalty », que Ryker’s achève en beauté ce set tout en puissance.
A peine le temps de boire une mousse que le prochain band se met en place. Les spectateurs commencent à se serrer pour accueillir comme il se doit Walls of Jericho qui, soyons honnêtes, pourrait également être tête d’affiche de ce genre de show. Sept longues années que le quintet n’a plus sorti d’album… et force est de constater que cette carence n’a pas entraîné l’érosion du nombre de fans ! La salle est plongée dans l’obscurité, l’intro composée de distorsions de guitare devient oppressante et les membres prennent petit à petit leur place sous les acclamations de la foule. Finalement, débarque Candace Kucsulain, chanteuse de la formation, plus musclée que jamais. Cette dernière pratique en effet le powerlifting (un dérivé de l’haltérophilie visant à soulever des charges plus lourdes mais en adoptant des mouvements plus réduits). Homme ou femme, peu de personnes ce soir-là auraient pu faire de l’ombre à sa musculature, c’est dire le côté impressionnant du personnage. « The Ministry », titre d’ouverture de leur dernier opus « The American Dream », ouvre le set. La scène s’enflamme à l’instant. Une bonne trentaine de personne se mettent à mosher. « A Trigger Full of Promises » vient ajouter quelques degrés supplémentaires dans la fosse. Le groupe bénéficie d’un très bon son, décuplant la force des morceaux. Entre les compositions les plus connues, vient se glisser un « Relentless », nouvelle chanson qui devrait figurer sur le prochain elpee des Américains. Une ambiance qui atteindra un sommet lorsque non seulement la chanteuse mais également le bassiste décident de descendre du podium pour rejoindre un public survolté et acquis à sa cause. Trente minutes de prestation, période bien trop courte, qui se clôturent par un « The American Dream », entonné en chœur par un public désormais conquis.
Après un rafraîchissement plus que nécessaire, c’est au tour du Punk-Rock-Hardcore d’Ignite de prendre possession du Brielpoort. Une parenthèse dans cette programmation où le style résolument plus calme de la formation viendra un peu ‘casser’ l’ambiance crescendo alimentée depuis maintenant un peu moins de quatre heures. Détonnant par son chant clair, le groupe s’identifie distinctement comme socialement engagé et soucieux de la préservation de l’environnement. ‘Pendant que nous sommes ici réunis à faire la fête, des milliers de personnes sont actuellement dans la pauvreté la plus totale en Syrie ou encore en Afghanistan. J’ai parfois du mal avec ma conscience quand je me retrouve dans mon bus de tournée comportant tout le confort nécessaire. Je ne veux pas plomber l’ambiance mais soyez en conscient’, lance le chanteur Zoli Teglas. Compte tenu du nombre de refrains chantés en chœur, il semblerait que bon nombre de personnes s’étaient déplacées pour l’occasion.
Une bulle de quiétude réconfortante qui permet d’économiser les forces restantes pour apprécier le show des icônes new-yorkaises de Sick of it All. En quasi trente années de présence, la bande des frères Koller est parvenue à s’imposer comme une référence du monde Hardcore. Armé de leur vingtième album (!), « Last Act of Defiance » –sorti en septembre de l’année dernière– les Américains ont accordé un show survitaminé d’une heure, montre en main. Ouvrant par « Good Loonkin’ Out », les hommes du Queens ont directement taillé dans le gras. Affichant une forme olympique, bassiste, guitariste et chanteur ne cessent de changer de place. Mention spéciale au gratteur Pete Koller qui enchaîne les sauts toute la soirée, qu’ils soient sur place, à reculons ou en exécutant le grand écart. Le tout, évidemment, en ne cessant de jouer. ‘Vous voulez du nouveau son ?’, interroge le frontman Lou Koller. Pas le temps de répondre que retentit déjà « Sound the Alarm », le morceau d’ouverture de leur nouvel LP. « Get Bronx », « Outgunned », « DNC » et « Road Less Traveled » de ce même disque figurent dans la setlist, et le reste des morceaux sont piochés, çà et là, dans l’impressionnante discographie du combo. Ce n’est pas le choix qui manque !
‘C’est la dernière date de cette Perseverence Tour, j’aimerais que vous nous fassiez le plus grand circle-pit possible en passant jusque derrière la console de son’, lance le chanteur. Aussitôt dit, aussitôt fait. Un immense cercle de plus de la moitié de la salle se met à courir sur le rythme effréné des guitares et de la batterie. Quelques chansons plus tard et c’est un ‘wall of death’ qui se forme. La salle se divise en deux, chaque côté du public s’apprêtant à allègrement se rentrer dedans. Tous, sauf deux irréductibles hippies (dixit Lou Koller) et le vocaliste de Ryker’s, descendu dans la foule pour l’occasion et tous trois situés à égale distance des deux camps, prêts à recevoir de plein fouet les coreux en transe. « Us VS Them » clôture la prestation de Sick of it All, qui comme à son habitude, n’a pas manqué de punch et n’a surtout pas failli à se réputation de maître du genre. Les planches seront finalement envahies par une partie du public, invité à rejoindre le groupe afin de fêter, en famille, cette dernière date de la tournée.
(Organisation : Heartbreaktunes)
Pour les photos du Persistance Tour, c’est ici
« Songs From Tsongas » célèbre le 35ème anniversaire de Yes. Un groupe qui est passé par différentes phases : du succès pendant les années 70 à la grande baisse de régime au début des 90’s. Mais Yes est toujours parvenu à revenir intelligemment en force sur la scène progressive mondiale grâce au talent de ses musiciens. Un concert de Yes est à voir. C'est un peu kilométrique (plus de 3 heures), mais quel bonheur de revivre un pan de l'histoire du rock en compagnie de tels artistes. Ce box sort en DVD Blu-ray (pour la première fois, offrant en bonus dix titres du concert de Lugano), en format double DVD standard et en coffret de 3 cd's audio.
Il s'agit de la reprise d'un fameux concert filmé en mai 2004 lors de la dernière tournée de Yes, le ‘Full Circle 2004’. Ce périple signait le grand retour du claviériste Rick Wakeman. Deux membres originels sont toujours au poste : Jon Anderson (chant) et Chris Squire (basse). Steve Howe (guitares) est arrivé en 1971, juste après la sortie du « Yes Album ». Alan White (batterie) a été contacté après l'enregistrement de « Close To The Edge », fin 1972. Il remplace alors le drummer Bill Bruford, parti rejoindre un autre géant du prog/rock, King Crimson. Aux yeux du grand public, Yes est surtout associé au tube « Owner Of A Lonely Heart », paru en 1983. Le groupe publiait alors l'album « Drama » et venait de vivre une grosse crise, suite aux départs successifs de Rick Wakeman (solo), Jon Anderson (solo) et de Steve Howe (pour Asia). D'ailleurs, Anderson sera appelé à la rescousse pour chanter sur l'album « 90125 » alors que l'excellent Trevor Rabin récupère le rôle de guitariste.
Après le Live de Montreux en 2003, place à deux concerts en un, captés live en 2004 : le premier à la Tsongas Arena de Lowell (Massachusetts) au décor original (des structures gonflables peintes par Roger Dean), qui bénéficie d’un excellent light show. Le second en plein air, plus classique, accordé dans le cadre de l'Estival de Lugano en Suisse (bonus DVD).
« Going For The One » célèbre le retour de Rick Wakeman aux claviers. Steve Howe démarre par du bon vieux rock’n’roll, mais les harmonies vocales et les claviers reprennent rapidement le dessus. « Sweet Dreams » est extrait du second album, « Time And Word », paru en 1970. Cette plage est caractérisée par son efficacité mélodique ; ce qui lui a permis de se traduire en hit. Malgré l'amour de Yes pour la musique symphonique, ici la simplicité est de rigueur. « Your Move/I've Seen All Good People » est une chanson découpée en deux parties, extraite du fameux troisième opus « Yes Album », qui marque l'arrivée du guitariste Steve Howe et le départ de Tony Kaye après l'enregistrement de cet LP. La première met en exergue les talents vocaux de Jon. La seconde est plus rock. « Mind Drive Part 1 And 2 » est un morceau d'anthologie trop peu entendu en live. Il s’étale sur plus de 18 minutes. Peut-être interminable pour le mélomane lambda, mais tellement essentiel pour tout aficionado averti. « South Side Of The Sky » est un des classiques de Yes, extrait de « Fragile », paru en 1972, qui est également trop rarement dispensé en live. « Turn Of The Century » est le second extrait de l'album « Going For The One ».
Sur le second cd, Wakeman nous réserve un solo de piano, à la fois solide et enchanteur, sur « The Meeting ». De l'album « Fragile », « Long Distance Runaround », est un autre standard du band. La version alternative de « Roundabout » trempe dans le blues. Le spectre de Clapton plane. J’épinglerai encore le surprenant « Ritual » (en bonus) et une version revisitée de l'incontournable « Owner Of A Lonely Heart ».
Bref, les prestations immortalisées sur ces supports sont en tous points parfaites. Ou presque. Un box que tout aficionado de Yes doit se procurer. Et pas seulement par sympathie. Car le combo demeure un incontournable de l’histoire du rock. Il est d’ailleurs difficile pour votre serviteur d’émettre un avis impartial sur sa discographie, car je reste un inconditionnel de la formation.
Sortez les vestes à patchs, Angelus Appatrida est de retour. Et tout particulièrement son Thrash old-school sur un cinquième album studio baptisé « Hidden Evolution ». Fondé en 2000 à Albacete, ville du Sud-Est de l’Espagne, le groupe tire son patronyme d’un mix latino-espagnol, signifiant en français ‘les anges apatrides’ ou encore ‘les anges renégats’. Les Ibériques ne sont pas (encore) mondialement connus ; cependant, ils ont déjà tourné en compagnie de Slayer, Megadeth mais aussi Dying Fetus, Keep of Kalessin et Carnifex.
Mais revenons à leur dernier LP… Le concept qui se cache derrière « Hidden Evolution » se réfère à des découvertes et développements techniques qui auraient secrètement été dissimulés pour différentes raisons (grosses corporations, possibles dangers face à l’establishment, conspirations gouvernementales, etc.). L’œuvre aborde dans le même esprit les aptitudes des êtres humains à ramer à contresens, contre leur espèce et ce, pour des intérêts aussi divers qu’obscurs.
« Immortal » lance les hostilités par un martèlement de batterie accompagné de guitares rapides et bien ‘thrashies’. La voix aiguë, tantôt criée, tantôt mélodique du chanteur/guitariste Guillermo Izquierdo suit le mouvement. Pas de doute, c’est un disque de Thrash. Bien roots mais, et c’est tout à leur honneur, dont la production est contemporaine et bien pêchue. Un juste milieu entre un son old-school typique de l’âge d’or du Thrash et une mise en forme ultra léchée. ‘Trop is te veel’, les Espagnols semblent l’avoir bien compris. Un souci de l’équilibre retrouvé en outre dans la rythmique, où le marteau-piqueur des blasts est compensé par de nombreuses envolées mélodiques. Thrash, certainement, mais teinté ça et là de nappes Heavy.
Roulement de tambour, ambiance de Grand Doute et de désolation, à l’image de la pochette de cet elpee, « First World of Terror met en scène un astronaute déchu, brûlant une liasse de billets, dernier rempart d’un monde désormais stérile à toute vie humaine. Une très belle cover, signée Gyula Havancsák, un artiste qui a par ailleurs mis ses talents au service de formations comme Annihilator, Destruction, Stratovarius ou encore Grave Digger. Autant certains passages du premier morceau de l’opus pouvaient parfois évoquer un Metallica ou un Anthrax d’époque, autant les vocaux d’« Architects » font clairement penser à la voix typique de Chuck Billy, frontmen de Testament. Et ces similitudes n’ont rien de lassant, tant ses inspirations se mêlent dans un ensemble original et homogène. On se prend au jeu de tenter de découvrir les racines dans lesquelles vont puiser Angelus Appatrida, tout en appréciant en même temps leur appropriation et leur mise au goût du jour. « Hidden Evolution » bénéficie du concours d’un invité ; en l’occurrence Chris Amott (Armageddon, ex-Arch Enemy. Il se réserve la partie de gratte solo sur « Speed Of Light », morceau qui, pour l’occasion, revêt une sonorité Hardcore, principalement au niveau du chant (lead et backing vocals). Un mélange réussi ; un de plus.
J’avoue que je ne connaissais absolument pas ce band avant d’écouter ce long playing. Un parfait inconnu au bataillon thrash, qui se révèle pourtant être très intéressant et mériterait d’étendre sa popularité auprès d’un public fan d’un son old-school, qui respecte les codes des années ’80 et début ’90 tout en faisant tourner la sauce au goût du jour. Ces Espagnols ont une énergie et une imagination débordantes. Cet LP aurait pu tomber dans le piège de la linéarité, mais il en n’est rien. Angelus Appatrida parvient à rester original tout au long des dix morceaux. A écouter !
C’est en 1996, à Londres, que le chanteur/pianiste/guitariste Chris Martin et le guitariste Jon Buckland décident de monter un groupe. Le gratteur Guy Berryman les rejoint ensuite et le band insulaire prend le nom de Starfish. Ce n’est qu’après l’arrivée du drummer Will Champion et du producteur Phil Harvey, qu’il opte pour le patronyme de Coldplay. Soit en 1998. Il publie alors ses deux premiers Eps. Et signe chez Parlophone. Coldplay est devenu aujourd'hui l'un des plus grands groupes de rock à succès du nouveau millénaire. Il a ainsi vendu près de 60 millions d'albums. Critiqué mais régulièrement récompensé, il a décroché 8 Brit Awards, 7 Grammy Awards, 6 Q Awards et 5 NME Awards. Il a aussi été élu, en décembre 2009, quatrième meilleur artiste des années 2000 par les lecteurs du magazine Rolling Stone.
Si « Parachutes », leur premier long playing, est à la fois considéré comme leur meilleur gravé à ce jour, méritant d’ailleurs de figurer parmi les albums cultes, ce sont « X&Y » et surtout « Viva la Vida Or Death And All His Friends » qui vont permettre à Coldplay d’asseoir sa consécration. Paru en 2011, « Mylo Xyloto » nous avait laissé sur notre faim. Et le mollasson « Ghost stories » trop peu voire pas du tout satisfait. Qu’attendre dès lors de cette version live de ce long playing ?
Coldplay se rappelle donc aux bons souvenirs du Père Noël en publiant ce « Ghost Stories Live 2014 » que les fans ont certainement eu à coeur de déposer au pied du sapin. Il y réunit un dvd et un cd qui reprend les titres de l’LP studio, dans son intégralité et dans l'ordre des morceaux. Le second compile des prestations accordées à Londres, Sydney, Paris et New York. Face à un public enthousiaste, le quatuor égrène ses compos empreintes de douceur, dans des adaptations scéniques qui l'éloignent du cliché de ‘stadium band’. Un statut qui lui colle à la peau. « Magic », « Ink » et « Oceans » affichent un côté atmosphérique et délicat très réussi. Il est vrai que sur les planches, les musicos sont de véritables bêtes de scène ; et en particulier Chris Martin. Ayant eu le bonheur d’assister 4 fois à l’un de leurs shows, je vous avoue que leur musique me procure des sensations particulières. Le rêve peut même devenir parfait en fermant les yeux. Des conditions idéales pour être téléportés dans l'amphithéâtre où se déroule l'évènement.
Coldplay lance également un clip novateur pour « Ink », le quatrième single tiré de l'album « Ghost Stories ». L'expérience est à vivre dès maintenant ici. Les fans peuvent choisir eux-mêmes le déroulement de l'histoire à travers un conte interactif et animé qui vous emmène sur les traces d'un jeune voyageur à la recherche de son amour perdu. Tout au long de la vidéo, le spectateur est amené à faire des choix en temps réel qui influencent le déroulement de l'histoire. Plus de 300 histoires différentes peuvent ainsi prendre vie. Ce nouveau clip suit de près, la sortie de l'album « Ghost Stories Live 2014 ».
« Ghost stories » est un album mélancolique qui reflète l’état dépressif de Chris, vécu juste après sa rupture avec Gwyneth Paltrow. D’une durée de 35 minutes, on ne peut pas dire qu’il soit particulièrement inspiré.
Mais venons-en au live ! « Always In My Head » ouvre le concert comme l’elpee. Tout en douceur. Le chant est intense et passionné. Un peu plus électro, « True Love » et « Midnight » élèvent davantage le tempo. Les titres des morceaux reflètent les déboires amoureux de notre nouveau célibataire : « Tell Me You Love Me » (Dis- moi que tu m'aimes), « Meet Me In The Rain Again » (Rencontre-moi à nouveau sous la pluie), « I Am Going To Give You My Heart » (Je vais te donner mon coeur), « True Love » (Le véritable amour). Les deux premier ssingles (« A Sky Full Of Stars », co-produit par Avicii et « Magic »), adoptent également un profil plus électro.
Pour accompagner ce dernier opus, la bande de Chris Martin a décidé de sortir un cd live des performances de leur récente tournée mondiale et d'un concert accordé en petit comité, dans les studios Sony de Los Angeles, face à un auditoire trié sur le volet qui découvrait les nouvelles chansons en avant-première.
Setlist :
« Always In My Head » (Live at the Royal Albert Hall, London)
« Magic » (Live at the Enmore Theatre, Sydney)
« Ink » (Live at Le Casino de Paris, Paris)
« True Love » (Live at the Enmore Theatre, Sydney)
« Midnight » (Live at the Royal Albert Hall, London)
« Another’s Arms » (Live at the Beacon Theatre, New York)
« Oceans » (Live at E-Werk, Cologne)
« A Sky Full Of Stars » (Live at the Royal Albert Hall, London)
« O » (Live at Royce Hall, Los Angeles)
Marduk est un des piliers du mouvement Black Metal, actif dans le milieu depuis maintenant un peu plus de vingt-quatre ans. Pas étonnant donc que la sortie d’un nouvel essai suscite beaucoup d’intrigue et d’attentes. D’autant plus que la formation revêt depuis dix ans maintenant sa seconde mue, marquée par l’arrivée dans le milieu des années ’90 au chant de Mortuus, figure autant possédée qu’impressionnante du Black Metal underground et frontman du groupe suédois Funeral Mist.
Marduk (pour la petite histoire, dont le patronyme fait référence à un Dieu de la mythologie mésopotamienne qui a créé le ciel et la terre à partir d’un dragon), vient donc de publier son treizième album studio et le second qui s’inspire des faits, épisodes et personnages issus de la seconde guerre mondiale. Après avoir jeté un coup d’œil à la pochette, il faudrait de toute façon être à moitié borgne pour ne pas s’en rendre compte. Mais le parallèle avec le premier LP, « Panzer Division Marduk », s’arrête là. Ce dernier, sorti en ’99, avait surtout été reconnu à l’époque pour son côté hyper rapide et dense, où Legion sévissait encore aux vocaux. Tout au long de « Frontschwein », le quatuor prend le temps d’installer une ambiance où, pendant quasi une heure, il passe de la haine et de la violence des champs de bataille au désespoir et au chaos régnant en maître après que les peuples se soient entretués.
L’elpee s’ouvre par le titre maître, où les riffs incisifs et typiques de Marduk sont immédiatement reconnaissables. Pas de doute, on ne se trompe pas de groupe. On s’imagine les balles siffler, le coup d’envoi est donné et il faut être plus rapide que l’ennemi pour ne pas tomber. Epique à souhait, ce titre ne pouvait pas mieux débuter les hostilités. « Frontschwein », littéralement le ‘front de cochons’, était un terme utilisé par les soldats, désignant ceux qui étaient en première ligne. La chair à canon, les âmes condamnées à tomber dans la boue et dans le sang au milieu des tranchées. Le décor est planté et la lutte peut continuer. « The Blond Beast », morceau qui suit, apporte quant à lui son lot de nouveautés. L’attaque est opérée par une batterie en mid-tempo, légèrement groovy, sur laquelle viennent se poser des guitares lentes et lancinantes et une ligne de chant vindicative. Un contraste très intéressant, auquel le combo nous avait peu habitués dernièrement. Cette recette sera d’ailleurs répétée sur « Wartheland » et « Nebelwerfer », qui raviront les fans d’ambiance glauque et dévastatrice. Quelques respirations plus tard et c’est sur le front de Normandie qu’on se retrouve grâce au titre évocateur « Falaise-Cauldron of Blood ». La plaque touche à sa fin par un lent « 503 », suite du morceau « 502 » présent sur « Panzer Division Marduk » évoqué un peu plus haut, où les cris désormais plaintifs de Mortuus viennent se frotter aux frôlements métalliques des armes sur le champ de bataille. L’ultrarapide « Thousand-Fold Death » clôture cette production thématique hors du commun et franchement réussie.
J’avoue avoir été partagé avant d’écouter attentivement cet elpee tiraillé entre l’excitation de pouvoir savourer un nouvel essai de Marduk, mais également repoussé par leur choix quant au cadre de la seconde guerre mondiale. Ce choix peut s’avérer tendancieux ; d’ailleurs certains combos de Metal ont parfois fait le ‘pas de trop’. Mais Morgan, guitariste, membre fondateur et par ailleurs véritable encyclopédie concernant ce conflit, explique comment les événements se sont produits : ‘C’est notre vision des réalités de la guerre, sans compromis et sans fioritures. Tenter d’appliquer un quelconque agenda politique à ce que nous faisons serait totalement futile. Ce n’est pas l’histoire que nous avons écrite mais bien la bande-son de ses chapitres les plus sombres’. Au final donc un très bon Marduk, remarquable autant par ses atmosphères sombres et destructrices que par la palette vocale très impressionnante de Mortuus, nous assénant en passant une grosse claque, bien loin des chants monotones et barbants d’autres groupes du même style. Un ticket d’entrée direct pour Helvete.
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