Hubert-Félix Thiéfaine s’est surtout fait connaître auprès du grand public grâce à des titres phares tels que « La fille du coupeur de joints », une ode à l'amour et la consommation de cannabis célébrée à une époque où le politiquement incorrect était encore admis, « Alligators 427 », chanson ironique inspirée par la peur du nucléaire et ses conséquences sur la santé humaine ou encore « Les Dingues & les paumés », abordant les thème de la folie et l’addiction à la drogue. Et enfin le succès radiophonique intemporel « Lorelei sebasto cha ».
Il appartient à de cette poignée d’artistes oubliés des médias ; sa plume peu conventionnelle et son lyrisme particulier le rendent difficile d’accès à l’écoute. Paradoxalement, il connaît un succès relativement important sur la durée grâce à la fidélité et l'attachement de son public
Sa « Stratégie de l’inespoir », coréalisé avec son second fils Lucas, constitue le dix-septième opus de sa carrière.
Vu le titre, on peut s’interroger sur la frilosité et sa conception du mot ‘bonheur’. Et en corollaire, le regard critique qu’il porte sur sa vie. Comme il se plaît à le rappeler tout au long de ses interviews, ‘l'inespoir n'est pas le désespoir’. Selon ses dires, ‘c'est un no man's land des sentiments, un espace de lucidité où, sous couvert d'une déclaration amoureuse, le morceau maître s'embrase pour le tenir à l'écart’. On est rassuré !
L’écoute ne laisse aucun doute ! Le chanteur/poète écorché vif et talentueux de la chanson française ‘intellectualise’ toujours autant ses textes. Sa marque de fabrique n’a donc pas changé d’un iota !
Reconnu par ses pairs grâce à son précédent disque, « Suppléments de mensonge » (dont le titre le plus connu est « La ruelle des morts »), il a été primé aux Victoires de la Musique. Une victoire artistique certes. Mais avant tout humaine ! Une revanche sur son passé de dépendant aux ‘substances’ qui l’ont mené, à une époque pas si lointaine d’ailleurs, aux tréfonds de l’existence.
Thiéfaine se dévoile encore ici un peu plus et cultive toujours autant ce verbe très littéraire, référence à la poésie. Il avoue pour sources d’inspiration Rimbaud, Baudelaire et Lautréamont. Il bouscule à nouveau les stéréotypes singuliers de l’industrie du disque. Ses écrits obéissent à un système d'énonciation comparable ou traitent de thèmes convergents, puissants et incisifs.
Le propre de l'écrivain n’est-il pas de faire voler en éclats les prétendues barrières entre les genres ?
Ce nouvel album de treize titres est en quelque sorte un ‘patchwork’ relativement noir et mélancolique.
Une pure merveille !
Le manque d’humanité des réseaux sociaux et les dérives de la société contemporaine y sont dépeints (« Médiocratie »). Effarant de vérité !
Son « Angelus » hypnotise ! Thiéfaine y traite, à demi-mot, de sa rencontre furtive avec un Dieu dont il semble avoir irrévocablement tiré un trait. Triste ironie du sort lorsque l’on connaît son désir de devenir prêtre dans sa prime enfance !
Résolument plus ‘léger’ et plus pop dans sa musicalité, « Toboggan » est l’une de mes compositions préférées. Je l’écoute en boucle. Elle aborde pudiquement l’histoire d’un homme qui porte un regard complexé sur son passé. Poignant de sincérité !
Sa « Résilience zéro » m’a beaucoup émue également. Cette chanson ramène aux souvenirs douloureux d'élève martyrisé.
L’amour est également dépeint tout au long de l’intimiste et érotique (quasi malsain même) « Mytilène Island » et le tristement « Amour désaffecté ». Est-ce là le résultat de ses « Lubies sentimentales » ? Lui seul le sait !
Bref, sans être inégal, ce long format reste fidèle à la carrière d’Hubert Félix Théfaine. Stupéfiant, subjuguant et enivrant. Assez hermétique tout de même ! Les mots se fondent parfaitement aux mélodies et ont cette particularité de faire vivre véritablement les textes. La voix touchante et pénétrante renforce l’émotion que procure l’écoute de ses chansons.
J’ai l’impression qu’aujourd’hui, le Sieur Théfaine est toujours habité par la même difficulté de vivre, mais sans doute de manière plus distancée, lucide, calme et tranquille.
A consommer sans modération !
Geoff Farina, le leader d’Exit Verse n’est pas né de la dernière pluie. Chanteur/guitariste, il partage notamment son emploi du temps entre Karate, Secret Stars et Glorytellers. Et ses deux compères ne sont pas davantage des néophytes, puisque le drummer, John Dugan a sévi chez Chisel et Edsel, alors que le bassiste, Pete Croke, participe à l’aventure de Brokeback et Tight Phantoms. Le trio chicagoan s’est formé en 2013. Depuis l’enregistrement de cet elpee, Dugan a cédé ses baguettes à Chris Dye (Speck Mountain, Chin Up Chin Up).
Les cordes de Geoff, qu’elles soient vissées sur un manche en bois ou collées au fond de sa gorge, dès que l’une ou l’autre émet un son, on tend l’oreille, on se pose et on écoute.
Pour ce nouveau projet, Farina a délaissé son folk embrassé en solitaire et son rock indie afin d’aborder un concept audacieux.
A premier abord, l’esprit très 80’s d’« Exit Verse » prête à sourire. Parce que la plupart des artistes qui ont tenté ce type de revivalisme se sont pris une solide gamelle. La vilaine qui blesse…
Et bien l’ami Geoff, …pas
Mieux encore, parvenir à concrétiser une idée aussi détachée à l’aide d’un engagement musical aussi conséquent, est pratiquement époustouflant.
Mais cet angle eighties n’a pas été redimensionné au format contemporain, mais simplement ce sont les 70’s qui ont adopté une dimension 80’s. Un mécanisme qui s’est révélé particulièrement efficace, car le résultat est plus que probant. Et se décline en véritables pépites… On se demande quand même, pourquoi personne n’y a pensé plus tôt ?
« Exit Verse » c’est une machine à remonter le temps, un hommage à la musique d’une certaine époque ; mais en même temps, une mise en abîme, un retour à l’essentiel qui souffle malgré tout, une fraîcheur toute simple et naturelle.
Il est agréable de rencontrer aujourd’hui encore des artistes susceptibles d’étonner. Et donc pour votre serviteur, de découvrir semblable projet.
Bien vu !!
Natif de Johannesburg, Gil Hockman est établi aujourd’hui à Berlin. « Dolorous » constitue son deuxième album. Le Sud-africain a tout réalisé de A à Z, de la composition à l’enregistrement.
Sur cet album, il marche sur les traces d’un Grandaddy ou plus récemment de Girls in Hawaii (cfr. « Night Bird »). Comme eux, il parvient à écrire des morceaux simples et délicats. Il parvient à émouvoir sans jamais tomber dans le pathos. A l’aide d’une simple guitare folk ou électrique et d’un synthé, il fait des merveilles. Sa voix, qualifiée de ‘dolorous’ (d’où le titre de l’album) par une journaliste, vient parachever l’ensemble en déversant sa mélancolie.
Que dire de plus ? Rien, il suffit d’écouter pour y succomber !
Si un jour vous avez assisté à un concert de Daan, elle a certainement dû marquer votre esprit. A cause de son talent, mais également de sa beauté. Isolde Lasoen a donc monté un projet solo, en compagnie de ses Bens… Ben oui, par pur hasard, tous ses musiciens se prénomment en effet… Ben (Brunin, Vermeir et Van Camp) ! Isolde a décidé d’explorer allègrement les sonorités 60’s tout au long de son premier Ep baptisé « L’Inconnu », un disque diantrement séduisant dont les compos sont essentiellement interprétées dans la langue de Molière (NDR : son accent ne manque pas de charme…) et parfois dans celle de Shakespeare. Entre pop british (« Wishful Thinking ») et variété française (« Emmanuelle »), les compos baignent au cœur d’une ambiance rétro entretenue par des arrangements de cuivres et de cordes diablement soignés. Et de Diables, il en est aussi question sur « La Samba des Diables », un chouette hymne tropical destiné à soutenir nos footballeurs qui ont participé à la Coupe du Monde (et oui…) Une certitude, vous allez encore entendre parler d’Isolde ; mais, d’ici là, vous pourrez la découvrir le 22 janvier à De Pinte, le 31 janvier au CC de Berchem ou le 28 février au Peer Poorthuis.
Mon redac’ chef est un malin…
Derrière une phrase discrète, dans un mail sympa, il me glisse ‘… tu devrais écouter le dernier Nude Beach…’
J’ai donc extrait prioritairement la rondelle de mon tas d’albums à chroniquer. Et puis après l’avoir glissée dans le lecteur, mon oreille, terriblement affûtée, s’est tendue vers mes enceintes…
Alors qu’est-ce que ce « 77 » a vraiment dans le ventre.
Chargées de swing, gorgés d’effets de pédales et de distorsions criardes, les compos rock de ce band américain seraient très susceptibles de décoiffer Tom Petty, en personne…
Mais leurs superbes envolées auraient pu sentir la naphtaline, si passé le premier titre, le combo n’avait pas voulu imposer une power pop presque indécente…
On a du mal à croire que ce band yankee est issu de Brooklyn. S’il avait débarqué de Floride ou carrément du Texas, on n’aurait pas crié au scandale, tant leur expression sonore est musclée et propice à la sudation. Un vrai truc de mec. On imagine des gros bras qui frappent les cordes et des bottes qui claquent sur le plancher d’un bar enfumé. Tellement brut de décoffrage, qu’il aurait, de temps à autre, besoin de se dégonfler.
Il y a même un morceau de 10 minutes dont le rythme ne faiblit jamais (« I Found You »). Pas même une seconde de répit. Mais aussi de la sensibilité (« See My Way »). Parce que ‘boys can cry’, à contrario de ce raconte le gros Robert (Smith). D’ailleurs, s’ils le souhaitent, ils peuvent sécher leurs larmes sur le reste de l’album. Tout est prévu.
Créé en 2008 comme un groupe collaboratif, Pond suscite dorénavant davantage l’attention des mélomanes. Et pour cause, le line up compte en son sein trois membres également actifs chez Tame Impala (Kevin Parker, Jay Watson, Cam Avery), groupe acclamé unanimement par la critique, au cours de ces dernières années. Mais, une plus grande notoriété entraîne une plus grande exigence de la part du public. Pas question de laisser passer quoi que se soit sous couvert d’amateurisme. Et d’amateurisme, il n’en est nullement question ici. Il s’agit tout de même de leur sixième opus. Et on peut affirmer que les Australiens (NDR : ils sont originaires de Perth) maîtrisent parfaitement leur sujet.
Pond s’inscrit dans la lignée d’un mouvement psyché tracé, il y a maintenant plusieurs décennies, par un groupe comme The Flaming Lips. Une ouverture dans laquelle se sont engouffrés des formations somme Foxygen ou encore MGMT. S’étalant sur 40 minutes, « Man it feels like space again » dévoile toutes les facettes de son kaléidoscope sonore. Une musique atmosphérique rythmée par les effluves de synthés et les guitares moelleuses. Et des compos qui oscillent entre plages funky et des ballades mélancoliques.
En à peine 9 titres, Pond remet une nouvelle fois l’Australie au centre de la carte du rock psychédélique.
Pour les aficionados du style, les Australiens se produiront à l’AB Club, le 12 juin. Une prestation qui s’annonce haute en couleurs.
Originaire de l'île de La Réunion, Robi, aka Chloé Robineau, publie son second elpee, ce 26 janvier 2015. Il s’intitule « La Cavale ». Elle avait réalisé des débuts prometteurs en 2013, en gravant un premier elpee baptisé « L'Hiver Et La Joie », disque qui faisait suite à un Ep 6 titres éponyme paru en 2011. Des morceaux comme « Je Te Tue », « Où Suis-Je » ou « Ma Route », interprétés en compagnie de Dominique A. sortaient largement du lot.
L’image de la pochette nous montre une artiste habillée de noir ; un climat sombre reflété pleinement dans les textes de certaines chansons.
« L'Eternité » ouvre la plaque. Il s’agit du single qui a précédé la sortie du long playing. Une plage qui confirme la singularité de l'artiste qui s'inspire largement du mouvement cold wave et en particulier de Joy Division. Exprimés dans la langue de Voltaire, les lyrics évoquent à la fois Bashung, Noir Désir et Barbara. Agée de 32 ans, elle a pris de la bouteille. Elle a ainsi participé activement à la réalisation de son premier clip, aidée par Frank Loriou (direction photo), de Fabien Pouillaut (chef opérateur) et de Romain Wagner (effets spéciaux). La gestuelle de la chamane et son regard perçant voire troublant accentuent le mystère. Sa pop est nonchalante. Tout au long d’« Etre Là », sa voix se fait tour à tour frustre ou douce, dominatrice ou séduisante. Parfois, le tout à la fois. Il est cependant nécessaire d’écouter les compos à plusieurs reprises pour s’imprégner de l’ambiance créée par l'instrumentation.
« Devenir fou » dépeint un univers triste et mélancolique. Poétesse des temps modernes, elle exprime ses angoisses, ses névroses et ses doutes. Au départ, la ligne de basse est névrotique, puis le refrain propage sa contagion. Cette musique est susceptible de vous rendre dingue. La voix de Robi communique facilement ses émotions. Le lien est fait. Caractérisé par ses synthés, « Nuit de fête » opère un véritable retour vers la fin des années 90, une piste dont la mélodie vous prend aux tripes, alors que la basse s’y révèle à la fois sauvage et enjôleuse. « Danser » est une compo supposée inviter au dancefloor ; mais la fin de parcours s’avère bien plus tourmentée. Hantée par un violoncelle, « Le Vent » est une plage obsessionnelle. A la limite de la persécution, mais sans jamais vous agresser… « A Cet Endroit » est sans doute le morceau le plus accessible. Très belle chanson, « Le Chaos » est empreinte de réalisme. Languissant, « A Toi » adopte un refrain répétitif. « Par Ta Bouche » opère la liaison idéale avec le dernier titre, « La Cavale ». Le titre maître. Il clôt le disque à la perfection. Une compo remarquable. Ténébreuse. Froide. Glaciale même. Et paradoxalement chaleureuse, en même temps. Ce disque est à savourer par doses homéopathiques. Afin d’y déceler toutes les subtilités qu’il recèle…
Il fallait un sacré culot pour pondre un tel disque ! Et ceux qui ont osé, il faut les remercier vivement.
Qui ? Quoi ? Il serait judicieux de rédiger une telle chronique dans le même esprit que celui qui a eu l’idée première de réaliser ce tribute.
La carrière de William Onyeabor est entourée d’un voile de mystère entretenu par des affirmations fantaisistes, des supputations en tous genres ou des questions laissées sans réponse. De quoi gonfler le mythe. Et cet immense point d’interrogation demeure suspendu au-dessus des beats qu’il a concoctés pendant 8 ans sur 7 albums différents. Pas une de plus, pas un de moins.
Le plus important, c’est la qualité des œuvres de cet oiseau rare… issu du Nigéria. Ainsi que des remixes qui lui sont consacrés, dont ceux qui figurent sur ce « What ! »
L’objectif est de faire danser, tout en conservant une ligne de conduite tracée par notre énigmatique Willie…
Hot Chip ouvre les festivités par un somptueux « Atomic Bomb », au cours duquel les Anglais injectent judicieusement leurs effets dans l’expression sonore chaleureuse du Nigérian.
Parmi les perles, j’épinglerai encore celles de The Vaccines, JD Twitch, Javelin, David Terranova et surtout Daphni, dont le traitement fulgurant de « Ye Ye » se révèle à la fois explosif et hypnotique.
Tout le monde ne parvient pas à magnifier la matière première, mais tous parviennent, quand même à s’en tirer plus qu’honorablement (Justin Strauss & Bryan Mette, Joakim, Policy, Scientist).
Un reproche ? Pourquoi trois remixes d’une même compo (« Body an Soul »), quand on connaît la richesse de l’œuvre de William Onyeabor. Ce qui n’empêche pas l’elpee de se révéler indispensable…
Antibody n’est pas un groupe de néophytes. Il réunit des musiciens qui ont évolué au sein de diverses formations rock. Malheureusement, un jour, les quatre Belges ont décidé de prendre un virage à 180° pour emprunter la voie de l’électro. Ils ont sorti leurs claviers, leurs pédales d’effets et se sont mis à composer.
« In@sect » est la conséquence de cette décision. Le résultat est tout simplement abominable et insupportable. Après à peine deux morceaux, la voix surchargée d’effets de Patrick Muermans, les guitares, le rythme, tout vous tape sur les nerfs. Arriver au terme des treize morceaux est un véritable calvaire que je ne souhaiterais pas faire vivre à mon pire ennemi.
Un conseil aux musiciens d’Antibody : fermez cette parenthèse électronique, avec un peu de chance, l’écart de conduite passera inaperçu et retournez à vos premiers amours, le rock.
Muhadib réunit des musiciens ambitieux. La preuve ? La formation française est parvenue à engager un producteur notoire. En l’occurrence Ryan Hewitt (Red Hot Chili Peppers, Dire Straits, Angus And Julia Stone, …) Elle a publié son deuxième Ep en novembre 2014 et envisage de sortir prochainement un long playing. A travers « To The End… », les Héraultais nous proposent un aperçu plutôt intéressant de leur style pop/rock.
Trois des quatre titres sont assez longs et dépassent les quatre minutes. Seule la plage d’ouverture constitue l’exception qui confirme la règle. « Short Lived » diffère du reste de la plaque, pas forcément pour de bonnes raisons d’ailleurs ; car le titre pèche d’une construction trop décousue et sa brièveté est opportune.
Heureusement, la suite est de bien meilleure facture. Ainsi, le rock progressif de Muhadib atteint le sommet de son art sur « Duality », un tube en puissance. Contagieux, grâce notamment aux onomatopées bien placées, ce morceau s’apprécie au fil des écoutes.
Et l’Ep de s’achever par un instrumental intitulé « … From The Start ». De quoi confirmer le potentiel du band hexagonal en termes de composition, mais également de capacité à développer des nouvelles idées. Car ce morceau intègre des sonorités plus électro pas encore entendues jusqu’alors…
En gravant « To The End », Muhadib vient de démontrer qu’il était prêt à passer à la vitesse supérieure, et donc d’enregistrer un premier long playing…
Pour le premier concert de l’année, le foyer culturel de Peruwelz Arrêt 59 a eu la bonne idée de combler l’annulation de Moaning Cities par Mountain Bike. Le public n’allait donc pas être privé de concert rock et allait pouvoir découvrir l’une des révélations belge de 2014, dont la musique est caractérisée par ses mélodies pop aux sonorités garage.
Récemment pointé parmi les coups de cœur du célèbre magazine culturel français ‘Les Inrockuptibles’ lors de l’Eurosonic Festival de Groningen, les quatre gars avaient donc l’occasion de défendre cette symbolique distinction. Qui plus est, ils jouaient presque à domicile. Le groupe Franco-belge impliquant deux Tournaisiens.
C’était la première visite de votre serviteur à Peruwelz. En descendant la vingtaine de marches qui mènent à la salle, on ne s’attend pas vraiment à découvrir un gigantesque théâtre. L’endroit est certes magnifique mais un peu trop grand. En outre, le podium est fort surélevé. Ce qui inévitablement crée une légère distance entre les musiciens et le public, venu assez peu nombreux.
Ce n’était donc pas forcément gagné d’avance pour le quatuor qui allait finalement plaider brillamment la cause de son premier opus éponyme, paru en avril de l’année dernière…
Parce que Mountain Bike respire la joie et le plaisir de produire de la musique. C’est d’ailleurs la raison pour laquelle il arrange différemment les chansons entre différents concerts. Des nouvelles idées, des nouveaux essais ou même des délires passagers qui permettent de se renouveler et d’aller de l’avant.
Ainsi le titre d’ouverture, « Hangin’ Around », recèle une petite touche funky qui le rend bien différent de ce que l’on retrouve sur l’elpee. La plus-value du concert ne s’arrête pas simplement à de petites retouches sur des morceaux déjà connus. Nous avons également pu découvrir, en toute curiosité, quelques nouveaux titres très prometteurs. Car le deuxième long playing roule déjà dans la tête des Mountain Bike. Et c’est avec plaisir et enthousiasme qu’ils présentent leurs dernières compositions, sans pression (NDLR : en roue libre ?) Un morceau n’a d’ailleurs même pas encore reçu de titre. Par contre, placé en milieu de parcours, « Good For Nothing » réussit à captiver dès la première écoute. Joué en septembre lors d’une vidéo pour ‘Bruxelles Ma Belle’, il réussit parfaitement sa transition entre son atmosphérique au début et puissance dans son dénouement. Et en live, c’est une combinaison qui fonctionne terriblement bien !
Plein d’énergie, le set plein touche à sa fin et les quatre amis prennent la direction des coulisses. Ils sont d’ailleurs, comme d’habitude, vêtus d’un simple maillot de basket et d’un caleçon, quand même, parfois bien moulant (NDR : ce n’est pas Charles, le batteur, qui me contredira). Les lumières se rallument : il est évident qu’un rappel n’est pas vraiment prévu. C’était sans compter sur la détermination de quelques fans qui, en tapant du pied sur les planches, vont provoquer le retour d’Etienne. Le temps d’éteindre les lampes et le chanteur entame, seul à la guitare, « Just Good Friends » pour la première fois durant une représentation. Le calme revient provisoirement avant de faire sonner le réveil par un « Cigogne » concluant vigoureusement la soirée.
Une nouvelle fois, Mountain Bike ravit en live. Malgré la faible assistance (mais jugée très satisfaisante par le groupe), le quatuor donne tout sur scène et respire la joie de vivre à travers sa sympathie visible presque une heure sur scène mais également autour d’un verre après le show.
Seule déception de cette soirée, l’absence dans la setlist de « Russian Roulette Casino », qui m’obsède depuis quelques temps. Je le pardonne aisément mais la prochaine fois, je veux l’entendre ! Car prochaine fois il y aura, sans aucun doute…
Actif depuis 1998, ce groupe cosmopolite établi à Paris compte plusieurs albums à son actif. Mais rien de très significatif à ce jour. Forcé de constater que Utopium n’est pas encore parvenu à sortir de la zone crépusculaire de l’underground, et après une première écoute de cet elpee éponyme, un constat s’impose : leur situation n’est pas prête de changer.
En effet, au cœur d’une atmosphère sombre, le groupe mêle rock ténébreux et post rock, un post rock basique, pour ne pas dire conventionnel (« Now it exists », « Volumen »). Néanmoins, au fil de l’écoute, le climat se révèle plus intriguant et original qu’imaginé. A cause des vocaux hantés de Maxime Petrovski qui se fondent dans les nappes de synthés, phénomène responsable de cette ambiance lugubre qui vous contamine insidieusement. Et des titres comme « Autumn in Bangkok », « Stardust », « In a heartbeat » ou encore « Lost in the cyberspace » en sont les plus belles illustrations.
Malheureusement, la production plutôt approximative ainsi qu’un déficit d’homogénéité finissent par plomber l’ensemble.
Fondé en 2005, le trio californien Woods en est déjà à son huitième album. Il fait suite à « Bend beyond » paru en 2012, disque unanimement salué par la critique. Et il ne devrait pas en être autrement pour ce « With light with love », qui tout en avançant les mêmes qualités bénéficie d’une production encore plus soignée. Ce qui frappe d’abord, c’est le falsetto limpide de Jeremy Earl, proche de celui de Xavier Boyer (Tahiti 80). Parfois overdubbé en harmonies vocales. Puis de cette section rythmique offensive, syncopée et terriblement efficace. Cet orgue discrètement et délicieusement rogné (NDR : pensez à Garth Hudson du Band). Et puis de ces cordes de guitare acoustiques, semi-acoustiques ou électriques, psychédéliques, byrdsiennes (« Twin steps », surtout), sinueuses, parfois prog, proche d’un Yes circa « Fragile » sur le titre maître, un morceau de 9’ absolument splendide, et évoquant même George Harrison sur « Full moon » (cette Rickenbacker !) Sans oublier le recours circonstanciel à la slide (« Shepherd »). L’opus recèle l’une ou l’autre piste plus folk (« New light ») et même lo fi (le superbe final « Feather man », hanté par une section de cordes). Ajoutez-y des superbes mélodies et vous obtiendrez un des albums de l’année 2014. Ben, zut alors je n’ai pas évoqué le Crosby, Stills, Nash avec ou sans Young. C’est fait !
The Residents, Chrome, Tuxedo Moon et MX-80 Sound figuraient sur cette fameuse compilation baptisée « Subterranean Modern ». Parue chez Ralph Records en 1979, elle donnait un aperçu de la scène underground de San Francisco, alors en pleine ébullition. Une scène pas uniquement musicale, car elle incluait d’autres formes artistiques, comme le théâtre, la poésie, les comics, le multimédia, etc., qui sera même baptisée ‘art total’…
Chrome a été fondé en 1975 par Damon Edge. Après l’enregistrement de « Visitation », leur premier elpee, il est rejoint par Helios Creed qui remplace alors John Lambdin à la guitare. Ce sont ces deux personnages qui constituent les têtes pensantes du band. Leurs deux premiers opus « Alien Soundtracks » (1977) et « Half Machine Lip Moves » (1979) sont aujourd’hui considérés comme cultes. Des œuvres qui fusionnent le punk, le psychédélisme et le rock industriel. Damon émigre à Paris en 1983. Il monte un nouveau Chrome et enregistre quelques elpees. De retour aux States, il reprend contact avec Creed. Les deux ex-acolytes envisagent alors de reformer le Chrome initial. Mais Edge décède en 1995. Creed va cependant continuer l’aventure sous un nouveau line up. Le dernier opus du band, « Angel of the Clouds » datait quand même de 2012. Ce qui explique pourquoi, il s’est entouré, à nouveau, de nouveaux musicos.
Mais venons-en à ce « Feel it like a scientist ». L’elpee propose 16 titres en un peu plus d’une heure. Des plages sauvages, métalliques, synthétiques, sci fi, punk, garage, no wave, noisy, indus, atmosphériques, martiales ou gothiques. Ou si vous préférez torturées, hypnotiques, bruitistes, offensives, atmosphériques, chargées de feedback, mélodiques (le plus souvent), tempétueuses, synthétiques, lysergiques, bourdonnantes, ténébreuses ou futuristes. Selon. Les spectres de Marylin Mansun, Hawkwind, Iggy Pop & The Stooges, Kraftwerk, Captain Beefheart et Suicide sont susceptibles de vous traverser l’esprit. Mais le tout est très souvent hanté par la voix caverneuse de Creed. Impressionnant ! Un seul bémol, la longueur de l’opus.
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