Paru ce 9 février, ce long playing a été précédé par la sortie du single « Matin ». Le nouvel opus de Joseph d'Anvers est hanté par Bashung et Daniel Darc. Par Dominique A, également ; mais lui, il est encore vivant. Jouant habilement avec les codes actuels, sa musique oscille entre chanson française, rock et pop hexagonale.
Si Joseph d'Anvers,a pu sortir cet album, c’est notamment grâce à la mobilisation de ses fans sur les réseaux sociaux et la plateforme de financement participatif 'Kisskissbankbank', où la somme nécessaire a été récoltée en moins de 24h. Décomplexé, s'entourant des meilleurs collaborateurs, Joseph d'Anvers passe un nouveau cap en gravant « Les Matins Blancs». Autoproduit, ce disque est plus personnel que les précédents, comme une promesse de lendemain qui chante.
Joseph n'est ni anversois, ni flamand, ni belge. Il est français. Et n’est pas né de la dernière pluie. Il a simplement décidé de prendre un nouveau départ en signant chez At(h)ome. Il avait déjà publié trois elpees sur le label Atmosphériques et un pour l’écurie de Pantin. Et puis, auparavant, il a également sévi sur la scène indépendante, en compagnie de son ex-groupe Polagirl et Super 8, une période au cours de laquelle, il puisait ses influences chez Reed et Nick Cave & The Bad Seeds. Enfin, à ses heures perdues, il est écrivain et cinéaste.
Pour ce nouvel essai, Dominique A lui a écrit le texte de « Tremble », Miossec celui de « La nuit je t'aime quand même » et Lexcop, de « Marie ». Le reste est de la plume de Joseph. Des chansons poétiques au cours desquelles il raconte, un peu comme dans un clip vidéo, une histoire qu’il a vécue. Après une nuit blanche, il faut écouter ce petit rayon de soleil dans le paysage musical de l'Hexagone.
Des violons accrocheurs et mélancoliques ouvrent « Petite », une compo qui évoque la jeunesse qui part trop vite. « Surexposé » raconte l'histoire d'une dame coquine qui propose de vous aventurer sur des terrains interdits. Plage magnifique au refrain travaillé et immédiat, « Avant Les Adieux » est sculptée dans une pop à la fois lumineuse et dépouillée.
Contagieux, « Mon Ange » nous replonge dans les années 80. Joseph parle d'un amour triste, peut-être perdu, sur « La Vie A Présent », une piste tramée par des accords vaporeux de gratte acoustique. Les mélodies de « Sally » et « Marie » lorgnent plutôt vers Gaëtan Roussel. « Les Amours Clandestines » nous narre l'histoire de deux amants blottis à l'arrière d'un taxi…
La présence de cordes accentue le feeling mélancolique de « Chaque Nuit En Son Temps » et « Histoire de Johnny S ». Un duo violoncelle/trompette balaie « Les Jours Incandescents ». Et « Regarde Les Homme Tomber » achève ce superbe long playing, un titre au cours duquel la voix est soutenue par des accords de piano réconfortants.
Joseph d'Anvers accomplira une tournée, à travers toute la France, périple qui commence par le Café de la Dance, ce 10 mars 2015.
Cinq ans après avoir publié « Solid Liquid Ether », Jenny in Cage nous propose une suite à cet opus. Pascal Giudicelli, guitariste et fondateur du groupe, a eu besoin de quelques années pour reconstituer et stabiliser sa formation. La voie était donc ouverte pour la naissance de « The Perfect Side Of Nonsense ».
Rarement un titre d’ouverture ne m’a, à ce point, rappelé un autre groupe. Autant dans la voix que la guitare, « City of White House » fait immédiatement songer à Placebo. Difficile, ensuite, de chasser cette idée de la tête. Les Parisiens écrivent souvent des textes du même acabit que ceux dont les Britanniques ont l’habitude de nous proposer. L’allusion au sexe et le ton provocateur de « Just a Toy Boy » (‘I’m just the thing that you’ve needed for pleasure’) pourraient même faire frémir Brian Molko. Ce morceau court et nerveux est vraiment réussi. Il constitue, à mon humble avis, le meilleur titre d’un LP assez inégal. Car quand la formation s’écarte un peu du style évoqué précédemment, il devient un tantinet brouillon voire agressif. « God(s) » et « Not Communicate », par exemple, nous plongent dans une atmosphère plus lourde, évoquant alors plutôt le rock américain de la fin du siècle dernier. Et malheureusement pas toujours à bon escient.
« In The End » remet le combo sur la bonne voie avant de clôturer sur « Shades Of Memories », une plage qui réalise une belle synthèse de l’elpee. Pour les plus gourmands, un ‘hidden track’ mélancolique est également disponible.
Parfois un peu trop colérique, Jenny In Cage livre cependant un album encourageant malgré toutes les péripéties vécues au cours de ces dernières années. En canalisant un peu sa rage et en approfondissant les morceaux plus nerveux, le quatuor pourrait finir par nous surprendre, dans le futur.
Ce qu’il peut être parfois agaçant ce Lapointe.
On aimerait quelquefois pouvoir lui formuler un reproche, lui balancer un uppercut ou un swing dans les dents. Une critique virulente qui permettrait de conclure : ‘Ah là, le Québécois s’est viandé’.
Ben non, pas possible. Chaque nouvelle suscite le respect, s’écoute en silence et provoque l’admiration pour ses paroles envoûtantes et d’une infinie beauté.
Il reste donc peu de place à la réprobation, face à cet artiste confirmé, cet auteur/compositeur à la plume hallucinante, ce musicien talentueux...
Et pourtant…
« Paris tristesse » avait de quoi justifier une attaque en règle. Le titre, tout d’abord. Sombre. L’instrumentation. Limitée aux cordes et à un piano. Le climat. Ténébreux, presque arrogant.
Pourtant ce qui s’annonçait compliqué pour l’artiste et à la limite du supportable pour le mélomane, s’est transformé en idée géniale…
Certes, il faut accepter notre partie sombre, ces recoins secrets que nous tentons tant bien que mal à dissimuler. Il faut admettre ces instants où le cœur s’emballe face à la mémoire de moments tendres et perdus. Il faut faire preuve d’introspection et de remise en question. Il y a un travail, « Paris Tristesse » ne se gagne pas tout seul. Mais comme par enchantement, au fil des morceaux, cet univers volé aux dénis apparaît comme sublime.
Oui, on peut être heureux d’être triste. On peut accepter d’être humain, de fondre en larmes.
Car si le bourreau fait son boulot, il l’exécute avec tant d’expérience et de volupté qu’on en vient à trouver son acte superbe.
Il n’y a ni forme de masochisme, ni conspiration affective, mais un ressenti de l’essentiel des émotions et de la réalité des événements, de la situation.
Un sentiment profond teinté d’amertume que l’on gratte, que l’on creuse, et qu’on ressort du fond de soi.
Quoique délicates, les compos de « Paris Tristesse » atteignent leur cible dans leur cœur. Un disque dont on appréhende l’écoute, qu’on finit par s’y résoudre, parce qu’on a simplement envie de communiquer avec le plus profond de ses sentiments.
Il est agaçant ce Lapointe, mais il revient quand il veut.
Ou lala…
Le job d’un chroniqueur musical n’est pas toujours cousu de fil blanc.
Et si bien souvent on pense être assez calé pour pouvoir rédiger n’importe quelle pige sur n’importe quel style ou artiste, il faut de temps à autre avaler cette boule d’orgueil et se rendre à l’évidence, certaines sont plus ‘sportives’ que d’autres.
Si pour vous, Ibiza est la destination de vacances idéales ; si une soirée réussie correspond à quelques décilitres de sueur qui dégoulinent entre la raie des fesses, avant de se déverser sur le dancefloor ; si vous aimez lever les bras en hurlant ‘wouuuhouuuu’ ; si pour Noël vous avez demandé une dent postiche en or ; si enfin, le tempo d’une boîte à rythmes vous met en transe, alors, « It’s Time » n’attend que vous.
Derrière cette grosse machine à transpirer se cache Sean McCabe, DJ briton, casquette vissée sur la tête et barbe rasée approximativement…
Ce petit malin de McCabe produit du son qui ne laisse pas indifférent, même si vous n’êtes pas le plus grand noceur du monde.
C’est que le DJ sait s’entourer. Sa disco-house chaloupée bénéficie du concours d’artistes comme Jennifer Wallace, Diane Charlemagne ou Nathan Adams, qui servent de détonateur pour faire exploser les beats concoctés et mixés par l’Anglais.
Grâce à ses accès de basses susceptibles de fendre la pierre et sa consommation outrancière d’effets, « It’s Time » fleure un parfum festif de clubbing exalté.
Difficile cependant de s’enfiler la galette jusqu’au bout sans quelques haut-le-cœur, tant les rythmes et les mixes se traduisent par un matraquage pur et simple.
‘It’s Time’, dès lors, de refourguer la galette à l’un de vos potes.
Vous savez celui qui roule les fenêtres ouvertes, la musique à fond la caisse. Si, si, on en a tous un dans son cercle de connaissances. Lui en tout cas, vous remerciera 1 000 fois. Mais attention, chaque fois qu’il vous véhiculera, il ne pourra s’empêcher de mettre le son plein pot. Ben oui, c’est ça les amis…
Après avoir entrepris de multiples projets (enregistrement de plusieurs albums pour Papaye, tournée ‘colonie de vacances’ en compagnie d’Electric Electric, de Marvin et Papier Tigre), JB (batterie) et Jay (guitare) sont de retour pour un troisième opus.
Trois ans après avoir publié "Highway to health", Pneu n'a rien perdu de sa fougue, de son énergie et de sa capacité à nous désarçonner. Sur "Destination qualité", le duo a certainement gagné en maturité. D’abord, pour réaliser cet LP, il a bénéficié du concours d’Andrew Scnheider (Unsane, Pigs), à la mise en forme. Puis, il a enfin décidé de soigner l’illustration de sa pochette (NDR : réalisée d'ailleurs par JB). Leur art à mélanger math-rock et noise est intact et Pneu va toujours droit au but. Pour preuve, le combo enfile neuf morceaux en à peine 36 minutes. Enfin, comme d’habitude, la cerise sur le gâteau est posée par un chanteur. Qui vient déclamer sur « Hinges ». Il s’agit, de Pete Simonelli d’Enablers.
Bref, JB et Jay ont décidé de poursuivre leur route en utilisant une formule qui marche ; et elle a, en outre, le mérite de vous secouer…
Derrière le patronyme hispanique de Ramona Lisa, se cache la très douée Caroline Polachek, déjà active au sein de Chairlift pour un nouveau projet solo. « Arcadia » a été enregistré en mode ‘DIY’ pendant la tournée de son groupe, sur son PC portable mais –bonne nouvelle– cette contrainte n’est pas répercutée au sein d’un éventuel et souvent pénible son ‘lo-fi’. A travers cette aventure sonore parallèle, la New-yorkaise décide d’explorer le côté plus ‘éthéré’ de son inspiration, suivant une ligne de conduite tracée par d’autres artistes comme Julia Holter ou Juliana Barwick. A l’aide de cloches célestes ou de ses nappes de synthés, elle s’éloigne de la synth-pop pour un travail plus abstrait (« Hissing Pipes at Dawn (They're Playing Our Song) ») restant toutefois abordable (« Lady’s Got Gills »), parfois élégamment pop (« Backwards and Upwards »), romantique (« Dominic ») ou proche d’une liturgie légèrement ennuyeuse (« Wing of the Parapets »). Une récréation mystérieuse mais charmante qui laisse entrevoir de nouvelles perspectives pour cette Américaine aux ressources multiples…
Un drôle de sentiment vous envahit en écoutant ce « The Ivy Leaf Agreement ». Déjà rien que le titre…
Entre les cordes cristallines et les accès de basse saturés, à la limite indécents, vient se glisser une pedal steel aux relents prog et une rythmique aux accents post-mat’. De quoi se poser des questions…
Bien sûr, cet étonnement se muerait en approbation, si les pièces du puzzle parvenaient à s’assembler pour mettre en exergue une voix agréable.
Or, les compos de cet elpee n’ont pas vraiment de fil conducteur. Les mélodies sont pop. Sucrées, également. Ou cherchent à épouser un profil post punk. Une valse-hésitation qui me laisse perplexe. D’autant que la durée des titres oscille entre 2’30 et 8’30. Sur les 5 plages,
Russell and the Wolf Choir essaye d’étaler son large spectre musical. Mais en s’éparpillant, il ne parvient ni à nous décevoir, ni à nous enthousiasmer.
Et faute de comprendre la démarche du groupe, on range le disque dans le tiroir de l’oubli…
Suivant…
Les vacances de Carnaval viennent de commencer. Et ce 14 février, le Cirque
Royal accueille les Kooks. Une longue file s'étire déjà jusqu'au coin de la rue et il n'est que 18h15. The Kooks est de retour après trois années de silence. Il vient de publier un nouvel album. Intitulé « Listen », il est plus funky et plus dansant. Ce qui risque de surprendre les aficionados du groupe. Bleachers assure le supporting act.
Bleachers nous vient d’outre-Atlantique. Un combo fondé par le chanteur/guitariste Jack Michael Antonoff, en 2014. Originaire du New Jersey, ce sympathique trentenaire est actif sur la scène musicale américaine, depuis plus de 10 ans. A partir de 2002, il se réserve les vocaux chez Steel Train, un combo qui va graver trois albums au cours de son existence : « Twilight Tales From The Prairies Of The Sun » en 2005, « Trampoline » en 2007 et « Steel Train » en 2010.
Jack est également guitariste au sein de Fun. Une aventure qu’il a entamée en 2008, en compagnie de Nate Ruess et Andrew Dost. Le trio a décrocher un Grammy Award en 2013, pour la chanson de l’année, grâce à son hit « We Are Young », titre auquel la charmante Janelle Monáe avait participé. Outre son talent de musicien, Jack est un auteur/compositeur/producteur unanimement reconnu par la critique. Jack a également reçu une nomination lors des Golden Globe pour « Sweeter Than Fiction », une chanson pour laquelle il avait reçu le concours de Taylor Swift. Bleachers est venu défendre son nouvel opus « Strange Desir ». Mais il ne dispose que de 30 minutes. Un peu court !
Pour ce spectacle, Jack est soutenu par 4 musicos. Soit deux drummers et deux multi-instrumentistes (claviers, guitares, saxophone). Et ils sont placés en avant-plan. C’est aussi l'anniversaire d'un des deux claviéristes. Jack est bien sûr le chef d’orchestre. La voix d’Antonoff est d’abord douce, avant de devenir puissante. Son timbre campe un hybride entre Jim Kerr et Bono. L’ambiance monte progressivement dans les tours. Et Jack finit même par haranguer le public pour qu’il chante et jumpe ; un public majoritairement féminin, dont l’âge oscille entre 18 et 25 ans. Et il réagit instantanément. Un peu à la manière du Boss (NDR : également issu du New Jersew), Jack achève son set, tel un Bruce triomphateur. Bleachers se retire alors, ravi d’être parvenu à conquérir l’auditoire. Idéal pour chauffer la salle…
Qui est pleine à craquer. Votre serviteur a choisi de s’installer à l’étage, juste au-dessus de la table de mixage, pour mieux dominer la situation. Les aficionados s'agglutinent contre les barrières devant la scène. Vu le nombre de filles, c’est parfois nécessaire pour éviter les débordements. Faut dire qu’elles attendent impatiemment Luke et sa belle gueule d'ange…
The Kooks est un jeune quatuor né en 2004. A Brighton. Il n’a fallu au band qu’un single (« Naive ») et un album (« Inside In-Inside Out », le premier, paru en 2006) pour se forger sa notoriété. Encensé par la presse musicale insulaire, il fait alors un malheur en Grande-Bretagne. Mais également en Europe et aux States, où les concerts sont accordés à guichets fermés. Le long playing récolte un énorme succès : quadruple disque de platine en un an au Royaume-Uni, platine en Australie et double platine en Irlande. The Kooks remporte également le Best UK & Ireland Act aux MTV Europe Music Awards, en 2006, et décroche une nomination aux Brit Awards, pour le single « She Moves In Her Own Way ».
Paru en 2008, leur second LP, « Konk » se classe numéro ‘1’ dans les charts britanniques. Il s’écoule à 65 000 exemplaires en une semaine. Et obtient, à nouveau, un disque d'or au Royaume-Uni et en Irlande. Au cours de cette même année, Max Rafferty, le bassiste/guitariste, quitte le navire. Il est d’abord remplacé par Dan Logan, puis par Peter Denton. Gravé en 2011, « Junk Of The Heart » accentue leur progression vers les sommets. En septembre dernier, le combo publie son quatrième opus, « Listen », un disque enregistré entre Los Angeles et Londres. Luke et Inflo, un jeune prodige de la scène hip hop anglaise, le coproduisent. Victime de son addiction à la drogue, Paul Garred cède alors ses drums à Alex Nunez. Du line up initial, il ne reste donc plus que le gratteur Hugh Harris et Pritchard. Luke a déclaré que ce nouvel elpee constituait un nouveau chapitre dans l’histoire du groupe, et reflétait leur nouvelle orientation musicale. Avant de paraître, ce long playing a été précédé par trois singles, issus de l’œuvre : « Down » en avril, « Around Town » en juin et « Forgive And Forget », en août.
A l’origine, la musique des Kooks était principalement influencée par le mouvement 'British Invasion’ qui a contaminé les States au cours des 60’s et le post-punk du nouveau millénaire. The Kooks se définit cependant, comme un groupe pop. Ce qui ne l’a pas empêché de se frotter au rock, à la britpop, au reggae et au ska. Ni de concocter des singles aussi contagieux qu’efficaces.
Le quatuor monte sur le podium. On en a déjà plein les mirettes. A cause du light show, mais également du support vidéo. Il n'y a pas moins de 12 écrans aux dimensions différentes, réparties sur la scène. Le drummer s’est installé sur une haute estrade, juste sous le grand écran. Luke Pritchard occupe bien sûr l’avant-plan. Il a même toute la place pour faire le choix entre ses grattes acoustiques ou électriques.
Le set s’ouvre par une nouvelle compo, « Around Town », et embraie par deux morceaux issus du premier elpee, « See The World » et « Ooh La ». Un disque qui m’avait permis de découvrir le groupe, puis incité à le voir en ‘live’, dans le cadre du festival Rock Werchter, pour un concert plutôt explosif. C’était d’ailleurs l’époque de leur splendeur juvénile. Depuis le band a acquis une certaine maturité. S’est assagi. Mais a aussi perdu cette forme de candeur et tempéré cette d’énergie qui faisaient son charme. On a même l’impression qu’il se repose davantage sur ses lauriers. D’ailleurs, sur les planches, les musiciens sont plutôt statiques.
« It Was London », « Bad Habit » et « Down » sont trois titres issus du nouveau cd. Plutôt déroutants. Funkysants même. Manifestement le combo évolue. Luke a empoigné une six cordes électro-acoustique pour interpréter le plus paisible « She Moves In Her Own Way ». Place ensuite aux hits « Eddie Gun's» et « Seaside ». Nous sommes en terrain connu. Quoique extrait du nouvel essai, « Dreams » est une jolie ballade assez classique.
« Tick Of Time » est une plage tirée de « Konk ». Curieux, on dirait que « Westside » est un pastiche de leur « Sea Side ». Différence ? Des synthés hybrides et décousus ont été ajoutés. « Always Where I Need To Be » libère enfin l’énergie originelle ; celle qui me rappelle la pêche que le band manifestait lors des festivals. Balayé par des interventions de claviers, « Sweet Emotion » opère un virage électro/pop. C’est dans l’air du temps. Plus rock, percutant, « The Saboteur » figure sur le troisième opus, « Junk Of The Heart ». Caractérisé par la voix beatlenesque de Luke, il est particulièrement apprécié par l’auditoire. Sans doute aussi, pour son approche théâtrale. Plutôt rock'n'roll, « Sway » est une compo qui me botte particulièrement. Après « Sofa Song », The Kooks achève sa prestation par « Forgive And Forget », un morceau qui lorgne généreusement vers le funk, un style davantage exploré sur le dernier elpee. Luke remercie le public belge, à qui il reconnaît devoir une partie de son succès.
En rappel, le combo va encore nous réserver « See Me Now », « Junk Of The Heart (Happy) » et « Naïve ». Mais, je dois avouer que ce concert m’a laissé sur ma faim. J’espère tout simplement que la tournée est encore en rodage et leurs prestations vont davantage s’électriser au fil du temps. Pour atteindre leur pic, au moment des festivals.
(Organisation : Live Nation)
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Ce lundi 9 février, l’AB Club accueille Karavan. Un grand jour pour le collectif, puisqu’il s’agit de la ‘release party’ consacrée à son premier album, « Arnoquins ». Un elpee sur lequel figure huit reprises de notre Arno national. Européen aussi. Cet Ostendais, dont le phrasé et l’humour décalé nous séduisent depuis plus de 30 ans, n’a-t-il pas écrit « Putain, Putain, nous sommes tous Européens » ? Le concert est sold out. Joy Simar assure le supporting act. Il est venu défendre son nouveau projet : Joy and Safar. Donc double découverte pour cette soirée.
Joy Simar n'est pas une inconnue. Elle a milité au sein de 1060, un duo qu’elle partageait en compagnie du producteur/bassiste Renoar Hadri. Un patronyme original, puisqu’il s’agissait tout simplement du code postal de sa commune d'adoption. Leur musique s’inscrivait dans le courant New Soul Underground. Joy est une Bruxelloise flamande originaire de Beersel. Elle est parfaitement bilingue. Son père est francophone et sa mère néerlandophone. Jolie, blonde, Joy a décroché un master en sciences politiques (NDR : comme quoi !), à la KUL ; mais elle est avant tout attirée par la musique. 1060 avait publié un premier opus en 2009, « Fortunella ».
Joy ressemble un peu à Selah Sue. Dès sa montée sur les planches, elle attire un courant de sympathie. Elle est soutenue par Safar Republique, un groupe réunissant 4 hommes souriants. Amine Kanzi Belghiti, le percussionniste, s’installe à l'extrême droite du podium. Il s’assied sur un cajon. Jan Sébastiaan Degeyter se réserve la guitare et Olivier Stroobant le kamele n'goni (NDR : cet instrument à cordes pincées est issu d'Afrique de l'Ouest). Pas de bassiste, mais un violoniste, Sébastien Paz Ceroni, qui se plante derrière la chanteuse. La soul pop de Joy est sucrée et métissée et puise ses influences dans la world –tant la tradition ouest africaine (percussions) qu’issue du Maghreb (instruments ethniques)–, le classique (violon) ainsi que le jazz (guitare). Un cocktail déroutant et novateur à la fois.
Après avoir salué l’auditoire, Joy l’invite à se frotter les mains l'une contre l'autre (pas d'applaudir) et entame « April ». Le décor est planté ! Joy possède une voix chaude au grain soul. Joy occupe toute la place sur l’estrade et remue pas mal. Elle est même plutôt sexy dans ses contorsions. C'est un plaisir de la voir évoluer sur les planches. En général, les interventions du violon communiquent un sentiment de mélancolie. Sur « Open Up », elles dominent l’ensemble tout en épaulant le chant plutôt soul de Joy. Il y a même du groove dans sa voix. A cet instant, le set de Joy and Safar baigne dans l’expérimentation. Le périple se poursuit dans l'ouest africain ou le Magreb. A cause des sonorités typiques des instruments utilisés par les musiciens de Safar. Ma voisine de droite semble avoir l’esprit critique. Elle a déjà vu Joy en concert, à plusieurs reprises, mais ne la retrouve pas à travers ce nouveau projet. Perso, j’estime que cette rencontre entre une voix soul et des sonorités world, tout particulièrement africaines, est intéressante et surtout novatrice…
Karavan est un collectif réunissant 8 chanteurs : Nicole Bongo - Letuppe, Marie-Ange Tchaï Teuwen, Fredy Massamba, Myriam Gilson, Djubebe Kalume, Epolo Mabita, Mister Mo et Soul T. Je l’avais découvert à l'Ancienne Belgique, en première partie de Sinead O'Connor, un groupe afro-bruxellois dont le répertoire est essentiellement composé de reprises d’Arno. Interprétées a cappella. Discret, Arno assiste au set, du fond de la salle, près du bar.
Et c’est parti pour la présentation d’« Arnoquins », un long playing essentiellement consacré à des covers de l'albinos blanc. Huit en tout, les deux autres pistes relevant de la plume du collectif. La Karavan débarque sur les planches comme un petit train, chaque wagon succédant à l’autre. Ils s’installent sur deux niveaux. Trois devant et 5 derrière. Nicole et Marie-Ange sont les deux voix de tête du band. Le show s’ouvre par le « You Gotta Move » de Mississippi Fred McDowell. C'est également un titre qui figure au répertoire d'Arno. Chacun y va de son intervention, mais c’est l’ensemble qui fait la différence. Plutôt soul, la version aurait pu être interprétée par un chœur gospel. Elle en est digne, en tout cas. Marie-Ange signale que la Karavan (de Bruxelles) va faire arrêt à Bruxelles Nord, Central et Midi. Fou rire général. Le convoi poursuit sa route et nous le rappelle à travers le titre significatif « Karavan ». Ce sont les filles qui se réservent les vocaux, alors que les gars, derrière, assurent l’instrumentation et le tempo à l’aide de leur voix, et tout particulièrement le beat box. Et cette conjugaison est parfaite.
Un baryton profond investit « We Want More », un morceau essentiel dans le répertoire de notre Ostendais. Troublant ! Nicole a le sens de l’humour. Elle nous réserve une petite démonstration d'‘air guitar’, en imitant le son de la 6 cordes. Mais quand la gratte s'emballe, elle est gentiment rappelée à l'ordre par ses comparses. Un climat de dérision qui communique un sentiment de bonne humeur. Ainsi l’interactivité entre les artistes et le public est parfaite. La température monte de quelques degrés. Il fait de plus en plus chaud. Pour « Chic Et Pas Cher », la voix principale est masculine. Les filles assurent les choeurs. « Les Yeux De Ma Mère » est certainement une des chansons d’Arno que je préfère. Pourtant revisitée par les filles de Karavan, l’âme de l’artiste est toujours bien présente dans cette compo. Les voix masculines dominent à nouveau leur sujet, tout au long de « Jive To The Beat ». Le human beat box nous fait une nouvelle démonstration de son talent sur « Elle Adore Le Noir ». Un titre au cours duquel, les harmonies vocales féminines déploient toute leur puissance. Pendant « Je Veux Nager », les artistes développent une gestuelle, pour mimer les mouvements des nageurs dans la piscine. Au bout d’une heure, le set s’achève par « Bathroom Singer ». Avant un rappel consacré à un medley de « Les Yeux De Ma Mère/Bruxelles ».
D’une grande qualité musicale et vocale, ce show a aussi valu par sa charge émotionnelle. Celle de la voie du chœur tracée par Karavan…
(Organisation : Ancienne Belgique)
Ozvald se produisait ce samedi au People’s House de Dour, juste après Speaking Corner (voir compte-rendu là).
Si l’endroit n’offrait pas une acoustique digne de ce nom, les cinq membres du band ont fait fi de ces aléas sonores et ne se sont pas laissé impressionner le moindre du monde ! Au contraire, vu de la prestation magistrale qu’ils ont livrée…
A titre anecdotique, le patronyme du groupe n’a strictement rien à voir avec Lee Harvey Oswald, principal suspect de l'assassinat du Président américain John Fitzgerald Kennedy. L’origine serait plutôt l’attrait d’un personnage anticonformiste, complètement déjanté et épicurien. C’est dire l’esprit tourmenté !
Les chevilles ouvrières de cette formation (née en 2012) sont Giuseppe Petolillo (guitare et voix) et Stéphane Panozzo (guitare) qui l’a suivi de peu. Viendront ensuite s’adjoindre, au fil des rencontres, une poignée de gens talentueux : un batteur ‘quatre bras’ en la personne de Maxime Pasquini ; un bassiste, Fabrice Giacinto, remplacé depuis par Raymondo Tornabene ; une violoncelliste, Laurence Leclerq, remplacée, elle aussi, par la petite, mais très charmante Hélène Cambier.
Certains d’entre eux possèdent déjà une longue expérience musicale, à l’image d’un Petolillo qu’on a pu voir dans Al Dente, Rimbaut et Monsoon notamment ou encore d’un Tornabene qui a également participé à l’aventure d’Al Dente. D’autres sont multi-instrumentistes, comme Panozzo, batteur de formation ou encore Pasquini, claviériste génial chez Coverplay (groupe de covers consacrées à Coldplay).
Ces différentes origines donnent naissance à un mélange de plusieurs influences et de générations très ouvertes et éclectiques.
Alors âgé de quelques mois à peine, le groupe avait présenté un premier Ep le 8 février 2014 à la Chapelle de Mons. J’ai eu la chance d’assister à ce live et j’avais été stupéfait déjà du vent nouveau apporté.
A ce propos, on regrettera le nombre (volontairement) peu important des compositions figurant sur le support, même si effectivement les titres choisis suffisent à montrer l’originalité, l’étendue, la culture et le talent du groupe. Dont acte !
De prime abord, un concert d’Ozvald surprend. Stéphane semble étrangement possédé par une force démoniaque. Cheveux rouges, ses yeux son parfois révulsés. Giuseppe manifeste des inflexions proche d’un Bowie torturé, et tout particulièrement sur « The little guy with his pie ». Maxime martèle ses fûts de manière tentaculaire tout en libérant une énergie rarement atteinte, communiquant des beats métronomiques d’une précision spectaculaire, notamment sur « Highway to glory ». Le violon apporte quand à lui cette une dose lancinante, douce et mélancolique… humaine même. Je suis littéralement subjugué par la candeur et la fraîcheur avec laquelle cette jeune fille, si frêle, joue amoureusement de son instrument sur « Next time ». Enfin, le bassiste est sans doute le mois démonstratif de tous.
Le set d’environ 45 bonnes minutes a balayé un répertoire d’anciennes et nouvelles compositions. Tantôt douces, tantôt revêches, celles-ci sont progressives, parfois, et nuancées, toujours. Sans doute le résultat d’une étrange complexité sonore et de mysticisme à l’image des leaders.
Le visuel y était aussi. Les musicos se sont, à plusieurs reprises, échangés des sourires et regards complices synonymes de satisfaction, de bonheur et de soulagement. Au-delà du talent, c’est aussi la preuve d’un show intelligemment servi.
A l’issue du concert, très charismatiques, accessibles et d’une simplicité incroyable, Giuseppe et ses comparses se sont laissés envahir de questions de la part d’un public curieux d’un tel OVNI musical.
Si ces extra-terrestres ont manifestement pris du plaisir, les spectateurs présents dans la salle se sont littéralement délectés. L’applaudimètre ne trompe pas ! Pari gagné ! Chapeau bas M’ssieurs, dame !
Set List :
1°) The little guy with his pie
2°) Step in – step out
3°) Looney people
4°) Next time
5°) Empty space
6°) Upside down
7°) All is all behind
8°) Highway to glory
9°) Sunny day
10°) 10!
11°) Love is a game
(Organisation : Xtrm Scandalous)
Les prochaines dates sont :
-Vend 10/04/15: La Louvière (@l'Annexe)
-Sam 02/05/15: Hautrage (@Canal 10 + support)
-Vend 22/05/15: Dour (@SkiaRockFest + support)
-Vend 29/05/15: Hem/Lille/Fr (@Salle des fêtes + support)
-Vend 03/07/15: La Louvière (@La Taverne du Théâtre)
Après avoir couvert le festival ProPulse pendant trois jours, votre serviteur est invité par le groupe Ozvald, à assister au concert qui se déroulera –selon Facebook– au café People's House, sur la Place de Dour. Le nom de la salle sonne très insulaire et rock'n'roll. L'adresse est introduite dans le GPS qui guide souvent mon chemin, lorsque la destination m’est inconnue. Arrivé au terme de mon parcours, je ne discerne pas de café au nom évocateur. Evidemment, la ville qui accueille le célèbre festival de rock alternatif compte trois places. Interpellation d'un indigène ! Il me répond : ‘Pas de café anglais à Dour. Pour les concerts, il faut attendre 5 mois et le festival’.
Suis mal barré ! Je décide donc de parquer mon véhicule. Après 5 minutes de recherche, je passe devant un café assez imposant. Je relève la tête et découvre l'enseigne ‘Maison du Peuple’. Le franc tombe et effectue le parallèle entre « People's House » et « La Casa del Populo ».
Le concert débute normalement à 20h00. Il est déjà 21h00. Pas grand monde dans l'établissement, mais je reconnais quelques têtes connues. Surprise, MusicZine est représenté en force. Trois reporters sont présents. Stéphane va se charger de la rédaction du compte-rendu d'Ozvald et Didier, du supporting act, c’est-à-dire Speaking Corner, qu'il découvre. Le troisième collaborateur est prêt à prendre la relève, en cas de défaillance. Une équipe soudée décidée à affronter le déluge sonore.
La salle est magnifique, immense, mais malheureusement elle ne se prête pas au déroulement de concerts rock. L'ingé-son va pourtant accomplir des miracles et faire tout son possible pour maîtriser la sonorisation.
Speaking Corner est un quintet. Fred se réserve le micro, Bob et Raf, les grattes, Fab la basse et Max les drums. Claudia, la chanteuse/choriste est absente. Le combo est issu du coin. On me signale que chanteur a participé à l'aventure du ‘Plan Langues’ de la RTBF. Son anglais est d’ailleurs parfait, même si ses textes sont également écrits dans la langue de Molière. Le band a publié un album au titre évocateur, « Prochaine Saison », chez Hats Records. Normalement, ils portent tous un chapeau. Je ne remarque la présence que d’un barbu coiffé d’une toque en peau de castor. D’après la bio, la formation écume les salles obscures de notre royaume depuis quelques années. Ils ont du vécu et de la technique ; ce qui se ressent dans leur musique.
« Despereado » ouvre le bal. La voix de Fred est grave et caverneuse. Elle aurait pu naître d’un croisement entre Ian Dury, Nick Cave, Léonard Cohen et feu Ian Curtis, chanteur de Joy Division. L'artiste a vécu une relation fusionnelle avec Annick Honoré, une Montoise que j'ai connue. Annick a malheureusement été emportée par le cancer…
Lorsque les textes sont exprimés en français, ils oscillent entre le slam et le débit déclamatoire, proche d’un Serge Gainsbourg. « Michel Pop » est un extrait du roman ‘La possibilité d'une île’ de Michel Houellebecq. On écoute les lyrics de ce morceau, religieusement. Plutôt rock, la musique est parfaitement adaptée et se prête bien à ces écrits. Jean-Louis Aubert interprète « Les Parages Du Vide » de Houellebecq. Quelle belle coïncidence ! « Sens Unique » est hanté par un Gainsbarre taillé dans le rock. Les guitares s’y réservent la part du lion. Il manque cependant une petite touche féminine pour adoucir l’ensemble. « Brand New Church » est un morceau que chante habituellement Claudia. Elle est supplée, pour la circonstance, par Fred. A cet instant, c’est le spectre de Léonard Cohen qui se met à planer. Paradoxalement, si les guitares peuvent se révéler incisives, c’est la section rythmique qui se charge de tempérer les vocalises du chanteur. L’obstacle principal vient de la taille de la salle. Trop grande ! Et pourtant, on peut affirmer que derrière la console, le responsable s’est coupé en quatre pour le franchir.
J’espère revoir Speaking Corner dans de meilleures conditions. Pour la review d’Ozvald, c’est ici.
(Organisation : Xtrm Scandalous)
Dès les premières notes et malgré le curieux emprunt de leur patronyme à un album des Zombies, on se rend rapidement compte que le son du ‘Casiotone Orchestra’ proposé par Odessey & Oracle sera plus foutraque et résolument lo-fi que proche des orfèvreries pop 60’s des illustres Anglais… Ce trio lyonnais, réunissant Guillaume Médioni, Fanny L’héritier et Alice Baudoin, possède en effet plus en commun avec des bricolos de la pop comme les Moldy Peaches ou CocoRosie qu’aux harmonies vocales chères aux Beach Boys et autres Zombies. Pour accentuer le côté ‘foufou’ de leur orchestre, les Français n’ont d’ailleurs pas hésité à sortir de leurs boîtes à musique, des instruments aussi saugrenus que la viole de gambe, le dobro ou le violoncelle baroque ! Depuis leur atelier, nos jeunes artisans enchaînent quelques belles réussites comme le doux « The Cat With Lipstick » et autres ratages comme le poussif et médiéval « The Unicorn », toutefois jamais sans se départir d’une rafraîchissante ouverture d’esprit. Sur des textes naïfs et barrés (abordant le Viagra, les licornes ou le rouge à lèvres…), les morceaux d’Odessey & Oracle étalent leurs drôles d’apparats tour à tour irritants (l’impossible et inaugural « 2016 ») ou séduisants (« Fixing the World »). Dommage ce manque de rigueur mélodique –un comble quand on se réfère aux Zombies– qui égratigne parfois les oreilles ; car l’originalité et la qualité sont indéniables !
Les interrogations sont nombreuses avant d’entamer l’écoute d’un triple album. Or, légitimement, comment trouver 130 minutes pour écouter ces 25 morceaux ? Mais surtout est-ce que l’artiste en question ne souffrirait-t-il pas d’une certaine mégalomanie en osant –en ces temps de crise de l’industrie du disque– pareille œuvre pharaonique ?
Le projet de Liesa Van der Aa ne manque en tout cas pas d’ambition. « Woth » est découpé en 3 chapitres conceptuels abordant… la cérémonie des morts dans l’Egypte antique de la « Pesée du Cœur » (« Weighing Of The Heart » d’où « Woth ») lorsque des juges décidaient si le cœur était lourd, léger ou en équilibre. Les 3 elpees reprennent les mêmes titres interprétés de manière différente : entre ballade pop éthérée (« On the Heart » - Chapter 2), électro quasi expérimentale (« On the Heart » - Chapter 1), folk chamanique déviant (« On the Heart » - Chapter 3) et vignettes électro-pop (« On Heaven » - Chapter 3), montée lyrique et tendue (« On Shadow » - Chapter 3) et uppercut indus (« On Names » - Chapter 1). Une bonne dose de mysticisme et le concours de la chorale des ‘42 Judges’ pour des interludes de chœurs baroques parachèvent de rendre cet OVNI musical au moins intéressant et osé à défaut d’être passionnant de bout en bout (comme le fatiguant et trop long « Freedom of Movement » - Chapter 2). On avait quasiment plus entendu œuvre si originale depuis Björk et Joanna Newsom… Forcément ça passe ou ça casse selon le mélomane ; mais saluons l’initiative !
Un jour, il faudra tout de même donner une définition de la musique. Ou du moins déterminer les caractéristiques qui permettent de la qualifier comme telle. Bien sûr, elle doit être considérée dans son sens le plus large du terme, pour ne pas brimer la créativité. Donc l’expérimentation. De là à pousser cette expérimentation dans ses derniers retranchements, il y a une limite qu’il serait souhaitable de ne pas dépasser. Ce qui explique pourquoi je doute fort que ces Suisses fassent de la musique. Ce n’est même pas de la musique concrète et encore moins post-industrielle. En fait, Convulsif Big Band produit une succession de bruits. Qui pour ma part ne ressemble à rien. À côté de ce « cd3 », les projets de Mike Patton ou encore la drone de Sunn O))) constituent de la pop. Le cadeau idéal à offrir à votre pire ennemi !
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