Saluons d'entrée l'initiative de ce festival consacré aux arts numériques. Il a permis aux professionnels et au public curieux d'assister à une toute une série d’activités d’apprécier le travail d’une dizaine d’artistes actifs dans le secteur de la culture numérique. Rendons hommage aux organisateurs qui à l’aide de modestes moyens mais un excellent carnet d'adresses ont apporté à la Cité Ardente un événement qui, nous l'espérons, se répètera dans les années à venir. Outre une exposition, trois conférences et un workshop permettant de se familiariser avec deux logiciels de mapping, il s’agissait surtout de proposer gratuitement au public liégeois plusieurs performances accordées dans les locaux de l’Académie des beaux-arts de Liège. Le festival se clôturait dans le nouveau haut lieu du clubbing principautaire, Le Cadran, où l'on a pu assister pour un prix très démocratique à une série de sets d'artistes renommés.
Tout d'abord, quelques mots sur les différents spectacles glanés auprès de quelques collaborateurs de Musiczine. Le festival débute tout en douceur, le mercredi, par ‘Disorder’ un show du CENC (Centre d’expression numérique et corporelle basé en Suisse). Des danseuses se meuvent lentement derrière un écran sur une composition ambient délicate. C'est joli et poétique mais on est content que le spectacle ne dure qu'une petite demi-heure car la lassitude commence à poindre en fin de parcours. Succès de foule comme ce sera le cas toute la semaine. C'est aussi l'occasion de découvrir diverses installations aménagées dans les locaux de l'Académie.
La seconde soirée débute également par l'alliance de la danse et de la musique électronique. Au programme : la performance du studio d'art numérique barcelonais Reflection Lab au cours de laquelle, les mouvements de la danseuse tentent d'épouser les formes colorées projetées sur l'écran.
La musique de Light Sound & Death est bien plus expérimentale et éprouvante. Le performeur, dans un costume brillant, s'agite de manière épileptique devant de puissantes lampes à effet stroboscopique. Notre chroniqueur du soir est vite saturé par ce spectacle sans concession.
Peu de précision malheureusement sur celui du jeudi proposé par 1024 Architecture. Notre photographe préférée Marine B. a en tout cas été très impressionnée et en est sortie enchantée.
La grande soirée de clôture débute par une prestation captivante de Nonotak, duo composé de l’artiste et illustrateur Noemi Schipfer et de l’architecte et musicien Takami Nakamoto, que l’on retrouvera plus tard en solo. Ils nous présentent leur dernière création, Late Speculation, décrite comme explorant la relation entre espace, image et son et permettant au duo de s’engager dans des représentations live en partie improvisées, où les éléments audiovisuels ne tournent plus en boucle, mais sont plutôt ajustés sur le moment même. Prenant place, face à face, autour de leurs machines, dans un triangle transparent dont les projections en lignes et formes géométriques épousent la forme, les comparses proposent un son assez dur et oppressant, à coloration indus et technoïde. Ils procurent une sensation d’encerclement au milieu de ces sonorités hachées, fracturées, mi-sourdes mi-crissantes, mais élégantes et maîtrisées.
La suite se déroule au Cadran. Elle débute agréablement par des lives audio/vidéo. Emilia Gumanska aka Emiko, tout d’abord, allie projections intrigantes et motifs électroniques doux mais puissants. Pour suivre, Steve Buchanan nous gratifie d’une étonnante et brève démonstration, à même le sol, d’une plaque podale de laquelle il extrait, en la martelant et la piétinant, des motifs métallo-tribaux. Takami Nakamoto propose ensuite un set intéressant mais quelque peu répétitif et décousu, fait de cut-ups foisonnants et bien agencés mais sans véritable ligne de conduite. Une abstraction technoïde que l'on retrouve dans la brève performance d'Okus Cie.
Arrive l'artiste mystère qui ne l'est plus depuis un petit temps, le bouche à oreille ayant supprimé tout effet de surprise mais permis d'attirer une foule considérable. Il s'agit de Vitalic attendu par des centaines d'aficionados en délire pour la plupart très jeunes. Ce dernier délivre un set semi-live qui enchaîne tous les tubes qui ont fait de lui un des artistes techno les plus prisés. C'est efficace bien entendu et la foule déjà bien allumée se déchaîne. Votre serviteur, lui, n'en peut déjà plus après quelques morceaux. Les basses massacrent ses vieux tympans et ce genre de techno agressive n'est vraiment plus sa tasse de thé.
Riley Reinhold enchaîne devant un parterre bien moins fourni. Le gros de l'assistance n'a visiblement jamais entendu parler du patron des formidables labels Traum, Trapez et My Best Friend et s'en désintéresse totalement préférant aller se déhancher sur la trap mal dégrossie proposée dans la salle d'à côté. L'Allemand se sent malheureusement obligé de se mettre au diapason de la techno ‘gros sabots’ délivrée avant lui. Bien loin de ses excellentes compilations mixées Tour de Traum, on a droit à une succession de gros beats d'où n'émergent que rarement les mélodies qui ont fait la réputation de son écurie.
Dominik Eulberg lui succède, attendu impatiemment par les plus de trente ans. L'ornithologue n'a jamais été un foudre de guerre du dj set. Son vrai talent s’exprime à travers ses remarquables albums. Et on regrette que les organisateurs n’aient pu convaincre son ami Gabriel Ananda de se joindre à la fête. Trop peu sûr de lui, Dominik n'accepte en effet de jouer en live qu'en compagnie du vétéran teuton. Ici encore, Eulberg joue la carte des effets mille fois entendus et des beats énormes noyés sous la saturation. Mes écoutilles saignent mais la foule semble adhérer. Il est plus de trois heures du matin, l'alcool et les substances font apparemment leur effet. C'est ce que réclament les clubbers. Le droit de lever les bras et de crier de joie quand montent les sons saturés. Et peu importe, si c'est mixé à la tronçonneuse sur des cd gravés.
Immense regret : l'absence de Microtrauma. Annoncé mais décommandé pour de compréhensibles raisons budgétaires (rappelons que tout le festival était gratuit et qu'on pouvait assister à la soirée pour la modique somme de dix euros), le duo aurait probablement sauvé ma soirée. Ce n'est, paraît-il, que partie remise puisque les organisateurs comptent l’inviter prochainement dans la même salle.
En résumé, un événement qui a l'énorme mérite d'exister mais qui doit encore trouver un juste milieu entre performances arty et banals DJ sets. Il est dommage par exemple que les dernières prestations n'aient pas été accompagnées de visuels. Espérons donc que cette première édition ait convaincu les édiles d'octroyer de généreux subsides pour pérenniser et améliorer ce très respectable projet. Il en vaut la peine.
Organisation : Mike Latona + Académie Royale des Beaux Arts de Liège + Cadran + Mapping Festival
C'est à la Maison de la culture de Tournai, dans la chaleureuse salle Frank Lucas, qu'il fallait prendre place, ce soir, pour assister au concert de My Little Cheap Dictaphone. MLCD est en tournée pour défendre « The Smoke Behind The Sound », paru en janvier dernier, une œuvre pour laquelle le groupe a reçu le concours de Luuk Cow (Girls In Hawaï, Stromae) à la mise en forme et bénéficié des Studios ICP ainsi que sur du mythique Abbey Road pour l’enregistrer.
"Change in my heart" et "You are not me", du dernier essai, sont les deux premières chansons d'un set qui en comptera dix-neuf au total.
Une entrée en matière requiert toujours beaucoup d'énergie. Les 800 bornes parcourues pour nous revenir d'Annecy (France), où ils ont joué la veille, semblent avoir entamé, en partie, celle-ci. Je ressens, donc, une certaine fébrilité chez l'un ou l'autre.
La cohésion de l'ensemble et l'expérience préviennent cependant de tout faux pas. C'est au pied du mur que l'on reconnaît le maçon.
Les quatre compos suivantes, issues du précédent opus, "The Tragic Tale Of A Genius", délivrent le groupe, le public et les fans. Respectivement : "He's not there", "My holy grail", "What are you waiting for" et "Slow me down".
Le moment est venu pour Red Boy de changer de guitare. Intervalle durant lequel il remercie Tournai, se gargarise la gorge d'un petit coup de rouge avant d'attaquer une ligne droite, principalement dédiée au petit dernier ; sauf "Shine on" et "Devil".
L'ambiance est à son paroxysme, les kilomètres au compteur effacés. Les guitares électriques s'en donnent à coeur joie et s'allument mutuellement, jusqu'à en faire perdre l'équilibre des protagonistes.
Cinquante-cinq minutes ont passé, les musiciens quittent la scène le temps d'une salve d'applaudissements.
Le rappel revisitera les trois derniers albums, en cinq chansons, qui auraient toutes leur place dans un best of. En l’occurrence “Not Hype”, “Piano Waltz”, “Fire, Hope You're Back” et “Feather Smile”.
Le succès confirmé et croissant de MLCD, qui roule sa bosse depuis plus de 10 ans, n'est pas le fruit du hasard, mais celui de la persévérance, du travail et des synergies réinventées au fil du temps.
Le groupe vous informe ici
(Organisation : Maison de la Culture)
Nous sommes le 1er octobre 2014, et la température est printanière en ce début d’automne. L’été indien est bien au rendez-vous. Bref, sous le dôme des découvertes, ou si vous préférez la Rotonde du Botanique, se déroule ce soir la ‘Release party’ de Von Durden ; c’est-à-dire la présentation officielle de son nouvel album intitulé tout simplement « III ». Un événement qui devient traditionnel pour les artistes ou formations pop/rock. Il faut cependant admettre que l’endroit est parfaitement adapté à ce type de mise en vitrine. Et tout particulièrement parce que les conditions de sonorisation sont optimales. Mais aussi car le cadre est intimiste. Ce soir le concert est sold out. Pas étonnant vu l’excellente promo dont a bénéficié le spectacle…
Le support act est assuré par The Whylanders, un duo bruxellois réunissant Maxime Simon à la guitare et au chant ainsi que Nicolas Scaillet aux drums et aux backing vocaux. A ce jour, le tandem a publié deux Eps. Découpé en 4 plages, « So Simple » était paru en 2011. Et un second, baptisé « Try », vient de sortir. La selist épingle deux extraits du premier Ep, « I Was Away » et « Dream Song ». Et le reste est consacré à des compos récentes, dont « You Knew I Want You », « Try », « Box », « Ending A Part », « Breathing » et « Never See Me Again ». Je découvre la paire en ‘live’. Et ma foi, pour une première, leur set, bien que limité à une trentaine de minutes, passe bien la rampe. A revoir, c’est une certitude...
Le line up de Von Durden réunit Elliott Charlier au chant, Kevin Dochain à la guitare, Nicolas Scamardi aux drums, Fabrice Giacinto à la basse et la jolie Marie Gladys aux synthés. Un quintet louviérois, dont la plupart de musicos participe à des projets parallèles. Leader du band louviérois, Nico milite également chez Jane Doe & The Black Bourgeoise et Melchior, alors que Fabrice sévit aussi au sein de Romano Nervoso. Pour défendre son dernier long playing, bien reçu par la critique, Von Durden ne dispose que de trois mois, car Elliott Charlier part faire le tour du monde, début 2015.
Au sein de l’auditoire, on croise de nombreux ‘Loups’. Le leader de Romano Nervoso, Giacomo Panarizi, ainsi que son drummer Lucas Lepori. Ils sont peut-être venus repérer les lieux avant leur ‘Release party’, programmée ce 22 octobre. Puis les frères Chainis d'Abel Caine.
Après une petite intro, le combo entre immédiatement dans vif du sujet, en proposant « Third Beat », issu du dernier LP. Un titre, comme le dirait Nico, brut de décoffrage. L’interaction entre le public et le band est excellente. Elliott y contribue largement. « Don't Let Me Down » et le single « Dead Queen » sont deux autres titres tirés du dernier long playing. Normal finalement, car le combo est venu le présenter ; et un troisième essai est toujours un tournant dans sa carrière. Etrange comme la voix d'Elliott me fait penser à celle de Lenny Kravitz. « Devil In Me » est un morceau qui me surprend toujours ; issu de l’album « Dandy Animals », il permet aux aficionados des débuts de retrouver leurs jeunes. Charlier est capable d’emprunter des inflexions plus métalliques, histoire de communiquer un max d’énergie aux compos.
Après « In The Room », « Attraction» et « Kick Outta Me », trois nouvelles chansons, place au titre maître du deuxième elpee, « Dandy Animals ». Moment choisi par Fabrice pour démontrer tout son talent sur ses quatre cordes. On a également droit à deux plages soustraites du tout premier opus, « Color Of The Shape » et « Money Cash ». Elliott remercie Christine Verschorren, présente dans la salle pour le travail de mise en forme de « III ». Duquel Von Durden nous réserve encore « Creatures Above The Law » et « World On Top ». Mais en ‘live’, les versions sont diablement plus percutantes.
« Hey Beauty est un autre extrait de « Death Discotheque », leur premier elpee. Gladys est nouvelle dans le groupe ; et elle apporte une sensibilité féminine aux compos. Elle acquiert de plus en plus d’assurance. Et sa participation aux vocaux ainsi que ses interventions aux synthés constituent manifestement un plus dans leur musique. Les riffs de guitare dispensés par Kevin, sont précis, incisifs et plutôt ravageurs. Tout en martyrisant ses fûts, Nico semble prendre son pied. D’une durée de 60 bonnes minutes, le set est très électrique. Von Durden ose une version étonnante du « The Hand That Feeds » de Nine Inch Nails, un extrait de « With Teeth », opus que le groupe américain de rock industriel avait commis en 2005. C’est également le dernier morceau du concert. Avant le rappel, bien sûr. Un ‘encore’ festif, puisqu’il permettra, lors de « Dance To The Music », au public de monter sur l’estrade. Un peu à la manière de Boxer Rebellion. Un scénario qui rend une fin de spectacle, magique. Et très interactive, je l’avais déjà souligné. Von Durden a les dents longues, mais ne croquera pas « Jimmy Fallon ». Quoique prévu sur la setlist, il a purement et simplement été zappé…
(Organisation : Botanique)
Mercredi 1er octobre, l'Ancienne Belgique accueille en son antre The Antlers, un groupe basé à Brooklyn. Depuis plus de cinq années, soit à l’issue de la remasterisation de "Hospice", le trio fait l'unanimité auprès de la critique internationale. Faut dire que leur style écorché est vraiment très spécifique. Il y a quelques mois, le band a publié un nouvel elpee, intitulé "Familiars", un disque toujours aussi émouvant, mais davantage atmosphérique. Mais également d’une grande subtilité. On était donc impatient de voir et d’écouter la transposition en ‘live’ de ces nouveaux morceaux. Et pour bien mettre en valeur le raffinement du son, rien de tel que l’acoustique de l’AB.
Pour la première partie, le trio a confié la mission à une Anglaise qui répond au nom de Marika Hackman. Elle assure le supporting act de toute leur tournée européenne. Pendant une demi-heure, la jeune femme va nous proposer ses chansons sculptées dans le folk. Des ballades sympathiques mais, il faut bien le reconnaître, sans réel intérêt.
C'est un peu avant 21h (en avance sur l'horaire donc!) que Peter Silberman (guitare, voix), Darby Cicci (claviers, trompette) et Michael Lerner (drums) montent sur les planches. Le trio originel est accompagné d'un quatrième comparse. Un multi-instrumentiste aussi à l’aise aux claviers, à la trompette qu'à la flûte traversière. Dès les premières notes, l’auditoire est plongé dans une forme de brume sonore empreinte de mélancolie. « Palace » et « Doppelgänger », morceaux d’ouverture, y contribuent largement. Les compos transpirent des accès de jazz lancinants. Les nappes de claviers planent dans l’atmosphère, les notes de guitares sont en apesanteur, alors que la voix de Silberman nous communique son lot de frissons. Le silence entre les différents morceaux témoigne de l’état de fascination au sein duquel les spectateurs sont plongés face à la maîtrise des musicos. On est même proche de l’hypnose collective. La setlist épingle la quasi-totalité des morceaux de leur dernier opus ; et lorsque le concert perd un peu de sa superbe, The Antlers va piocher ses titres dans les précédents long playings, afin de le redynamiser, voir même de l’électrifier. Ainsi, on aura droit, entre autres, à « I don’t want love », « Putting the dog to sleep » et « Bear », ces deux dernières chansons, à la fin du show. Mais le sommet du spectacle a été atteint par « Revisited », une composition qui a permis à Silberman de démontrer toute l’amplitude de sa voix. A vous retourner les tripes !
Après une heure et demie de prestation, ébranlé par un tel flux émotionnel, le public s’en est retourné dans ses pénates, et loin d’être déprimé, il a emporté des mélodies plein la tête. Si c’est ça la mélancolie ou avoir le blues, j’approuve et signe à deux mains !
(Organisation AB + Live Nation)
En cette chaude soirée du 30 septembre, votre serviteur avait décidé de se rendre au 110, Boulevard Anspach, à Bruxelles, afin d’assister au concert de Sinéad O’Connor, venue défendre son dernier album, « I'm Not Bossy, I'm The Boss ». Mais en même temps de découvrir un supporting act plutôt singulier ; en l’occurrence Karavan et son projet ArnoQuins. Le concert est bien sûr sold out.
Karavan n’a recours à aucun instrument. Un collectif black réunissant 4 filles et 3 garçons qui interprètent a capella des chansons de notre énigmatique Arno. Ils ont d’ailleurs participé à sa tournée d'Arno, organisée dans le cadre de ses 65 balais. Une contribution qui avait permis aux chansons de Mr. Hintjens de prendre une coloration plus soul. Jeune, le préposé au beatbox est coiffé d’une casquette qu’il a mise de travers. Deux autre gars sont plantés à sa droite et quatre imposantes nanas à sa gauche, dont la stature est aussi impressionnante que le coffre. La setlist est essentiellement constituée de standards du célèbre Ostendais (NDR : à la fin du concert, on va d’ailleurs le retrouver, non pas à l'Archiduc, son bar de prédilection sis à deux pas de la salle, mais à la terrasse du café de l'AB, une bouteille d’eau à la main). L’ensemble reprend le « You Got The Move » de Mississippi Fred McDowell ; mais c’est également un titre qui figure au répertoire d’Arno. Bien soutenue par le beat box, la conjugaison des voix est parfaite. Et à la sauce africaine, elle est particulièrement audacieuse. « Jive To The Beat » et « Dans Les Yeux De Ma Mère » sont revisités par la soul. « We Want More » est souligné par un baryton profond. Impressionnant ! « Je Veux Nager » est animé par la gestuelle des musicos. Après « Bathroom Singer », le band achève sa prestation par « Elle Adore Le Noir Pour Sortir Le Soir ». Karavan nous a réservé d’excellents exercices de style. Dommage que l’auteur ne soit pas monté sur les planches, ne fût-ce que le temps d’un morceau. Il a préféré squatter le bar… (voir aussi notre section photos ici)
Il est plus ou moins 21h00 lorsque Sinéad O’Connor monte sur l’estrade. Elle a la boule à zéro et marche pieds nus. Vêtue de noir, un col romain (NDR : comme les curés), elle porte une énorme croix autour du cou. Pourtant la religieuse irlandaise est toujours aussi fringante. Son backing group réunit Brooke Supple à la guitare rythmique, Clare Kenny à la basse, Graham Henderson aux claviers ainsi que le drummer Ken Papenfus et le second gratteur Carl Papenfus (NDR : deux frangins !) Sinéad est venue défendre son 10ème elpee studio.
Le set d’ouvre par une adaptation empreinte de douceur du « Queen Of Denmark » de John Grant. Excellent ! L’Irlandaise triture son micro et s’en écarte parfois pour donner du relief à ses envolées vocales. Une voix atypique, rocailleuse, dont la montée en puissance est graduelle et particulièrement adaptée à un final aussi musclé que rock. « 4TH And Une » prépare le terrain au terrible « Take Me To Church ». La foi de Sinéad hante particulièrement cette chanson. Une plage tirée de son dernier elpee « I'm Not Bossy, I'm The Boss ». Tout comme le superbe « 8 Good Reasons », un morceau au cours duquel Sinéad revient à ses sources.
« The Wolf Is Getting Married » remonte à 2012. Une piste issue de l'excellent opus « How About I Be Me (and You Be You) ? » Les claviers y mènent la danse. Envoûtante, la voix d’O’Connor est remarquablement soutenue par celles des deux choristes. « Harbour » est une nouvelle compo. Un blues viscéral. « In This Heart » figurait sur « Universal Mother ». Le trio féminin l’interprète a capella. Un moment intense de recueillement. Toute la troupe vide les lieux et laisse alors Sinéad en solitaire. Armée de sa gratte acoustique, sa voix charme l’auditoire de son « What Doesn't Belong ». Un grand moment du spectacle ! Elle est toujours seule pour attaquer « Black Boys ». F***, elle a oublié quelque chose. Fou rire général. Elle raccorde sa guitare et la foule entre à nouveau en communion avec l'artiste. Le band au grand complet réapparaît pour « Thank You For Hearing Me », une piste soustraite du long playing « Universal Mother ») et « Dense Water, Deep Down », un morceau sculpté dans la country, qui nous entraîne au cœur des grandes plaines de l'Ouest américain. « Jealous », morceau figurant sur « Faith and Courage », LP commis en 2000, opère un retour dans la douceur. Troublant, « The Voice Of My Doctor » adopte un profil plus rock. Les cordes de guitares sont bien plus envahissantes, sans jamais déraper dans la saturation. Le hit mineur « The Empero's New Clothes » et « The Last Day Of Our Acquaintance », deux extraits de « I Do Not Want What I Haven't Got » achèvent le corps principal du show. D’une durée de 75 minutes, quand même.
En guise de rappel, elle va nous réserver « Kisses Like Mine », le sublime « Street Cars », limité au piano et à la voix, et le très court « Before We End Our Day », chanté a capella par l’artiste, juste avant de prendre congé de son auditoire. Superbe soirée qui m’a permis de revoir Sinéad O’Connor en pleine forme. Une grande dame assurément, que j’ai écoutée religieusement…(voir aussi notre section photos là)
(Organisation : Ancienne Belgique)
‘C'est l'histoire d'un garçon qui ne pouvait pas s'arrêter de danser oh oh oh! Mais quand il regardait autour de lui, tout le monde était assis...’
Connaissez vous "Etre assis ou danser" ce morceau de Liaisons Dangereuses, groupe culte electro du début 80's dont l'inusable classique "Los Ninos del Parque" préfigurait la techno de Detroit?
Et bien il illustre à merveille la soirée passée au Bozar festival ce samedi, on y reviendra plus tard…
C'est Robert Henke qui avait l’honneur d’ouvrir les hostilités, lorsque je suis arrivé dans la salle Henry Le Boeuf (HLB), très bel espace ovale caractérisé par une large scène, un vaste parterre, deux balcons et tout le confort nécessaire pour assister d'entrée de jeu à un superbe spectacle audio-visuel sobrement baptisé ‘Lumière’. Installé tout au fond je n'ai pourtant pas manqué un seul détail de ces visuels faits de formes géométriques pures et simples (encore que l’ensemble se complexifie ensuite) projetés par de puissants faisceaux lasers donnant une image de très haute résolution, permettant de distinguer des détails infimes même à la distance à laquelle j'étais situé. Et quand les fumigènes s'en mêlent, le plaisir des yeux est encore rehaussé sans occulter quoi que ce soit. Musicalement c'est également de très haute tenue. Une techno/electronica nocturne aux accents post-industriels qui flotte, plane, parfois s'intensifie mais jamais ne martèle. Du velours sonore dont la consistance est réelle.
Cap ensuite vers la salle Terarken pour assister à la performance de Phill Niblock et Thomas Ankersmit. Le premier ouvrait son set par une pièce assez extrême –selon mieux informé que votre serviteur– car je suis arrivé quand seul son compère était encore sur scène. Signé sur le label Touch, Niblock est un personnage culte de la scène minimaliste qui a côtoyé physiquement ou par ses œuvres, d'autres figures comme Morton Feldman ou Alvin Lucier... Photographe et vidéaste autant que musicien, il développe de longs drones méditatifs dans lesquels je me glisse progressivement malgré les interférences de quelques spectateurs probablement égarés et peu respectueux de ce qui se passe autour d'eux. Deux écrans projettent des images de pêcheurs au travail, s'affairant sur la coque d'un bateau, préparant et réparant le matériel... Des petits gestes du quotidien comme le sont peut-être finalement ceux de l'artiste derrière ses laptops. Par contre on ne peut pas dire qu'il cherche à rentrer en contact avec le public en dehors de la matière purement artistique. Les yeux rivés sur ses écrans, il sirote tranquillement son verre de vin, semble un moment s'affaisser et finit même par tapoter sur son téléphone! N'aimant pas déranger les gens dans leur intimité, je saisis donc cette occasion pour aller rejoindre Max Cooper à la salle HLB.
C'est là que tout s’est compliqué, car passé l'heure du début de son live, il n'était plus possible d'accéder à celle-ci que par les balcons et du coup j'ai dû assister à sa prestation assez dansante coincé là-haut, en la regardant de biais. J'ai d'ailleurs failli partir après son intro mystique ambient/new age assez cliché ; mais heureusement l'artiste anglais a vite corrigé le tir pour partir dans un style plus accrocheur et crossover en brassant de larges influences electro, house ou idm balayées par une pointe de hip-hop. Bref le genre de musique qu'on n'a pas spécialement envie d'écouter assis! Des visuels très organiques et colorés accompagnent ce show et contrastent avec ce que proposait précédemment Henke. Plaisant sans être ultime non plus, son live nous met en condition avant celui de Fuck Buttons, que j'attendais assez impatiemment de revoir après 5 ans.
Mais quelle frustration d'apprendre qu'ils allaient se produire dans la salle que je venais juste de quitter, quand on sait que la musique trépidante du duo n'est absolument pas faite pour rester assis! Quelle mouche a donc piqué les organisateurs pour prendre cette décision? J’apprends que des raisons d'acoustique justifieraient ce choix ; mais quand bien même je ne suis pas convaincu que dans ce cas-ci la pureté sonore prime sur l'expression corporelle... et encore merci à l'hôtesse de préciser qu'on peut se lever de son siège (sic!) Merci madame.
Mais bref comme j'avais décidé que la situation ne viendrait pas gâcher mon plaisir, j’ai tenté de repérer ce qui me semblait la meilleure place pour en profiter au maximum.
Démarrant par ce qui est également la plage d'intro de leur dernier album, soit "BrainFreeze" et son déluge de percussions martiales, Fuck Buttons met d'entrée de jeu tout le monde dans sa poche ou presque et électrise au moins une bonne moitié de l'audience qui fort heureusement se lève d'un seul et même homme. L'enchaînement du morceau suivant (que je n'arrive hélas plus à identifier) me semble moins judicieux et l'espace d'un moment je crains que la sauce ne retombe. Crainte de courte durée car le reste de leur set s'avère un sans faute, Fuck Buttons puisant son répertoire principalement dans les 2 derniers albums (le premier n'étant plus vraiment représentatif de leur son) et atteignant un pic sur le stupéfiant "Surf Solar", 10 minutes de montée d'extase sonore electro noise. On apprécie autant leurs morceaux tribaux aux climats de transe que les rythmes hip hop plus lourds qu'ils ont commencé à inclure depuis leur dernier album. Et lorsque le set se clôt sur "Hidden XS", on pense à l'étiquette de ‘Mogwaï électronique’ qu'on leur avait collée lorsqu'ils ont émergé, tant ce titre synthétise à merveille le mélange entre la touchante mélancolie mélodique des Ecossais et les nappes synthétiques et bruitistes. Pas de rappel mais néanmoins, après Robert Henke, en ce qui me concerne, un autre grand moment de la soirée...
Et c'est les oreilles repues que nous avons décidé d'en rester là mais avant de conclure cet article j'aimerais quand même souligner ce qui devrait être revu dans cet événement. Il est très louable de vouloir sortir la musique électronique dansante des caves et clubs où elle est généralement cantonnée... Mais à quoi ce changement de décor rime-t-il si c'est pour essayer de la faire rentrer dans un cadre finalement assez rigide et institutionnel où l'accès est limité passé une certaine heure et où la configuration de certains lieux aussi adaptée soit-elle aux oreilles, ne permet pas au reste du corps de pleinement jouir de la fête? Parce qu'après tout ce type de spectacle reste une fête ou une célébration, non?
(Organisation Bozar)
Pour la première fois, j’assiste à un concert de la formation courtraisienne Amenra. Un set acoustique accordé dans le cadre de l'IBM (Inspired By Black Metal). Il se déroulera en configuration assise. Sous cet aspect, l’AB peut accueillir 1 000 personnes. Ce soir, on en dénombre plus ou moins 800.
La première partie est confiée à Jonas Van Den Bossche et Benne Dousselaere. Un concert bruitiste et agressif auquel votre serviteur n’a pas du tout accroché…
‘Unplugged’, la prestation d’Amenra sera empreinte de délicatesse. Sur la gauche de la scène six sièges forment un cercle tourné vers l'intérieur, comme pour affirmer la cohésion parfaite du groupe. Impliquant deux guitaristes, un bassiste et un drummer. Un line up enrichi par la violoniste Femke de Beleyr.
Chaque artiste est arrosé par une lumière blanche émanant du plafond ; une manière d’intensifier le mystère de l'atmosphère ambiante. Qu’on pourrait qualifier de cosy, voire de feutrée. Le chant et la musique ne transpirent aucune violence ou agressivité. La mélodie est calquée sur l’instrumentation. On se croirait dans un concert de black metal réadapté par le ‘classique’. Pas besoin de boules-Quiès ; le son parfait.
Le set s’ouvre par « Aorte Ritual, Nous Sommes Du Même Sang », un extrait de l'album « Mass IIII ». La musique est sombre et écrasante ; mais c’est le titre manifestement le plus approprié pour entamer les hostilités. Après « Razoreater » et « Nowena 9.10 », deux extraits de « Mass V », on a droit à une excellente cover du « Parabol » de Tool, une piste qui figure sur l’elpee « Lateralus ». La violoniste Femke de Beleyr monte sur l’estrade pour attaquer « The Dying of Light ». Tout au long de « Wear My Crown », un fragment de l'Ep « Afterlife », la guitare électro-acoustique vous invite à vous plonger dans un voyage imaginaire, décrit par la projection d’images sur un écran sis à l’arrière-plan du podium.
La voix de Colin van Eeckhout est quand même particulièrement onctueuse. « Longest Night » est une nouvelle compo. Les interventions du violon de Femke prennent le pas sur les guitares. Tout comme sur « To Go On.: And Live With Out », au cours duquel elle posenégalement la voix. Un concours qui accentue l’aspect mystérieux de la chanson. Sophie Verdoodt a des cheveux couleur de blé. Elle déclame quelques lyrics ténébreux dans la langue de Vondel. Après 45 minutes, sans demander leur reste, les musicos vident les lieux ? Pas de salut au public, ni de rappel. Drôle de comportement. Ce groupe est une énigme. Pourtant, le set acoustique était excellent. Sombre et métallique. Un moment, non pas de solitude, mais de recueillement. Comme si l’AB avait été transformée en cathédrale.
(Organisation : Ancienne Belgique)
Von Durden Party Project est né en janvier 2007. Soignée, énergique, dansante, sa pop puise alors son inspiration chez Danko Jones, Soulwax, David Fincher et Quentin Tarantino. Les idées fusent, et une trentaine de maquettes sont enregistrées. Le groupe a également une ambition visuelle et réalise deux clips autoproduits avant même de mettre un pied sur scène. Enregistré au studio Six d'Anderlecht et mixé par Stephan Debruyne (Joshua, Soldout), leur premier opus est bien reçu par la critique musicale. Intitulé "Death Discotheque", il est sorti en juin 2008. En 2012, le band réduit son patronyme en Von Durden et publie un deuxième opus baptisé « Dandy Animals ».
Les musicos sont d’infatigables bosseurs et nous proposent déjà leur troisième long playing. Baptisé tout simplement « III » sa date de sortie est prévue pour le 1er octobre 2014. Soit le jour de leur ‘Release Party’ qui se déroulera dans le 'Dôme des Découvertes', c’est-à-dire la magnifique salle de la Rotonde au Botanique. Un concert à ne pas manquer, car dans la foulée, Elliott, le chanteur, a décidé de faire le tour du monde. Un périple qui risque bien de déboucher sur la confection d’un quatrième essai, qu’on imagine haut en couleurs.
Pour concocter ce disque, le noyau central (NDR : en l’occurrence le chanteur Elliott Charlier, le guitariste Kevin Dochain et le drummer Nicolas Scamardi, principal compositeur et véritable ciment de l'édifice) ont décidé de s’entourer de deux nouveaux musicos ; soit le bassiste Fabrice Giacinto, également impliqué chez Romano Nervoso et Ozvald ainsi que Marie Gladys (NDR : Gladys, c’est également son projet solo qui est occupé tout doucement de décoller).
L’œuvre a été mise en forme par Christine Verschorren (Ghinzu, dEUS, Das Pop...) Des sessions réalisées sous une forme organique et le plus souvent en prise directe, afin de remettre en avant l’énergie et l’aspect humain de la musique. Sans concession, leur pop/rock est brut de décoffrage.
La photo qui illustre la pochette a été immortalisée, il y a près de 10 ans, après une soirée particulièrement arrosée. La confection du clip de « Dead Queen », le premier single issu de l'album, a été confiée à Julien Henry (La Film Fabrique), qui avait déjà réalisé celui de « Dance To The Music » (NDR : n°5 du MCM Top Hits, plus de 100 000 vues YouTube), soit le tout premier single qui a amorcé la voie du succès pour Von Durden.
Caractérisé par son refrain immédiatement mémorisable, ses accords de gratte et ses claviers subtilement ‘vintage’ à la John Doe, « Dead Queen » ouvre la plaque. La transposition en ‘live’ est percutante, je peux vous l’assurer. Et l'envie de rejoindre le dancefloor est irrésistible. Non, vous n’êtes pas 'Inculte'. D’ailleurs, la voix est troublante et rappelle même celle de Lenny Kravitz. « Don't Let Me Down » et « In The room » nous replongent dans les 70’s. Deux petites perles. Toujours contaminé par la même époque, mais en plus métallique, « Attraction » se singularise par son refrain entêtant et sa ligne de basse sauvage. Et l’adepte du dieu 'Tcholle' y martyrise ses fûts. « Kick Outta Me » est un titre judicieux pour une plage punk/rock/garage. « Creatures Above The Law » adresse un nouveau clin d’œil à Lenny Kravitz. Les Louviérois sont dans leur monde pour atteindre le « World On Top » ou l’inverse. « Like A Bazooka (With A Mandolin Sound) » est sculpté dans du rock'n'roll bien carré, très solide ; mais pas de trace, ni de bazooka, et encore moins de mandoline…
« Physical » s’ouvre par d’autres accords surannés, rappelant ceux d’un « Hammond ». Une piste vibrante, angoissante, hantée par la voix languissante d’Elliot, avant que le rock pur et dur ne reprenne le dessus. Impulsions de basse agressives, guitares malsaines et synthés au bord de la crispation entraînent « Third Beat » au début des 80’s. Un titre, dont le climat est rasséréné par l’intervention vocale de Gladys.
Un troisième album particulièrement réussi pour Van Durden.
Suite des festivités au Magasin 4 qui, depuis près d’un mois maintenant, fête ses vingt années de sévices.
Au menu du soir, du singe et du lapin, et bien plus encore à se mettre sous la dent…
Mesdames et messieurs, veuillez prendre place.
Voici le menu.
Pour toute ‘mise en bouche’, rien de tel que du Lapin Cru.
Il mijote parmi les convives, puisque jeté directement à même le sol, ici, devant la scène.
Cru et désossé, la chair bien visible.
Un parterre de curieux s’installe donc tout autour du duo qui s’agite frénétiquement, l’un arc-bouté sur ses fûts, l’autre sur son manche électrifié.
Forcément tendue, au bord de la rupture, la musique se déploie en ondes saccadées, brisées, épousant des pics d’agressivité, haletante ici, reprenant son souffle par là.
C’est que tout lapin qu’il soit, il nous a grugé !
Pas question que la bête se laisse manger toute crue.
Il faut donc se lancer à sa poursuite, se glisser dans les interstices qu’elle épouse, se glisser comme elle dans la fange, grimper et dévaler les sommets à son rythme effréné.
Ce qui bien entendu en laisse quelques uns sur le carreau.
Ceux pour qui l’effort n’est pas de mise.
Pas encore. Pas si tôt.
Le cercle se délie donc autour du combo.
Au bout du compte, Lapin Cru s’abandonne aux papilles auditives des spectateurs accrochés à leurs sonorités escarpées.
Bravo l’animal ! Tu t’es bien défendu !
D’Adolina, combo de chez nous, on ne sait que peu de choses au départ.
Étonnant puisqu’il existe depuis 98.
Menant sa barque en toute discrétion mais en manifestant énormément de foi et d’abnégation, il est donc inclus sur une bien belle affiche.
Un mélange de styles plutôt bien digérés, mais dénué d’originalité.
Attention, ce n’est pas un reproche.
Chercher à tout prix l’originalité équivaut souvent à vouloir en faire trop.
Ce qui manifestement n’est absolument pas dans l’optique du groupe.
Adolina se contente donc de s’exprimer dans un style déjà maintes fois remanié mais aux angles toujours aussi pointus et tranchants, de Shellac à Chevreuil pour ne citer qu’eux.
En résulte un set efficace qui se suit très agréablement depuis le bar.
Amputée d’un membre, et pas n’importe lequel (!) la soirée en est déjà à sa deuxième moitié.
Les Liégeois d’Ultraphallus ont dû renoncer pour cause de naissance imminente ; on passe donc illico à Hey Colossus.
Et là, on embraie en enclenchant le braquet supérieur.
« Cuckoo Live Life Like Cuckoo », leur dernier album en date, est sorti l’année dernière. La formation britannique est donc déjà solidement armée, mais elle a amené, en outre, dans ses bagages quelques nouvelles compos qui tracent définitivement leur route dans cette belle nuit.
Solide pont transgenre, leur musique a récemment pris ses marques et se distingue nettement de leurs premières traces discographiques.
Émancipée d’influences trop évidentes, l’identité de Hey Colossus s’affiche donc à présent sans masque et éclabousse de sa superbe.
Tendue et sujette à d’innombrables revirements, pleine de surprises et délicieusement retors.
Tantôt rampante, tantôt cinglante, lourde et menaçante, l’ombre de ce colosse s’étend et m’enveloppe tout entier.
Une gifle colossale assenée par une main de velours gantée de fer.
Je resterais bien pantois si je n’étais autant excité.
Entre hypnose syncopée et injection d’adrénaline sous-cutanée, le corps de ce géant, qui en est encore en pleine croissance, s’agite sur scène et l’impact de ses grondements résonne puissamment, me captivant totalement.
Une prestation qui pourrait presque faire de l’ombre à Part Chimp.
Mais c’est sans compter sur l’efficacité du combo londonien, tout heureux d’être à nouveau présent sur notre territoire, après un dernier passage qui datait quand même de deux mille onze (c’était au VK et nous y étions).
Après avoir disparu un temps de nos radars, ceux-ci répondent donc présents à l’invitation du Magasin 4.
Une excellente décision puisque c’est un plaisir de découvrir que non seulement, Tim Cedar et sa bande n’ont rien perdu de leur gouaille, mais qu’en plus, de nouveaux titres ont depuis vu le jour.
Un album en préparation, donc. Quelle bonne nouvelle !
Alors forcément, pour l’occasion, je me suis muni de mes jambes d’antan.
Et c’est euphorique que je les balance frénétiquement sous mon torse gonflé d’enthousiasme puéril, profitant de cette bouffée d’air juvénile.
Prenant autant de plaisir que l’assistance, Part Chimp découpe donc son set de tranches bien saignantes, juteuses à souhait.
Reviens deux fois sur scène, et se plie au jeu des rappels.
Les ‘classiques’ « Trad » ou encore l’incontournable « 30,000,000,000,000,000 People » vont générer, inévitablement, de joyeuses vagues parmi la foule enthousiaste.
Courte mais incisive, leur prestation laisse la marque d’un retour réussi, et elle réclame déjà un nouveau retour chez nous, bien plus rapidement cette fois.
Promis, le band reviendra l’année prochaine.
Alors on se quitte, on s’embrasse et on se tient au courant.
Allez, à bientôt les gars !
Sur ce, j’abandonne le lieu des festivités.
J’ai encore perdu un peu de mes facultés auditives.
Ça zune et ça bourdonne dans les oreilles.
Mais si c’est là le tribut à payer pour revivre de tel moment, alors, demain, je veux bien aller m’acheter un sonotone !
Crever concert ! Comme dirait un certain Zoulk…
(Organisation Magasin 4)
Suite des festivités au Magasin 4 qui, depuis près d’un mois maintenant, fête ses vingt années de sévices.
Au menu du soir, du singe et du lapin, et bien plus encore à se mettre sous la dent…
Mesdames et messieurs, veuillez prendre place.
Voici le menu.
Pour toute ‘mise en bouche’, rien de tel que du Lapin Cru.
Il mijote parmi les convives, puisque jeté directement à même le sol, ici, devant la scène.
Cru et désossé, la chair bien visible.
Un parterre de curieux s’installe donc tout autour du duo qui s’agite frénétiquement, l’un arc-bouté sur ses fûts, l’autre sur son manche électrifié.
Forcément tendue, au bord de la rupture, la musique se déploie en ondes saccadées, brisées, épousant des pics d’agressivité, haletante ici, reprenant son souffle par là.
C’est que tout lapin qu’il soit, il nous a grugé !
Pas question que la bête se laisse manger toute crue.
Il faut donc se lancer à sa poursuite, se glisser dans les interstices qu’elle épouse, se glisser comme elle dans la fange, grimper et dévaler les sommets à son rythme effréné.
Ce qui bien entendu en laisse quelques uns sur le carreau.
Ceux pour qui l’effort n’est pas de mise.
Pas encore. Pas si tôt.
Le cercle se délie donc autour du combo.
Au bout du compte, Lapin Cru s’abandonne aux papilles auditives des spectateurs accrochés à leurs sonorités escarpées.
Bravo l’animal ! Tu t’es bien défendu !
D’Adolina, combo de chez nous, on ne sait que peu de choses au départ.
Étonnant puisqu’il existe depuis 98.
Menant sa barque en toute discrétion mais en manifestant énormément de foi et d’abnégation, il est donc inclus sur une bien belle affiche.
Un mélange de styles plutôt bien digérés, mais dénué d’originalité.
Attention, ce n’est pas un reproche.
Chercher à tout prix l’originalité équivaut souvent à vouloir en faire trop.
Ce qui manifestement n’est absolument pas dans l’optique du groupe.
Adolina se contente donc de s’exprimer dans un style déjà maintes fois remanié mais aux angles toujours aussi pointus et tranchants, de Shellac à Chevreuil pour ne citer qu’eux.
En résulte un set efficace qui se suit très agréablement depuis le bar.
Amputée d’un membre, et pas n’importe lequel (!) la soirée en est déjà à sa deuxième moitié.
Les Liégeois d’Ultraphallus ont dû renoncer pour cause de naissance imminente ; on passe donc illico à Hey Colossus.
Et là, on embraie en enclenchant le braquet supérieur.
« Cuckoo Live Life Like Cuckoo », leur dernier album en date, est sorti l’année dernière. La formation britannique est donc déjà solidement armée, mais elle a amené, en outre, dans ses bagages quelques nouvelles compos qui tracent définitivement leur route dans cette belle nuit.
Solide pont transgenre, leur musique a récemment pris ses marques et se distingue nettement de leurs premières traces discographiques.
Émancipée d’influences trop évidentes, l’identité de Hey Colossus s’affiche donc à présent sans masque et éclabousse de sa superbe.
Tendue et sujette à d’innombrables revirements, pleine de surprises et délicieusement retors.
Tantôt rampante, tantôt cinglante, lourde et menaçante, l’ombre de ce colosse s’étend et m’enveloppe tout entier.
Une gifle colossale assenée par une main de velours gantée de fer.
Je resterais bien pantois si je n’étais autant excité.
Entre hypnose syncopée et injection d’adrénaline sous-cutanée, le corps de ce géant, qui en est encore en pleine croissance, s’agite sur scène et l’impact de ses grondements résonne puissamment, me captivant totalement.
Une prestation qui pourrait presque faire de l’ombre à Part Chimp.
Mais c’est sans compter sur l’efficacité du combo londonien, tout heureux d’être à nouveau présent sur notre territoire, après un dernier passage qui datait quand même de deux mille onze (c’était au VK et nous y étions).
Après avoir disparu un temps de nos radars, ceux-ci répondent donc présents à l’invitation du Magasin 4.
Une excellente décision puisque c’est un plaisir de découvrir que non seulement, Tim Cedar et sa bande n’ont rien perdu de leur gouaille, mais qu’en plus, de nouveaux titres ont depuis vu le jour.
Un album en préparation, donc. Quelle bonne nouvelle !
Alors forcément, pour l’occasion, je me suis muni de mes jambes d’antan.
Et c’est euphorique que je les balance frénétiquement sous mon torse gonflé d’enthousiasme puéril, profitant de cette bouffée d’air juvénile.
Prenant autant de plaisir que l’assistance, Part Chimp découpe donc son set de tranches bien saignantes, juteuses à souhait.
Reviens deux fois sur scène, et se plie au jeu des rappels.
Les ‘classiques’ « Trad » ou encore l’incontournable « 30,000,000,000,000,000 People » vont générer, inévitablement, de joyeuses vagues parmi la foule enthousiaste.
Courte mais incisive, leur prestation laisse la marque d’un retour réussi, et elle réclame déjà un nouveau retour chez nous, bien plus rapidement cette fois.
Promis, le band reviendra l’année prochaine.
Alors on se quitte, on s’embrasse et on se tient au courant.
Allez, à bientôt les gars !
Sur ce, j’abandonne le lieu des festivités.
J’ai encore perdu un peu de mes facultés auditives.
Ça zune et ça bourdonne dans les oreilles.
Mais si c’est là le tribut à payer pour revivre de tel moment, alors, demain, je veux bien aller m’acheter un sonotone !
Crever concert ! Comme dirait un certain Zoulk…
(Organisation Magasin 4)
Puggy termine sa longue tournée qui a suivi la sortie de l’album « To Win The World ». Mouscron est d’ailleurs annoncé comme la dernière date de ce périple. Mais les trois artistes ne sont pas à une surprise près. D’ailleurs, sur leur site, est mentionné un concert pour le 29 octobre, mais pas de lieu, simplement un point d’interrogation. Donc il pourrait encore y avoir des prolongations. Pas évident de repérer la Plaine de la Neckere. Un petit tour, quelques ballons dans l’atmosphère et votre serviteur est prêt à assister au soixante-deuxième set de Puggy.
Un immense chapiteau est prévu pour accueillir 1400 personnes. J’estime qu’il doit y en avoir 2 à 300 en plus. La foule est donc compacte et la température grimpe très rapidement.
Puggy a toujours le nez creux pour choisir ses premières parties. Ce soir, il a posé son dévolu sur la formation bruxelloise FùGù Mango. Tiens, je remarque la présence de l’ami Franck Baya derrière les fûts. Un fameux drummer qui milite au sein d’une multitude de projets. Il a ainsi prêté son concours à Coffee Or Not, Sarah Carlier, Clare Louise et bien d'autres. Et il me semble que deux autres musicos sont des membres des Bikinians. Sur l’estrade ont été disposés des timbales, congas et autres cymbales sur scène. Bref, le combo va nous dispenser une musique rock indie à la fois métissée et colorée. La chanteuse/guitariste –très polie par ailleurs– se démène beaucoup sur les planches, même si les musiciens ont peu de place pour s’exprimer. Ils occupent l’avant-scène. Et puis ils ne disposent que de 30 minutes. Mais sur ce laps de temps particulièrement court, FùGù Mango va nous réserver une prestation de bonne facture. Et pas de problème pour chauffer l’auditoire, vu la température ambiante…
Puggy n’est plus vraiment un trio, depuis qu’un quatrième larron vient de débarquer. En l’occurrence John Janssens (Papa Dada), qui les accompagne sur scène depuis la tournée « To Win The World ». La pression monte dans la fosse. La foule s’agglutine devant le podium ; en fait de foule, il s’agit surtout de jeunes adolescentes boutonneuses. Sur l’estrade, Alex et Clément se chargent les derniers préparatifs. Benoît, des derniers détails inhérents au mixing. Votre serviteur se plante derrière la console, là où le son est le meilleur. Nos loustics montent du l’estrade, le sourire aux lèvres. Ils sont en forme. Pas comme à Binche, il y a 15 jours. Faut dire qu’ils avaient joué à Paris à 14h30 et dans la cité des Gilles à 20h30 ; et tout naturellement, ils étaient crevés. Mais vu le succès, difficile de refuser certaines prestations.
Le concert s’ouvre par « Move on ». Pas de préparatif, on entre immédiatement dans le vif du sujet. Matt se montre assez interactif avec les premiers rangs. Romain a encore ingéré des pois sauteurs. Un vrai kangourou. Ziggy terrasse ses fûts. Les musicos ont une pêche d'enfer. Je le sens bien, le concert va être exceptionnel. La setlist embraie par deux extraits de « Something You Might Like », leur second elpee, en l’occurrence « Give Us What You Want » et « Goddess Gladys » pour ne pas déstabiliser les fans de la première heure.
Il ne fait plus chaud mais torride. J’ai m’impression qu’il y a de plus en plus de monde. Le concert monte encore en puissance grâce à la succession de hits : « Someone Makes No Sound », « To Win The World », « Ready Or Not », « How I Needed You » et surtout « Goes Like This ». L'effet du micro siffleur vous ouvre le ventre et vous plaque les tripes au sol. Un titre issu de la plume de Ziggy, le blond qui venait du froid. Pour « When You Know », Matthew pousse sa superbe voix dans ses derniers retranchements. Le jeu prend comme d'habitude et le public le suit. C’est l’instant qu cours duquel je crains le plus pour sa voix. Elle a déjà subi une extinction. Alors fais gaffe quand même ! « Last Day on Earth » est le titre dont j’apprécie tout particulièrement le clip. Et pour cause, c’est une partie de votre serviteur qui y joue. Et il en est fier chaque fois qu'il l'entend. D’ailleurs, tous ses poils sont au garde-à-vous. Le set s’achève par l'éternel « Teaser ».
Cinq années déjà que votre serviteur est sur les traces de Puggy. Cinq folles années au cours desquelles on a avalé ensemble des kilomètres, partagé des très bons moments. Je n’y ai jamais ressenti un moment de lassitude. C’était un réel bonheur de vous suivre. Décompressez, puis prenez le temps de composer les chansons de votre nouvel opus. Et qu’il soit du tonnerre…
(Organisation : les 24 Heures en course libre de Mouscron)
Accept sonne un peu comme une injonction dans la liste des nouveautés de Nuclear Blast. Vu son pedigree, ce groupe peut laisser présager un bon produit… ou pas. Il faut parfois se méfier des groupes prolifiques. Leur premier album, éponyme, date de 1978. Sous la houlette de Udo Dirkschneider, Accept est parvenu à se hisser, au fil de sa discographie, à la hauteur de groupes comme Iron Maidon ou Manowar qui ont marqué de façon bien plus populaire le heavy des années 80. Après son départ en 1996, on pensait Accept disparu. C’était sans compter sur Wolf Hoffmann qui relance la machine à composer et dégotte Mark Tornillo au poste de chanteur. 2010 sonne le grand retour. La formation publie « Blood Of The Nations », suivi en 2012 par « Stalingrad ». Deux albums bien accueillis par la presse spécialisée.
Le band nous propose aujourd’hui « Blind Rage », sa quatorzième publication. Accroché par le clip promotionnel « Stampede » et la pochette bovine à faire fuir le syndrome de Creutzfeldt-Jakob, je me lance dans l’écoute de ce dernier ouvrage. Le moins que l’on puisse dire c’est que le son est vintage ! Chœurs, riffs, bonne basse, refrains mélodiques, toute la panoplie y est ! Accept fait ce qu’il sait faire depuis trente ans. Pas de grandes surprises ! On remet le couvert sur des recettes qui fonctionnent. Parfois un peu trop même : sur « Final Journey », il nous confirme leur amour de la musique classique. Après avoir intégré l’hymne national russe et la « Lettre à Elise » de Ludwig, il nous refait le coup en adaptant « Le Matin » de Grieg. On a de la chance que ce soit la musique classique qui les fascine et pas les comédies musicales. On aurait peut-être eu droit à une intégration métal de Luc Plamondon… Bref, si l’ensemble de la production tient la route, elle flirte parfois avec de l’auto-plagiat. Et ce taureau me direz-vous ? Vous ne trouverez sur cet album aucune référence à une révolte attendue ni au titre « Blind Rage ». Wolf Hoffman en dira juste que la pochette était choisie avant la production. Dans le fond « Blind Rage » c’est comme un plat préparé : la mention ‘photo non-contractuelle’, ne reflète pas le contenu » qui aurait dû y être apposé.
Ne soyons pas méchants pour le plaisir de l’être, « Blind Rage » est un ensemble bien fait et sympathique mais il ne restera pas gravé dans vos mémoires. Quant à votre serviteur, paraphrasant le Grand Jacques, il ajoutera tout simplement : « Au suivant ! »
C’est bien entendu l’un des albums de l’année et beaucoup de choses ont déjà été dites, et écrites à son sujet.
Réveillant les passions secrètement endormies dans les alcôves de nos souvenirs de mélomanes aguerris, « Lost In The Dream » est un album-phare, n’ayons pas peur des mots.
Synthétisant l’essence même du Rock en dix plages.
Comment ?
La formule reste jalousement gardée par son mentor, Adam Granduciel, qui du reste, sans en être pleinement conscient, restitue ici la trame des albums dits ‘classiques’.
Car tout y est, du début à la fin.
D’abord, cette production tout en finesse, qui enveloppe les titres sans en faire trop, une production assurée par Granduciel lui-même et qui confine à l’excellence.
Riche en détails et pourtant d’apparence si brumeuse, quasi-mystérieuse.
C’est que l’ami Adam aime prendre son temps. Et on ne saurait que lui donner raison.
Pourtant, et c’est là toute la force de cette production, la spontanéité n’est jamais prise en défaut.
Si le mix final s’est compté en heures, semaines, mois de labeur (frisant parfois la folie), aucun détail n’est superflu.
Et puis ensuite, bien sûr, il y a les morceaux en eux-mêmes.
Là encore, on est sans cesse secoué, renvoyé aux grands mythes de l’Americana, de Springsteen à Dylan ou tout simplement embarqués dans leurs enivrantes bal(l)ades intérieures propres.
Les chansons de The War On Drugs ont leurs propres codes, leurs propres vie.
Elles sont comme les couches de peau qui habillent le squelette de leur géniteur.
Le propos ne respire pas l’optimisme (au sortir de la tournée de l’album précédent, Granduciel est tombé dans la dépression et la conception de cet album a donc été sa catharsis), mais ne sont pas lestées de grandiloquence défaitiste. Au contraire, certaines envolées lumineuses sont autant d’appels à l’espoir.
De ce rêve dans lequel Granduciel n’est donc pas le seul à se perdre, il y a tant à retenir qu’il n’est dès lors possible que d’y plonger entièrement.
Et au petit matin, quand la lumière s’invite au travers des paupières closes, c’est pour espérer prolonger encore un moment la magie de l’instant.
Peu connu en Europe, Richard Buckner est pourtant l’une des influences déclarée du tout puissant Justin Vernon (Bon Iver)… Cet Américain traîne en effet sa guitare –souvent acoustique– depuis 1994, soit depuis la sortie de « Bloomed », un premier album aujourd’hui réédité et remasterisé. Véritable troubadour militant dans l’esprit des Townes Van Zandt ou autre Howe Gelb, Buckner permet aux fans qui l’avaient découvert via « Surrounded », dernier elpee qui l’avait légèrement poussé hors de son cocon de fans habituels, de replonger dans ses trésors de guerre autrefois enregistrés à San Francisco en compagnie de musiciens de talent : Butch Hancock à l’harmonica ainsi que Lloyd Maines aux classiques ‘pedal steel’ et banjo. Des artistes au service de pépites americana comme « Blue and Wonder » ou « Gauzy Dress in the Sun », pour la circonstance enrichis d’une dizaine de b-sides et autres versions live. En vous le procurant, vous ne regretterez pas votre éventuelle curiosité!
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