Le dernier opus de Belle and Sebastian, « Write About Love » remonte à 2010. Il serait donc temps que le groupe se décide à publier un nouvel opus studio. Pour tenter de nous faire patienter, il vient de sortir une compile qui couvre la période oscillant entre 1997 et 2002. Soit la moins intéressante de leur carrière. D’autant plus que la plupart des plages sont des chutes de studio, et la moitié d’entre elles ne sont même pas chantées par Stuart Murdoch. Néanmoins, sur les 19 pistes, on relève quand même quelques morceaux intéressants, dont un remix du « I’m a cuckoo » par The Avalanches, subtilement parcouru de percus et de chœurs afro, et un autre particulièrement dansant de « Your cover’s blown », opéré par Miaoux Miaoux. Un véritable inédit ! Enfin, après l’allègre et contagieux « Suicide girl », le caribéen « Love on the March » et une perle de folk/pop soyeuse intitulée « (I believe in) travellin’ light », on peut tirer le rideau. Pas que les compos sont de mauvaise facture, mais elles font un peu pâle figure par rapport à l’œuvre de Belle and Sebastian.
On épinglera quand même le magnifique digipack qui habille le disque. Une des rares raisons qui pourrait pousser les aficionados à se le procurer…
Fondé en 1980, The Chills compte à ce jour une vingtaine de line up différents. Seul Martin Phillipps, le membre fondateur, est toujours au poste. C’est également le chanteur/guitariste et le principal compositeur. Au début des 90’s, il a mis son projet entre parenthèses, suite à des problèmes de santé, avant de reprendre le collier en 1995. The Chills, c’est aussi et surtout une formation néo-zélandaise issue de Dunedin qui relevait du label Flying Nun, une écurie qui a hébergé des artistes ou des groupe aussi incontournables que The Verlaines, 3D’s, Chris Knox, The Clean, Bats, Bailter Space, Able Tasmans, et j’en passe…
Le dernier véritable long playing des Chills remonte néanmoins à 1996 (« Sunburnt »). Depuis, la formation a publié un mini elpee baptisé « Stand By » et fait l’objet de l’une ou l’autre compilation.
« Somewhere beautiful » n’est pas, non plus, un nouvel opus, mais une session d’enregistrement privée, immortalisée lors d’un anniversaire accordé en 2011, à Central Otago, au sud de la Nouvelle Zélande. Il est découpé en 20 plages ! Et si le son n’est pas vraiment exceptionnel, l’elpee tient parfaitement la route, car on y retrouve toutes les caractéristiques qui ont forgé la notoriété du groupe. Oscillant du post punk (ces cordes délicieusement discordantes !) au garage, en passant par le psychédélisme et la pop, les compos sont également susceptibles de succomber à la mélancolie, sentiment accentué par la voix fragile de Phillips, ainsi que par les accords de piano sonores ou encore épisodiquement, un violon grinçant. Des titres à épingler ? Le single « Pink frost », le titre d’entrée « Night of chill blue », deux morceaux manifestement influencés par le Velvet Underground. « Part Past Part Fiction », digne des Fleshtones. Les ‘Remesques’ « Wet Blanket » et « Heavenly pop hit » (NDR : ce dernier avait d’ailleurs atteint la deuxième place des charts néo-zélandais, en 1994). Un « February » plus Buzzcocks que nature. Sans oublier l’incisif « Canterbury go ! » qui lorgne carrément vers les Stranglers, et pas seulement à cause de ses chœurs. Un seul bémol, la cover du « Matthew and son » de Cat Stevens, pas vraiment transcendante. Sans quoi, les nostalgiques des Chills devraient se régaler…
Paru en 1988, sous la forme du format vinyle et réédité en 1992, en compact disc, « Creator », constitue le second opus des Lemonheads. Et il s’inscrit dans la lignée du premier, « Hate your friends », même si les cordes de guitares sont parfois plus distinctes (« Sunday »). Ben Deily et Evan Dando se partagent les vocaux, mais le premier nommé braille plus qu’il ne chante.
La première version ne comptait que 13 plages et le cd 15, plus une interview. Cette réédition nous en propose 24, dont 10 bonus tracks également immortalisés à l’Emerson College de Boston, mais en 1988 ; cependant, pas de trace de la reprise du « Luka » de Suzanne Vega ni de « Mallo cup ». Par contre on y retrouve bien le « Your Home Is Where You're Happy » de Charles Manson et le « Plaster Caster » du chanteur/bassiste de Kiss, Gene Simmons. Deux compos acoustiques quand même, « Your home is where you’re happy » et « Postcard » ainsi qu’une plus pop, « Come to the window ». Pour info, sur le dernier titre de la plaque, Juliana Hatfield vient poser sa voix, mais elle chante carrément faux, alors que paradoxalement, les gratteurs tentent vainement de rectifier le tir…
« Hate your friends » constitue le tout premier long playing des Lemonheads. Nous sommes alors en 1987, et le trio, alors constitué d’Evan Dando, de Ben Deily et Jesse Peretz, aidé pour la circonstance par Doug Trachten, pour une grosse moitié de l’album, pratique un punk rock directement influencé par Hüsker Dü et les Replacements. Si Jesse Peretz se concentre uniquement sur la basse, Evan et Ben se réservent les vocaux, jouent de la guitare ou des drums quand le quatrième larron ne siège pas derrière les fûts. Les trois compères s’étaient rencontrés au Commonwealth School de Boston où ils avaient d’abord fondé Whelps. Au départ limité à 13 titres, cette réédition a été enrichie de 17 bonus tracks, dont la plupart ont été immortalisés à l’Emerson College de Boston, en 1987. Parmi les titres gravés en studio, seul « Don’t tell yourself it’s OK » laisse entrevoir le futur plus pop des Lemonheads. Le reste est plutôt brut de décoffrage. Y compris le ‘live’, mais en plus brouillon. Une seconde exception qui confirme la règle, « Mod lang ». Cette piste qui figurait sur la compile « Crawling from within’, lorgne vers Elvis Costello & ses Attractions qui auraient été privés de claviers…
« Lick », c’est le troisième opus de Lemonheads. Paru en vinyle, dès il a été réédité sous la forme d’un compact disc et enrichi de deux bonus tracks, en 1992. Qui figurent bien sur cette nouvelle mouture. A nouveau doté de titres supplémentaires. 10 en tout, dont l’interview évincée de Creator ». Et du tracklisting originel, on retrouve cependant la reprise électrique, mais bien balancée (Bob Mould ?) du « Luka » de Suzanne Vega ainsi que le « Mallo cup » oubliés sur la réédition du second long playing. Ce dernier morceau ouvre d’ailleurs le long playing, et augure une œuvre bien plus mélodieuse et maîtrisée. Illusions rapidement perdues. Car hormis le très pop « Circle of one », bercé d’accents mélancoliques à la Kurt Cobain (NDR : pensez à « In utero »), le reste nous replonge dans la sauvagerie des deux premiers opus. Seul le son de la batterie semble avoir bénéficié d’une meilleure mise en forme. Parmi les bonus tracks, figurent évidemment plusieurs enregistrement opérés ‘live’, deux au WERS et trois aux Pays-Bas ; et puis les quatre pistes du premier Ep éponyme, « Laughing all the way to the cleaners ».
Pour en revenir aux sessions d’enregistrement, elles ne se sont pas déroulées dans un climat paisible, puisque et Dando et Peretz ont alternativement claqué la porte, avant de revenir terminer le boulot, ce dernier quittant finalement la formation lors de leur tournée européenne. Ce qui explique pourquoi plusieurs musicos de studio sont venus en dépannage, afin de pallier les absences alternatives des deux leaders.
La toile ne nous apprend pas grand-chose au sujet de Scott Reitherman, aka Pillar Point. On y découvre quand même qu’il est originaire de Seattle et a milité au sein de la formation indie-pop, Throw Me The Statue. Enfin, que cet opus éponyme constitue le premier elpee de ce jeune artiste. Or, l’Américain est signé chez Polyvinyl Records, un label intéressant qui héberge, notamment, Japandroids, The Dodos, Deerhoof et Xiu Xiu…
Pillar Point pratique une synth-pop au sein de laquelle il mêle judicieusement claviers et guitares. Il remet ainsi au goût du jour les sonorités 80’s, sans pour autant tomber dans le kitsch ni reproduire les recettes consommées par tant de formations contemporaines. Pourtant, les neuf plages de cet elpee constituent un véritable appel à la danse, provoqué d’abord par la ligne de basse caoutchouteuse (« Touch »). Puis par le climat sensuel au sein duquel les compos baignent. Et comme les mélodies sont terriblement contagieuses, je vous souhaite bonne chance pour vous débarrasser du virus…
Pourtant, malgré ce potentiel indéniable, la musique de Reitherman n’a pas encore traversé l’Atlantique. Ce qui ne devrait plus tarder… A quand une tournée européenne ?
Franchement, Robert Pollard est tellement prolifique, qu’il devient de plus en plus difficile d’y retrouver ses jeunes. « Honey Locust Honky Tonk » constituerait son 38ème album si on ne tient compte que de ceux publiés sous son nom et de Guided By Voices. En englobant ses multiples projets, il doit en avoir gravé plus de 80 !
Que nous réserve son nouvel essai ? 17 plages en tout pour un peu moins de 38 minutes, dont quelques unes semblent inachevées. Ce qui n’est pas nouveau dans son chef. Même si les thèmes abordés sont souvent pertinents. Notamment lorsqu’il affronte celui de l’indifférence qui se manifeste aujourd’hui entre les êtres humains ou de l’angoisse face à la mort…
Côté guitare, Robert se sert d’une sèche, d’une semi-acoustique et bien sûr d’une électrique pour accompagner son chant. Mais penchons-nous plutôt sur la quintessence de cette œuvre. Toujours aussi lo fi. Qui adresse l’un ou l’autre clin d’œil à REM. A l’instar de « No requested things » ou de « I killed a man who looks like you ». Deux compos à la mélodie particulièrement contagieuse. Mais également à David Bowie. Comme sur « She hides in black » (ces infexions vocales !) et « It disappears in the least likely hands (Me may never not know) », rémniscente de « Heroes » voire de « The next day ». Et si l’inévitable « Tommy » du Who hante rituellement « Circus green machine », « Who buries the undertaker » nous entraîne dans le sillage de Wire. A cause de ces des jaillissements d’électricité hypnotiques. Enfin, « Drawing a picture » plonge dans le psychédélisme sydbarrettien. Et le reste ? Correct, mais souvent embryonnaire, certaines pistes n’atteignant même pas la minute. Bob n’avait sans doute pas le temps de les parachever. Trop occupé. D’ailleurs, depuis la sortie de ce long playing, il a certainement déjà publié deux ou trois nouveaux albums…
Ce combo italien a donc décidé de déclarer la guerre à Wall Street ! Depuis Vérone, il a l’intention de défier le monde financier en se servant de son groove rock’n’roll, comme unique arme… Mais les traders new-yorkais ne risquent pas de trembler à l’écoute des revendications de ce quintet. Et pour cause, malgré une évidente bonne volonté, il manque singulièrement de cohérence. Difficile de spéculer sur un investissement à 9 titres, quand il réunit du rock à la Arctic Monkeys (« Bad Habit »), du power-rock (« Model Soldiers »), des ballades downtempo (« Harlot’s House », « Walls »), un ersatz d’Offspring nouvelle mouture (« Thinking of Business ») et même des fâcheuses gueulantes émo (« Nice Day »), sans qu’il ne risque de perdre des dividendes. Pas que le ratio soit nul, « Mr Manigot » n’est d’ailleurs pas un mauvais placement, mais ce « War on Wall Street » n’est manifestement pas assez rentable…
Les textes ont beau être engagés (NDR : notamment par Rage Against The Machine, c’est ce que les musicos affirment), on a l’impression leur action est trop dispersée pour séduire les agents de change…
Threelake est le projet monté par Luca Righi et ses énigmatiques Flatland Eagles, un backing band réunissant Andrea Sologni (NDR : également producteur pour la circonstance), Raffaele Marchetti, Lorenzo Cattalani, Paolo Polacchini et Daniele Rossi. Ce combo italien est reponsable de ces « War Tales », des contes de guerre inspirés par un grand-père accordéoniste qui avait réussi à fuir la terreur nazie en se cachant au cœur des montagnes transalpines… Des récits qui collent parfaitement au folk pratiqué par Threelake. Un folk hanté par Sophia voire Will Oldham, c’est-à-dire particulièrement mélancolique et bucolique ! Le chant de Luca Righi s’avère, en outre, particulièrement touchant et juste.
Alternant instrumentation acoustique épurée (« Wild Water ») et riche, au cours de laquelle les interventions de cuivres, de guitares électriques et d’harmonica entrent en communion (« The Walk », le bouleversant « D-Day »), cet opus ne manque vraiment pas d’allure. Si la guerre racontée est européenne, les paysages mentaux suscités par cette musique évoquent inévitablement les grands espaces qui s’étendent à perte de vue aux States.
Ces « War Tales » tombent à pic pour commémorer le centième anniversaire de la première Guerre. Et pour rendre honneur à ces soldats disparus, les roulements de tambour dispensés sur « The Day My Father Cried » nous le rappellent…
Sous le patronyme de Piano Chat se cache le Français Marceau Boré. Après avoir publié un premier Ep intitulé « Ours Molaire », en 2011, et assuré la première partie de la tournée de Yann Tiersen, il vient donc de graver son premier opus, un disque paru chez Kythibong (Fordamage, Papaye, Pneu, …)
« Lands » relate les années passées sur la route par l’artiste. C’est d’ailleurs au cours de ces périples, qu’il a composé ces chansons. Pas étonnant qu’il ait invité des personnages rencontrés ou accompagnés lors de ces expédition, tels que Yann Thiersen, Mesparrow ou encore JB Geoffroy (batteur de Pneu), pour concocter cet elpee. Somme de diverses expériences ou influences, cette œuvre ressemble à une mosaïque haute en couleurs où chaque morceau a sa propre spécificité. Difficile d’ailleurs d’y trouver un fil conducteur. Evoluant au sein d’un univers sonore sis quelque part entre Grandaddy et Gablé, sa musique pourrait être pompeusement être qualifiée d’électro-pop-folk. Encore que l’un ou l’autre morceau laisse filtrer une énergie carrément punk. Hormis les deux derniers morceaux du long playing, plages plus acoustiques chantées dans la langue de Molière, le reste de l’elpee est balayé de bidouillages électroniques, et interprété dans celle de Shakespeare. Une voix dont il parvient brillamment à moduler le ton et l’intensité, suivant les pistes. Cependant si l’éclectisme est le point fort de l’album, c’est également son tendon d’Achille. Cette trop grande disparité entre les différentes compos nuit finalement à un ensemble qui souffre également de la présence de l’une ou l’autre plage totalement dispensable, à l’instar de « Fragiles Lands ». Dommage !
Un an après avoir livré un album intitulé « Rivonia », la jeune Sud-africaine, Cherilyn Macneil, aka Dear Reader, nous propose un opus ‘live’ enregistré en compagnie de l’orchestre symphonique allemand, le Deutsches Filmorchester Babelsberg.
Sur ce disque, on retrouve une majorité de titres issus de l’elpee précédent, soit sept sur douze, le reste procédant des premiers long playings. Pas de nouveaux morceaux donc. Néanmoins, « We Followed Every Sound » est une œuvre intéressante tant sa dimension lyrique est transcendée par l’ensemble des musiciens (cordes, cuivres, chœurs, etc.) qui soutient à la perfection, la Berlinoise d’adoption. Révélant ainsi encore mieux son univers fantasque et féerique.
Bref, on est impatient de découvrir cette jeune artiste, sur les planches. Et pourquoi pas prochainement en Belgique ?
Neil Young nous avait donc légué « After the Gold Rush » en 1970. Agyle nous propose son « Gold Rust ». Alors serions nous en présence d’une relecture d’un des grands classiques du Canadien opérée par un trio français ? Une ‘rouille d’or’ si on s’en tient à la traduction littérale ? Un retour vers des années dorées ? Celles des années 90, alors. Des grattes oxydées par le grunge, au cours de cette décennie… Car le grunge et la rouille sont bien complémentaires. Ces musiciens poitevins doivent probablement vénérer Pearl Jam et Soundgarden ! Des géants aux pieds d’Argyle… Les guitares sont lourdes et les envolées empreintes de lyrisme. La voix du chanteur rappelle celle de Chris Cornell, malgré l’accent bien franchouillard... Néanmoins si les références susvisées sont manifestes (« Goodbye Jimi »), j’émettrai quand même une certaine réserve lorsqu’elles pataugent dans la fange nauséeuse de Nickelback voire de Puddle of Mud ! Un cloaque dont l’Argyle lui collerait tellement aux basques, qu’il ne parviendrait plus à s’en dépêtrer. Bref, cette version française de Cold est certainement habitée et bien torchée mais quelque peu maniérée et datée…
Rien à voir avec la série de David Lynch du même nom ! Twin Peaks est le patronyme choisi par un quatuor originaire de Chicago et « Sunken » constitue son premier album.
En à peine vingt minutes, ces quatre jeunes Américains, fraîchement sortis du lycée, démontrent qu’ils possèdent un sacré potentiel. Leur mélange de dream-pop et de noise vaut clairement le détour. Bénéficiant d’une production garage ‘vintage’, ils parviennent à nous balancer huit morceaux aux mélodies entêtantes. « Boomers » en est certainement le meilleur exemple. La voix nasillarde du chanteur évoque rapidement celle de Julian Casablanca tandis que les morceaux rappellent ceux de Beach House.
Au final, « Sunken » est un album excitant au bout duquel on reste sur notre faim. On est impatient de voir débarquer leur premier véritable long playing. Un peu plus conséquent, histoire de vérifier si le groupe tient la route...
Loin d’être en reste sur le plan qualitatif, la jeune scène liégeoise rivalise non seulement avec le reste du pays, mais peut aussi se targuer de posséder quelques pointures de calibre international.
Leaf House est bel et bien de cette trempe, et présentait fièrement ce vendredi, le résultat de deux années de travail.
Une ‘Release Party’ qui prélude, on l’espère, une grande carrière, il est vrai déjà joliment mise sur rails.
Le public local ne s’est pas trompé, et a répondu en masse afin de participer à cette mise sur orbite.
Public majoritairement jeune. Logique, au vu de la moyenne d’âge affichée par le groupe. Une jeunesse qui sent bon la fougue et l’enthousiasme, tout en ne négligeant pas pour autant l’amour du travail bien fait et le soin apporté au sens du détail.
À l’écoute des nouveaux titres présentés ce soir, il ne fait plus aucun doute que le band liégeois entend entrer de plein pied dans la cour des grands.
Et de constater qu’il a tout pour réussir.
En ce sens, les prochaines dates de concerts leur permettront d’affûter un set qui possède exactement le bon dosage pour satisfaire aussi bien les festivaliers en quête de bonne humeur que les mélomanes plus difficiles.
En moins d’une heure, Leaf House balaie toute ombre de doute et impose d’emblée sa patte.
Un son, une pêche, un équilibre : de quoi mettre en valeur des compositions riches et particulièrement efficaces.
Il n’y a pas à dire, l’album est promis à un bel avenir, et le succès du groupe devrait dès lors logiquement suivre cette trace étoilée, bigarrée de mille couleurs.
Car leur musique s’écoute, mais se voit également, se déclinant dans un spectre large s’étendant au-delà de la simple quadrichromie.
Sans appartenir à une quelconque mode (ou alors la leur, qui adopte ses propres codes), et se prévalant d’atouts susceptibles de plaire à un grand nombre (sans pour autant tomber dans la facilité), Leaf House est un groupe heureux et prêt à s’épanouir.
Heureux, qui comme Ulysse et ses compagnons, entament leur carrière sous les meilleurs auspices.
S’il reste évident que le groupe à encore du chemin à parcourir (somme toute quoi de plus normal qu’un long voyage pour un groupe arborant ce patronyme ?), les gagnants du tremplin Ardentes (qui à ce titre ouvriront le festival), marquent déjà les esprits et se distinguent dans le paysage sonore local.
À suivre, donc.
Finalement, au sortir de ce concert, je ressens l’impression vivifiante de vivre au plus près l’histoire d’une scène en devenir, une scène amorcée par les mêmes passionnés, actifs depuis belle lurette, mais qui porte aujourd’hui les fruits d’un succès amplement mérité.
Et je ne peux m’empêcher d’y voir certaines similitudes avec ce Manchester d’une autre époque, elle aussi raillée pendant tout un temps, et qui est parvenue à sortir de la grisaille pour devenir un des pôles majeurs de l’industrie du disque.
Liègechester, vous salue bien.
(Organisation: JauneOrange)
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