De toute évidence, Laurence Bell, célèbre patron du label Domino, a le nez creux pour dénicher des talents. Et lorsqu’il a signé, deux ans plus tôt, son premier groupe français, il a même pris un risque, qui se solde aujourd’hui par une réussite totale. A l’époque, François and The Atlas Mountains avait publié un premier opus, intitulé « E Volo Love ». « Piano ombre » constitue donc leur deuxième long playing.
François Marry y est toujours soutenu par ses fantasques Atlas Mountains, réunissant ses compatriotes multi-instrumentistes Amaury Ranger et Pierre Loustaunau (Petit Fantôme) ainsi que du drummer Jean Thevenin (Jaune), le line up impliquant également le claviériste écossais Gerard Black (Babe)…
Et cette équipe confirme tout le bien qu’on pensait d’elle sur ce nouvel elpee. Une œuvre dont la musique se révèle à la fois aventureuse, délicate et délicieuse. Produit par Ash Workman (Metronomy, NZCA Lines), il regorge de pépites pop contemporaines dont j’épinglerai l’immédiat « La Vérité » ou le plus complexe et mélancolique titre maître. A contrario du précédent opus, les morceaux sont plus souvent interprétés en français, communiquant ainsi une élégance étrange à l’ensemble. Elégance accentuée par cette poésie à la fois légère et romantique. Cependant, l’aspect plus sombre des lyrics, écrits lors d’une période plus difficile traversée par François, et plus exactement pendant les sessions d’enregistrement, est judicieusement contrebalancé par la luminosité des compositions, toujours aussi influencées par ce cocktail de rythmes africains et de variété française (NDR : les yéyé ?), qu’il dissimule sous une armure indie pop imparable. D’autant plus que ce « Piano Ombre » est chargé de mille nuances…
A ne surtout pas manquer le 20 mai, dans le cadre des Nuits Botanique de Bruxelles !
Etabli à Lincoln, dans le Nebraska, ce sextuor s’est spécialisé dans la musique soul, funk et R&B. Fondé en décembre 2012, il vient de publier son tout premier opus! Josh Hoyer en est le leader, mais surtout le chanteur et pianiste. Il est le responsable de la programmation du fameux blues bar, The Zoo à Lincoln ; c’est là où le regretté bluesman de Chicago, Magic Slim, a enregistré tout une série d'albums live.
L'introduction de "Shadowboxer" est adorable. Au grand complet, une section de cuivres fait front : Mike Dee au saxophone ténor, Russell Zimmer à la trompette, Tommy Van den Berg au trombone et le leader au sax baryton. Josh passe alors derrière son orgue et chante autoritairement, alors que les choristes Hanna, Kim et Megan lui donnent la réplique. Excellent ! "Close your eyes" est un excellent r&b. Très musicale, la voix se comporte comme un instrument. Elle balise le tempo de cette plage à la superbe mélodie, alors que les cuivres ne lâchent rien ! Le son est plutôt singulier. Les compos ne manquent pas de charme. Tout en intonations, la voix va bien au-delà de l’"Illusion". La conjugaison de la section rythmique, des claviers et des cuivres me rappelle parfois, en moins jazz et rock, le Chicago originel. "Everyday and every night" trempe dans la soul. La voix douce de Josh correspond parfaitement à ce style musical. Avant de céder le relais aux cuivres. Et lorsqu’ils dirigent la manœuvre, la musique devient très excitante. Tommy Van den Berg se lâche alors sur son trombone pendant que le leader propulse ses interventions d’orgue à l'avant-plan. Toujours contaminé par la soul, "Just call me" est davantage propice à la danse. Mr Hoyer siège derrière le piano tout au long de "Til she's lovin' someone else", une piste dont le funk nous conduit vers la Crescent City de New Orleans. Caractérisé par les interventions d’orgue et de guitare rythmique assurée par Benny Kushmer, "Make time for love" est un autre r&b à coloration Memphis. Et Benny en profite pour nous réserver une sortie classieuse sur ses cordes. De toute bonne facture, cet opus s’achève par "Dirty world", une plage qui baigne dans un climat funky. Justin G. Jones exploite tout son arsenal de percussions, alors que Kushmer signe un dernier envol aux cordes…
Fruit de la réunion entre deux artistes radicaux, cet album ne pourra plaire qu'aux aficionados d'expérimentations sonores. D'un côté, KK Null alias Kazuyuki Kishino, légende de la noise japonaise, ancien collaborateur de Merzbow et leader de Zeni Geva, un projet mené jusqu'il y a peu en compagnie de Mitsuru Tabata (Acid Mother Temples). De l'autre, le Marseillais Julien Ottavi aka The Noiser, membre du collectif Apo33, en tant que vidéaste, poète, performeur, développeur de logiciels libres et grand amateur de sonorités insupportables pour le commun des mortels. The Noiser habille d'ailleurs d'images et de lumières les prestations live du duo.
Le premier morceau (NDR : aucune piste n’a de titre) cueille l'auditeur à froid. C'est le plus extrême. Des déflagrations harsh-noise répondent à un piano minimaliste, des beats micro-house apparaissent puis mutent vers un hardcore expérimental bombardé de drones stridents. Le ton est donné. Il ne reste plus qu'à se laisser porter et parfois malmener. L'album s'écoute en continu, comme une histoire improvisée par deux conteurs schizophrènes. On passe de la musique contemporaine au field recordings, de l'electro-acoustique à l'ethnique sans toujours saisir les associations d'idées. Les deux guides de ce voyage en sons inconnus se plaisent à louvoyer quitte à nous emmener, à certains moments, dans des coins peu hospitaliers. En ce sens, le dernier morceau, une improvisation de 25 minutes extraites d'un concert accordé à Vienne en 2011 est assez éprouvant. Se succèdent vrombissements, scratches étirés, chants d'oiseau, sonorités cristallines, bruits industriels, accords fous de piano qui seront étirés, concassés, répétés, ralentis jusqu'à la mort du dernier bleep, dans un ultime maelström sonore.
Pour public averti, selon la formule.
Quoique née dans le Wisconsin, Cathy Lemons a passé une bonne partie de sa jeunesse au Texas où elle s’est convertie au blues ; mais c'est bien en Californie, dans la baie de San Francisco, que cette jolie femme a accompli sa carrière, puisqu'elle y réside depuis plus de 25 ans. En 2010, elle avait publié "Lemonace", un excellent opus, enregistré en compagnie de son compagnon d'alors, Johnny Ace.
Les sessions de "Black Crow" se sont déroulées au sein du studio de Kid Andersen, qui co-produit l’elpee avec Miss Lemons et l’omniprésent Stevie Gurr. Cependant, Cathy ne se confine pas seulement à un seul style ; elle aime varier son répertoire.
Oscillant entre le style Memphis et de la Louisiane, "I'm a good woman" est une plage solide, écrite par le brillant Kim Wilson, une plage au cours de laquelle la guitare de Steve Gurr est à la fois élégante et sobre, alors que sémillant, le saxophone baryton de Doug James communique la coloration R&B. Les percus de Robbie Bean garantissent la légèreté du rythme tout au long d’"Ain't gonna do it", une délicate ballade roots que chante Cathy d’un timbre clair, pendant que Gurr souffle sans excès dans l'harmonica. Et sa voix prend tout son relief sur "Black crow", une autre ballade blues dont l’environnement est raffiné par les cordes acoustiques et les effets sonores d'Andersen. Introduit par l'harmonica, "Hip check man" est un boogie musclé, dynamisé de bout en bout par Gurr. Cathy manifeste beaucoup de conviction pour chanter "You're in my town now", un blues lent, dépouillé, au cours duquel Stevie joue parcimonieusement des cordes, pendant que Kevin Zuffi brille au piano. Kevin a régulièrement soutenu l'harmoniciste californien Mark Hummel. Autre ballade roots, "It all went down the drain" est issue de la plume de feu Earl King, musicien notoire issu de la Nouvelle Orléans. Invité, Volker Strifler injecte énormément de feeling dans cette plage, à l’aide de son dobro. Dans le passé, Volker a souvent apporté sa collaboration à Robben Ford. Cathy interprète "The big payback" de James Brown, un funk coloré par les saxophones de Doug James, le piano de Zuffi et les chœurs. "I'm going to try" est une ballade soul indolente, mais surtout bouleversante. Derrière son micro, Cathy y met tout son cœur. Kevin Zuffi siège derrière l'orgue Hammond. Et Stevie Gurr libère son plus bel envol, avant que James ne nous réserve son intervention divine au saxophone. Miss Lemons n’a pas oublié qu’elle a longtemps vécu au Texas. Et nous le rappelle à travers "Texas shuffle", une parfaite définition de son style. Elle y a même fréquenté de véritables maîtres du genre. Et Volker Strifler y semble totalement hanté par Stevie Ray Vaughan. Chargée d’émotion, "The devil has blues eyes" baigne dans le Delta blues original, une finale caractérisée par la voix offensive de Cathy et les cordes acoustiques de son partenaire…
Originaire de Detroit, Marcus Malone est un chanteur/guitariste de couleur noire. Depuis plus de 10 ans, il pratique un blues rock très mélodique. Son premier album ? Il l’a mis en boîte à Los Angeles. Au cours des 90’s. Intitulé "Marcus", il avait bénéficié du concours de Tim Bogert (ex-Vanilla Fudge/Cactus/Jeff Beck) et Gene Black, un gratteur qui depuis s’est mis au service de Joe Cocker. Cet opus avait beaucoup plu en Europe ; ce qui avait permis à l’artiste d’y tourner inlassablement. Il s'est alors établi en Angleterre dès 1997 et a entamé la publication de toute une série d’elpees : "One more time" en 1999, "Walkin' shoes" en 2002, "Blue radio" en 2005, "Hurricane" en 2007, "Let the sunshine in" en 2011, et enfin ce "Stand or fall".
L'artiste jouissant aujourd’hui d’une belle notoriété, il a reçu le concours de toute une série de collaborateurs, lors des sessions d’enregistrement. Dont de nombreux amis guitaristes, parmi lesquels on épinglera John Nolan de Staylight Run, Stuart Nixon de Never the Bride, Billy Burke et Julian Burdock de 24 Pesos (ex-Waterzooi). Marcus signe la plus grande partie des plages.
Il démarre par "Leaving the blues", un rockin' blues bien nerveux, auquel participe un des meilleurs souffleurs anglais contemporains, Wil Wilde. Nous ne sommes pas loin de Whitesnake, mais en beaucoup moins hard. En outre, la slide de Burdock communique à la plage, une coloration particulière. Marcus revient au style qu'il affectionne sur "Stand or fall". Imprimé sur un tempo lent entretenu par des riffs dramatiques, la musique évoque le célèbre blues band insulaire de la fin des 60’s, Free. La voix est d’ailleurs aussi rauque et puissante que celle de Paul Rogers, alors que Billy Burke ressuscite les accords chers à Paul Kossoff, en moins écorché toutefois! Malone a également assuré la mise en forme ; et il en a profité pour injecter de nombreux chœurs dans ses arrangements. "Aint no tellin" élève quelque peu le tempo. La voix de Marcus colle parfaitement au genre. John Nolan s’autorise une envolée de classe sur ses cordes. "It's gonna take time" est une ballade indolente. Les cordes acoustiques, l'orgue de Moz Gamble et l'harmonica d'Alan Glen (ex Nine Below Zero/Yardbirds) y font bon ménage. "Detroit City Blues" est à nouveau hanté par le Free. Marcus se souvient de ses jeunes années vécues dans la Motor City. Dixon s'envole aux cordes dans un registre plus métal. "Slow down" est un blues rocker au tempo vivace. Will Wilde se réserve l’harmo, alors que la guitare de Dixon emprunte un profil bien plus rock'n'roll! Slow blues dramatique, "Jealous kind" nous entraîne dans l’univers de John Lee Hooker. Malone chante toujours comme Rogers sur "Under pressure", mais de l’époque Bad Company. Le long playing nous réserve deux bonus tracks. Et c’est le bonheur ! Tout d'abord "Living the blues", un excellent boogie blues caractérisé par le retour de Burdock à la six cordes. Puis, une version longue du lent "It's gonna take time"…
Mikey Jr poursuit sa route parfaitement tracée depuis qu’il a accompli ses débuts dans le New Jersey, il y a déjà 31 ans ! Et sa belle discographie est au diapason. "Traveling South" constitue son huitième opus. Pour la circonstance, il a de nouveau reçu le concours du jeune Dave Gross qui s’est chargé de la production, de conduire les séances de studio, tout en apportant sa participation à la guitare.
Le titre maître ouvre l’opus. Une compo signée Mike Vernon, l'ancien gourou du blues anglais. Il souffle dans son instrument chromatique. Deux grattes soutiennent les vocaux, mais c’est bien la musique à bouche de Mikey qui dirige la manœuvre. Et ses interventions sont superbes. Une excellente entrée en matière ! "Nobody does it like me" permet de savourer la qualité du chant. Une voix qu'il force quelque peu mais sans excès ; d’ailleurs on peut mesurer la réserve de puissance du souffle. Mikey en garde sous la pédale tout en variant aisément ses tonalités. Michael Bram excelle aux percus sur "Morning on my way". L'orgue Hammond de Jeremy Baum (un musicien de studio notoire) s'intègre parfaitement à cette compo qui rappelle quand même Billy Boy Arnold. Mikey peut y vider ses poumons sans ressentir la moindre entrave. L'artiste s'enfonce dans le Delta pour aborder "Mill Tavern". Michael ‘Leroy’ Bram maîtrise ce blues authentique imprimé sur un tempo à l’aide de ses fûts. Bram est également un bluesman talentueux. Leader des Alternators, il se réserve le chant et la guitare. "Katie Lynn" constitue un sommet de l’opus. Tout est parfaitement en place. Jeremy est passé au piano. Et bien soudés, les musicos édifient une rampe de lancement rêvée pour le chant et l'harmonica. Auteur, compositeur, chanteur et guitariste, Danny DeGennaro s’était forgé une solide réputation en militant chez Kingfish, groupe lié à Grateful Dead. Danny a été lâchement assassiné lors d'un cambriolage perpétré dans son domicile, fin 2011. Cinq personnes ont depuis été arrêtées, jugées et emprisonnées. Mikey Jr lui rend justice en lui dédiant cet album et en interprétant une de ses compositions, "Bad time blues". Dave Gross y opère une sortie brillante sur ses cordes. "The cheat" s’appuie sur un riff solide de guitare, un blues de bonne facture au cours duquel l'harmonica ne tient plus en place. "You" baigne au sein d’un climat hypnotique réminiscent de Howlin' Wolf. A cause du chant. Un climat de transe propice aux solistes. "She's good at being bad" est un autre summum de l’elpee, un blues très lent, dépouillé, aux intonations dramatiques. Très en verve, Dave Gross devient même carrément intenable sur "Please come back", une plage plus R&B. DeGennaro avait co-écrit "Wrong number", une ballade majestueuse très Memphis Stax, au cours duquel l'orgue de Baum ronfle comme celui de Booker T. "Trying to do the best I can" clôt le long playing. Une piste acoustique agréable et finalement très roots.
Cet arc-en-ciel lunaire est un combo de stoner rock originaire de Kentucky. Un super-groupe, puisqu'il réunit des musiciens de Hank3, Afghan Whigs, Hermano et Valley of the Sun. La formation a été fondée en 2010 par le chanteur Matt Bischoff. Et elle implique Ryan McAllister à la basse (NDR : qui se sert d’une Rickenbacker), David McElfresh à la guitare et Steve Earle à la batterie.
"End of time" ouvre le long playing. On pénètre d’abord dans un univers folk entretenu par un violon et des cordes acoustiques. Mais après trente secondes, une ligne de basse bien épaisse ébranle le décor. Et nous entraîne au cœur d’un rock bien dur mais parfaitement audible. Et Black Sabbath n’est pas loin lorsque la guitare se fond dans la section rythmique. La musique pratiquée par Moonbow est bien stoner, c’est-à-dire très influencée par les 70s. Pas de hurlement vocal. Lorsque la guitare se libère, elle est bien maîtrisée et cavale rarement comme un étalon incontrôlable. "Journey of the iron horse" embraie sans la moindre pause. Le rythme est nettement plus rapide. Le cheval d'acier est au galop. La conjugaison entre la ligne de basse et les interventions de la batterie est volontairement lourde, écrasante même ; et la guitare de McElfresh a bien du mérite à s'en extraire. Matt Bischoff a une voix bien timbrée. "Fire bath" est une compo accrocheuse, malgré son titre. Un bain de feu pour se purifier de la fumée sacrée dans la fontaine de Satan. Pas vraiment un thème réjouissant ! Remontons dans le temps, et plus précisément fin des sixties/début des seventies lorsque Black Sabbath, Budgie ou même Motörhead sévissaient sur la scène hard rock. "Take it for granted" nous y replonge. Les lyrics sont signés John Garcia (Vista Chino, Kyuss) ; et il chante d’une voix douce, avant que Matt en prenne le relais pour aussitôt nous invectiver ! De bonne facture, "Octavia" est une plage au refrain contagieux. Cette aventure stoner se poursuit par "Saved", une piste censée sauver le pécheur des ténèbres. Mais l’opus s’achève dans un climat chaotique, lorsque débarque "Black widow", une veuve noire dont l’apparition est saluée par une bonne sortie des cordes.
Mount Carmel ne nous invite pas à grimper sur la montagne biblique située en Israël, Mais à savourer son troisième opus. Fondé en 2010 à Colombus, dans l'Ohio, ce power trio américain réunit les frères Reed. Matthew au chant et à la guitare, Patrick à la basse. Un line up complété par le drummer, James McCain qui a remplacé récemment Kevin Skubak. Leur patronyme serait inspiré du lieu de naissance de cette fratrie : l'hôpital Mount Carmel de Colombus! Les deux premiers elpees étaient parus chez Siltbreeze, "Mount Carmel" dès 2010 et "Real woman" en 2012.
Publié sur Alive Naturalsound, "Get pure" a été enregistré au Suma Recordings de Cleveland et mixé au Ghetto Recorders de Detroit par Jim Diamond (NDR : notamment responsable de la mise en forme d’un album des White Stripes). L’esprit blues/rock est intact. Ces jeunes musicos ont été plongés, dès leur naissance, dans ce style insulaire réminiscent de la fin des 60s et du début 70s. Notamment celui que pratiquaient The Cream, Free et Humble Pie. Vous devriez ainsi vous faire une petite idée de la musique concoctée par le trio.
La machine à remonter le temps nous replonge donc quatre décennies en arrière. "Gold" ouvre l’opus. Une compo qui baigne dans l’ambiance du Cream, même si McCain ne possède pas la puissance de feu d’un Ginger Baker. "Back on it" est imprimé sur un tempo rapide. La section rythmique, bien soudée. La voix de Matthew, légèrement écorchée. "Back on it" trahit l’influence majeure de Mount Carmel : le Free. A cause des riffs blues rock dramatiques et de la manière de chanter, proche de celle de Paul Rogers, malgré un peu moins de puissance naturelle. "Whisper" me rappelle un des tous premiers groupes de hard rock californien, Blue Cheer, un combo sont sa version enflammée de "Summertime blues" avait récolté un énorme succès. Les deux plages suivantes nous invitent à pénétrer dans l’univers d'Humble Pie lorsque le pouvoir était partagé entre Steve Marriott et Peter Frampton. Tout d'abord "No pot to piss". A cause de cette succession de rythmiques adoptée par la guitare et surtout la voix empruntée à Frampton. Puis "Swallow me up", plus hard dans le style. Instrumental "Bridge to nowhere" constitue un exercice de style. Il sert également d’interlude avant de passer à la suite des événements. "One more morning" opère un retour à la formule instituée par le Free. Caractérisée par une sortie de cordes bien sentie, cette piste recèle son lot de dérapages contrôlés. Dans un climat similaire, "Will I" libère des sonorités de guitare bourrées de feeling. En écoutant "Hanging on", j’ai dû quelque peu me creuser les méninges. Faut dire que des groupes anglais susceptibles de composer une telle compo, à l’époque, il y en avait des tonnes. Parfois de très bons, quoique obscurs, comme Leafhound. Et cette piste me rappelle finalement ce band britannique! "Fear me now" lorgne de nouveau vers The Cream. La tension dramatique y est entretenue par la lourdeur du riff. Tout comme le final, "Yeah you mama". Cependant, Matthew ne possède ni la force, ni l'élégance vocale de Jack Bruce. Un long playing à conseiller à celles et ceux qui n’ont ceux qui n'ont pas vécu cette grande époque! Même si Mount Carmel n’a pas encore acquis la notoriété des Black Crowes voire des Black Keys!
Véritable globe-trotter, Mauro Remiddi est né à Rome, a grandi à Londres et s’est établi, depuis une douzaine d’années, à Brooklyn. Le choix d’entreprendre une carrière professionnelle, dans l’univers de la musique, s’est rapidement révélé à lui. C’est vers l’âge de 10 ans qu’il touche pour la première fois un instrument. Après avoir enregistré quelques Eps sous différents patronymes et écrit une B.O. pour un film italien, il décide de lancer un nouveau projet qu’il baptise Porcelain Raft. Et comme il est déjà connu dans la sphère musicale, il déniche rapidement un maison de disques, en l’occurrence le label indépendant américain, Secretly Canadian (War on Drugs, Damien Jurado, …) Il publie d’abord un Ep, et dans la foulée, un premier elpee intitulé « Strange Weekend ».
Après avoir passé plusieurs mois sur les routes et pris quelques jours de repos, l’Italo-britannique se remet au travail et couche sur papier ses expériences engrangées au cours de cette aventure enrichissante. Moins de deux ans après la sortie du précédent long playing, Porcelain Raft nous propose donc ce « Permanent Signal ». Pour enregistrer cet LP, le multi-instrumentiste a reçu le concours de quelques relations qui militent au sein de l’univers indie-rock américain ; et notamment Jonny Rogoff (Yuck) aux fûts, Darby Cicci (The Antlers) aux chœurs et à la trompette ainsi que Gaspar Claus (qui a notamment apporté sa collaboré à The National et Sufjan Stevens) au violon.
Tout au long de « Permanent Signal », Mauro puise un peu dans tous les styles. Si bien que le véritable fil conducteur des onze pistes de cet elpee est tramé par la voix. Une voix douce, nasillarde et chargée de feeling qui nous plonge dans une atmosphère mélancolique. L’album s’ouvre par deux plages magistrales, sculptées dans la dream-pop, évoquant Beach House. Soit le captivant « Think of The Ocean » et le vaporeux « Cluster ». Porcelain Raft commence très fort ! La suite manque malheureusement de constance et surtout d’intensité. Caractérisé para ses références 80’s, « Minor Pleasure » est même totalement dispensable. Il faut attendre « The Way Out » et « Five Minutes From Now » pour retrouver chez Remiddi l’inspiration du début. Deux morceaux de shoegaze digne de The Antlers. Quatre titres sur onze, c’est néanmoins un bilan insuffisant pour le talent de Mauro. Il nous doit une revanche !
Thorbjørn Risager est danois. Agé de 37 ans, ce chanteur est un fervent adepte de BB King et Ray Charles. Professeur de formation, il a opté pour la carrière musicale. Depuis 2003, il dirige un groupe de sept musiciens, baptisé désormais The Black Tornado. Ensemble, ils ne se limitent pas au blues pur et dur mais plutôt à une fusion entre le blues, le funk, le R&B, la soul, le gospel et le rock. "Too many roads" constitue leur 8ème opus, il fait suite à "Between rock and some hard blues", paru en 2013.
L'album démarre par "If you wanna leave". Une véritable claque ! Puissante, la voix domine son sujet y compris la section rythmique. Le son est sale, pourrave, avant que l’ensemble des musicos ne viennent le rejoindre. La voix de Thorbjørn est autoritaire. Idéale pour ce type de plage, elle force même le passage. Pourtant, c’est le saxophone de Kasper Wagner qui s’autorise le premier envol. Une ouverture assez extraordinaire. "Too many roads" nous entraîne dans le delta du Mississippi, berceau du blues originel. La production est soignée. Le son du dobro, clair. Les harmonies vocales et la section rythmique soutiennent parfaitement le leader. "China gate" est la B.O. de ce film, un long métrage sorti en 1957 qui mettait notamment en scène Nat King Cole, une compo signée Victor Young. Cette nouvelle version est traduite en ballade folk/blues émouvante et dépouillée. "Paradise" nous ramène dans le Delta, pour une fusion roots blues, impliquant la collaboration de la section de cuivres. Des cuivres toujours bien présents et même grisants tout au long de "Drowning", une plage syncopée, balisée par la lourde contrebasse de Soren Bojgaard et les percussions de Martin Seidelin, qui emprunte à la musique caribéenne. Retour au blues pour "Backseat driver", une piste au riff impérieux, imposé par le leader. Ballade soul, "Through the years" est illuminée par une belle sortie de Peter Skjerning sur ses cordes. Un épais riff blues/rock amorce "High rolling". Nous ne sommes pas loin des Stones, mais la voix de Risager est bien plus allumée et mâle que cette de Jagger. De toute bonne facture, "Long forgotten track" est une ballade roots aux accents laidback, nonchalants, digne de JJ Cale. Plus immédiat, "Reh hot & blue" trempe dans un R&B presque pop. Un morceau bien ficelé au cours duquel la guitare parvient à se détacher de la fusion entre les cuivres et l'orgue. Libérant un max de groove, "Rich man" nous plonge dans l’univers de la Nouvelle Orléans. Et plus exactement reflète la joie de se produire dans la rue. Trompette, clarinette et sousaphone : tous les cuivres sont à la fête. Ce superbe album s’achève par une dernière surprise. Un rockabilly ! Pur et dur ! "Play on" dont le piano boogie est attaqué furieusement, un peu à la manière de Jerry Lee Lewis…
Dirigé par Mark Burgess, l'un des plus talentueux chanteurs/compositeurs/poètes de l'histoire du rock (et un de mes ‘héros’), The Chameleons a marqué les années '80 en produisant des bijoux de rock post-punk psychédélique, comme "Script of The Bridge" ou "Strange Times". Malheureusement, la formation s'est séparée après la mort de leur manager Tony Fletcher, en 1987. Après avoir tenté plusieurs projets en solo ou en compagnie d'autres musiciens (The Sun and The Moon, Invincible, ...), Mark Burgess a décidé, en 2000, de reprendre le flambeau sous le vocable Chameleons Vox (la voix des Chameleons) à l’aide du batteur originel, John Lever et d'autres musiciens.
La tournée européenne qui passe par Het Depot, ce soir, repose sur l'interprétation intégrale du premier album des Mancuniens, « Script of the Bridge ». Probablement leur meilleure réalisation, elle remonte à 1983. En fin d'après-midi, j'ai eu la chance d'interviewer Mark Burgess. C'est un homme attachant, très brillant et pétri d'humour typiquement britannique. Il a parlé de son enfance à Manchester, des Beatles, de T.-Rex, de l'enregistrement de « Script... », de ses projets, etc., mais aussi, de son intérêt pour les OVNI, les expériences proches de la mort et les phénomènes paranormaux, en général. Cette interview sera publiée sur musiczine.net dans les tout prochains jours. Stay tuned !
Mais pour l'heure, concentrons-nous sur le concert. Het Depot est en configuration 'box', car un rideau coupe la salle en deux. Chameleons Vox n'attire pas la toute grande foule, mais c'est un public de véritables fans, majoritairement des quadragénaires, qui est venu vivre ce moment unique.
Dès la première chanson, « Don't Fall », le ton est donné. La formation reproduit à la perfection le titre original. Depuis qu'il a recommencé à jouer de la basse sur scène, Mark Burgess ressemble à s'y méprendre à l'image qu'il reflétait dans les années '80. Ce qui frappe également, c'est l'excellent travail réalisé par les deux guitaristes, qui ont réussi la gageure de reproduire les tonalités extrêmement élaborées, créées à l'époque par Dave Fielding et Reg Smithies ; des tonalités bourrées de réverbération (notamment, grâce à l'ampli Roland Space Echo). Le son général est parfait. Pas étonnant, puisque c'est l'excellent ingé’ Thomas ‘Mixmeister’ (TNproductions) qui est préposé à la table de mixage.
Après « Here Today », il attaque « Monkeyland », un des titres phares de l'opus. Le morceau s’ébroue tout en douceur, mais quand éclate le refrain, le public reprend comme un seul homme : ‘It's just a trick of the light !’ Le set embraie par « Second Skin », une de mes 10 chansons préférées toutes époques et catégories confondues. Sept minutes de pur plaisir, où l'on ressent pleinement la profondeur de l'inspiration de Burgess, qui puise ses racines dans les années '60 comme en témoigne l'allusion concédée au « Please, Please Me », des Beatles, glissée au beau milieu de la chanson. Dans la deuxième partie, superbement psychédélique, on flotte dans un autre monde, les yeux fermés, transpercés par la beauté hypnotique de la musique.
Les plages suivantes de l'elpee sont une succession de classiques incontournables et indémodables, depuis l'énergique « Up the Down Escalator » jusqu'au très sociologique « A Person Isn't Safe Anywhere These Days ». Au moment de « Paper Tigers » l’intensité est à son comble et la formation clôture sa prestation par le très beau « View From A Hill ».
De retour sur le podium pour le rappel, Mark Burgess nous réserve, a capella, la chanson que les fans de Manchester City, son club favori, entonnent en l'honneur de notre Vincent Kompany national, sur l'air de Mrs Robinson : ‘And here's to you, Vincent Kompany’... Un clin d'oeil très apprécié par un public de connaisseurs ! Ensuite, le band reprend « Looking Inwardly », une plage extraite du second elpee des Chameleons, « What does anything mean? Basically », avant d'entamer un autre tour de force, « Soul in Isolation ». Cette composition très élaborée, issue du troisième album du groupe, « Strange Times », s'étire sur plus de 9 minutes et comme d’habitude, Burgess s'y adonne au 'song dropping' en plaçant quelques extraits de « The End » (The Doors) et « Eleanor Rigby » (The Beatles). « Singing Rule Britannia (While the Walls Close In) » est présentée comme une chanson ‘Made in Manchester’ et Burgess y introduit également une évocation musicale, mais au « Transmission » de Joy Division…
Après une seconde pause, Chameleons Vox revient sur les planches pour interpréter le très funky « Swamp Thing » et le solide « Return of the Roughnecks ». Au final, excepté le manque relatif d'interaction entre les musiciens en ‘live’, ce concert a été en tous points parfait. On a pu se rendre compte de l'incroyable spectre qui caractérise les Chameleons : une musique forte et en même temps très sophistiquée, des paroles très poétiques, voire philosophiques, révélant un regard unique sur la société et la condition humaine. On attend impatiemment les nouvelles compositions que Mark Burgess et surtout son nouvel elpee qui devrait paraître dans le courant de l’année, une œuvre pour laquelle il a associé différents musiciens, à l’écriture...
En première partie, Reiziger, une formation louvaniste et limbourgeoise, a présenté un power-rock énergique, aux accents Sonic Youth / Fugazi / Girls Against Boys. Leur album « Kodiak Station » est sorti il y a peu sur Birch&Broom/[PiaS]. A suivre !
Organisation : Het Depot, Leuven
Setlist :
Don't Fall
Here Today
Monkeyland
Second Skin
Up the Down Escalator
Less Than Human
Pleasure and Pain
Thursday's Child
As High As You Can Go
A Person Isn't Safe Anywhere These Days
Paper Tigers
View From a Hill
Encore 1
Looking Inwardly
Soul in Isolation
Singing Rule Britannia (While the Walls Close In)
Encore 2
Swamp Thing
Return of the Roughnecks
Les Nuits Botanique 2014, c'est parti. Ou presque. Car comme souvent, le Bota propose un petit amuse-gueule avant le vrai début des festivités, prévu pour ce 16 mai. Au programme, The Neighbourhood, qui fait salle comble au Witloof et, à l'étage, les Canadiens de BadBadNotGood. A l'extérieur, le chapiteau, pas tout à fait prêt, prend doucement forme, niché en plein milieu du parc Botanique, au même emplacement occupé il y a quelques années, lorsque le festival se déroulait au mois de septembre, et qu'il a finalement retrouvé l'an dernier. En attendant de pouvoir y faire un tour, direction l'Orangerie pour la première découverte scénique de cette édition.
BadBadNotGood réunit trois Torontois qui pratiquent une fusion surprenante de jazz et de hip hop. Ils démarrent leur carrière lorsque l'attention de Tyler, The Creator est attirée par l'une de leurs vidéos, mettant en scène des morceaux retravaillés de son clan Odd Future. Ils mettent ensuite en ligne une première mixtape, « BBNG » en 2011, qui tape dans l'oreille des blogueurs en quête de nouveaux sons. Une deuxième mixtape, « BBNG2 » est balancée sur la toile un peu moins d'un an plus tard. Deux mixtapes réunissant autant de titres originaux que de covers. Leurs reprises originales de Feist (à la sauce James Blake), Kanye West et même My Bloody Valentine les conduiront jusqu'à la scène du festival Coachella. De quoi se forger un petit nom de manière efficace. Et le 5 mai dernier, le trio publiait enfin son premier LP officiel, tout simplement intitulé « III ».
C'est une semaine plus tard qu'on les retrouve donc sur la scène de l'Orangerie, introduit par un DJ Set de leur bon pote Lefto. A 21h, le combo prend place pour son premier concert indoor, en Belgique. Préposé aux grosses caisses, Alexander Sowinski dirige les débats. Pas avare en paroles, il intervient quasiment entre chaque morceau pour dire combien il est heureux d'être là. Le public le lui rend bien, même si ses tirades sont parfois un peu longuettes et inutiles. La salle n'est pas comble mais bien remplie, peut-être même aux 4/5e de sa capacité, et réunit autant de curieux que de fans de la bande.
Après avoir interprété deux morceaux de leur nouvel LP, « Triangle » et « Can't Leave The Night », les trois gaillards de BadBadNotGood enchaînent par ce qu'ils font de meilleur, c'est-à-dire des réinterprétations de morceaux Hip Hop et Bass music, version jazzy. A commencer par le « Bugg'n » de TNGHT (le duo composé de Hudson Mohawke et Lunice). Une version longue et supérieure à l'originale, qui met rapidement le feu aux poudres. Le set décolle, le public est happé. Partout de larges sourires s’affichent et des têtes battent la mesure. Le trio embraye sur des versions retravaillées de leurs propres morceaux « Kaleidoscope », « Hedron », « CS60 » ou encore la ballade « Differently, Still », dopée à la grosse caisse pour l'occasion. Ainsi qu'une autre cover survitaminée, en l'occurrence celle de « Putty Boy Strut » de Flying Lotus. Un vrai régal ! Au bout d'une heure, il annonce la fin du set qu'il clôture par « Bastard / Lemonade », alliance retentissante d'un morceau de Tyler, The Creator et d'un second de Gucci Mane.
Au moment de se retirer, le groupe hésite, réticent à s'en aller devant l'insistance du public. Il décide alors de jouer 'un dernier morceau', « DMZ », extrait de son second mixtape, dans une version allongée. Mais c'était mal connaître le public belge qui, loin d'être rassasié, en redemande encore, jusqu'à faire vibrer les murs de l'Orangerie. Après une petite consultation en aparté, Alexander Sowinski, Matthew Tavares (piano électrique) et Chester Hansen (basse) décident d'ajouter un dernier titre à leur setlist, leur version personnelle du « Flashing Lights » de Kanye West, qui apparaît également sur « BBNG2 ». Et le premier concert des Nuits Botanique 2014, qui devait initialement durer une petite heure, va s’achever en bénéficiant de 40 minutes de bonus ! BadBadNotGood a bien compris l'adage : 'give the people what they want'. Et le public le lui rend bien, par une ovation accordée au terme d'un concert palpitant.
A (re)voir absolument, cet été au Gent Jazz Festival (18/07) et au Festival de Dour (19/07).
Organisation : Botanique
BadBadNotGood
Scraps of Tape et une formation suédoise, issue de Malmö, très exactement et « Sjätte Vansinnet » constitue son cinquième elpee. Un quintet qui aurait pu émarger au post rock, s’il n’y avait la présence d’une voix. Encore que ces interventions vocales frémissantes, tantôt claires ou en falsetto (Paul Smith ?), n’émergent que ponctuellement. Mais un post rock qui aurait été contaminé par le post metal. Différence de boîte aux lettres… Des références ? Mogwai, Joan of Arc, Logh, Isis et le King Crimson circa « Larks’ tongues in aspic ».
Pétillantes, scintillantes, incisives, sauvages, parfois torturées et chargées de feedback, les guitares se taillent la part du lion au sein d’une musique vivifiante, constamment agitée par les drums particulièrement amples, dont la subtilité rappelle les maîtres de la scène prog rock.
Bref, ce « Sjätte Vansinnet » est un disque de bonne facture, mais personnellement, j’estime que la carence en parties vocales rend l’ensemble un peu trop linéaire.
AC Acoustics est une formation écossaise née en 1990. Issue de Glasgow très exactement. Séparée en 2003, elle nous a légué 9 singles et 4 albums, dont ce « Victory parts » qui vient d’être réédité et remasterisé. Une nouvelle mouture qui inclut 3 bonus tracks –excellents par ailleurs– mais aussi enrichie d’un second cd enregistré ‘live’ dans le cadre du festival de Reading, en 1996. « Victory parts » était paru en 1997, et avait reçu d’excellentes critiques de la part de la presse spécialisée. Malheureusement, il n’a jamais récolté le succès mérité. Au fil du temps sa musique est devenue plus complexe ; ce qui ne leur a certainement pas permis d’inverser la tendance…
A l’origine, AC Acoustics était surtout influencé par Spacemen 3, Jesus & MaryChain et Pavement, dispensant une expression sonore qu’on pourrait qualifier de noisy rock et qui a manifestement influencé les débuts de Placebo et de Smashing Pumpkins. Suffit d’écouter les compos de cet opus pour s’en rendre compte. Des chansons qui bénéficiaient, en outre, des lyrics poétiques et cryptiques de leur leader, Paul Campion. Dont le seul défaut était sans doute de ne pas avoir de voix transcendante pour le style. Et c’est encore plus flagrant en live (les 9 morceaux de « The silver exho and the golden echo » en sont une belle preuve). Car quand on écoute le noisy rock d’AC Acoustics, on en conclut qu’il serait à nouveau bien d’époque dans le cadre du revivalisme shoegazer que nous vivons actuellement ; et que, ma foi, certains groupes contemporains n’ont strictement rien inventé, mais simplement réchauffé une recette savoureusement électrique qui n’avait alors pas goûté, 20 ans plus tôt…
Une réédition qui vaut de l’or…
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