Attention talent à l’état pur ! Slogan quelque peu bateau et lancement de chronique un rien ‘marqueté’, mais rarement le Bota n’a autant eu l’impression de découvrir un petit groupe dont on sait pertinemment qu’il deviendra grand une fois le concert terminé… Tout chez San Fermin permet en effet de croire qu’ils trusteront les grandes scènes d’ici peu ! Le contraire ne serait que flagrante injustice.
La formation a emprunté son patronyme aux fêtes de la San Fermin qui se déroulent chaque année, au mois de juillet, à Pampelune, en Espagne. Elles célèbrent, depuis des siècles, le saint patron de la communauté autonome de Navarre, saint Firmin (voir article Wikipédia ici), un événement devenu autant sacré que profane, caractérisé par ces fameux lâchers de taureaux dans la foule.
Intitulé « Daedelus », son premier elpee est sorti en août 2013. Plus d’une vingtaine de musiciens y avaient participé. Mais la figure de proue est incontestablement le jeune mais tout-puissant compositeur Ellis Ludwig-Leone. Qui dirige un backing group de 7 musicos particulièrement talentueux. Et le concert de ce mercredi soir à la Rotonde du Botanique en a été la preuve parfaite. Derrière son clavier, le New-yorkais mène sa troupe d’une main de maître. Pas un hasard que ce fraîchement gradué de Yale ait été assistant du compositeur Nico Muhly, connu pour avoir bossé pour Antony and the Johnsons, Sufjan Stevens et Grizzly Bear…
Les morceaux du groupe de Brooklyn sont particulièrement brillants et auraient pu naître d’une rencontre hypothétique entre Sufjan Stevens (« Daedelus (What We Have) ») et The National (« Rennaissance », « Bar »), soutenue par un improbable brass-band légèrement jazzyfiant. Et ce cocktail de pop baroque a l’avantage de la diversification, atout qui procède notamment de l’alternance entre la voix de la chanteuse Rae Cassidy (sur le magnifique « Sonsick ») et celle, très proche de Matt Berninger, du chanteur Allen Tate. Mais l’instrumentation n’est pas en reste, le trompettiste, le violoniste et le saxophoniste –instrument remis au goût du jour ces derniers temps– apportent également leur pierre à l’édifice. Immédiats et entraînants, les morceaux à tiroirs de San Fermin sont épiques et euphorisent un public pourtant clairsemé ! En à peine plus d’une heure de concert et un rappel énergique à souhait, les New-yorkais ont entamé leur marche en avant sur les terres européennes. Les quelques nouvelles compos dévoilées annoncent, en outre, un nouvel album à la hauteur du premier.
Enfin, les huit musiciens sont de showmen, ce qui ne gâte rien. Ils n’hésitent pas à se fondre dans la foule ou à entamer d’improbables mini-chorégraphies pas prétentieuses pour un sou. Un concert vraiment irrésistible dans une salle qui semblait déjà être trop étroite pour eux !
(Organisation Botanique)
Arsenal présentait fièrement son nouvel opus, « Furu », ce 19 avril à Anvers au sein d’une Lotto Arena survoltée.
Aller voir Arsenal en concert, c’est l’assurance de passer un bon moment. Le duo belge a la bonne habitude de transformer chaque salle qu’il visite en dancefloor, au bout de quelques notes ; et ce concert de la Lotto Arena n’a pas fait exception à la règle.
Plantons le décor, « Furu » est quelque peu différent des précédents opus. Moins exotique peut-être, un peu moins dansant, un peu plus rock, il reste néanmoins très efficace. Le challenge était d’insérer intelligemment ces nouveaux morceaux à un set complet sans dénaturer l’esprit Arsenal. Le groupe profite généralement de ses concerts à l’AB ou la Lotto Arena pour inviter de nombreux guests, comme lors des sessions d’enregistrements. C’est ainsi qu’hier, trois des chanteurs qui ont participé à la confection du disque avaient accepté de rejoindre la Lotto Arena : Lydmor, Tim Bruzon et Doseone.
Dès le début du concert, mes petites inquiétudes sur l’incorporation des titres de « Furu » sont balayées d’un revers de la main. Lydmor interprète brillamment “Timul (Lie Low)” et dans la foulée, Doseone et Tim Bruzon lui emboîtent le pas pour “Not Yet Free”, “Sharp Teeth” et “Beautiful Love”. Quatre titres du nouvel elpee parmi les cinq premiers morceaux, l’examen d’entrée est réussi avec distinction. Après cette petite introduction, le festival Arsenal peut commencer. Leonie, fidèle acolyte, charme les 8 000 spectateurs tout au long de “Switch” avant que Gabriel Rios, le vieil ami, ne vienne lui aussi apporter sa pierre à l’édifice.
Les compos se suivent et les classiques d’Arsenal mettent tout le monde d’accord. Toute la salle est debout, danse et chante, que ce soit en anglais, en français ou... en portugais. “Melvin” vient clôturer le premier rappel et retourne complètement la Lotto Arena, dans une version remaniée et rallongée. Assurément un des meilleurs moments du show !
Ce concert est proche de la perfection, la setlist est bien balancée. John Roan et Léonie Gysel ont, comme toujours, une énergie incroyable et communiquent merveilleusement avec leur public.
Alors pourquoi décréter qu’il n’est que proche de la perfection et pas tout simplement parfait ? Parce que, pour avoir vécu leurs prestations à de nombreuses reprises, depuis plusieurs années, j’avais un petit goût de trop peu à la fin du concert. Je regrette de ne pas avoir vu la grande carcasse de Baloji venir interpréter “Personne ne Bouge”. Je regrette qu’en disposant d’une telle discographie, Arsenal ait pris la décision de jouer une seconde fois “Beautiful Love”, au cours de la soirée, pour clôturer le spectacle. “Beautiful Love” est un bon single, mais autant lors des dernières tournées, c’était un régal d’entendre une deuxième fois “Lotuk” ou “Melvin”, autant “Beautiful Love” ne méritait pas d’être bissé, même si Tim Bruzon la chante divinement bien.
Arsenal reste une valeur sûre. Et il mériterait certainement plus de reconnaissance et de succès côté francophone. Un conseil, ne les ratez pas ce 29 août prochain, lorsqu’il se produira dans le cadre du festival Scène sur Sambre…
Setlist:
Timul (Lie Low) (feat. Lydmor)
Not Yet Free (feat. Doseone)
High Venus
Sharp Teeth (feat. Tim Bruzon)
Beautiful Love (feat. Tim Bruzon)
Switch
The Coming (feat. Gabriel Rios)
Saudade pt1
Saudade pt2
One Day at a Time
Estupendo
Lovesongs (Propaganda) (feat. Lydmor)
Evaporate (feat. Lydmor)
Personne ne Bouge
Lotuk
Encore 1:
Woe-is-me (feat. Doseone)
Longee
Melvin
Encore 2:
Either
Beautiful Love (feat. Tim Bruzon)
(Voir aussi notre section photos ici)
Derrière ce groupe d'amis, se cache un fameux trio. On y retrouve d’abord le bassiste Gerry McAvoy. Pendant plus de 20 ans, c'est-à-dire de 1971 à 1991, il a milité au sein du backing group de feu Rory Gallagher. Puis le drummer du même combo, qui a sévi de 1978 à 1981, Ted McKenna. Enfin, le guitariste néerlandais, Marcel Scherpenzeel. Soit l'ami de l'attachant Rory ! Le band a décrété qu’il allait réaliser ‘une célébration de la musique de Rory Gallagher’. Le mythique gratteur irlandais nous a quittés pour toujours le 14 juin 1995, des suites de complications après une greffe du foie.
"Too much is not enough" est un box qui réunit un Cd et un Dvd. Et ici pas question de sempiternelle duplication ! Le disque audio a été enregistré au studio Seathwaite en Angleterre. Il a été coproduit par Paul Rose qui ajoute suivant son inspiration, interventions de guitare, mandoline et percussions.
"Dreamcatcher" est une solide mise en jambes. Le trio s’avère déjà particulièrement soudé. Consistante, captivante, "Leap of faith" est une plage qui communique le tournis. Elle est balisée par le drumming en béton de McKenna. Marcel injecte une dose d'orientalisme dans ses sonorités de cordes, communiquant un effet psychédélique très réussi à la compo. Plus roots, "I don't cry" mêle cordes acoustiques et électriques. Tommy Stead y souffle dans son harmonica. Autre plage robuste, "Body and soul" emprunte largement au style Gallagher. Les riffs assénés par Scherpenzeel sont puissants et brillants. Presque pop, "Sing it with the band" accroche instantanément l’oreille, une piste au cours de laquelle les cordes prennent un plaisir manifeste à vagabonder. Le compact disc s’achève par la reprise du "If I had a reason" de Gallagher (NDR : la version originale figure sur l’elpee "Blueprint"), une ballade acoustique plutôt sympathique qui autorise une belle échappée à la six cordes amplifiée.
Le Dvd a été immortalisé au Kulturhalle de Remchingen, en Allemagne. Il épingle pas moins de onze compositions signées Gallagher. Et nous sommes bien plongés dans l’univers de l'Irlandais dès "Continental op" ("Defender" - 1987). Largement amplifiée la guitare assure devant la section rythmique en granit. "Do you read me" ramène un relative quiétude. Blues lent, "Off the handle" ("Top Priority" - 1979) est découpé dans des riffs dramatiques, tranchants et nerveux. Cette piste était un peu la réponse au "Red House" de Jimi Hendrix ; et manifestement Marcel a très bien assimilé la technique de Rory. Sur les planches, le maître de cérémonie est sans surprise Gerry, un entertainer qui prend indubitablement son pied. Le trio aligne des pistes toujours aussi solides : "Bought and sold", "Philby" repris en chœur par le public et le puissant "Laundromat", la plage qui ouvrait le tout premier opus solo de Gallagher, en 1971. Intenable, Marcel se réserve la slide sur "Secret agent". Les musiciens et le public sont chauds. Moment propice pour attaquer une des meilleurs compos de l'Irlandais, "Tattoo'd lady". Et "Bad Penny" embraie, un titre que le trio dispense en conjuguant limpidité et élégance. Les deux plages finales rendent un vibrant hommage à l'artiste disparu, "A million miles away" et "Shadowplay".
Vingt-cinq années que Polly O'Keary écume les scènes du blues. Et pourtant, cette jeune femme affiche toujours autant de charme. Elle chante, joue de la basse et compose. Elle vit dans le Nord-ouest des USA, près du Pacifique. Elle avait été désignée comme meilleure chanteuse locale, en 2004, par la Société de blues de l'état de Washington. Elle avait concocté deux albums à ses débuts, à l’aide de son backing group. Puis, en compagnie de son partenaire Tommy Cook, préposé aux drums, elle a constitué la section rythmique des Taildraggers, le backing band du chanteur/guitariste Too Slim (Tim Langford). Pendant 4 ans. Polly remonte ensuite son trio, The Rhythm Method. Tommy Cook se charge, bien sûr, de la batterie et leur ami de longue date, Chris 'Seattle Slim' Nonnenmaker, est de retour. Il se charge, évidemment, de la guitare. Et les onze plages ce nouvel elpee ont été enregistrées au sein du studio Egg de Seattle. En outre, Lady Polly signe toutes les compos.
Polly possède une voix autoritaire. Et elle le démontre déjà sur "Fools gold". Une solide plage légèrement teintée de funk au cours de laquelle Arthur Migliazza, invité pour la circonstance, se charge des claviers. Particulièrement inspiré, Seattle Slim torture le son dispensé par sa six cordes à l’aide de ses pédales. La voix de Polly vibre tout au long du divertissant "Summer". Chris excelle à nouveau sur son manche. Il affiche ici un lyrisme proche de Dickey Betts. Les choses sérieuses commencent à partir de "Nothing left to say", une piste roots aux accents western. Soutenu par les Seattle Horns, au sein duquel la trompette de Greg Lyons se met en évidence, ce titre évoque, malgré le chant, une hypothétique B.O. d'Enio Morricone. Chris en profite d’ailleurs pour surfer sur ses cordes… Long blues aux intonations r&b, "Your honor" met bien en exergue le timbre vocal de Miss O'Keary ; et 'Seattle Slim' en profite pour libérer toute sa sensibilité sur sa gratte. Migliazza siege derrière le piano pour attaquer le solide shuffle "Harder than it has to be". Le riff répété de la guitare communique un format funk à "Stop train", un blues parfaitement balisé par la section rythmique. La voix bien féminine de Polly caresse la mélodie d’"I've got none", une ballade légère, au swing empreint de délicatesse ; une chanson qui permet à Chris de se réserver une superbe sortie jazzyfiante, toute en subtilité et fraîcheur. "How the mighty fall" baigne dans un climat R&B. Mais les percussions exotiques suscitent un envol de six cordes digne de Carlos Santana. Les cuivres et le cordes de Nonnenmaker contribuent rondement à la configuration purement funk de "You get me high". Polly met une dernière fois ses capacités vocales en exergue sur "Let me be kind, une piste dont la mélodie semble assez proche d’"I'd rather go blind". Une occasion rêvée pour ‘Seattle Slim’ d'exprimer toute l’intensité de son feeling sur ses cordes. Impeccable, cette finale est investie par de nombreuses voix.
Fondé en 2010, Tweed Funk est un brass band établi à Milwaukee, dans le Wisconsin. Son objectif ? Célébrer le blues, la soul et le funk! Au cours des deux dernières années, il a été plébiscité meilleur groupe ou artiste R&B par la WAMI (Wisconsin Area Music Industry). Le leader est le chanteur noir Joseph 'Smokey' Holman. Il est soutenu par cinq musiciens blancs : le guitariste JD Optekar, le bassiste Eric Madunic, le drummer Nick Lang, le saxophoniste Jon Lovas et le trompettiste Klemme. L'opus recèle sept compositions signées par la formation et quatre reprises. A ce jour, le combo avait publié deux albums, "Bringin' it", un live immortalisé au Waukesha BluesFest, en 2011, et "Love is", en 2012.
Dès l’entrée en matière, pas de doute, le climat entretenu par Tweed Funk baigne bien dans le Memphis R&B. Tout au long de "Blues in my soul", la voix réverbère bien des accents Stax. La section rythmique est dynamique et les cuivres sont chatoyants. "Time to burn" constitue sans aucun doute une des meilleures plages de l’opus. La voix de Smokey accroche instantanément l’oreille. Optekar démontre sa technique sur sa six cordes. Jon s’accorde un premier billet de sortie sur son saxophone. Le combo reprend l'un des titres phare du répertoire de BB King, "Let the good times roll". Le chant est naturellement puissant. De quoi parfois déconcerter le mélomane. Les solistes prennent le large, à tour de rôle : trompettiste, guitariste ; et pas de doute, les musicos prennent leur pied quand il reprennent le refrain en chœur. Particulièrement funk, "Hoodoo power" lorgne vers Tower of Power. Une invitation à la danse collective. La voix prend toute son expression sur "Divided", une lente ballade R&B. Smokey y livre toute son âme pour faire revivre Otis Redding! Puis, il se réincarne en James Brown pour attaquer le remuant "Sugarfoot" de Black Joe Lewis. Les cuivres sont au bord de l'explosion et la trompette de Kevin Klemme monte dans le rouge ! "Deed is done" est abordé dans l’esprit d’un big band blues, un superbe morceau qui s’agite et swingue, remettant le sax et la trompette sur orbite. Cette musique est destinée à faire danser. Impossible de résister à leur version d’"I got loaded", un succès jadis (en 1951!!) décroché par le Texan Peppermint Harris. "Slippin misery" constitue le blues cabaret fin de soirée. Une plage tendre et indolente caractérisée par la voix au bord du désespoir, et l’intervention de la trompette, prête à faire chavirer le cœur des couples enlacés! En guise de cadeau, Tweed Funk adapte un des fleurons du Stax R&B, le "Knock on wood" d'Eddie Floyd. En finale, le collectif nous réserve un R&B saignant, "Get in on", un titre qui bénéficie du concours de Brian Lucas, invité pour la circonstance, à l’harmonica. A cet instant, nous ne sommes plus très loin de l'univers blues de Junior Parker, qui avait enregistré à Memphis dans les studios Sun.
Ulver (NDR : Ulver se traduit par loup en norvégien) est un groupe norvégien fondé en 1993. Au cours de sa carrière, s’est frotté à une multitude de styles, depuis le black metal (à ses débuts) à l’avant-garde, en passant par le folk, la prog, le garage, l’ambient, le trip hop, l’indus, le gothique, l’électro et j’en passe.
Pour enregistrer « Messe », il a reçu le concours de l'Orchestre de Chambre de Tromsø. Le concert s’est déroulé le 21 septembre 2012 et les bandes ont ensuite été retravaillées à Oslo. Cette messe est découpée en six chapitres.
L’introduction du premier est particulièrement longue et lente. C’est à peine si le son est audible. Baptisé pompeusement "I.X – As Syrians pour in lebanon grapples with ghosts of a bloody past", il libère quelques bruitages qui vont progressivement laisser la place à l'électronique aérienne et sidérale, avant que ne débarque un violon et un violoncelle pour déchirer l’atmosphère. Retour ensuite au calme absolu, moment choisi pour libérer le piano et saluer le retour de l'orchestre de chambre. Emphatique mais beau.
Sans s’en rendre compte, nous glissons dans la seconde plage. Intitulée "II.X – Shri Schneider", elle prélude l'arrivée de percussions électroniques, suivie d’interventions de claviers qui expérimentent des bruitages. L’ensemble est dirigé par le membre fondateur Garn, de son véritable nom Kristoffer Rygg, maître de la programmation.
"III.X – Glamour Box" constitue le troisième volet de l’opus. Grandiloquent et ambitieux, il mêle, dans un climat tragique, les sonorités synthétiques aux cordes de l'orchestre de chambre ! La progression sonore qui reflète le thème du fantastique est tout à fait remarquable…
Et elle bascule dans la pièce suivante, "IV.X -Son of man". Pour la première fois, des mots sont déclamés, laissant ensuite les chœurs prendre le relais au sein d’un décor majestueux, jusqu'à la déflagration de l'orchestre de chambre au cœur d'une atmosphère avant-gardiste.
"V.X – Noche oscura del alma" traverse la nuit. Elle est très sombre, manifestement…
"VI.X - Mother of Mercy" opère un retour au calme. Un final chanté dans un décor mélodique plutôt féerique quoique assez minimaliste.
Depuis Ulver a déjà publié un nouvel elpee en 2014, "Terrestrials". Jusqu’en 2011, Ulver était presque exclusivement une expérience studio. Ensuite, le band scandinave a commencé à se produire au sein de lieux prestigieux ; malheureusement, depuis ce mois d'avril, il semble que des ennuis de santé rencontrés par un des membres du groupe les aient obligés à mettre la pédale douce et à se concentrer sur leur travail en cercle fermé.
Fred Lani avait à peine 17 ans lorsqu'il a fondé la première mouture des Healers. C’était en 1994. Elle impliquait son père, Papy X, à la basse et Marc Lhommel, à la batterie. A l’époque, le combo pratiquait du Texas blues, inspiré par Stevie Ray Vaughan et Johnny Winter. Leur premier elpee, tout simplement baptisé "First", tombe dans les bacs en 1997 et séduit rapidement leur public! Dans la foulée, le combo publie "I gotta leave". Soit, en 1998. "Electerrified" ne paraît qu’en 2001. Fred se lance dans une aventure plus personnelle en compagnie du notoire Bruno Castelluci, à la batterie. En 2004, la bande à Lani grave "Red", un elpee présenté en avant-première au Botanique. A la même affiche, figure un certain Triggerfinger… C'est ensuite le silence radio. Fred disparaît pour mieux revenir. Ce sera en 2013. Il engage deux nouveaux musicos, le bassiste Cedric Cornez et le batteur Nicolas Sand. Il ressuscite ainsi les Healers.
"Hammerbeatmatic" vient donc de sortir et constitue la meilleure œuvre commise à ce jour pour notre chanteur/guitariste qui affiche aujourd'hui 36 ans au compteur. La production et toutes les compos sont signées Frédéric Lani.
L'ouverture est largement électrique. Blues/rock, "Doyle the hunter" nous replonge à une époque où Jimi Henrix était un dieu vivant. Bien que déjantée, la guitare reste parfaitement sous contrôle. Une excellente entrée en matière. Changement de style pour "A man for a day", une folk blues intimiste, particulièrement mélodieux, paru –semble-t-il– en single, une plage qui monte progressivement en puissance. "Roots and roses" est un morceau écrit pour le festival du même nom qui se déroule chaque 1er mai au Centre Culturel René Magritte de Lessines. Il est vrai que Mr Roots & Roses, Frédéric Maréchal, naguère responsable du Boogie Town Festival de Louvain-la-Neuve, demeure l'agent des Healers. Oscillant entre rock et boogie, la piste est toujours hantée par le spectre de Hendrix. "Burning" porte bien son titre. De toute évidence inspiré par l'albinos texan, Johnny Winter, il est particulièrement brûlant ! Fred éructe ses vocaux de la même manière, et ses cordent slident également jusque la jouissance. Enrobée de chœurs, "Dreams" est une ballade roots qui ne manque pas de charme. Chargées de sensibilité, les cordes explorent tous les espaces disponibles. "Lover's boogie" est le boogie attendu. L’intro est digne de Canned Heat. Dr Boogie et Fred Maréchal ne doivent plus tenir en place. Pourtant la guitare restitue des accords plus proches d’un Billy Gibbons (ZZ Top). Le riff asséné à "AVD" est très percutant. Sans aucun doute, un élément de base de la ‘Hammerbeatmaticmania’. La section rythmique est à son avantage, une rampe de lacement idéale pour permettre à Fred de lancer ses scuds. La voix a fortement mûri et c'est bien la marque d'une progression. La machine de guerre est définitivement sur ses rails. Les brûlots se suivent : "The river bed", caractérisé par ses cordes incandescentes, le très ‘hendrixien’ (époque Band of Gypsies) "The best thing", l'incendiaire "Like a leaf". "Remedy" nous ramène vers les berges du Mississippi. La slide domine le sujet. Plage dynamique, "Scratch my back" n’est pas un titre de Slim Harpo, mais bien signé Lani. Enfin, en finale, "Another place" nous immerge dans le Delta, une compo au cours de laquelle le bottleneck est en plein délire…
2014 pourrait devenir une grande année pour les fans de Laurent Garnier.
En décidant de faire la tournée des labels qui l’excitent, il leur offre à chaque fois un Ep dans l’esprit de ses hôtes.
Après un vol « AF 0490 » chez « Still Music » et une escale « A13 » chez « Musique Large », il dépose son flight case chez ses potes « Modeselektor » et leur maison « 50Weapons ».
Et « AF 4302 » est du Garnier de haut niveau. Même surprenant !
3 morceaux de Techno viscérale, abrasive, minérale mais extrêmement dansante.
3 morceaux pour la montée, le moment culminant et la descente.
Garnier, en plus d’être une encyclopédie vivante, a le sens de l’humour. Car les titres de ses morceaux sont assez parlants. « M.I.L.F » caractérisé par son haletant préliminaire, « D.S.K » sa lubricité, et « H.E. » son ambiance de backroom. Se renouvelant sans se renier, le producteur français ravit en proposant un nouveau spectre sonore.
La musique de Gletscher serait-elle aussi froide que celle d’un glacier (NDR : Gletscher signifie glacier en allemand) ? Une chose est sûre, elle est métallique. Glaciale aurait pu être ma chronique, si je m’étais contenté d’écouter le premier morceau de l’opus, en l’occurrence le titre maître, une plage dont les vocalises sont aussi irritantes que celles d’Evanescence. Une introduction quelque peu rebutante donc… Mais si la suite n’est pas parfaite, on y rencontre quelques pistes plus intéressantes et inspirées. A l’instar de « Notfall », une compo à l’instrumentation rugueuse et à la structure complexe, abordée dans un esprit proche de Tool. De quoi me permettre de légèrement revoir mon analyse. Bien sûr, on ne tombera pas raide dingue de l’opus de ce groupe zurichois qui a pourtant débauché Joileah Concepcion, chanteuse yankee issue de Sleeping People et Temporary Residence, pour participer aux sessions d’enregistrement. D’autant plus que certains passages post-métal (« December ») trahissent un manque évident d’inspiration. Néanmoins, il faut admettre que leur prog metal ténébreux (NDR : paradoxal quand on choisit un tel patronyme) devrait quand même plaire aux fans de riffs lourds et puissants chers à Maynard James Keenan…
Hancox est un quartet drivé par le chanteur/guitariste Pip Hancox. Il a longtemps été le leader de The Guana Batz, un groupe anglais né en 1982, réputé pour son psychobilly. Une véritable référence dans le style ; à cause de son style énergique, fruit de la rencontre entre punk et rockabilly. Au cours de l'été 2010, il s’est retranché quelque part en Californie, du côté de San Diego, non loin de la frontière mexicaine, pour monter ce nouveau projet. Au sein duquel on retrouve quand même le bassiste Johnny Bowler, un ex-Guana Batz. Le line up implique également deux Californiens, soit le guitariste Gino Meregillano et le drummer Alex Pappas. Le band est donc partagé équitablement entre Britannique et Yankees.
"London streets" ouvre la plaque. Le chant adopte un phrasé punk, mais l’attitude emprunte au blues. Mais finalement la structure de ce titre s’avère plutôt raffinée et la production soignée. Le psychobilly reste l'épine dorsale de Hancox. Toute la sauvagerie de l'attitude punk est bien présente au cours des premiers titres. Et en particulier "Toxic twins", "Sally" et "Back door city". "Beautiful creature" marque un tournant dans l’opus. Excellente compo, elle est imprimée sur un tempo plus lent. L’instrumentation est irréprochable et les sonorités de cordes évoquent tout bonnement les Stray Cats. On reste dans le rockabilly tout au long de "7th daughter", une piste très énergique mais parfaitement construite. Gino, le gratteur américain, apporte manifestement ici toute son expérience. Bien rythmé, "Ellinore" constitue une autre réussite de l’elpee. On est même ici plus très loin de la pop. C’est la conjugaison des deux guitares qui crée la spécificité du son Hancox. Et sur ce morceau, l’envolée dans l'univers surf est remarquable. "Carburetor" fait encore la part belle au surf, même si ici les cordes sont débridées et sonnent plus métalliques. Et à partir de "Bleed", le doute n'est plus permis, Hancox pratique du 'surfabilly', pour la circonstance sur un thème hispano-mexicain. Les guitares sont irrésistibles. Tout comme sur "Shake". Un véritable mur du son est érigé, mais émaillé de petits effets sonores bien créatifs. Le titre maître est une ballade qui ne manque pas de charme. Plutôt lent, mêlant subtilement cordes électriques et acoustiques, il bénéficie de nouveau d’interventions vocales très soignées. Et Hancox se retire en attaquant une cover du hit de Blondie, "Call me". Surprenant ! Si l’album a bénéfice d’une mise en forme parfaite, je me demande quand même pourquoi il démarre par toute une série de plages psychobilly?
King of the World nous vient des Pays-Bas. Un excellent quartet de blues réunissant le chanteur/bassiste Ruud Weber, le merveilleux guitariste Erwin Java, le claviériste Govert Van der Kolm et le batteur (ex-Normaal) Fokke De Jong. Java est un gratteur particulièrement populaire dans son pays. Pendant 25 longues années, il a figuré dans le backing group de Harry Muskee, authentique légende du blues et leader intemporel de Cuby and the Blizzards. Ruud a également longtemps sévi comme bassiste au sein d’un autre backing group. En l’occurrence celui du Britannique Snowy White. Et on l’entend tout au long de cet opus. Tant la voix que le style particulièrement mélodique.
King Of The World est né en 2012, un an à peine après la disparition du mythique Cuby. La formation avait publié un premier opus en 2013, "Can't go home". Et en Hollande leur popularité est montée en flèche en deux temps trois mouvements. D’ailleurs, lors de la remise des Dutch Blues Awards, en février dernier, elle a remporté cinq prix : meilleur blues band, meilleur guitariste, meilleur organiste, meilleur bassiste et meilleur batteur. Qui dit mieux?
Le long playing baigne dans un blues esthétique, mélodique, harmonieux. Et on s’en rend compte dès le premier morceau, "Fool no more", une compo empreinte de charme. La voix de Ruud est très expressive, proche de celle de son ami et partenaire des meilleurs jours, Snowy White. L’orgue Hammond de Govert communique à l’ensemble une chaleur naturelle ; et, enfin, les sonorités de guitare sont belles à pleurer. Le toucher est tellement parfait qu’on en oublierait presque que pour sortir de telles notes imaginatives, il faut être à la hauteur. Le tempo s’élève pour "Someway somehow". La section rythmique swingue naturellement. L'orgue est omniprésent et les cordes de Java décollent à nouveau pour atteindre les sommets. "If you want to leave" est le long blues lent de circonstance. Abordé dans le style des Blizzards, mais à l'anglaise, bien sûr, rappelant les jours glorieux de la british blues boom qui a sévi fin des 60’s. Les sonorités de la six cordes sont vraiment chargées d’émotion. On pense aussi parfois à David Gilmour. Surtout lorsqu’elles sont rejointes par l’orgue, dans l’esprit du Pink Floyd à son apogée. Le sens mélodique authentique des compositions est un des maillons forts de KOTW. Des compos qui ne souffrent d’aucune faiblesse. "Living with the ghost of the past" s’illustre par une fluidité claptonienne des cordes. La plage qui me botte le plus est incontestablement "Beatin like a drum". Une compo belle et pure. C’est à cet instant que Java se rapproche le plus du Dieu Peter Green. Ce son réverbéré ne peut émaner que d'une Gibson Les Paul. Face aux roulements de caisse, on retrouve l'impact de "Supernatural", l'inoubliable instrumental qui figurait sur l’LP "A hard road" des Bluesbreakers de John Mayall. C’était en 1966, Green et Dunbar y étaient impliqués. Erwin a empoigné le dobro acoustique pour négocier "Get up and do it", une plage roots. Nerveux, "Hurricane" réveille le souvenir du "Going down" de Don Nix. Fokke en assure la trame tout en puissance. Le piano électrique et les percussions communiquent un ton très jazz à "Doctor doctor", une piste qui puise son inspiration dans les rues de la Nouvelle Orléans. "Money means trouble" clôt l’opus. Java est passé à la slide pour cette piste imprimée sur un tempo très vif. Et ce n'est pas tout à fait terminé, car le disque recèle une plage cachée, en l’occurrence une reprise intimiste du "I shall be released" de Bob Dylan. Un superbe album!
Larman Clamor, c'est le projet d’Alexander von Wieding, un artiste allemand établi à Hambourg. Paradoxalement, sa musique est imprégnée du climat torride et terriblement humide des marais. Elle baigne même dans une atmosphère propice au swamp boogie, irrigué par le blues et le rock, mais également par un psychédélisme singulier. En outre, ce chanteur/musicien voue une grande admiration au blues primitif du Delta (Robert Johnson, Mississippi Fred McDowell, John Lee Hooker). "Frogs" n’est ni son premier ni son dernier essai. Il avait publié un Ep ("The Lonely Pendulum") et deux elpees en 2011 ("Altars to turn blood" et un éponyme) en 2011. Et en 2013, il a gravé "Alligator heart". Ce "Frogs" remonte donc déjà à 2012.
Alexander joue aussi bien de la gratte acoustique qu’électrique, mais a aussi recours aux percus. Sa voix est caverneuse, ténébreuse et semble communiquer le même mal de vivre que Tom Waits.
Boogie primaire, le titre maître ouvre le long playing. La voix semble venir voix d'outre-tombe. Clamor crée des effets sonores à l’aide de ses instruments basiques, que ce soit des percussions des percussions fugitives ou des rythmes saccadés produits par la guitare. "Seven slugs O'mud" a changé l’or en boue. Instrumental, "Mill wheel alchemy" concède des accents orientaux. L’attaque sur les cordes est quasi permanente. Et cette menace se traduit par une brèche hypnotique. Des rythmes spasmodiques secouent "The mudhole stomp". Les éclats de la voix sont au bord de la rupture. Les pensées les plus sombres sont difficiles à évacuer… Autre boogie, "Undead waters" adopte un profil plus chaotique. La marée ne cesse de monter. "Mine to grind" hésite entre le blues en transe et le périple psychédélique ; mais il ne mène qu’à une impasse. Ce sorcier des sons de l'étrange nous entraîne au cœur d’un autre trip instrumental acide, "Potions & secrets". Alexander frappe sur tous les objets qui l'entourent. Angoissé, il cogne même sur ses cordes lors d’un autre boogie, "Black cylinder". Introduit par un clavier lointain, "Gorgon's gold" est peu à peu envahi par les cordes. Elles prennent même possession de l’espace sonore à travers une fusion de blues et de rock. Malgré le chant âpre et vindicatif, la compo est plus accessible. Tourmenté, acide, presque envoûtant, "Within temples of mold" demeure néanmoins agréable à l’écoute. "Frogs" est une œuvre qui mérite une écoute attentive. On y rencontre une multitude de sonorités inattendues. L’elpee s’achève par "Journey of the serpents". Ces marais sont décidemment bien dangereux à traverser…
Et pour que votre info soit complète sachez qu’Alexandre confectionne personnellement les illustrations de ses pochettes. Celle de "Frogs" est particulièrement colorée de vert et de jaune, laissant apparaître un soleil levant au ton blafard…
Lily & Madeleine, c’est sympa comme patronyme, non ? Sufjan Stevens serait même devenu un fan des jeunes sœurs Jurkiewicz. Il les a même signées sur son label Asthmatic Kitty… Petite promesse d’un folk louvoyant et à la marge ? Bel et touchant espoir rapidement déçu. En effet, on ne peut pas dire que l’originalité soit le point fort de Lily (17 ans) et Madeleine (18 ans). Issues d’Indianapolis, ces artistes préfèrent tisser des jolies mélodies aux harmonies légères et à l’instrumentation léchée. En mode ‘duo vocal’ tout au long de l’exercice, les sœurs communiquent leurs états d’âmes sur des mélopées entretenues par des accords de piano, des grattes acoustiques et autres cordes séduisantes (« Nothing but Time »). Un peu comme chez First Aid Kit. Un long playing parfait pour sonoriser un ‘Tea Time’ en bonne compagnie ou pour ‘bruncher’ le dimanche ; beaucoup moins pour vous surprendre ou vous exciter…
La palingénésie est un concept que l'on retrouve dans quantité de disciplines. Que ce soit en philosophie, en théologie, en politique, en occultisme ou en botanique, il tourne autour des mêmes notions de régénération et de renaissance des êtres. Le trio allemand Nebelung prétend en tout cas s'être inspiré de cette nature qui se renouvelle en permanence et qui selon le leader Stefan Otto, impose par sa beauté le silence à notre monologue intérieur.
On ne peut pourtant pas totalement parler de renouvellement dans la musique de Nebelung qui continue de creuser le sillon de son dark-folk mélancolique. Le principal changement vient de la quasi-absence de chant. Juste quelques mots murmurés de temps à autre qui collent parfaitement à la structure de morceaux construits comme des mantras.
Délaissant définitivement le format chanson, ils se promènent dans des paysages contemplatifs et introspectifs et provoquent un curieux phénomène d'étirement du temps. Le monde semble tourner au ralenti.
Inspiré à la base par des sessions d'improvisations, "Palingenesis" est avant tout un album de guitares acoustiques qui pourrait –et c'est un comble– paraître un peu monocorde. Pour l'apprécier, à mon sens, il faut se concentrer sur les structures des morceaux et l'étonnante multitude d'informations sonores qui les peuplent, issues d'instruments rares tels le verrillion, l'harmonium indien ou le hammered dulcimer. Mais on peut aussi accepter de se laisser aller totalement à la rêverie, bercé par ces boucles célestes hypnotiques. Et si certains moments peuvent paraître monotones, ils nous plongent, par leur répétitivité, dans le climat méditatif désiré par le groupe. A vous de voir si vous avez envie d'y pénétrer.
Les 15 minutes du morceau "Wandlung" sont très représentatives. On est plongé dans une atmosphère lente, désertique, chargée de mélancolie, qui petit à petit commence à susciter un certain ennui quand le son de l'harmonium nous entraîne vers une montée finale hypnotique où les couches sonores se superposent délicieusement.
On pointera aussi le cinématographique et plus lumineux "Nachtgewalt" et sa rivière de sonorités au violon. Empreint de nostalgie, ce violon joué par Katharina Hoffmann traverse tous les morceaux avant d'être enfin mis en exergue, lors de l'excellent morceau final "Innerlichkeit".
Un opus pour se déconnecter de la violence urbaine. La nature a trouvé sa musique de chambre.
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