De couleur noire, Dave Riley est né dans le Mississippi. Il est aujourd’hui âgé de 64 ans. Jeune, il apprend à jouer de la guitare et rejoint ses parents partis vivre à Chicago, en 1961. Son père est prêcheur de la Church of God in Christ. Sa famille fonde alors un groupe de gospel. Dans les années 70, il se consacre le plus souvent à la basse, puis abandonne la musique pour élever son fils. En 1996, il monte son propre band en compagnie de son fiston. La formation publie un premier album en 1997. Il s’intitule "Living on borrowed time". Et embraie assez rapidement pas "Blues across America". Au sein de son band militent alors le notoire Sam Carr à la batterie et l'harmoniciste John Weston. En 2002, il grave "Whisley, money & women".
Bob Corritore est de couleur blanche. Il est né à Chicago et joue de l'harmonica. Il s’est établi depuis bien longtemps à Phoenix, en Arizona, où il possède un excellent club de blues : ‘The Rhythm Room’. En 2008, il rencontre Dave Riley. Un duo vient de naître. Le tandem avait déjà sorti deux long playings, "Travelin' dirt road" en 2007 et "Lucky to be living" en 2009.
L’opus s’ouvre par le titre maître. Une compo signée Riley qui commence paisiblement sous une forme acoustique avant d’adopter le mode amplifié. C'est d'ailleurs le rejeton, Dave Riley Jr, qui se réserve la basse. "Baby please don't go" baigne dans le Chicago blues urbain. Puissante, la voix s’affirme. Bob se sent vraiment chez lui et son harmonica gronde. "No cussin'" poursuit sur le même tempo, alors que la voix devient rugueuse et âpre. Issue de la plume de John Weston, "Snuff dippin' woman" est un superbe blues lent qui nous replonge dans les heures de gloire du quartier Southside de Chicago. Riley crie son amour déçu. Les musicos sont presque figés sur place. Les interventions à l’harmo chromatique de Corritore sont bouleversantes. Gloria Bailey se réserve l’orgue sur le "Mississippi Po boy" de Harvey Watkins, un blues à la ligne mélodique claire. Dave en profite pour libérer son premier envol sur les cordes. Il nous parle de sa vie tout au long de "Home in Chicago", un tout bon shuffle imprimé sur un rythme soutenu. La cohésion entre les musicos est parfaite! Les percussions de Brian Fahey adoptent le rythme du chemin de fer. Corritore accentue ce phrasé saccadé sur l'harmonica. Dave se réserve un autre coup de gueule sur "Go ahead and blame me", un morceau au cours duquel le souffle de Bob est à nouveau empreint d’une grande sensibilité. Retour au duo acoustique pour "My baby's gone" et un superbe "Oil spill blues". "Laughing blues" clôt cet opus, une finale hilarante au cours de laquelle Riley semble bien imbibé dans ce juke joint blues contemporain.
Il y a un long moment que je n'étais plus allé au Muziekodroom ; et le moins que l'on puisse dire c'est que l'endroit était méconnaissable par à rapport aux souvenirs que j'en avais gardés. Exit le grand hangar froid et sans âme et place à un club très clean au sein duquel le bar est si conséquent que l'espace concert semble assez réduit en comparaison (entre 100 et 200 personnes à vue d'œil). L'explication est simple, le MOD est un immeuble polyvalent qui englobe aussi bien des locaux de répétition, des studios d'enregistrement qu'une grande salle (visiblement celle où j'ai dû mettre les pieds jadis) et le club où se produisaient ce soir White Hills et Mosquito.
Originaire de Louvain, Mosquito a assuré une bonne première partie en dispensant un stoner rock assez recherché dans les structures des morceaux et parsemé d'influences grungy. La voix du chanteur manque peut-être parfois un peu de caractère, mais vu qu’il cumule également les drums (un de ceux qui n'économisent pas leurs efforts), on ne va pas être trop sévère à son égard. Des compos honnêtes et plutôt bien ficelées en tout cas et une reprise assez anecdotique de... Nirvana comme on aurait pu s'y attendre. A laisser mûrir et on pourrait en reparler à l'avenir…
Place à White Hills ensuite. Un trio. En fait de trio il s'agit plus du couple Ego Sensation/Dave W. accompagné pour l’instant de Nick Ferrante, aka Nick Name. Une alchimie qui fonctionne à merveille et donne en général d'excellents résultats comme ce sera encore le cas ce soir.
Baignée dans des halos de lumière rouges, bleues et surtout vertes, la formation installe l'ambiance en diffusant une intro ‘dronesque’ avant d'enchaîner par "Forever in space", moment fort de son dernier album qui résume parfaitement son état d'esprit. Toujours extrait de ce disque, on a ensuite droit à "In your room" (allez jeter un œil sur la vidéo!), très bon titre également mais dont on regrette les voix un peu trop en retrait dans l'interprétation live. Ensuite il ne sera quasi plus question, à une exception près, de ce dernier opus. On est ravi de constater que White Hills ne se contente pas d'une tournée promotionnelle mais puise ce qu'il y a de meilleur dans son répertoire pour le plus grand plaisir des fans. Ainsi la setlist nous a réservé des morceaux de choix comme "Three Quarters", le paranoïaque "Condition of Nothing" ou encore l'obsessionnel "Robot Stomp". Elle est même remontée jusqu'en 2007 ! (NDR : Pas si loin me rétorquerez-vous? Sauf pour un groupe qui sort 1 album tous les ans sans compter les splits, raretés et autres bootlegs). A l’instar des hymnes space fuzz rock tels que "Radiate" ou "Oceans". On sent une réelle osmose et une belle énergie aussi puissante que sensuelle dans la complémentarité entre la charmante bassiste Ego et le leader halluciné Dave. On prend plaisir à les voir se frôler et croiser leur manches (n'y voyez rien d’obscène !) et on reçoit autant qu'ils donnent. Un conseil, si vous aimez le space rock, le kraut ou la noise, ne les loupez pas la prochaine qu'ils fois passent près de chez vous!
(Organisation MOD)
Suite à la sortie d’« Après Moi le Déluge », 4ème album qui lui a permis de se forger une petite notoriété au sein du grand public –et par la même occasion de décrocher un passage chez l’incontournable Ruquier et à l’Olympia– Alex Beaupain se déplaçait au Botanique de Bruxelles afin de présenter sa nouvelle création à la Belgique, ce jeudi dernier.
C’est une Orangerie en mode assis et quasiment sold-out qui accueille ce dandy natif de Besançon, mais Parisien d’adoption (NDR : il y vit quand même depuis quelques années). Accompagné de 4 musiciens –un pianiste grisonnant, un batteur enthousiaste, un guitariste helvétique et une violoniste/bassiste au charme certain– l’artiste débute son show pied au plancher et aligne, sans interruption, quelques titres issus de son dernier opus, dont « Vite », « Coule », un titre écrit par Julien Clerc et « Contre le Vent », un morceau composé par la Grande Sophie. La touche particulière du premier cité est particulièrement évidente via les intonations vocales de Beaupain et la patte sonore du morceau qui ne dénoterait pas au répertoire du vétéran de la variété française. A la suite de cette introduction endiablée, le Français entame un échange avec le public, dialogue qu’il entretiendra toute la soirée. Doté d’un humour noir, ironique et pince-sans-rire, le protégé de Christophe Honoré (réalisateur des films « Chansons d’Amour » et « Les Biens Aimées », dont Beaupain a composé les BO) séduit son public… Sous prétexte de ne pas l’avoir laissé dormir durant le trajet jusqu’à Bruxelles, le chanteur vire, avec humour, un par un ses musiciens, morceau après morceau, afin de présenter des chansons de plus en plus dépouillées pour terminer par le superbe « Brooklyn Bridge », seul au piano.
Les musicos soutiennent parfaitement le mini-crooner et assurent la cohésion derrière une voix pas toujours juste, même si sans cesse touchante. Les plus belles pièces de son répertoire y passent (« Avant la Haine », « Au Départ ») et vont droit au cœur du public malgré un habillage très pop et souvent léger. Beaupain hypnotise l’auditoire par sa sincérité, tel un petit bonhomme qui jongle entre rires et larmes. Une judicieuse reprise de « Chacun fait (c’qu’il lui plaît) » de Chagrin d’Amour chauffe encore plus l’ambiance, dans la salle.
Sacré personnage, mais bigrement attachant, Beaupain quitte la scène sous les applaudissements de la foule, avant de revenir pour un long rappel au cours duquel il va nous réserver l’efficace « Après Moi le Déluge ». Cette belle soirée passée en compagnie d’un artiste de variété française d’une telle qualité, on aimerait en vivre plus souvent. D’ailleurs, on va encore entendre parler d’Alex Beaupain, c’est une certitude…
(Organisation Botanique)
Il y a déjà une dizaine d’années que les pétroleurs d’Exsonvaldes (NDR : une référence à la catastrophe écologique) sillonnent les routes sans rencontrer un succès qu’ils méritent pourtant amplement. Ces Parisiens avaient pourtant débarqué en même temps que Girls in Hawaï. Ils partagent d’ailleurs –outre leur amitié– une même passion pour les mélodies et les grands espaces…
« Lights » leur permettra-t-il enfin d’être placés sous les projecteurs ? Une chose est sûre, la formation a décidé d’emprunter de nouvelles directions, marchant tantôt sur les traces de leurs compatriotes Phoenix (« Let Go », « Days ») ou celles, plus électro-rock, de Metronomy (« Action », « Guns »). Pour mettre en forme cet ambitieux 3ème elpee, Alex Firla, qui avait produit le premier long playing de Phoenix (« United »), mais aussi bossé pour Air, est préposé derrière les manettes. Pas de superflu sur ce disque partagé en 10 pistes (NDR : condition sine qua non pour un album pop qui se respecte !), mais pour la première fois de leur histoire, quelques textes ont été écrits dans la langue de Molière (NDR : la plupart sont quand même chantés dans celle de Shakespeare), dont le single « L’Aérotrain » qui lorgne vers Baden Baden. Exsonvaldes a conservé cette rare faculté à torcher des mélodies qui font instantanément mouche. « Lights » devrait remettre Exsonvaldes le bateau à flot. Leur pop-rock hautement mélodique est une valeur bien plus sûre qu’Exxon. A l’époque, en tout cas…
Buddy Guy devient lentement mais sûrement l'un des plus vieux bluesmen qui roule encore sa bosse sur la route. Ce chanteur/guitariste noir, originaire de Louisiane, a maintenant 77 balais bien tapés. Il en avait 21 lorsqu'il émigre à Chicago, la ville de ses idoles. Il enregistre dès la fin des 50’s sur le label Cobra. Dans les 60’s, il devient l'un des fleurons du mouvement Chicago Westside, à l’instar de Magic Sam, Otis Rush ou encore Freddie King. Il s'associe très vite à l'harmoniciste Junior Wells, en compagnie duquel il va très longtemps faire équipe. Guy est un musicien extraverti. Il aime amplifier le son, et n’hésite pas à en remettre une couche. Sa discographie est impressionnante, et il a publié un bon nombre d’albums pour des labels major.
"Rhythm & Blues" est double et propose deux facettes nettement distinctes de l’artiste. Le premier cd, "Rhythm", nous entraîne dans le R&B et la soul, le second, sans ambiguïté, plonge au cœur du blues pur et dur ! C’est un rituel, mais lors des sessions d’enregistrement, de nombreux invités ont transité par le studio Blackbird de Nashville. La production est signée Tom Hambridge, un excellent drummer qui s’est forgé une belle réputation, au cours des dernières années, et qui par ailleurs signe pas mal de plages de cet opus.
"Rhythm" s’ouvre par "Best in town", un R&B largement cuivré par les Muscle Shoals Horns. De son orgue, Reese Wynans tapisse la toile de fond, pendant que Buddy écrase ses pédales. "Justifyin" adopte un profil plus rock. Cordes et choeurs encadrent le leader pour "I go by feel", une ballade soul au cours de laquelle il se libère sur son manche. Guy reprend un des titres fétiche de sa carrière, une compo qu’il partageait auprès de Jr Wells ; en l’occurrence "Messin' with the kid". Pour la circonstance, c’est le rockeur/rappeur Kid Rock qui participe aux parties vocales. Le vieil artiste met la gomme. Les flèches décochées à l’aide de ses cordes, tout au long de "What's up with that woman", sont meurtrières. Pourtant, il peut également nous réserver l’une ou l’autre plage empreinte de douceur. A l’instar de "One day away" ou des excellents "Devil's daughter" et "Whiskey ghost". Il reprend respectueusement le "Well I done got over it" de Guitar Slim. Et ose se mesurer aux cordes vocales effervescentes de Beth Hart sur "What you gonna do about me".
"Blues" débute très naturellement à Chicago. Buddy chante "Meet me in Chicago". Il est soutenu par des voix féminines. Les interventions de gratte sont volubiles et arides. Chicago shuffle, "Too damn bad" fait littéralement mouche. Au piano, Reese Wynans pousse le vieux maître vers les sommets, et son envol est opéré avec une facilité déconcertante. "Evil twin" est le slow blues brûlant très attendu. La spécialité du chef ! Steven Tyler, le vocaliste d'Aerosmith, est venu le rejoindre, et ô surprise, les deux gratteurs du groupe, Joe Perry et Brad Whitford, sont également de la partie. Empreinte d’émotion, "I could die happy" est une plage caractérisée par la rencontre entre les cordes acoustiques de David Grissom et électriques de BG. Une atmosphère réminiscente de Chicago, brute et primaire, baigne "Never gonna change", un morceau qui bénéficie du renfort de Rob McNelley à la slide. "All that makes me happy is the blues" : quel beau titre pour un autre blues lent ! L’artiste ne nous laisse guère de répit, et embraie par "My mama loved me". "Blues don't care" est un blues imprimé sur un tempo très enlevé, une compo chantée et grattée en compagnie du nouveau prodige texan, Gary Clark Jr. Cette fête consacrée au blues s’achève par la reprise toute en swing de "Poison Ivy", un morceau écrit par Mel London (NDR : pas celui de Leiber & Stoller). Encore un album de choix pour ce génie du blues!
Il est difficile d’exprimer une vraie rage dans le chant hurlé. Dans la plupart des groupes quand ça gueule, tous styles confondus, on n’y croit pas vraiment. Chez Vanna, dès la première diatribe de « The Few And The Far Between », on comprend que le chanteur n’est pas content, mais alors pas content du tout ! Ecorché, au bord de la rupture, il exprime une vraie fureur que la majorité des groupes de hardcore ne font qu’effleurer, même chez les plus grands. Ce qui communique d’emblée une crédibilité sans faille au metal/hardcore frontal, direct et sans concession du combo, même lorsqu’il se permet des refrains en chant clair (« Year Of The Rat »). En une petite demi-heure, Vanna remet à sa place toute la scène metalcore et démontre brillamment qu’on peut parfaitement être crédible en pratiquant un style galvaudé à l’extrême. Une fois que la plaque tourne, on oublie le côté fashion de leur image, la jolie photo pas du tout hardcore de la pochette, leur look de hipsters à moustaches ultra tatoués, et on laisse parler la musique. Et rien que pour ça…
La maison londonienne Full Time Hobby a judicieusement décidé de rendre hommage à l’injustement méconnu Tim Hardin et a rameuté, pour l’occasion, les cadors de son écurie (The Magnetic North, Diagrams ou Pinkunoizu) ainsi que quelques électrons libre talentueux (Alela Diane, Okkervil River) pour y parvenir.
Artiste maudit, mort d’une overdose d’héroïne en 1980, alors qu’il venait à peine de fêter ses 39 ans, Tim Hardin possède un répertoire riche d’une incroyable profondeur mélancolique. « Reason to Believe » propose une très bonne relecture de ses chansons, même si aucune version ne parvient à atteindre la qualité des originales… Les réussites sont toutefois légion : les Néo-zélandais de The Phoenix Foundation et leur chorale céleste reprennent oniriquement « Don’t Make Promises You Can’t Keep », les Anglais de The Sand Band biaisent de manière légèrement americana mais fidèlement l’imparable « Reason to Believe », l’ex-Screaming Trees Mark Lanegan adoucit le ton sur « Red Balloon » tandis que Diagrams et Pinkunoizu revisitent judicieusement « Part of the Wind » et « I Can’t Slow Down », à l’aide de leur psyché-pop-bricolo. Mention spéciale à l’adaptation du glacial « Lenny’s Tune », par l’Irlandaise Hannah Peel. Par contre, celle d’« If I Knew » de Sarabeth Tucek, est carrément soporifique.
Malheureusement, aucune cover n’atteint celle qu’Okkervil River avait réalisée pour « Black Sheep Boy », il y a quelques années… D’ailleurs, les Etasuniens, ne parviennent plus à réussir leur coup sur « It’ll Never Happen Again ».
Si « Reason to Believe » ne recèle que trop peu de reprises incontournables, il a au moins le don de nous rappeler que malgré sa disparition, Tim Hardin demeure un artiste incontournable et un songwriter qui mérite de ne pas être relégué aux oubliettes…
Fondé en 2008, PC Prophets est un trio établi en Caroline du Sud qui pratique une musique teintée de blues et de soul. Tim Kirkendall (NDR : il nous vient de St Louis, dans le Missouri) se consacre au chant et à la basse, Troy Tolle, la guitare et le black Henry Ancrum, la batterie. Le band s’est forgé une solide réputation en accordant des shows incendiaires. Lors de l’enregistrement de cet opus, un disque découpé en 10 pistes, le groupe a voulu restituer ce climat qu’il entretient en ‘live’. Et il a reçu le concours de deux potes, le claviériste William Nance et le percussionniste Eric Rickert.
"Close your eyes" est un blues rock à l’impact direct. La voix est profonde. L’orgue se fond subrepticement dans la section rythmique. Impatiente, la guitare n’attend guère pour se mettre en exergue. Très amplifiée, la slide de Troy introduit "Jesus saved my soul, but…" dans un climat volontairement dramatique. Très lent, ce blues nous pénètre jusqu’aux entrailles. Le chant de Tim est saisissant, curieusement proche de celui de Robert Plant des débuts du Zeppelin. Et le résultat est très réussi. C’est sur le même mode que PC Prophets embraie par "I already know". Naturellement puissante, expressive, la voix de Tim est chargée d’intensité. Troy ne concède que les notes nécessaires, mais en y injectant un maximum de sensibilité. C’est d’ailleurs dans ce registre que la formation me semble la plus performante. La voix de Kirkendall continue à impressionner sur "Mule in a horsetown". On vient pourtant de passer au R&B. Entraînante, cette plage est tapissée par l'orgue de Nance. Roots blues, "When the lights go down in St Louis" est sculpté dans les cordes acoustiques, malgré le bottleneck au son bien métallique. "Done changed my mind" opère un retour dans le blues lent atmosphérique. La voix ‘zeppelinesque’ de Tim s’y inscrit spontanément. Les notes torturées de la ‘six cordes’ passent parfaitement le cap, lorsque soudainement l’orgue impose un changement de tempo, amorçant une incursion dans le jazz. Et comme le blues lent colle à la peau de PCP, il nous en remet une couche, au cours de "Let me breathe". Une compo de très bonne facture, soulignée par la voix toujours aussi envoûtante du chanteur, mais dont la formule un peu trop répétitive peut finir par lasser. Légèrement funk, "I used to love" permet à la guitare de Trolle d’opérer un va-et-vient permanent. Prometteur, cet opus s’achève par "Pluff mud", un boogie instrumental saignant.
Derrière ce nom chantant ne se cache pas un groupe de musique cubaine tirant son nom d'un ancien club issu de la banlieue de La Havane, ni une bande de moustachus coiffés de charros prêts à en découdre, et encore moins un gang de narco-traficants colombiens pratiquant le brutal death metal à leurs heures perdues, façon Brujeria.
Ces dissidents-ci sont strasbourgeois, et pratiquent un stoner rock de fort bonne facture. On pense immédiatement à Kyus. A cause de la voix du chanteur, même si la musique pratiquée a un côté rock plus direct et frondeur, laissant de côté l’aspect plus psychédélique et planant des rois du desert rock.
L’album est cohérent et bien construit, même si on pourrait aisément reprocher L.D.D.S.M. de ne pas vraiment se mouiller. Le cahier des charges du genre est bien rempli, rien ne manque : ça groove, ça fuzze, c’est heavy sans être lourd, ça chante bien, ça place des harmonies vocales bien senties, avec parcimonie, mais en bout de course, on se demande quand même ce qu’on a retenu de cet opus ; et le constat est sans appel : pas grand-chose. Or, vu la déferlante de groupes de stoner à laquelle on assiste depuis quelques années, il faut, à défaut d’être original, torcher des titres catchy, qu’on retient, qu’on chantonne, sinon on se noie dans la masse, et c’est exactement ce qui arrive sur cet elpee, certes bien réalisé (NDR : mention particulière pour la magnifique pochette), mais qui ne décolle jamais vraiment.
Néanmoins, pour une autoproduction, ce disque reste largement au-dessus du panier de ce qui nous est proposé, en général ; et Los Disidentes Del Sucio Motel est sans conteste à suivre et à surveiller de près, car leur potentiel est énorme.
Avant de devenir une ‘compagnie’, The Lonesome Southern Comfort était le projet solo du Suisse John Robbiani, un musicien influencé par la country et le rock. Il avait monté cette compagnie imaginaire, en 2006. Elle s’est cependant rapidement élargie, pour finalement devenir un quatuor. « The Big Hunt » constitue est le 3ème essai de cette bande issue de Lugano, une formation indubitablement plus bercée par la musique yankee que par celle du bastion du Gruyère. Les paroles des morceaux sont engagées, un comble pour des Suisses ! Pour la circonstance, le groupe s’est autorisé l’une ou l’autre incursion dans l’electro. A l’instar de l’inaugural « When He’s Down ». Mais entre envolées rock (« Rent ») et ballades folk délicates (« 64 Warwick Way »), l’opus respecte une ligne de conduite dictée par l’alt country. Quand à la voix de John Robbiani, profonde, elle me rappelle celle du chanteur du combo français Santa Cruz, Pierre-Vital Gerard. Les fans de Magnolia Electric Co ou de Wilco devraient apprécier cette version helvétique d’un americana pur jus.
Formé à la fin des années 90, The Icarus Line est avant tout le bébé de Joe Cardamone. En effet, le line up du groupe qui entoure le chanteur est en perpétuelle mutation depuis le premier album, paru en 2001. La formation de Los Angeles a surtout connu le succès en 2004, lors de sa deuxième réalisation, "Penance Soiree". On en fait alors les nouveaux Stooges et un avenir radieux leur est promis. Mais le départ du guitariste Aaron North un an plus tard, débauché par Nine Inch Nails, va tout remettre en question. Les deux elpees suivant ne récoltent pas la même consécration et Cardamone se retrouve quasiment fauché. Le projet et le compte en banque reprendront heureusement un peu du poil de la bête en 2012 grâce à une longue tournée aux côtés de The Cult et de Killing Joke. Certains morceaux de "Slave Vows" ont d'ailleurs été composés durant cette période.
Adepte du DIY, Cardamone a enregistré les morceaux en deux mois sur un huit pistes dans des conditions live. Lorsqu'il évoque les influences principales de sa musique, il cite les Stooges, les Stones du début des 70's, Black Flag et le "Maggot Brain" de Funkadelic. On pourrait également y entendre des réminiscences de Jesus & Mary Chain ("Marathon Man") et de Suicide ("No Money Music") voire de Primal Scream (le très réussi "Laying Down For The Man" et sa basse groovy). En fait, il est bien difficile de définir le style de The Icarus Line. C'est un mélange de psychédélisme 60's, de metal des 70's, de rock bluesy old school, de stoner, de garage, de post-punk, de prog-rock et de shoegaze (ouf !). L'originalité procède de ce mélange où peuvent cohabiter, par exemple, une basse post-punk, une guitare stoner et une voix heavy metal. Cette collision entre différents styles dans un même morceau peut dérouter et on se demande parfois pourquoi Joe Cardamone chante d'une telle façon sur une telle musique alors qu'on s'attend à d'autres inflexions vocales. Mais c'est ce qui fait le charme intrigant de "Slave Vows" et ce qui lui a valu tant d'éloges depuis sa sortie. Picorant dans différentes époques, The Icarus Line peut toucher pas mal de publics mais pourrait aussi à l'opposé rebuter les puristes. A vous d'en décider.
Chanteuse/guitariste et compositrice, Miss Grainger est australienne. Ses débuts remontent à la fin des années 90. Elle monte alors à Sidney, un blues band baptisé Papa Lips, en compagnie de son frère Mitch, un harmoniciste qui jouit d’une notoriété certaine. Leur collaboration accouchera de deux elpees, "Harmony" et "High time now". En 2006, elle décroche un contrat comme artiste solo. Elle publie "Grand and green river" en 2008, puis "LA Blues" en 2011. Depuis 2008, elle vit à Los Angeles. Elle signe alors chez Eclecto Groove, département du grand label blues Delta Groove.
"Shiver & sigh", son nouvel opus, a bénéficié du concours de David Z. Kara à la production. Mais également de beau monde. Et notamment du bassiste Hutch Hutchinson (ex-Wilson Pickett/Neville Brothers/Bonnie Raitt), des drummers James Gadson et Jim Bott (ex-Fabulous Thunderbirds), du claviériste Mike Finnigan (ex-Bonnie Raitt), des guitaristes rythmiques Kirk Fletcher (ex-Fabulous Thunderbirds) et Josh Sklair (ex-Etta James) des Pacific Coast Horns ainsi que de son frangin Mitch, à l'harmonica.
En ouverture, "Little pack of lies" est un titre chargé de promesses, une compo blues roots introduite par une slide acoustique. Kara possède une bien jolie voix qui domine parfaitement son sujet. Elle manie le bottleneck avec beaucoup de dextérité. La section rythmique est solide et les claviers de Finnigan sont bien intégrés. Superbe ballade, "Shiver & sigh" est signée Kevin Bowe, un compositeur notoire qui vit à Minneapolis. Les arrangements sont délicatement construits. Notre sirène des antipodes nous réserve alors un savoureux solo. Autre ballade issue de sa plume, "Lost in you" baigne dans l’americana. Légèrement funkysant, "Shut down" est caractérisé par une sortie à la slide de toute beauté. La passion de Kara est dévorante, lorsqu’elle chante "I'm not ready", une compo à la légèreté toute personnelle. Ecrit par Bruce McCabe, un pianiste issu de Minneapolis qui milite chez Jonny Lang Band, "No way you can hurt me now" marque une changement de style. Le rythme est entraînant et Mike Finnigan se révèle très en verve aux ivoires sur cette plage qui emprunte le format New Orleans boogie. Lady Grainger adapte parfaitement le "Holding out for love" de Mike Zito. Soutenue par Mitch à l'harmonica, elle pénètre dans le blues originel lors de la lecture émouvante du "C'mon in my kitchen". Beaucoup plus funk, "You're the one" est enrichi par la présence de cuivres et des percussions de Lenny Castro. La reprise du "Breaking up somebody's home" d'Al Jackson Jr (Booker T & the MGs) entraîne notre chanteuse dans une atmosphère soul/R&B judicieuse. Un album attachant qui s'achève dans la douceur profonde d’"Overdue for the blues".
Bien peu de monde pour assister au concert d'Halasan Bazar, ce mercredi 9 octobre. Et c'est bien dommage, car la formation du songwriter danois Fredrik Rollum Eckhoff nous a gratifiés d'un très agréable set. Nourri à la pop psychédélique californienne, ce collectif aux multiples nationalités (les membres nous viennent de Norvège, d’Angleterre, d’Australie et du Danemark) a parcouru son dernier opus, le très recommandable "Space Junk". Enregistré à l'ancienne sur un huit pistes, cet elpee nous avait séduits. A cause de ses atmosphères particulières, très influencées par l'univers de Syd Barrett.
Sur scène, les compositions paraissent moins complexes. Emmenées par la guitare sèche d’Eckhoff, elle baignent dans un style pop/folk 60's. Autour du leader, un guitariste délivre quelques notes électriques tout aussi psychédéliques que les sonorités d'un orgue bon marché. Elles nourrissent chaque morceau et évoquent fatalement la période des compilations "Nuggets".
Le concert peut se résumer en quatre parties. Une entame caractérisée par les titres les plus évidents et efficaces de l'album ("Sometimes Happy, Sometimes Sad", "My Mind Is Fixed") puis une phase plus brouillonne au cours de laquelle, si je ne m'abuse, on a eu droit à l'un ou l'autre titre de l’elpee précédent. Ensuite, le groupe semble prendre ses marques et nous entraîne dans une pop apaisée sur le très beau "Am I Blind", une compo dont les mélodies sont illuminées par l’orgue. Le voyage continue en compagnie du nonchalant et caressant "Wondering Why", qui sonne moins Lennon que sur "Space Junk". Il nous emmène, en douceur, vers la partie la plus débridée du set. Les Halasan Bazar se lâchent alors un peu et deviennent plus électriques et expérimentaux sur la fin de l'excellent "You & I".
Au final, on a passé un excellent moment. Et puisque un chroniqueur cherche forcément des références, le concert m'a tour à tour évoqué la pop californienne des sixties et principalement Love et les early-Beatles –en épicant le tout d’un zeste de Stones– et même si moins prégnant, que sur l'album, les débuts de Pink Floyd.
On ne remerciera jamais assez l'Escalier de nous proposer des concerts de cette qualité. Cette persévérance est à louer en ces temps difficiles pour les organisateurs.
(Organisation : L'Escalier)
DFA a l’art de dénicher des talents qui fracassent. Factory Floor, constitue l’une des dernières trouvailles du label. Et le trio ne fait pas exception à la règle. Son premier LP, éponyme, est dans les bacs depuis septembre dernier et figurera pour sûr dans de très nombreux ‘tops’ de fin d’année. Factory Floor était de passage à l’AB, version Club, pour démontrer par A+B que leur son est aussi énorme sur scène qu’en studio.
L’AB Club affiche complet à l’heure où les Londoniens de Factory Floor font leur apparition sur la scène de la petite salle bruxelloise. Précédé par un set rugissant du prometteur East India Youth, Gabriel, Dominic et Nik enchaînent, sans cérémonie, par leur mix hybride d’electro, noise et autres explorations mélodiques abstraites. « Turn It Up » lance les hostilités. Le morceau d’ouverture cogne fort. Ses percussions font vibrer nos tympans tandis que le beat insidieux chauffe nos pieds qui battent la mesure non-stop.
Sur scène, les Britanniques jouent sans trop se soucier du public. Ils balancent leurs sons et c’est tout ce qui leur importe. Dans le public, quelques motivés décompressent librement ; mais, comme souvent à l’AB, la majorité du parterre reste figé. Ce qui importe peu en général. Faut dire que le côté assez froid de la formation n’est pas spécialement engageant, même si les tubesques « Two Different Ways », « Fall Back » ou « (R E A L L O V E) » vont à contresens de leur performance scénique.
Le trio quitte les lieux au bout de près d’1h20 de prestation. Bien que le set ait démarré sur les chapeaux de roue, les 20 dernières minutes du concert n’étaient pas spécialement nécessaires ou convaincantes. D’autant que l’ambiance de la salle est retombée progressivement après les trois premiers quarts d’heure de spectacle. Factory Floor est l’un des groupes qui, pour l’heure, devrait sans aucun doute faire plus de victimes en festival et en soirées qu’en salle. Bref : bon mais peut définitivement mieux faire.
(Org : AB)
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