Rien de tel que de terminer un dimanche ensoleillé par un bon concert au Botanique. Et puis ce soir, se produisent à la Rotonde, deux poulains de l’écurie Full Time Hobby ; en l’occurrence Tunng et Pinkunoizu. Soit une formation anglaise et danoise. Il n’y a plus que quelques places disponibles, preuve que l’affiche est alléchante…
A 20h, le quatuor scandinave monte sur l’estrade. Il jouit d’une moins bonne notoriété que son compagnon de label. Et manifestement, l’auditoire ne s’est pas déplacé pour leurs beaux yeux. Alors que le combo ouvre son set, personne ne semble décidé à se lever. Au grand dam du public qui veut pénétrer dans l’hémicycle et reste coincé à l’entrée. Il faudra l’intervention d’un vigile pour décoller les fesses des spectateurs réticents. On connaît surtout Pinkunoizu pour son répertoire pop, accessible et coloré. Pourtant, ce soir, il va explorer sa face sombre et progressive. Trois morceaux en quarante minutes ! Emmené par une batteuse énergique et impressionnante de précision, Pinkunoizu s’embarque dans des morceaux longs et hypnotiques. Le chant, contrairement à la version enregistrée, est quasi absent. On a parfois l’impression d’assister à une jam session. Différence, mais elle est de taille, à contrario des ‘jam sessions’ habituelles, on ne s’ennuie pas. Même si tout le public ne semble pas adhérer à leur choix, j’estime qu’on ne peut qu’applaudir l’audace du groupe. Car si cette nouvelle orientation leur confère une nouvelle dimension, elle n’est pas de nature à rencontrer l’assentiment de l’observateur lambda. Chapeau bas donc !!!
Vingt minutes plus tard, plus aucun spectateur n’est assis. La Rotonde est maintenant pleine à craquer. Les mélomanes sont impatients de découvrir, en ‘live’, l’excellent dernier opus des Britanniques, « Turbines ». Depuis le départ de Sam Genders, hormis le remplacement de Becky Jacobs par une autre demoiselle, pour assurer la tournée, le line-up du groupe s’est stabilisé. Armé d’une gratte acoustique, l’autre membre fondateur, Mike Lindsay, est toujours au poste. Et sa chemise est vraiment originale. Sur les planches, il est soutenu par un second gratteur, un bassiste, un drummer et un bidouilleur/bruitiste. Tunng entame sa prestation par des morceaux figurant sur son dernier long playing. La conjugaison des voix est à nouveau parfaite. Et colle parfaitement à leur électro/folk, dont les compos font mouche à chaque fois. Mieux encore, quand les Insulaires décident d’interpréter des compos issues de leur plus ancien répertoire, on entre alors dans la quintessence du set. « Jenny Again », « Hustle » : la quasi-totalité des ‘tubes’ y passe. Les musicos semblent heureux d’être sur les planches, et ce sentiment est communicatif. Mais alors qu’on pensait que le band avait négligé « Bullet », il nous le réserve lors du premier rappel. On aura même droit à un second ‘encore’ au cours duquel, il va nous interpréter « With Whiskey ».
Un set épatant ! De la mélancolie à l’enthousiasme, Tunng est parvenu à explorer une large palette d’émotions, avec une facilité déconcertante. Pour notre plus grand bonheur…
(Organisation Botanique)
Rien de tel que de terminer un dimanche ensoleillé par un bon concert au Botanique. Et puis ce soir, se produisent à la Rotonde, deux poulains de l’écurie Full Time Hobby ; en l’occurrence Tunng et Pinkunoizu. Soit une formation anglaise et danoise. Il n’y a plus que quelques places disponibles, preuve que l’affiche est alléchante…
A 20h, le quatuor scandinave monte sur l’estrade. Il jouit d’une moins bonne notoriété que son compagnon de label. Et manifestement, l’auditoire ne s’est pas déplacé pour leurs beaux yeux. Alors que le combo ouvre son set, personne ne semble décidé à se lever. Au grand dam du public qui veut pénétrer dans l’hémicycle et reste coincé à l’entrée. Il faudra l’intervention d’un vigile pour décoller les fesses des spectateurs réticents. On connaît surtout Pinkunoizu pour son répertoire pop, accessible et coloré. Pourtant, ce soir, il va explorer sa face sombre et progressive. Trois morceaux en quarante minutes ! Emmené par une batteuse énergique et impressionnante de précision, Pinkunoizu s’embarque dans des morceaux longs et hypnotiques. Le chant, contrairement à la version enregistrée, est quasi absent. On a parfois l’impression d’assister à une jam session. Différence, mais elle est de taille, à contrario des ‘jam sessions’ habituelles, on ne s’ennuie pas. Même si tout le public ne semble pas adhérer à leur choix, j’estime qu’on ne peut qu’applaudir l’audace du groupe. Car si cette nouvelle orientation leur confère une nouvelle dimension, elle n’est pas de nature à rencontrer l’assentiment de l’observateur lambda. Chapeau bas donc !!!
Vingt minutes plus tard, plus aucun spectateur n’est assis. La Rotonde est maintenant pleine à craquer. Les mélomanes sont impatients de découvrir, en ‘live’, l’excellent dernier opus des Britanniques, « Turbines ». Depuis le départ de Sam Genders, hormis le remplacement de Becky Jacobs par une autre demoiselle, pour assurer la tournée, le line-up du groupe s’est stabilisé. Armé d’une gratte acoustique, l’autre membre fondateur, Mike Lindsay, est toujours au poste. Et sa chemise est vraiment originale. Sur les planches, il est soutenu par un second gratteur, un bassiste, un drummer et un bidouilleur/bruitiste. Tunng entame sa prestation par des morceaux figurant sur son dernier long playing. La conjugaison des voix est à nouveau parfaite. Et colle parfaitement à leur électro/folk, dont les compos font mouche à chaque fois. Mieux encore, quand les Insulaires décident d’interpréter des compos issues de leur plus ancien répertoire, on entre alors dans la quintessence du set. « Jenny Again », « Hustle » : la quasi-totalité des ‘tubes’ y passe. Les musicos semblent heureux d’être sur les planches, et ce sentiment est communicatif. Mais alors qu’on pensait que le band avait négligé « Bullet », il nous le réserve lors du premier rappel. On aura même droit à un second ‘encore’ au cours duquel, il va nous interpréter « With Whiskey ».
Un set épatant ! De la mélancolie à l’enthousiasme, Tunng est parvenu à explorer une large palette d’émotions, avec une facilité déconcertante. Pour notre plus grand bonheur…
(Organisation Botanique)
Black Mountain n’en finit plus d’enfanter des sous-groupes de genres différents pour un résultat qu’on ne peut qu’encourager et surtout féliciter. Entre Pink Mountaintops, Blood Meridian et Lightning Dust –qui nous concerne ici– le groupe canadien est un vivier de projets en tous genres. Et ils tiennent tous la route ! Depuis 2007, Amber Webber et le batteur Joshua Wells développent chez Lighting Dust, une vision électro-folk légèrement gothique. Et le duo regorge de bonnes idées. En parvenant à mettre en son ses fantasmes musicaux, il vient d’atteindre son apogée ; car « Fantasy », leur 3ème essai, mélange réellement la lumière à la poussière… Entre beats crapuleux (« Loaded Gun ») et perversité noire quoique bouleversante (« Agatha »), Amber Webber parvient à transcender les compos de sa voix troublante…
Chanteur, guitariste et compositeur, Lee Palmer fêtera bientôt ses 60 balais. Originaire du New Brunswick et établi à Toronto, ce Canadien pratique une forme de roots, en mêlant habilement folk, country et blues. Le plus souvent, il se produit sous la configuration d’un trio : guitare, basse et batterie. "One take" constitue le premier album complet enregistré par Lee. Les sessions d’enregistrement se sont déroulées à Toronto, en septembre 2012. Pour la circonstance, il a reçu le concours de nombreux amis. Elles se sont déroulées en une seule prise, ce qui explique le titre de son elpee et cette impression dictée par le sous-titre, "Live in Canterbury"!
Lee chante "Blues in ett", un blues aux intonations largement puisées dans le jazz. Une plage particulièrement dépouillée au cours de laquelle les solistes viennent à tour de rôle apporter leur contribution, soit Denis Keffie au piano, Elmer Ferrer et David Woodhead à la basse. La musique est cool, décontractée si vous préférez. Un traitement personnel est accordé au classique "The house of the rising son". Seule la voix est offensive et hausse son registre, alors que passionnantes, les guitares évoluent toutes en apesanteur. Et lorsque le tempo accélère en fin de parcours, c’est pour permettre une réplique féminine de Jenn Kee. "Me and my 68" nous entraîne sur routes. Très rock'n'roll, le tempo s'emballe et les six cordes de Ferguson ainsi que de Ferrer décollent. Lee et la douce Jenn se partagent le chant tout au long de "Play like BB", un roots folk blues au cours duquel la guitare se pose bien à l'avant-plan. Bien jolie ballade country folk roots, "Twelve bar addiction" est balayée de guitares atmosphériques et mélodieuses dont les sonorités sont proches d’une pedal steel. Sorte de blues medley, "Everyday blues jam" est calqué sur "Everyday I have the blues". La plage évolue sur un rythme jazz swing. Les différents instrumentistes tirent leur épingle du jeu ; que ce soit l'orgue Hammond de Keffie talonné par une excellente intervention de gratte, puis la basse et enfin les percus d'Al Cross. Lee et Jenn chantent "Old dog too", un blues jazz lent, passéiste, au cours duquel le piano se taille la part du lion. Le titre maître est encore très roots. Particulièrement percutant, il permet au drummer de faire toute la démonstration de son talent. Palmer reprend les rennes sur "Fleas blues", une piste toujours aussi singulière. Keffie est passé à l'accordéon alors qu'une des guitares aligne des arpèges. Rafraîchissant, ce long playing s’achève par "That's all". Tout est dit ! Un dernier morceau musical animé, fruit de la rencontre entre jazz et blues, épicé d’un zeste de funk.
Né à Fort Worth (NDR : c’est à deux pas de Dallas), Holland K Smith est un musicien particulièrement talentueux. Non seulement il excelle à la gratte, mais également au chant. Son style ? Le blues texan. Peu notoire hors des States, l’artiste a néanmoins de l’envergure. Ses premiers albums remontent à la fin du siècle dernier. Il a ainsi gravé "Jungle Jane" en 1997 et "Walking heart attack" en 1999, deux elpees publiés sur le label local Topcat et produits par Anson Funderburg. On épinglera encore "Enough is enough", un opus paru en 2004, chez Parific Blues, une écurie indépendante californienne.
Ce nouvel essai est sorti chez Ellersoul, un petit label virginien qui monte! Pour concocter ce long playing, Holland n’a pas reçu le concours de son backing band habituel, mais a invité d'excellents musiciens contemporains. En l’occurrence Eric Przygocki et Ronnie James Webber à la basse, Wes Starr à la batterie, John Street aux claviers et Ron Jones au saxophone. La mise en forme a de nouveau été assurée par son grand ami, Anson Funderburgh. Enfin, Smith signe la quasi-totalité des plages.
"Love liquidation" ouvre la plaque. Une belle synthèse du style proposé sur ce disque. Dansant, il mêle subtilement blues et soul. Une plage caractérisée par la présence d’une voix féminine, celle de Chaz Marie ; et si le saxophone s’est déjà immiscé dans l’expression sonore, on est immédiatement séduit par les tonalités particulièrement texanes de la six cordes. La voix de Smith n'est pas très percutante, mais elle est très musicale et expressive. Sur "You get what you deserve", elle est bien mise en exergue, un blues qui libère énormément de swing, mais un swing empreint de délicatesse. Et pour la circonstance, c’est son ami Anson qui se réserve ici la guitare, alors que Jones, le saxophoniste de jazz issu de Dallas tire son épingle du jeu. D’excellente facture, "Just one heartache" est un blues imprimé sur tempo enlevé. Holland adopte une voix de baryton. Ses interventions à la gratte sont parfaites et s’envolent face au piano et au saxophone. Un très grand moment! Rock'n'roll abordé dans l’esprit de Little Richard voire d’Ike Turner, "The itch" est dynamisé par l’excellente synchronisation entre piano et cordes. Ron Jones brille à nouveau sur son saxophone ténor tout au long de "Magic wand", une ballade intimiste teintée de jazz et de swing. Jazz et swing colorent également "Cobalt", une plage instrumentale caractérisée par l’omniprésence du sax, et les accords de guitare clairs et concis, dispensés devant l'orgue de Street ! Ponctuée par un remarquable travail sur les cordes, "Off the chain" est une ballade soul roots parfaitement ciselée par le travail de production. L'opus recèle encore quelques excellentes pistes soul. Tout d’abord "Little bit of faith", que Smith chante passionnément. "Don't buy that", ensuite. La seule reprise. Une compo signée Lefty Williams qui figurait sur l’album "Snake Oil". "Any other way", encore. Un morceau dont les interventions de guitare sont inspirées de Carlos Santana. "The secret", également. Un R&B très lent façon Stax. Slow blues lent, "Never got the blues" évolue à mi-chemin entre BB King et T Bone Walker. Smith étale une nouvelle fois sa technique aux six cordes sur "End of the darkness". "Olhos verdes" clôt le long playing. Instrumental, il s’ouvre dans un style acoustique avant de glisser vers l’électricité, mais au cœur d’un climat très latino-américain. D’excellente facture, cet elpee est dédié à la mémoire de Nick Curran (NDR : ex-Fabulous Thunderbirds), un chanteur/guitariste de blues vaincu par le cancer en 2012, alors qu’il n’avait que 35 ans…
Mark est un chanteur/harmoniciste canadien. Originaire de Toronto, il doit son surnom de ‘Bird’ à son style, proche du légendaire saxophoniste de jazz, Charles ‘Bird’ Parker. Sans surprise, il avoue pour influences majeures, Little Walter, Sonny Boy Williamson et Big Walter Horton. Il se produit sur scène depuis 1985. A cours de sa carrière, il a monté différents groupes, et notamment Polaroid Blues Band ainsi que les Sly Dogs, dont il a ensuite changé le patronyme en Mark ‘Bird’ Stafford & The Rectifiers. Son premier album officiel, "The bird man", remonte à 1996. Il faudra attendre 2003 pour le voir publier son deuxième, intitulé "Harpspace". Il a aussi assuré en permanence la promotion de l'harmonica, en réunissant régulièrement, sous la bannière des Harmonica Knights, les meilleurs souffleurs du pays à la feuille d'érable ; et en particulier Jerome Godboo, Paul Reddick, David Rotundo, Raoul Bhanja, Carlos del Junco, Michael Pickett ou encore Bharath Rajamukar. L'album a été enregistré ‘live’ au Delta Chesea de Toronto, en juillet 2012. Bird est entouré de son backing group, soit deux guitaristes, un bassiste et un drummer. Le répertoire est uniquement consacré à des classiques du blues, et presque exclusivement de Chicago blues.
L’elpee démarre en force par "Pretty baby". Une compo composée par Little Junior Parker, en 1957. Issu de Memphis, cet artiste est disparu alors qu’il n’avait pas encore 40 ans. Atteint d’une tumeur au cerveau, il est décédé lors de son opération. La formation est bien soudée. La voix de Bird est admirable. Tous les instruments bien en place. Place ensuite au "Born blind" de Sonny Boy Williamson II. Rice Miller est son idole et son style est fort bien restitué. Stafford adapte ensuite un morceau de l'inévitable Little Walter. Un exercice de style instrumental réussi pour l’universel "Juke". Il embraie par le "Mellow down easy" du même compositeur. Remarquables, les soli sont partagés avec son guitariste Aaron Griggs. Bird restitue parfaitement et aisément le style de ses maîtres. Sa cover du "Sloppy drunk" de Sonny Boy Williamson I est saignante. Cependant, si les gratteurs assurent correctement leur job, il faut reconnaître qu’il existe une différence de classe entre le leader et ses partenaires. Le tempo ralentit et le style devient primaire pour "I found joy", un titre signé par Jimmy Reed. Bird souffle, bien entendu, dans les aigus. Il les pousse même à leur paroxysme. Il opte à nouveau pour une compo de Rice Miller, "I don't know", une piste au cours de laquelle il embrasse la technique de Sonny Boy avant d’accorder un billet de sortie à un sémillant Briggs. Direction Baton Rouge, en Louisiane, pour "Got love if you want it", un swamp blues signé Slim Harpo. Mark termine son concert par trois plages de Willie Dixon, le plus grand compositeur du blues de Chicago, trois plages popularisées par Little Walter. Tout d’abord l’indolent "Can't hold out much longer", un sommet de ce live, caractérisé par un dialogue étonnant entre Bird le souffleur et Bird le chanteur. "It’s too late brother", ensuite. Très jump et parcouru d’un léger swing entretenu par la section rythmique. Enfin, le morceau final. Une véritable leçon d'harmo accordée sur l'instrument chromatique, face aux percussions de Tyler Burgess. Pas de doute, Stafford est un musicien particulièrement brillant.
Il y a déjà plus de 20 ans qu’Howard Glazer sillonne les routes. Originaire de Detroit, ce chanteur/guitariste est aussi à l'aise aux cordes acoustiques qu'électriques. Sa première production personnelle, "Brown paper bag", date déjà de 2005. Il grave ensuite "Liquor store legend", en 2007. En 2011, il publie "Wired for sound", toujours en compagnie de son backing band, les EL-34s et avec le concours du mythique David ‘Honeyboy’ Edwards. Le présent opus a été mis en boîte au coeur du Michigan par Howard en personne. Il s’est d’ailleurs chargé de tout. Pour la circonstance, il est soutenu par son fidèle drummer Charles David Stuart (NDR : il l’accompagne depuis les débuts !), Chris Brown ou Chuck Bartels (Bettye Lavette Band) à la basse et de l'un ou l'autre invité.
"Don't love you no more" ouvre l’elpee. Le style est franc et direct. La rythmique se mêle aux cordes acoustiques. Largement amplifiée, la guitare talonne la voix, secondée par deux choristes. "Shakin'" est introduit par le ‘diddley beat’ imprimé par les fûts de Stuart. Alors que les arrangements se révèlent subtils, les interventions de gratte sont manifestement cinglantes, très amplifiées, mais totalement maîtrisées. Glazer travaille le son et dose ses effets. Il est d'ailleurs réputé pour son ‘high energy blues’! "Gaz pump blues" est un superbe blues acoustique au cours duquel Howard retrouve son vieux partenaire, Harmonica Shah. L’harmoniciste noir chante et souffle puissamment devant la guitare Resonator de notre leader. Howard vit profondément "Telephone blues", un blues lent. Il s’y sent comme un poisson dans l'eau face à l'orgue de son ami Larry Marek. Les cordes sont toujours aussi déjantées et saturées tout au long de "Honey & spice". Ponctuellement, Glazer passe à la slide, mais ses interventions sont tout aussi ravagées. Les effets pervers de son blues rock sont récurrents. "Somewhere" adopte un profil tout à fait différent. Plus roots, cette compo se distingue par des effets plus recherchés. La gratte acoustique est omniprésente. Choeurs et orgue constituent une rampe de lancement idéale pour les cordes électriques, très travaillées… "Cried all my tears" nous entraîne le long des berges du grand fleuve. Une plage aux sonorités primaires, inspirée du Delta. Très métallique, la slide vit, palpite, bouillonne… Howard reprend son "Liquid store legend", un morceau qui figurait sur son album, paru en 2007. Marek le soutient à l'orgue. Et la finale est un grand moment de délectation. Harmonica Shah est de retour pour un blues lent monumental intitulé "Hurtful feeling". Gouailleuse et saturée, la slide dialogue avec l'harmonica, rappelant le Chicago southside, le cachet agressif de la Motor City en sus. Excellent !
Pour celles et ceux qui ne connaîtraient pas Deer Tick, cette formation nous vient de Providence, dans le Rhode Island. Drivée par le hargneux John McCauley, elle compte déjà 5 albums à son actif, alors qu’elle n’existe que depuis 2004. En fait, au départ, il s’agissait du projet solo de McCauley. Qui progressivement s’est mué en quintet. Les Etasuniens venaient donc défendre leur 5ème opus, « Negativity », une œuvre de country alternative, tout au long de laquelle, ils ont étoffé leur écriture.
Dans une salle à moitié pleine (NDR : ou à moitié vide, selon), les cinq musiciens –un peu éméchés– débutent leur set en piochant parmi leurs nouveaux titres. Tout en lorgnant vers le classicisme de The Hold Steady voire de Bruce Springsteen, ils sont imbibés d’americana pur jus. Dans un premier temps, le manque de puissance du son n’aide vraiment pas Deer Tick à prendre ses marques. Difficile, dans ces conditions, de parvenir à emballer un public qui n’a encore assimilé les nouvelles chansons, qu’à moitié… Mais, peu à peu, grâce à leurs voix complémentaires, une parfaite maîtrise de leurs instruments et les quelques pépites issues de leur répertoire, les Américains parviennent à transformer la Rotonde en véritable saloon crasseux du Midwest. L’accent sudiste et l’attitude bien rock’n’roll de McCauley y est bien sûr pour quelque chose. Les musiciens varient les ambiances entre leurs classiques « Ashamed », « Art Isn’t Real » ou « Standing at the Threshold » issus de leur 1er album « War Elephant » et reprises de vieux standards du rock 60’s, balancés à la manière d’un groupe de lycée, comme le ferait les Black Lips. Le son est sale comme il se doit et le groupe communique abondamment avec le public. L’ambiance monte au fur et à mesure que la cohésion soude les musiciens qui semblent prendre du plaisir. Et le final sera à la hauteur du rappel : électrique, rageur et brouillon à la fois ! Les insectes ont peut-être parasité tous azimuts, mais le public ne s’est pas senti incommodé pour autant…
(Organisation Botanique)
Après avoir gracieusement prêté ses talents de bassiste à l’infatigable Flying Lotus, son mentor, Thundercat, de son vrai nom Stephen Bruner, se paie pour la première fois une exploration express du Vieux Continent en headliner. Pour la première étape de ses pérégrinations européennes, le musicien a jeté son dévolu sur notre bonne vieille capitale.
Pour l’aider dans sa tâche, Thundercat a fait appel à fLako, producteur et DJ Hip Hop dont les dernières minutes du set m’ont plongé immédiatement dans l’ambiance bon enfant de la salle molenbeekoise. Le Chilien, qui partage son domicile entre Berlin et Londres, cède rapidement sa place à notre compatriote LeftO, chargé de combler l’attente avant l’arrivée de l’invité d’honneur. Et c’est un set qui dégomme, entre Hip Hop retro et futuriste, Soul, Hyperdub et breakbeats, que le Bruxellois a courageusement proposé à un public clairsemé mais bien chaud. Et il en fallait, du courage, pour combler l’attente interminable. En délivrant un set chevronné, le DJ a réussi à combler parfaitement la demi-heure de retard quasi-coutumière des artistes qui se produisent au VK.
C’est donc vers 21h45 que le protégé de Flying Lotus exécute ses premiers pas sur une scène belge. Thundercat est accompagné d’un claviériste et d’un batteur pour présenter son diptyque apocalyptique (« The Golden Age Of Apocalypse », sorti en 2011 et « Apocalypse », en juin dernier). Condensé de Jazz psyché, de soul saupoudré de glitch-hop, produit Brainfeeder oblige.
Le début de set est prometteur et équitablement partagé entre morceaux du premier et du second LP. Bruner démontre toute l’étendue de son talent à la basse six cordes.
Malheureusement le niveau de la prestation baisse assez rapidement. Desservi par un son pourri, la basse de Thundercat, sur laquelle tout le show est basé tout de même, devient rapidement assourdissante, noyant toute nuance mélodique. La voix du Californien, quant à elle, a du mal à trouver sa place. En studio, les arrangements de Flying Lotus, coproducteur de la discographie de ce dernier, permettent au chant d’exalter les mélopées d’une manière tout à fait tripante, leur conférant une dimension quasi cosmique. Sur les planches, tout est plat. Si bien que le bonhomme ne semble pas trop impliqué et n’arrive pas à communiquer sa passion, même lorsqu’il se démène sur le manche de son arme de prédilection. Là où LeftO avait réussi à rameuter du monde aux premiers rangs, Thundercat fait fuir au compte-goutte une partie du public qui préfère noyer sa déception au bar. Le potentiel y est mais Bruner doit encore affiner son jeu scénique pour convaincre un minimum.
Organisation : VK*
L’an dernier, le 6 septembre 2012 exactement, Crocodiles se produisait déjà au Botanique, mais au Witloof Bar. Programmée à la Rotonde, la formation n’a pas attiré davantage de monde. Faut croire que le lundi n’est pas nécessairement une aubaine pour les groupes trop alternatifs. Crocodiles nous vient de San Diego, en Californie. « Crimes of passion », son dernier album, est paru en août dernier. Il était donc intéressant de savoir, si les prestations ‘live’ du band avaient progressé en un peu plus de 12 mois…
Fondé en 2008, Crocodiles repose sur deux constantes : la présence des guitaristes Brandon Welchez et Charles Rowell (NDR : ils se servent de Rickenbackers !), le premier se réservant également le chant… sans accent… américain. Il collerait même parfaitement à un ensemble britpop. Le quintet yankee entame son set par des titres reptiliens, énergiques et excitants ; et notamment « Hearts of Love », « Teardrop guitar » ainsi que « Coakroach ». On ressent bien les influences puisées chez Echo & The Bunnymen, Spacemen 3, Jesus & Marychain, Stone Roses, BRMC, Dandy Warhols, Black Angels et même les Raveonettes (NDR : pas étonnant puisque c’est Sune Rose Wagner qui a produit leur dernier elpee), mais le son manque cruellement de puissance, et la voix constamment sous reverb, est noyée dans l’ensemble, si bien que la mayonnaise psyché/shoegaze, pourtant huilée par les interventions vintage (NDR : un Hammond ?) de la claviériste, éprouve toutes les peines du monde à prendre. Et surtout à égaler celle, tellement efficace, dispensée sur leurs disques ; en particulier puisée sur « Endless Flowers » et le tout récent et passionnant « Crimes of Passion ». D’autant que si les sonorités de grattes, ce soir, sont bourdonnantes, elles le sont un peu trop à mon goût. Le martèlement binaire des fûts imprimé par la drummeuse aux cheveux courts, ne favorisant pas l’envol des compos, même si le bassiste est resté dans son trip, tout au long du concert. De leur setlist, on épinglera encore « My Surfing Lucifer », « I Wanna Kill », « Neon Jesus » et « Refuse angels » mais au bout d’une petite heure, rappel compris au cours duquel ils nous réserveront quand même deux bonnes surprises issues de leur pénultième opus, « Sunday (Psychic Conversation #9) » et « Welcome Trouble », les sauriens s’éclipsent, en nous laissant sur notre faim…
(Organisation Botanique)
Dernière soirée du Bozar Electronic Festival. Un public bien plus nombreux et plus excité que la veille, venu en grande majorité pour Jon Hopkins et Modeselektor, se bouscule pour pénétrer dans la salle Henry Leboeuf afin d'assister au show audiovisuel du jeune Anglais. Une bonne partie partira après le set du duo allemand, laissant les derniers artistes jouer devant une audience plus clairsemée. Un deuxième jour plus varié dans sa programmation qui va nous procurer pas mal de bons moments.
Nous arrivons alors que la foule se presse pour obtenir un siège dans la salle qui abritera la prestation de Jon Hopkins. Il est accueilli comme une rock star. Dès les premières nappes, on sent que le public présent n'a pas envie d'écouter religieusement la nouvelle étoile montante de la musique électronique. Les filles se pâment : ‘qu'il est beau, qu'il est sexy’ ; et en plus, il joue du piano. Certes, quelques pauvres notes au détour de deux morceaux suffisent pour engendrer l'admiration. Mais les beats se pointent. Le public se lève comme un seul homme, et c'est parti pour l'hystérie. Bien sûr, il faut bien avouer que le jeune artiste a du talent. Il dispense un set ‘live’ bien plus musclé que son excellent album "Immunity". L'electronica abstraite du départ se transforme progressivement en une IDM et une techno franchement dansante, concédant même quelques bribes de sonorités dubstep, sa prestation atteignant son apogée dans le formidable et transique "Open Eye Signal". On saluera donc la poésie de la première moitié de parcours, bien mise en valeur par des visuels colorés, et l'efficacité de la seconde, sans doute moins intéressante musicalement mais démontrant toute la maîtrise d'Hopkins dans l'art délicat de la danse intelligente.
Le temps d'évacuer le piano (tant d'efforts pour trois minutes de notes éparses), d'installer le matériel de Modeselektor et c'est reparti. On a déjà tellement écrit sur le duo berlinois et son goût du show. Et tout y passe, une heure d'entertainment hyper rodé où les deux garnements font s'asseoir et se relever les spectateurs, se photographient, lancent des ‘cà va? Wie gehts?’ au micro, balancent des coups de klaxon quand le beat va reprendre pour finir par la traditionnelle douche de champagne sur les premiers rangs. Et la musique dans ce ‘bazar’? Un bon vieux ‘best of’ où les tubes s'enchaînent ("Kill Bill Vol.4", Happy Birthday", "Evil Twin", ...) pour le plus grand plaisir du public, sans oublier un hommage à Apparat (toujours convalescent après son accident de moto) lors d’une excellente version d’"A New Error", une des pièces maîtresse du nouveau Moderat. L'occasion de regretter amèrement l'absence du troisième larron qui nous prive du show initialement prévu. Enfin, je m'en voudrais de ne pas évoquer les visuels de Pfafinderei. Ici aussi, on sent le service minimum. Un seul membre du trio de VJ a fait le déplacement et il se contente souvent de reprendre les images des clips. Mais les réalisations de ce collectif sont tellement au-dessus de la mêlée qu'on leur pardonne volontiers.
Le temps de changer de salle et d’inhaler l'équivalent de 150 cigarettes en fréquentant le fumoir, il est temps d'aller écouter religieusement un artiste légendaire. En effet, Jaki Liebezeit, le mythique batteur de Can, 75 ans au compteur, s'est installé sur scène avec son vieux complice Burnt Friedman. La programmation, même si elle me réjouit, est audacieuse et attire peu de curieux. On assiste pourtant à une vraie démonstration. Sous des dehors simples, l'exercice d'accorder percussions organiques et pulsations synthétiques est toujours périlleux. Mais les deux hommes sont en osmose depuis bien longtemps. On ne sait d'ailleurs qui a le plus de mérite : Liebezeit, fidèle à lui-même en véritable machine métronomique, ‘un des rares batteurs à pouvoir mêler le funky et le mental’ comme dit la légende ou Friedman, impassible, qui accorde ses bleeps aux rythmiques parfois déroutantes de l'ex-Can. Transe chamanique aux relents de dub, le concert est un long voyage à travers les rythmes, répétitifs mais jamais tout à fait les mêmes. Cette lente évolutivité, chère au Kraut-rock mais aussi à la musique africaine et à la techno, n'est finalement pas si impromptue dans le cadre de ce festival. Les moments les plus paroxystiques sont accueillis par des cris et des sifflets, suscitant un léger frémissement de satisfaction chez ces deux vieux musiciens qui ont pourtant tout vécu. Cela fait plaisir à voir. Ils se retirent sur la pointe des pieds sans que l'on se rende compte que c'est déjà fini. Pudeur germanique sans doute. Fin de l'intermède atemporel.
Nous nous éloignons un peu pendant que Terror Danjah, icône du grime, et son acolyte Champion viennent poser la touche dubstep de la soirée. Le public le plus jeune semble prendre plaisir à sauter sur des sonorités plutôt dub au départ mais qui vont progressivement évoluer vers de la drum&bass. Pas très original mais pas déplaisant.
Nous nous rapprochons pour le dernier ‘live’ de la soirée. Le Canadien Deadbeat, moustache au vent et particulièrement hilare pendant la prestation de Champion, reprend son sérieux et nous replonge dans des sonorités plus froides même si le début est plutôt tek-house. Ensuite, il propose une version musclée de ces dernières productions sur BLKRZ, le label qu'il a créé lorsqu'il s'est installé à Berlin. Et on sent que le son de la capitale allemande a, petit à petit, déteint sur les productions de Scott Monteith. Plus techno que dub à présent, seules des rythmiques dancehall cassent à peine le train-train d'un set un peu trop conventionnel, varié et pourtant monocorde. A cette heure, le Canadien a voulu faire plaisir aux danseurs en oubliant ses fans de la première heure qui attendaient plus de finesse mélodique et de sonorités hypnotiques. Le festival meurt sur un dernier beat...
Le BEAF se veut ambitieux et est assez satisfait de cette édition. On peut donc s'attendre à une programmation au moins aussi prestigieuse l'année prochaine. Peut-être y aura-t-il plus de concerts dans la seule salle destinée à la musique. Le public présent en masse, surtout le samedi soir, s'est en tout cas montré très respectueux des lieux. Un autre encouragement pour les organisateurs.
(Organisation Bozar)
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Pour sa cinquième édition, la deuxième sous ce nom, le Bozar Electronic Arts Festival a concocté une affiche alléchante. La programmation du vendredi va nous entraîner dans l'univers de la dark techno. Sombres, les lieux le sont également. La plupart des concerts se déroulent dans une longue pièce fort peu éclairée et problème récurrent du festival, souffrent d’une acoustique de piètre qualité. L'austérité des lieux, l'absence de couleurs et les éclairages minimalistes concordent bien avec la musique proposée et offrent un cadre neutre adapté aux visuels. Mais cette pénombre permanente et cet espace confiné au bout d'un dédale de couloirs suscitent plus l'introspection et la solennité que la fête chère aux technophiles lambda. Atmosphère de musée donc, quelque peu figée, renforcée par la présence des gardiens habituels du lieu un rien effrayés par la faune présente, entre jeunes clubbers en singlet et intellectuels à lunettes d'un certain âge.
Nous débarquons alors que le concert d'Emptyset vient de débuter. Les basses sont à peine supportables et nos oreilles sont directement martyrisées. C'est un des soucis de ce festival. Ces grandes pièces aux très hauts plafonds ont une piètre acoustique et les organisateurs ont beau en changer chaque année, aucune n'en offre une à la hauteur de la musique proposée. Soit, on n'en parlera plus. Concentrons-nous sur la musique dispensée par la moitié du duo de Bristol. Il nous propose un live qui évoque le label Raster-Noton, pour lequel il a d'ailleurs officié. Quelques moments expérimentaux où l'on joue sur la saturation et la répétition des sons. Des beats qui arrivent progressivement et se font petit à petit plus réguliers ; mais rien de transcendant. Le visuels de la Française de Joanie Lemercier, très proche de l'imagerie du label allemand précédemment cité, sont un peu monocordes et accentuent l'austérité de la musique. On aurait aimé un début moins agressif, car la mise en train est un peu violente.
Place alors au Britannique Pye Corner Audio qui nous plonge dans des sonorités ambient proches de BO de vieux films de science-fiction avant de poser quelques beats lents par dessus les nappes. De petites mélodies surgissent çà et là puis disparaissent dans le magma. Plus apaisé que le précédent, ce set aurait dû débuter la soirée. On reste quand même parfois un peu perplexe, car certains passages sont peu compréhensibles comme le sont également les visuels, où films de vacances seventies se mélangent à des vues de l'espace et des figures géométriques. Il est décidément bien difficile d'échapper aux clichés dans l'art difficile du veejaying.
Il est alors temps de passer dans une salle bien plus adaptée à la musique puisqu'elle accueille généralement des concerts de musique classique. Nous nous installons donc confortablement dans des sièges pour assister au clou de la soirée : Borderland le projet de deux figures mythiques de la techno, Moritz Von Oswald (aka Maurizio, boss des légendaires labels Basic Channel et Chain Reaction) et Juan Atkins (pionnier du son de Detroit sous les pseudos, entre autres, de Model 500 et Cybotron). La foule est venue en grande majorité pour ce moment et accueille religieusement les deux légendes. Ici, il n'y aura rien à voir. La scène est plongée dans le noir, juste éclairée par des lampes de chevet. Trois figures figées devant leurs écrans (le neveu de Moritz, Laurens Von Oswald est également de la partie), émergent de la pénombre. Les premières minutes nous entraînent dans l'ambient de l'album du duo sorti sur Tresor. On a un moment peur que le live ne soit qu'une resucée de ce dernier ; mais après quelques minutes des pulsations naissent à la grande joie du public. C'est à la version rythmée que nous allons assister pour notre plus grand plaisir. Chaque apparition d'un beat, même fantomatique, est accueillie par des cris et des applaudissements de l'assistance. On se retrouve tour à tour au cœur des atmosphères techno dub de Chain Reaction puis dans des contrées plus propres à Juan Atkins période Model 500 (le morceau "Treehouse" par exemple). Les informations se font de plus en plus nombreuses et les clubbers ne tiennent plus en place. Au diable l'atmosphère religieuse et un peu guindée des lieux, quelques téméraires osent se lever et s'approcher de la scène, bientôt suivis par une centaine de personnes avides de se déhancher. Bien entendu, on est loin de la techno grasse et peu finaude des méga festivals, chaque son est réfléchi et subtil. On comprend minute après minute pourquoi ces deux personnages qui ne payent pas de mine sont des légendes. La prestation se termine. On emmène péniblement Moritz Von Oswald vers les coulisses et sa lente claudication nous rappelle que l'on a failli le perdre fin 2008 suite à une crise cardiaque pendant un trajet en avion. Une douce impression d'avoir côtoyé l'histoire de la musique électronique pendant une heure nous plonge dans une certaine nostalgie. Pas pour longtemps. Le présent nous attend.
Et ce présent, il est rudement bon. Retour dans le couloir lugubre pour une prestation qui va me bluffer. William Bennett, mieux connu pour son implication chez Whitehouse, le fabuleux groupe de noise expérimental, s'est, au cours des dernières années, lancé dans un projet consacré aux instruments de percussions ghanéens. A partir de ces rythmes, il a concocté une techno tribale ébouriffante sous le patronyme de Cut Hands et c'est en grande partie son dernier album "Black Mamba" qu'il nous propose. Pas mal de spectateurs sont désarçonnés et c'est compréhensible. Le nombre d'informations à la seconde dépasse largement les capacités d'absorption d'un clubber lambda. En outre, elles partent dans tous les sens ; et pourtant, tout est maîtrisé. On a l'impression d'assister à une cérémonie vaudou et fatalement l'état de transe n'est jamais loin. L'amateur de musique africaine que je suis est aux anges. Je suis littéralement happé par cet enchevêtrement de rythmes traversés par des sonorités industrielles. Mes amis semblent moins réceptifs. Peu importe, j'ai vécu un grand moment et je me promets de me procurer sous peu toutes les productions signées Cut Hands.
C'est Vatican Shadow qui reprend le flambeau. Dominick Fernow, artistes aux multiples pseudos dont le plus connu est Prurient, propose sur albums une IDM/techno industrielle aux mélodies synthétiques sombres qui pourrait figurer dans le catalogue Tympanik Audio, par exemple. Mais les mélodies sont quasi-absentes de son live et on doit se contenter d'une dark techno agressive et un peu ennuyeuse. On pourrait s’imaginer participer à une soirée Ant-Zen ou Hymen des années 90. Et on se dit qu'on aurait bien consommé un intermède un peu coloré au milieu de tous ces univers industriels relativement redondants.
Et ce ne sont pas Silent Servant et son comparse Regis qui nous extirperont de ces atmosphères étouffantes. Ils clôturent la soirée. Leur expression sonore est froide, sombre, industrielle, percussive. Un set sans doute plus réussi que l'artiste précédent ; mais mes oreilles sont repues. Elles sont aussi saturées que le son. Les ingénieuses et abrasives saillies noise ajoutées par Karl O'Connor (Regis) sur la techno indus de Silent Servant ne me titillent plus. Il est temps de s'en aller.
(Organisation Bozar)
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Décidément, les têtes pensantes du label Full Time Hobby ont le bon goût de ne jamais se tromper… La signature des obscurs Danois de Pinkunoizu en est une nouvelle preuve ! Avides de constructions alambiquées mais aussi de mélodies haut de gamme, ces Scandinaves publient leur second album, un disque qui fait suite au très remarqué « Free Time ! », paru en 2012. « The Drop » approfondit leur fascination pour une pop psychédélique qui échappe à tout carcan. Entre ballade foutraque (« I Said Hell You Said No »), longues divagations inspirées du krautrock (« Necromancer ») ou rock d’un autre monde (« The Can Valley »), ils ne tiennent pas en place quitte à perdre l’auditeur en route. Il sera pourtant gratifié de superbes moments s’il donne la chance à certains morceaux enchanteurs (« Pyromancer ») entre basse incroyablement caoutchouteuse, chœurs, synthés loufoques et envolées électriques. Un manque de cohésion qui charme et déroute à la fois. Pinkunoizu porte peut-être le nom d’un Pokémon mais sa musique mutante devrait lui permettre de remporter bien des combats musicaux !
A ne surtout pas manquer le 6 octobre en première partie du non moins magnifiquement déjanté Tuung…
Motorpsycho fêtera son quart de siècle d’existence l’an prochain. Un groupe norvégien qui nous propose (sauf erreur ou omission) son 18ème elpee. Pour enregistrer ce « Still life with eggplant », il a reçu le concours de Reine Fiske, l’ex-gratteur de Paatos, actuellement impliqué chez Dungen et The Amazing. Et les deux six cordistes pallient allègrement l’absence de claviériste. Orientant le stoner du band scandinave sur une nouvelle voie. Parfois plus métallique. A l’instar de la plage d’ouverture, « Hell, part 1-3 », réminiscente du Deep Purple d’« In rock ». Prog rock ou jazz rock (NDR : les 15’ de « Ratcatcher », en particulier ») quand les compos tâtent de l’impro. Seules les harmonies vocales adoptent un profil plus pop. Dans l’esprit de la West Coast des seventies ? Celui de Quicksilver alors ! Et bien sûr de Grateful Dead. Ou alors plutôt de Blue Öyster Cult. Suivant les titres. Cinq en tout sur ce long playing. Plutôt longs. Et qui s’achève par une ballade mid tempo épique, semi-acoustique, traversée par un mellotron. De quoi nous replonger encore plus profondément dans les seventies…
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