La formation canadienne Dead Ghosts effectuait un petit crochet par la Belgique, jeudi dernier. L'occasion d'aller écouter en live un des très bons groupes de garage du moment. Interprétant intégralement leur deuxième album, l'excellent « Can't Get No », elle nous a replongé dans les atmosphères des sixties pendant une bonne heure pour notre plus grand plaisir.
Une trentaine de fidèles des concerts JauneOrange, ne connaissant pour la plupart pas le groupe de Vancouver, ont fait le déplacement. Ils ne le regretteront pas.
La soirée débute par un set des Bruxellois de Mountain Bike, un ensemble fondé récemment par des membres de Warm Toy Machine et Thee Marvin Gays. Une très bonne surprise ! D'abord parce que peu de combos belges proposent du garage ; ensuite, parce qu'on assiste rarement à des premières parties de cette qualité. La section rythmique assure méchamment, les compos sont efficaces, garage 60's bien-sûr, mais tout en se référant généreusement à l'indie-rock des années 90. Et si le chant paraît moins assuré que les guitares, en écoutant leur démo, on en conclut qu’il ne faudra pas très longtemps avant que cette voix atteigne, en ‘live’, le niveau des instruments, tant elle est agréable sur bande. Ty Segall et la scène de San Francisco ont des petits cousins au pays des moules et c'est tant mieux.
Arrive alors les Dead Ghosts, un peu timides au début devant cette salle à moitié vide. Mais habitués aux bars nord-américains, ils se détendent peu à peu. Surtout au fur et à mesure que l'assistance quitte le zinc, attirée par l'adrénaline qui se libère de la scène. On ferme les yeux et on se retrouve en 1963, au début du phénomène garage quand des adolescents américains, influencés par les groupes anglais émergents osaient se lancer dan un rock'n'roll crasseux à l'énergie débordante. Plus encore que sur le disque, on déduit que le titre de l’elpee n’est pas le seul à évoquer les early-Stones. Mais ce n'est bien-entendu pas la seule référence qui nous vient à l'esprit. On pense aux débuts des Beatles pour la qualité des mélodies, à des Shadows poisseux, aux premiers titres des Clash (la rythmique du batteur, sorte d'Animal des Muppets, tant il s'agite dans tous les sens) et à des formations plus psychédéliques (la guitare fuzz règne fatalement en maître de cérémonie). Les ‘tubes’ de l'album s'enchaînent. "Cold Stare" ouvre les hostilités tout en mélodie puis c'est l'avalanche de décibels déclenchée par "Can't Get No", "Summer with Phil" ou "I Want you Back", sans oublier la pièce maîtresse de "Can't Get No" à mon sens "Roky Said", hommage non voilé à Rocky Erickson, le leader des mythiques 13th Floor Elevators. Et pour l'anecdote, on est heureux de voir le bassiste arborer un magnifique t-shirt Sarah Records. Est-ce la raison pour laquelle, on entend dans certaines de ses notes des réminiscences de la légendaire structure anglaise? Après tout, Dead Ghosts, c'est autant pop que rock, la pop des débuts, la vraie, pas la soupe actuelle.
Jetez vous sur l'album si cet article vous a alléchés. Enregistré comme les pionniers sur un 8 pistes et par conséquent faisant fi de tout ordinateur, il nous ramène aux racines du rock ; de quoi nous ravir de retrouver un son brut, non trafiqué, plein d'humilité et de ferveur comme le sont les Dead Ghosts.
(Organisation l’Escalier)
Les couloirs du temps se rétrécissent et il n'est plus nécessaire, de nos jours, de posséder une Delorean pour en arpenter les longueurs, largeurs ou toutes autres dimensions.
En empruntant un des vecteurs les plus communs et des plus usuels, je fais route ce mercredi soir vers des contrées hors de portée des affres de la nostalgie, inoculant cette substance non prohibée que l'on nomme simplement bon temps.
Par contre, il serait plus qu'opportun d’enfin concevoir la téléportation !
À défaut de cette grande et belle invention future, j'arrive alors qu’Elephant Stone vient d'entamer son set.
Mince, il est déjà sitar ?
Ben oui, dès les premières rasades, il est évident qu’Elephant Stone n'a pas inventé la roue ; mais ces Canadiens, emmené par leur bassiste, Rishi Dhir, disposent d’un certain potentiel pour renouer avec les trames de motifs sixties tout en y incorporant des éléments de musique traditionnelle indienne.
Passant judicieusement de la basse aux cordes pincées de son noble instrument à manche long, l'ex-membre des High Dials fait valser les compositions outrageusement pop de son répertoire.
Le résultat est donc à ranger dans la catégorie Revival aux côtés de Miles Kane, par exemple, plutôt que sur l'étagère où trônait Cornershop.
Si une écoute distraite avant leur passage n'avait guère affolé les aiguilles de mes potentiomètres, leur concert m'a permis de revoir mes premières impressions à la hausse. Beaucoup moins niaises qu'il n'y paraît à premier abord, leurs compositions recèlent de fort bonnes mélodies, rehaussées de galvanisantes montées sonores assénées par un excellent guitariste.
Et à aucun moment, les ponts brodés au sitar ne viennent encombrer le sentiment de légèreté qui émane des titres proposés.
À l'aise dans son français (et pardon aux néerlandophones), Rishi et son band nous laissent donc sur une agréable impression, tout en sourire et remerciements sincères.
Finalement, la pertinence de cette double affiche apparaît sous la lumière nouvelle de ces quarante minutes, et l'on comprend l'engouement des Black Angels de les emporter dans leurs bagages.
Du bagage, les Texans en ont pris depuis la première fois où je les ai vus en concert.
En quelques années, ils sont devenus incontournables et malgré un crochet récent à la frontière hollandaise, dans le cadre d’un festival gratuit, il n'est pas étonnant que l'Orangerie soit comble ce soir.
Le public enthousiaste (dont certains énergumènes survoltés) ne s'y trompe pas et réserve à chaque titre un accueil chaleureux.
En une heure et demie de passage à la moulinette, de télescopage chromatique et de réverbération hallucinée, les sens tanguent sous la houlette d'Alex Maas et sa clique d'anges ténébreux.
Pas de temps mort. C'est pied au plancher que le groupe d'Austin emballe son auditoire.
Chant incantatoire, pop noyée d'effets multiples, orgue grésillant et assaut de noise, le tout précieusement enrobé du linceul de gloires éternelles, du Velvet aux Doors en passant par 13th Floor Elevators.
La tête dans le tambour d'une machine qui abriterait du beau linge coloré, mais dont le bruit de moteur pétaraderait jusqu'aux portes de l'enfer, nonobstant la dose nécessaire d'adoucissant ajoutée, afin que le groupe entre dans la légende.
Un bref aperçu des titres joués ce soir permet de se rendre compte de l'évolution du band, restant intègre et fidèle à sa ligne de conduite.
Une recette sans cesse génialement réinventée qui donne substance et matière à des morceaux devenant au fil du temps classiques du genre.
Bref, on n’est pas prêt d'arrêter d'en parler de ces anges noirs.
Après cette avalanche de morceaux imparables ponctuée par « Young Men Dead » en apothéose, je n'ai plus qu'à plier genou à terre, tirant ma révérence, définitivement aux anges.
(Organisation : Botanique)
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Cet illustre inconnu nous vient de Townsend dans le Delaware, un petit Etat, sis non loin de Washington et Philadelphie. Chanteur/guitariste, Snarky Dave est néanmoins flanqué d’un backing group, notamment sur les planches. Un trio baptisé pour la circonstance, The Prickly Bluesmen (NDR : c’est ce que nous renseigne leur site web). En l’occurrence Ricky Beck à l’orgue Hammond, Chris Foltz aux percussions et Bobby Barr à la basse. Surprise, aucun de ces collaborateurs ne figure parmi les crédits de l’album. En fait, pour enregistrer cet opus, quelques connaissances ont donné un fameux coup de main à Snarky. Et tout particulièrement Joey Fulkerson, qui assure l'essentiel des parties de guitare solo ainsi que la production, sans oublier Edgar Fernandez à l'orgue. La section rythmique réunit le bassiste Don Stein et le drummer Tony Robinson. ‘Snark’ se traduit par râleur et ‘prickly’ par irritable. Place donc à Dave le râleur et ses bluesmen irritables. Dave sait qu'il n'est pas un guitar hero, mais il annonce la couleur : ‘je n'écrirai pas une chanson si elle ne véhicule pas un message cohérent!’ Et notre homme n'interprète que ses propres compositions.
"Caucasian blues" ouvre l’elpee. Un véritable brûlot et une des meilleures plages du long playing. Fulkerson se révèle très en verve sur ses cordes. "Bitchin'" traite de la condition mentale des hommes mariés. Un trio de dames constitué de Tina, Diane et Justine taquinent de leur voix notre Snarky. Les femmes bien enveloppées ont-elles aussi droit à une vie amoureuse ? C'est ce que nous raconte Dave, sur un ton Memphis R&B, tout au long de "Big girl". "Mother and I" évoque le souvenir de sa maman, un sujet qu’il aborde tout en retenue et émotion. Et le sentiment de tristesse est accentué par la tonalité de la guitare l'E-bow de Joel. Titre de funk parodique, "Doggone fool" permet de beaux échanges entre la guitare, le sax et la section rythmique. Rythmée et entraînante, "Pick it up" est une plage dont la sonorité rappelle un passé glorieux. Le chant de Dave est soutenu par des vocalises bien plus féminines, tandis que deux de ses accompagnateurs tirent brillamment leur épingle du jeu. Tout d’abord le brillant organiste Fernandes, puis le saxophoniste Jay Heath. Signé Mark Sullivan, un ami d’enfance, "Mike Sully's boogie" est un boogie allègre au cours duquel l'orgue occupe toujours le premier plan. En intro de "Make no sense", le saxophone de Heath prend la direction des opérations ; néanmoins, c’est encore Fernandes qui se révèle reste le plus performant. Ce type de compo me rappelle beaucoup les expériences menées par de nombreux groupes, au cours des 70’s. Lorsque la liberté d’inspiration était sans limite et que la fusion du rock, du blues et du jazz conduisait au développement d’une musique qui sera qualifiée de progressive. "Caucoustic blues" ponctue cet opus fort intéressant, une relecture ‘unplugged’ de la plage d'ouverture. Armé de sa gratte sèche, Dave chante. Chris Flotz est enfin présent. Il se réserve le cajon, alors que Heath souffle dans son saxophone baryton. Un album que je vous invite réécouter à plusieurs reprises avant de pouvoir l’apprécier à sa juste valeur, et puis surtout pour tenter de décrypter les textes très personnels et humoristiques.
Ty Segal est un musicien étasunien qui joue aussi bien de la batterie et plus généralement de la guitare. Outre son aventure en solitaire, il est impliqué dans de multiples projets dont The Traditional Fools, Epsilons, Party Fowl, Sic Alps et The Perverts. Sans oublier son propre band, essentiellement destiné à l’accompagner en tournée. C’est pourtant flanqué de son backing group, qu’il a enregistré ce « Slaughterhouse ». Et à l’instar de ses prestations ‘live’, l’elpee s’avère particulièrement écrasant, puissant, claustrophobe. Sur plusieurs compos, le son est même carrément pourave, comme s’il avait été enregistré sur un mini-cassette. Segall a déclaré qu’en concoctant cet opus, il avait voulu chercher un compromis entre les Stooges, Hawkwind et Black Sabbath. Pas tout à fait faux, même s’il est nécessaire de nuancer le propos. Ainsi, certaines plages trempent carrément dans le garage punk. Pensez à 13th Floor Elevators. Et d’autres évoquent les Beatles, lorsqu’ils ont sévi à Hambourg. Paradoxalement, les harmonies vocales et la mélodie de la plage qui ouvre le long playing, « Death », lorgnent plutôt vers les Dandy Warhols, alors que la progression de cordes aride et véloce du titre maître emprunte des accents ‘pixiesques’. Et si « Muscle man » calque son riff de base sur « I’m free » du Who, la longue piste qui clôt l’LP, « Fuzz war », nous entraîne dans la noisy atmosphérique. L’album recèle deux reprises, « The bag I’m in » signée Fred Neil et puis surtout le furieux « Diddy wah diddy » de Bo Diddley, abordé à la manière de Captain Beefheart. Si vous cherchez à faire le plein de références, c’est Byzance…
En concert ce 4 décembre 2013 au Vk* de Bruxelles, dans le cadre de l’Autumn Falls.
« In Love », l’auditeur pourrait facilement y tomber, en écoutant le premier elpee de Peace ! Un combo établi à Birmingham, drivé par les frères Koisser. Ce quatuor insulaire puise son inspiration dans la pop des 20 dernières années, pour concocter des morceaux bigrement contemporains. Des chansons qui devraient mettre tout amateur de pop/rock d’accord, malgré des références parfois un peu trop prégnantes… L’ultra-efficace « Higher than the Sun » constitue assurément le plus bel exemple. Entre les rythmiques africaines à la Foals voire Vampire Weekend (« Follow Baby », « Wraith »), la pop primesautière chère aux Maccabees (« California Daze ») ou l’hommage aux déjà vétérans Oasis (NDR : l’altier « Sugarstone »). Malheureusement, rien de nouveau à l’horizon ne se détache à l’écoute d’« In Love »… Cependant, on ne se privera pas de savourer ce nouvel aperçu du bon goût et d’un savoir-faire pop tout british, jamais déplaisant !
David Sylvian a donc fait appel à Stephan Mathieu, en compagnie duquel il avait d’ailleurs déjà travaillé en 2011, pour relifter son album « Blemish », paru en 2003, afin de créer une bande sonore pour une application iPhone, destinée à mettre en exergue ses photographies. La voix de l’ex-Japan a été effacée pour laisser place à de longs morceaux qui baignent dans l’ambient. Sur le titre final « Deceleration », Christian Fennesz est même venu apporter sa collaboration. Stephan Mathieu est surtout connu pour son approche électro-acoustique de la musique. Les 7 plages de ce « Wandermüde » nous entraînent au cœur d’un voyage spatial surréaliste dont le panorama est en extension constante et où les abstractions fluides sont susceptibles de flotter avant de passer à l’état gazeux. Pas compris ? Pas grave ! Restez zen…
Jan Tore Lauritsen est âgé de 46 balais. Il vit à Lillestrom, en Norvège. Très jeune, il chope le virus du blues, après avoir beaucoup écouté BB King et Ray Charles. Il monte sur scène à l’âge de 14 ans. A cette époque, il joue de l’orgue ; mais découragé par le poids de son Hammond, il décide de recentrer sa passion sur deux autres instruments : l'harmonica et l'accordéon. En 1991, il fonde les Buckshot Hunters, un combo au sein duquel milite alors le guitariste notoire Vidar Busk.
"Play by the rules" constitue déjà son septième opus. Il a été enregistré lors de deux sessions différentes. La première en mai 2012, dans le studio Ardent de Memphis. La seconde en février 2013, à Oslo. Pour la circonstance, il a reçu le concours de son backing group, les Buckshot Hunters et d'un tas d'amis dont bon nombre d’artistes bien connus outre-Atlantique.
L’elpee démarre dans un style bien populaire à Memphis : le R&B. Et plus précisément le "Everyday will be like a holiday" de William Bell, un des piliers du label Stax dans les années 60 et 70. L'orgue Hammond est bien présent sur cette plage lente. J.T. et le Suédois Sven Zetterberg partagent le chant. Inspiré par le zydeco louisianais et le style de la Nouvelle Orléans, il empoigne son accordéon pour nous livrer "Next time" dans la bonne humeur. Y participent la choriste américaine Reba Russel, le pianiste Victor Wainwight –et ses interventions sont impeccables– ainsi que le guitariste de Reba, Josh Roberts. Le titre maître est une jolie ballade. Roberts est passé à la slide. J.T. double à l'orgue Hammond. Le dialogue établi entre la slide et le piano de Wainwright est remarquable. J.T. attaque alors le "Need my baby" de Big Walter Horton, un Chicago shuffle au cours duquel Willie J Campbell des Mannish Boys se réserve la basse ; et surprise, Billy Gibson, l’excellent souffleur de Memphis est venu rejoindre Lauritsen à l’harmo. Instrumental, "Memphis boogie" met en vedette les différents solistes : l'excellent Wainwright au piano, Roberts à la guitare et J.T. à l'accordéon. Ce dernier chante d'une voix puissante, très soul, soutenue de chœurs féminins, le blues lent "I'll nevet get over you". "Mathilda" est une autre plage imprimée sur un mid tempo. L’omniprésence de l’harmonica et les échanges de cordes opérés dans la bonne humeur, nous entraînent au cœur de la Louisiane profonde. "Find my little rock" est un blues qui rocke allègrement. Et c'est l'inégalable Texan Anson Funderburgh qui s'envole sur sa guitare, devant la rythmique des Buckshot Hunters. "Valley of tears" est une ballade empreinte d’une grande sensibilité. Nous sommes transportés dans les bayous. La rythmique de Funderburgh, l'accordéon de Lauritsen et la guitare réverbérée de Fredrick Johannessen entretiennent cette vision. Blues rocker puissant, "Eye candy" est conduit à l'anglaise, favorisant une toute bonne sortie des gratteurs norvégiens. D’excellente facture, ce long playing s’achève par "The blues got me". Tous les musicos prennent leur pied et finissent par chanter en chœur cette plage découpée par les rythmes du Chicago blues…
Ce Dvd constitue l’envers du décor de l’enregistrement du dernier album d’Indochine, “Black City Parade”. Soit un documentaire qui retrace sa conception. On pourrait même y ajouter dans la douleur. Un certain Winslow Paradise a filmé les 14 mois de travail nécessités pour mettre en boîte cet opus. Depuis les ébauches réalisées au KMS de Paris jusqu’au mixing final opéré par Shane Stoneback, à Berlin. Pendant 1h45, on assiste à la méthode d’écriture des textes, aux séances d’impro, aux désaccords qui naissent entre Nicola Sirkis et Oli De Sat, etc. ; bref au climat qui règne lors des sessions d’enregistrement. Tout ce que les fans veulent savoir sur la genèse d’un album d’Indochine est ici étalé. Et à ce titre, ils ne peuvent passer à côté de ce témoignage…
Publié il y a déjà quelques mois, cet album n’a pas fait grand bruit. Pourtant, ce trio établi à Los Angeles est signé sur le label Neurot (Amen Ra, Neurosis, Akimbo, …) Ce qui constitue un gage de qualité ! Le line up implique deux dames et un homme. Soit la chanteuse/bassiste Sera Timms, la drummeuse Kelly Johnston et le guitariste Jason Bennet. Contrairement à ses compagnons de label, Ides of Gemini n’érige pas de mur du son. Les interventions des quatre et six cordes sont minimalistes et le son est épuré. Mais l’originalité de la musique du band californien procède du chant de Sera Timms. Elle possède une voix enivrante, vaporeuse et lyrique. Et c’est cette voix qui communique à « Constantinople » ce climat glauque et gothique.
Bref, cet opus ne manque pas d’allure. Quant à affirmer qu’il soit indispensable, il y a une marge que je n’oserai franchir.
Family Band réunit Kim Krans, une artiste qui jusqu’à présent ne militait que dans la sphère visuelle, et Jonny Ollsin, un ex-guitariste de trash metal (Children, S.T.R.E.E.T.S.). Un couple issu de Brooklyn qui, pour l’enregistrement de cet album, a reçu le concours de Scott Hirsh (His Golden Messenger) à la basse et à la lap steel. D’un timbre légèrement éraillé, profond, angoissant mais captivant, Kim se charge des vocaux. Le jeu de guitare proposé par Scott est dispensé parcimonieusement, le plus souvent en picking ; parfois réverbérant même les échos d’une harpe. Le climat de leur musique est austère, élégant, spectral, glacé, presque gothique, rappelant même parfois Dead Can Dance, notamment ces échos profonds, vibrants, puissants qui figent parfois le sens mélodique.
L’elpee s’ouvre par « Night song », une compo dont le simple riff de guitare tourne en boucle, un peu comme chez Archive. Et « Lace », la plage qui embraie, emprunte un schéma presque semblable. A partir du troisième morceau, hormis « Ride », une piste qui gronde au gré des oscillations des timpanis, des éclaboussures de cymbales et des accès de basse, le tempo se révèle beaucoup plus indolent, presque léthargique, un peu comme chez Cowboy Junkies. Enigmatique, traitant de l’amour, de la mort, de la perte et de la déception, le titre maître palpite même au rythme des battements lents du cœur. Seul le titre final, « Rest », ose un duo vocal. Et il est plutôt réussi. Un album chargé de mélancolie douce qui ne manque pas d’allure, mais bien de changements de tempo. Bonne nuit !
« Long Time Ago » constitue déjà le 4ème opus de Current Swell. Fondé en 2005, à Victoria (NDR : c’est au Canada) le groupe jouit d’une énorme popularité au Brésil et en Australie. Pas étonnant, lorsqu’on sait que leurs tournées marathon ont régulièrement privilégié ces régions du globe. Pourtant, malgré ces nombreux périples et leur envie d’émancipation, les membres du combo ont toujours une philosophie de vie positive et surtout envie de partager leur passion : la musique. L’enregistrement de ce nouvel opus en est donc la parfaite démonstration. Entre un folk enjoué (« Long Time Ago ») et ballades plus roots (« Too Cold »), Current Swell nous communique la bonne humeur surf communicative empruntée à Jack Johnson (« Young and Able ») à l’aide de compos dont le sens mélodique évoque instantanément Xavier Rudd. Parfait pour animer un feu de camp sur la plage (NDR : les musicos y emporteront certainement leurs tambourins et un harmonica), « Long Time Ago » tombe parfois dans la facilité, mais la démarche de ces néo-folkeux est tellement intègre, qu’il est quasiment impossible de résister à leur ‘sing along’ laidback…
Encore une usine à références! Curieux parcours pour ce groupe, réunissant deux Aron : Sanchez et Dyer. Ce dernier possède une voix androgyne. Pensez à Prince, Jonas Bjerre (Mew), PJ Harvey, Karen O (Yeah Yeah Yeahs) ou Liz Fraser (Cocteau Twins). Voire Derek Shulman (Gentle Giant). D’ailleurs, plusieurs compos empruntent une structure prog réminiscente du groupe insulaire, même si la sensibilité mélodique reste pop. Ou encore Russel Mael (Sparks). Ce qui communique un aspect glam à l’ensemble. Et le titre d’ouverture, malgré la profondeur des percus, en est un bel exemple. Côté prog, un morceau comme « Contortion in training » évoque, en mon for intérieur, le « Passion Play » de Jethro Tull. Pas le chant, bien sûr. Ian Anderson a d’ailleurs souvent raillé les vocalises privées de testostérone… Côté harmonies vocales, on épinglera la brève plage aux chœurs a cappella, « Sturtle ». Et si le titre maître ainsi que « My best Andre hot » laissent filtrer des accents funk particulièrement arides, le morceau final « Metazoa » adopte un profil insidieusement soul. Un seul titre moins réussi sur les 11 que compte l’elpee, « Split like a lip, no blood on the beard ». A cause de cette voix cartoonesque plus que probablement trafiquée par un vocodeur. Pas vraiment une bonne idée, car le reste tient parfaitement la route, nonobstant son cortège d’influences…
Jon possède un nom de famille bien de chez nous. Enfin, des ‘plate landen’. Il est cependant né près de New York. Dans sa jeunesse, il suit des cours de piano classique, avant de rapidement se tourner vers la guitare. Pendant les 80’s, il s’établit à New York City et travaille en studio. A la même époque, il se rend régulièrement en Scandinavie, pour s’y produire au sein de différentes formations. A la fin des années 90, après la naissance de sa fille, il part vivre sous le soleil de West Palm Beach, en Floride. Son premier opus, "Still life", paraît en 2003. Du jazz funk blues essentiellement instrumental. Tout comme le suivant, "Zeeland", publié en 2008.
Il a donc fallu de nouveau attendre 5 longues années avant que ne paraisse son troisième essai. Et pour la circonstance, les changements sont importants. Jon chante et s'attaque à un blues plus classique même s'il reste très personnel. Il est soutenu par une section rythmique et deux claviéristes. Les sessions se sont déroulées au studio Inlet Sound de Jupiter, à quelques encablures de Palm Beach.
Blues/rock, "You're right, I'm wrong" ouvre la plaque. Une plage particulièrement lustrée. Orgue et piano portent la voix légèrement nasillarde de Jon. Les interventions à la guitare sont classieuses. Il a conservé cette sensibilité jazz première. John chante passionnément "Down on my luck", un blues lent d'excellente facture, tandis que dans son ombre, l'orgue Hammond dessine de tendres arabesques. Quant à Phil McArthur, sa ligne de basse sert de tremplin idéal à son leader pour réaliser l'envol des cordes attendu. Long blues rock, "Hangman's bridge" brille par son sens mélodique. En intégrant l’orgue, la section rythmique remplit admirablement son rôle. La voix de Jon se charge d’intensité dramatique bien sudiste. La Floride nous a bien donné les frères Allman et Lynyrd Skynyrd. Une seule reprise, le "I love eveybody" de Johnny Winter. Zeeman braille ses lyrics à la manière du célèbre Albinos, tout au long de ce Texas rockin' blues. Autre blues lent "Waitin' for the storm" s’illustre par une belle partie de cordes. Subtil cocktail de rock, de blues et même de pop, "I got news" accroche instantanément l'oreille. Les interventions à guitare sont subtiles et créatives, et sont dispensées, un peu à la manière d’Eric Clapton. Rock'n'roll ", Got the gun" déménage littéralement. Zeeman libère totalement ses cordes tout au long de cette partie très remuante et dansante. Chargé de swing, "Can't you hear me" est balisé par la basse de sa fille Zoe Zeeman. Le charme opère comme lors d’un shuffle texan, un terrain qu'exploite fort bien notre Jon. Sa sortie est trafiquée par le recours aux pédales. Sans aucun doute le moment où il est le plus proche de Jimi Hendrix. "So bad" lorgne plutôt du côté de Robben Ford, une piste plus rock au cours de laquelle l'escapade des cordes est remarquable. Imprimé sur un mid tempo, "Better off dead" clôt le long playing, un blues aux accents exotiques, caractérisé par une jolie mélodie, et dont les interventions de guitare sont manifestement hantées par Carlos Santana…
Sur papier, le projet parallèle de Jean Benoît Dunckel et Lou Hayter a de quoi susciter autant de craintes que d'attentes.
Pour rappel, le premier est la moitié du duo Air, tandis que la seconde s'est illustrée jadis au sein de New Young Poney Club (NDR : responsable de deux très recommandables albums entre 2007 et 2010).
Reste que des mariages foireux, on en a connu plus d'un.
Alors quand on y ajoute foison de références littéraires et intellectuelles dans la bio (des Liaisons Dangereuses aux couples de légendes tels Gainsbourg/Bardot en passant par les écrits de JG Ballard ou les délires visuels de David Lynch ou encore l’acuité maligne d'un Man Ray) on aurait tendance à se raidir un tantinet.
Quelques commentaires poussifs parcourus en diagonale encouragent même carrément à la fuite en avant, tout berzingue.
Mais on le sait : la musique et les mots sont deux choses très différentes qui, comme diraient certains, vont très bien ensemble...
Les premières notes de « A Heart That Beats For Me » sont donc celles qui vont éclairer notre route au cœur de la nuit opaque.
Une ondée s'évaporant d'un clavier d'ivoire.
La voix de Lou Hayter qui se répercute en échos diffus comme introduction au futur.
Celui des minutes qui vont se diluer prochainement en compagnie de ses sonorités délicieusement rétro-futuristes.
« Think Of Me » enchaîne donc le périple et nous renvoie en arrière dans cette boucle spatio-temporelle.
Slow sucré et entouré d'une aura de velours légèrement suave.
Un étrange pouvoir de séduction pour une comptine d'apparence si anodine.
Ce qui ne manque pas de faire songer au second degré d'Angelo Badalamenti s'illustrant sur la bande son de ‘Twin Peaks’ (et notamment lors de cet épisode où James Hurley entonnait une mélodie guimauve de sa voix de fausset).
Mais outre cette somme de références plus ou moins difficiles à endosser, c'est surtout le spectre de... Air qui plane sur ces onze titres.
Cette atmosphère palpable et aux contours floutés enrobe agréablement la mélancolie qui transperce chacune de ces chansons.
Même en français dans le texte (« Pleurer Et Chanter »), la dragée fond sous la langue et certaines audaces rythmiques sont du reste du meilleur effet (« So Long My Love » qui lorgne vers Beak).
Bien sûr, on navigue à tout moment au sein d’un univers balisé (« Don't Let Them Bring You Down » tout droit issu de la BO de ‘The Virgin Suicide’)
Mais si la ballade de Lou et Benoît ne défriche pas de nouveaux territoires, loin s'en faut, elle revisite brillamment les routes tracées dans les paysages fantomatiques de nos mémoires imbibées de références littéraires, télévisuelles, cinématographiques et autres.
Bref, une bien agréable virée.
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