L’album s’ouvre par des bruits de foule, probablement captés dans un marché ou lors d’une vente à la criée. En Grèce. Du brouhaha, qu’on retrouve au début de la plupart des morceaux. Car oui, il a été enregistré et mixé à Athènes, sur trois jours, en 2012, alors que dans la rue, éclataient des émeutes anti-austérité. Faut dire que Savage Republic a toujours été engagé dans la lutte sociopolitique. Fondé en 1980, il s’était séparé en 1990, avant de se reformer en 2002. Mais le line up initial, ne compte plus de membre fondateur. Sauf peut-être Bruce Licher, mais qui se contente de dessiner les pochettes.
Ce n’est pas la première fois que Savage Republic s’intéresse à la République hellénique. « Film noir », un de leurs singles, proposait en flip side une version du célèbre « O Adonis », une chanson révolutionnaire signée Mikis Theodorakis. Mais revenons à ce « Varvakos ». Découpé en 8 plages, il a bénéficié du concours de Blaine L. Reiniger (Tuxedomon). Au violon, bien sûr. Tout d’abord sur le titre maître, une piste à coloration balkanique. Lors d’un superbe morceau acoustique, minimaliste, intitulé « Poro », qu’il entame d’abord seul au milieu du tumulte. Sans quoi, on retrouve la patte post punk bien spécifique du combo californien (Los Angeles), caractérisée par ces drums tribaux, ces guitares noisy, stridulantes, et cette basse vrombissante, sur plusieurs titres : « Sparta », « Hippodrome », « Anatolia » et « Kara », seul compo chantée, au cours de laquelle l’archet de Blaine virevolte littéralement. Un morceau plus expérimental, « Pigadi », histoire de ne pas oublier que le band a aussi, autrefois, flirté avec l’indus. Un retour intéressant, même si les bruitages tirent parfois un peu trop en longueur…
Alors que les cendres du groupe londonien de free-jazz Acoutic Ladyland sont encore chaudes, le leader et saxophoniste Pete Wareham monte un nouveau projet et le baptise Melt Yourself Down. Histoire de ne pas être trop perdu, il a fait appel à son ancienne collègue Ruth Goller afin de tenir la basse. On retrouve derrière les fûts Tom Skinner. Un deuxième saxophoniste (Shabaka Hutchins), un claviériste (Leafcutter John), un percussionniste (Satin Singh) et un chanteur (Kushal Gaya) complètent le line up du band.
Peu enclin à respecter les codes, Melt Yourself Down se plaît à brouiller les pistes et apparaît comme un réel OVNI musical. Difficile de rester en place à l’écoute de ce premier album. Les Anglais n’hésitent pas à teinter de nuances orientales, de l’afro-jazz ou de la musique latino. Dynamisant le tout d’énergie punk et la saupoudrant de quelques particules d’électro. Un sacré fourre-tout donc ! Mais pour un résultat impressionnant. Car ça groove ! C’est hypnotique. Au chant, Kushal Gaya, le shaman, semble littéralement possédé. Les saxophones sont épileptiques. Et le plus extraordinaire c’est qu’au final, les huit morceaux restent accessibles.
Cet album devrait plaire aux amateurs de musique du monde mais pas seulement, car Melt Yourself Down parvient à transgresser les frontières et transcender les genres. N’hésitez donc pas à vous y plonger. Sensations fortes assurées !
Cet Ep quatre titres s'ouvre à l'écoute comme une fleur saisie par l'aurore, tout en délicatesse.
« Allthafa » dégringolant sur les pétales de nos sens aux aguets.
Les Liégeois signent ici une fort belle entrée en matière, une mise en bouche réussie avant le grand test du premier album, attendu pour 2014.
Si cette ‘Dream pop’ de qualité regorge encore parfois d'évidentes influences que je vous laisse le soin de découvrir, on ne peut que s'incliner face à la simplicité décomplexée avec laquelle le groupe nous transpose dans son univers délicat et délicieusement rythmé.
Une richesse de sons et une inventivité renouvelée, certes, sur courte durée, mais qui laisse présager un avenir pavé de bonnes surprises.
Après les prémices de « Woods Signs We Found » (démo de deux mille onze), la journée s'annonce donc radieuse…
Quand Howe Gelb enregistre cet opus, Joey Burns et John Convertino ont quitté Giant Sand pour se concentrer sur leur nouveau projet, Calexico. Cependant, lors des sessions d’enregistrement, il reçoit le concours de toute une série d’invités, parmi lesquels on épinglera la présence de feu Vic Chesnutt, Scout Niblett et Eric Drew Feldman (NDR : il a notamment bossé pour Captain Beeheart). Des tas de musiciens danois également. Sans oublier John Parish. A la production, mais également et circonstanciellement aux drums, au mellotron et à la guitare ‘national’. Et cet elpee en revient à une forme plus expérimentale. Explorant tour à tour, la country, le blues, le folk, le roots, le jazz, le rock, sous leur aspect le plus alternatif. Un essai presqu’aussi audacieux que « Center of the Universe », paru en 1992. Il y a même du ragtime, de la rumba, du paso doble, de la valse, du psychédélisme, du swing, du slowcore (déjà !), de la lo-fi et même une adaptation plus qu’approximative d’« Anarchy in UK » des Pistols, rebaptisée pour la circonstance « Anarchistic Bolshevistic Cowboy Bundel », chantée par sa fille. Bref, un disque qui marque le retour de Giant Sand à l’expérimentation…
Pour enregistrer « Chore of enchantment », Joey Burns et John Convertino font encore, officiellement, partie de Giant Sand, mais manifestement, leur esprit est de plus en plus focalisé sur leur projet Calexico. Ils n’y apportent, d’ailleurs, leur concours, à la basse et aux drums que sur une petite moitié de l’album. Une absence compensée par de nombreux invités. Parmi lesquels figurent Juliana Hatfield et Cat Power aux vocaux. Gelb coproduit l’opus. En compagnie de l’inévitable John Parrish, à Tucson, de Jim Dickinson, à Memphis, et de Kevin Salem à New York.
L’opus est dédié à la mémoire de Rainer Jaromir Ptacek, décédé en 1997, un joueur de slide que Gelb appréciait tout particulièrement. En fin de parcours, il lui réserve d’ailleurs un titre, « Shrine ». Hormis l’une ou l’autre plage plus punk et électrique (« 1972 », « Satellite »), le long playing privilégie les plages indolentes, profilées sur le vocal aride, hanté du leader, dont le timbre semble camper un hybride entre Léonard Cohen et Lou Reed. Parfois même proche de Vic Chesnutt. Pas étonnant que l’œuvre soit aussi ténébreuse et énigmatique. Il y a même ponctuellement du mellotron et une boîte à rythmes. Beaucoup de guitare sèche. Sur le premier cd, on a droit à un remix de John Parish consacré à « Shiver », en bonus track. Ah oui, pour le titre de l’album, Howe a de nouveau pensé à Ptacek, puisque ce dernier appréciait tout particulièrement l’opéra…
La même année, Giant Sand publie un second volume de sa série de bootlegs officiels, qu’il sous-titre « The rock opera years ». Le cd propose 13 titres, dont plusieurs versions différentes de compos figurant sur « Chore of enchantment », et notamment une superbe version live de « Dusted ». Parmi les indédits, on épinglera une cover du « Music Arcade » de Neil Young, à laquelle participent Evan Dando et Victoria Williams (NDR : on suppose aux backing vocals) ainsi qu’une rumba particulièrement entraînante, qui clôt l’opus, « No good ». Un disque plus expérimental, en général plus électrique, flirtant régulièrement avec le jazz, même si les bases country/rock sont toujours bien présentes. En bref, plus proche de ce que Giant Sand propose, à l’époque, sur les planches.
Depedro n’est autre que le projet de Jairo Zavala, un des nombreux musiciens qui appartient au collectif de Calexico. Pas étonnant que pour enregistrer son nouvel opus, il a reçu le concours de Joey Burns, John Convertino, Paul Niehaus, Martin Wenk et Jacob Valenzuela. Mais également de Tony Allen (Fela Kuti), Nick Urata (DeVotchKa), Bernard Fanning (Powderfinger). Et la liste est loin d’être exhaustive. En outre, les sessions d’enregistrement se sont déroulées au sein des studios de Craig Schumacher (Neko Case, Iron &Wine, M. Ward).
Malheureusement, malgré la participation de tout ce beau monde, on ne peut pas dire que le résultat soit à la hauteur. Jairo a une belle voix, mais en chantant en espagnol (NDR : seul « You and I » est chanté dans la langue de Shakespeare), on a l’impression que la plupart de ses compos se gorgent de sentimentalisme. Et culbutent dans la variété. A la limite, certaines d’entre elles pourraient représenter l’Espagne, l’an prochain, au concours Eurovision. On épargnera cependant le cuivré « Sanity », le très subtil « A veces » et le final, « El pescador », un vieux standard de cumbia judicieusement réadapté. Au vu du dream team dont il a disposé, Depedro aurait pu nous concocter un disque bien plus excitant…
Co-fondateur du label Raster-Noton en compagnie de Carsten Nicolaï et d’Olaf Bender (aka Byetone), Frank Bretschneider est considéré depuis les années 90 comme un des grands noms de la musique électronique intellectuelle. Sous son propre nom ou sous le pseudo Komet, il a publié une quantité impressionnante d'albums aventureux qui ont permis à la critique de rivaliser d'inventivité pour les qualifier. ‘Pointillisme analogique abstrait’, ‘pulsations hypnotiques de chambre d'écho’ et autres termes alambiqués attendent l'Allemand de l'Est à chacune de ses sorties.
La cuvée 2013 s’intitule "Super.Trigger" et constitue le fruit d'improvisations en studio réalisées ces deux dernières années. Partant parfois de matériaux de travaux plus anciens, les morceaux proposés sont avant tout une recherche sur les rythmes. L'electronica sophistiquée qu'il délivre offre donc peu de mélodies et se concentre sur des paysages polyrythmiques considérés par l'auteur comme son œuvre la plus directe, claire et compacte. Ces pulsations complexes au groove mental habillées par quelques bleeps épars peuvent même le mener vers des contrées funk ("Flicker.Funk"), abstract hip-hop ("Super.Trigger") ou dub ("Day.Dream").
En gravant cet album, Frank Bretschneider a voulu revenir aux fondements de la musique moderne : le rythme. Jamais, il n'a autant cherché à susciter le mouvement chez ses auditeurs. Et même si les beats sont froids et mentaux, on se surprend à dodeliner et à remuer les épaules de manière épileptique. Il ne sera certainement pas invité au prochain Tomorrowland –ce qui risquerait de provoquer, d’ailleurs, quelques suicides parmi ses fans– mais on imagine bien quelques plages de "Super.Trigger" s'immiscer dans les sets les plus audacieux d'artistes minimal techno voire de turntablists ouverts d'esprit.
10 ans ! C’est le temps qu’il a fallu à Chris Flemmons et ses sbires pour enfin nous léguer un successeur à « No Silver/No Gold », sorti en 2003… Et c’est peu dire que le folk-rock hanté des Texans nous a foutrement manqué. « Jackleg Devotional to the Heart » constitue leur 3ème album. Il réemprunte le chemin tracé quelque part entre Neutral Milk Hotel et Modest Mouse, mais sous une formule plus dépouillée (« Clitorpus Christi », « Turnunders and Overpasses »). Instrumental acoustique, « Machine en Prolepsis » met en exergue le potentiel de la bande de Denton. Mais dès le deuxième titre, on retrouve la voix si particulière, profonde de Flemmons, une voix qui rappelle celle de Will Johnson. « Dog That Bit You » libère, en outre, une énergie pop contagieuse. Si certaines pistes s’égarent inutilement dans des constructions alambiquées (« Oblivion Overture », « 3 Bromides »), les Généraux livrent le plus souvent des batailles folk plutôt épiques, au cours desquelles il manque toutefois le grain de folie d’un Neutral Milk Hotel. Bien que de bonne facture, ce nouvel opus n’atteint pas le niveau des précédents essais. Et à ce titre, c’est une petite déception. Les aspirations étaient peut-être trop importantes après une telle absence…
Smith Westerns se produisait au Botanique, ce dimanche sans voiture, pour défendre son troisième et dernier opus acclamé par la critique, « Soft Will ». On était donc curieux de voir si le quatuor chicagolais était capable de soutenir la comparaison sur les planches. Il revenait au groupe belge, Seasick Sailors, d’assurer le supporting act.
Seasick Sailors ouvre donc le bal. Après quelques minutes de tergiversations, le set peut commencer. Le quintet à apparemment bien bossé sur sa promo, car une partie du public s’est déplacée exclusivement pour eux. Malheureusement, la Rotonde est loin d’être remplie. Dommage, car il faut avouer que le combo propose un tracklisting, ma foi, fort sympathique, même s’il tire un peu trop dans toutes les directions. On passe ainsi sans transition du climat country & western à la ballade maritime, en transitant par le rock. Néanmoins, vu le bonheur que semblait partager les musicos, sur le podium, on ne pouvait qu’adhérer…
Vers 21h10, la formation étasunienne monte sur l’estrade. Quelques spectateurs supplémentaires ont débarqué à la dernière minute, mais il n’y a quand même pas grand monde au sein de l’hémicycle. Faut croire que les absents ont un peu trop fait la fête ce week-end ! Vêtus (ou plutôt déguisés) à la mode 80’s, les membres de Smith Westerns ont des visages d’adolescents. Difficile d’imaginer que le band vient déjà d’enregistrer son troisième opus. J’imagine qu’ils n’avaient que 16 ans lorsqu’ils ont gravé leur premier, quatre ans plus tôt. Mais malgré leur apparente jeunesse, ils affichent déjà un bel aplomb sur scène. Chevelu, le chanteur est d’ailleurs loin d’être timide et n’hésite à discuter avec le public. L’ambiance est chaleureuse, les mélodies accrocheuses. Bref, manifestement, le groupe détient la recette du succès. Et il ne s’en prive pas, puisqu’il est responsable de toute une série de tubes. Potentiels ou établis. Des morceaux qu’il interprète ce soir. En particulier, des chansons issues de leurs deux derniers elpees. Dont les excellents « Varsity » ou encore « Idol ».
Malheureusement, on a vite fait le tour du show. Quoique bien interprétés les titres se suivent et se ressemblent ; et surtout ne laissent aucune place à la surprise. En fait, la structure de la compo semble immuable. Une fois la mélodie mise en place, le refrain est entonné plusieurs fois ; et lorsque le solo de guitare est consumé, la chanson s’achève pour céder le relais à la suivante. Enfin, le set ne durera, en tout et pour tout, que cinquante minutes. Sans le moindre accès de folie. Un peu court, quand même. Service minimum !
(Organisation Botanique)
Un peu d'histoire pour commencer, puisqu'il est plutôt rare d’échouer dans ce pavillon érigé en 1958, à l'occasion de l'Expo universelle.
En tout cas, pour ma part, c'était la première fois.
Un endroit insolite et quelque peu oublié, mais qui a vu défiler quelques grands noms du Jazz tels Benny Goodman, Count Basie, Duke Ellington et Sarah Vaughan, entre autres.
Un magnifique bâtiment qui défie le temps et se voit offrir une seconde jeunesse.
Le temps d'un week-end (et en attendant d'autres programmations toutes aussi excitantes et ambitieuses dans le futur), l'Ancienne Belgique se mettait donc à l'heure américaine.
Au lendemain du concert de BRNS, l'affiche du jour proposait donc un voyage sur deux étages au pays de l'expérimentation et de l'audace intemporelle.
Un fil conducteur qui permettait à des artistes très différents de se retrouver dans ce cadre judicieusement choisi à l'acoustique remarquable (surtout dans la grande salle).
On commence dans le bar où à mon arrivée, Anna Van Hauss Wolf en est déjà à la moitié de son set.
Un univers particulier que j'avais découvert à l'écoute de « Ceremony », un album qui m’avait laissé sur une impression mitigée.
Impression somme toute renforcée ce soir après la prestation de la jeune Suédoise.
Anna Michaela Ebba Electra von Hausswolff de son vrai nom n'est pas très grande (à l'inverse de son patronyme), mais son énergie décuple ses forces sur scène, instaurant une dynamique dont le groupe se nourrit pour insuffler une dimension plus noisy à son petit théâtre de poche.
Mais ces incursions soniques mêlées à d'évidentes aptitudes lyriques (la donzelle possède, il est vrai, du coffre dans une si petite cage thoracique) n'arrivent pas à me persuader outre mesure.
Est-ce dû à mon arrivée tardive ou simplement à ma réticence du départ ? Mais quoi qu'il en soit, le set se termine sans retourner le moindre de mes follicules pileux.
Des poils pris à revers, par contre, en pénétrant dans la grande salle.
Alors qu'une douce musique berce mon entrée, je m'étonne du nombre restreint de spectateurs qui ont pris place devant la lourde tenture noire...
Avant de me rendre compte que Múm s'exécute déjà derrière le sombre tissu. C'est donc au-delà des strapontins que se joue la pièce ce soir.
Alors, je pénètre dans la musique, autant que celle-ci me pénètre.
« Sveitin Mila Sanda » est entamé depuis quelques instants, et je me retrouve enchanté par la grâce et la justesse de ce bel ensemble venu du Nord.
Jouant avec la légèreté comme la gravité, les Islandais, tout en contretemps sur ce morceau féerique, distillent magistralement sons analogiques et expérimentations aventureuses en terres électroniques.
Mélodica et chant dansant dans l'air, telle une feuille d'automne, bidouillages enfantins et jeux de clochettes, ukulélé ou cordes pincées, étouffées, grattées apportent certainement une grande richesse aux compositions de ce groupe atypique.
Si la magie de ce premier morceau ne perdure pas sur la longueur du concert, il n'en reste pas moins que cet ensemble hétéroclite d'instruments traditionnels mariés aux sonorités modernes dégage une beauté fragile rehaussée d'audacieuses expérimentations.
Expérimentation. C’est bien le mot clé de ce soir.
Le mot est lâché. La bête aussi.
Wolf Eyes évolue sans doute aux antipodes des aspirations mélodiques de Múm.
Ici, le concept abrupt rejoint plutôt l'enfer que le paradis, et on descend le Styx à la nage, s’autorisant, au passage, un bain de lave corrosive.
Un concept qui manque néanmoins d'aboutissement. Il a beau dépasser certaines limites, il ne va pas assez loin.
En résulte du bruit pour le bruit et des morceaux entre improvisations nihilistes et mantras calés sur bandes mais malheureusement amputés de réelles transgressions hypnotiques.
Malmenant l'auditoire mais ne le molestant pas, le trio d'Ann Arbor fait toutefois bonne figure dans ce contexte aventureux.
Mais il n'est pas étonnant de voir le bar se vider pour s'amasser le plus vite possible devant la grande scène.
C'est donc face à un parterre bien rempli (le concert d'aujourd'hui n’est pas sold out à contrario de celui de la veille) que Wire entame son concert.
Vétérans de la scène Punk puis Post Punk (et d'autres étiquettes au passage), les Anglais prouvent à nouveau que la qualité n'est en rien altérée par le poids des années.
Actifs depuis 77, le groupe emmené par Colin Newman a donc un fameux panel de morceaux à nous offrir et va puiser dans sa large discographie pour nous proposer un concert d'excellente facture, guidé par « From Change Becomes Us », le petit dernier en date, qui loin d'être passéiste, réutilise du matériel abandonné pour différentes raisons, dans les années quatre-vingt pour en faire du neuf. Et ça fonctionne.
Ironiquement, la prestation démarre au passé composé (« 23 Years Too Late ») et va revisiter la grammaire du combo aux trois carrières distinctes.
Ainsi, le plus que parfait (quelques indémodables de leur catalogue, dont « Marooned » en rappel final ») se conjugue au futur simple grâce à des inédits composés récemment (« The Flying Dutchman », « Blogging Like Jesus » et « Swallow Corn »)
Si les outrages du temps se devinent sur leurs visages ridés, le Dieu Chronos ne semble pas avoir d'emprise sur leur sens créatif, et Wire allume une à une les étoiles, qui ce soir, ornent le drapeau du pavillon.
On notera l'apport tout en richesse d'une pléiade d'effets ajustée de main de maître par Matthew Simm, guitariste qui a rejoint le groupe en deux mille onze et dont l'approche musicale, orientée sur le son, ne pouvait que rendre justice à Wire.
La conclusion s'impose donc d'elle même : sur le fil de l'audace, ce sont encore les moins jeunes qui gardent le mieux l'équilibre.
Je quitte donc ce fantastique décor en espérant y revenir bientôt.
Putain, putain, c'était vachement bien.
Ce soir, nous étions tous des Américains.
Anna Van Hauss Wolf + Múm + Wolf Eyes + Wire
(Organisation : AB)
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Formé au début des 90’s, Scud Mountain Boys a publié trois albums avant de se séparer en 1997. Originaire de Northampton, dans le Massachusetts, le groupe avait acquis une certaine notoriété dans l’univers du country/folk. Lorsque la formation se sépare, Joe Pernice, l’ex-leader du groupe, ne chôme pas pour autant. D’abord il fonde ses Pernice Brothers ou se produit sous le patronyme de Chappaquiddick Skyline. Il crée également son label, Ashmont Records. Une écurie qui lui permet alors de sortir ses disques, en toute tranquillité et surtout sans la moindre contrainte extérieure.
En 2011, Pernice décide néanmoins de remonter les Scud Mountain Boys. Et première décision, il réédite ses deux premiers albums, « Pine Box » et « Dance the Night Away », sur une double compile. Soit un total de 27 morceaux. Bien entendu, sur le label du patron. Si posséder sa propre structure a du bon pour le groupe et pour les mélomanes, le manque de supervision peut parfois porter préjudice. Objectivement, on imagine mal comment une écurie aurait pris le risque de ressortir ces deux long playings. Car avouons-le, tout au long de « The early year », on s’emmerde ferme. Aucun titre ne sort réellement du lot. Après les deux ou trois premiers morceaux de l’opus, on s’assoupit, et au bout du cinquième, on tombe carrément dans le sommeil le plus profond. Manifestement, cette réédition n’est pas vraiment de nature à nous intéresser à leur nouvel elpee, « Do You Love The Sun », paru cette année.
Si vous cherchez une alternative aux sédatifs, ne cherchez plus ! Et en plus, il n’y a pas d’effets secondaires à consommer ce très efficace somnifère !
C’est officiel ! The Hives ont leur homologue italien : The Last Killers, patronyme tiré du western spaghetti réalisé par Guiseppe Vari qui a lancé le maintenant célèbre Django ! Cette joyeuse bande d’énergumènes a décidé de dédier sa vie au rock’n’roll. Leur nouvel album, « Wolf Inside ! », prouve que ces musiciens sont hantés par un véritable loup, une bête féroce hurlant aux sirènes du rock garage en l’occurrence. Creusant dans une veine garage 50’s voire 60’s, à la manière des The Sonics ou des Fuzztones, nos assassins musicaux transposent le genre dans les années 2 000 comme le réalisent actuellement Thee Oh Sees ou Tokyo Sex Destruction. Actifs depuis près de 10 ans, ces Transalpins déversent leur rock’n’roll avec classe, en triturant leurs guitares et en tapissant le tout de sonorités d’orgue Hammond. D’ailleurs, j’en reprendrai bien une tranche…
The Helio Sequence est un duo issu de Portland, dans l’Oregon. Fondé en 1999, il nous propose son sixième opus. Hormis un split 7", partagé en compagnie de Menomenia, publié en 2010 (« Converter »), le tandem n’avait plus rien gravé depuis 2008. Faut dire que durant cette longue période, il est passé par toute une série d’épreuves. Tout d’abord, Brandon Summer, le chanteur, a perdu sa voix. Il a donc dû subir une intervention chirurgicale des cordes vocales. Puis leur studio a été complètement détruit, suite à une inondation. Pas découragés pour autant, les deux gaillards ont déniché un endroit désaffecté au sein d’un espace industriel pour réaliser leurs sessions. C’est d’ailleurs là que se dont déroulées celles relatives à « Negotiations »
Brandon se charge donc des vocaux, mais également des parties de guitare (acoustique et électrique), de la basse et occasionnellement de la flûte. Benjamin Weikel des fûts et des synthés. Un apport électronique qui s’intègre parfaitement à l’ensemble et qui parfois même le magnifie. Surtout à travers les arrangements et les orchestrations. Quant au chant de Brandon, il campe aujourd’hui un hybride entre Tim Booth (James) et Brendan Perry (Dead Can Dance), même si les inflexions sont plus haut-perchées ; mais surtout colle parfaitement au sens mélodique languissant aux réminiscences eighties…
Découpé en 11 plages, l’elpee baigne au sein d’un univers atmosphérique, mélancolique, légèrement teinté de prog voire de psychédélisme. En fonction des plages, Benjamin adopte un drumming ample, offensif, syncopé, mais toujours précis, alors que les cordes de gratte se révèlent tour à tour tintinnabulantes, bringuebalantes, jouées en arpèges, en picking ou à la manière d’une mandoline, comme chez And Also The Trees (NDR : le titre maître final).
Gauntlet Hair nous vient du Colorado, un duo qui pourrait très (trop) facilement être taxé de revivaliste 80’s. Or, ce serait commettre une grosse erreur ! Craig Nice (batterie) et Andy Rauworth (guitare, voix) affectionnent clairement la batterie électronique, les claviers et les machines aux relents eighties ; mais leur appétit ne s’arrête pas en si bon chemin. Ils puisent également leurs sonorités dans la noise et le post-punk. Bref, leurs compos baignent, le plus souvent, au sein d’un climat gothique. New Order et Jesus and Mary Chain ne sont pas loin, mais en plus punk. A contrario du premier elpee de la formation, « Stills » aborde le côté obscur de la musique. Les mélodies sont aussi moins évidentes ; plusieurs écoutes s’imposent d’ailleurs afin de pénétrer au cœur de cette carapace et d’apprécier cette œuvre, ma foi, complexe.
Deuxième essai réussi donc pour le duo qui a eu l’audace de changer de parcours en explorant un univers sonore particulièrement ténébreux. Si le long playing est paru en été, ce n’est réellement que dans les premiers jours d’automne qu’il prendra toute son envergure.
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