Cet album déboule comme la semi-remorque d’un camion, lancé en pleine course, dans une descente folle, et vous choppe au passage.
Et si on le prend en pleine gueule, force est de constater que c'est un peu notre faute, vu qu'on marchait en dehors des clous.
Lizzy Mercier Descloux, dont le fantôme semble bien présent, calé dans le siège passager, le sourire frondeur et la mèche au vent.
Mais outre cette pionnière de l'avant-garde new-yorkaise made in France, on rencontre du joli monde en termes d'influences.
Et comme Mell sait manifestement s'entourer, « Relation Cheap » offre dix titres directs comme autant d'uppercuts assénés avec un gant de velours.
Car bien sûr, sous leurs allures solides et enduites de cambouis, ses chansons sont emplies d'humour et de subtiles nuances qui ne sont pas sans rappeler le Bashung d'une époque, le Gainsbourg d'une autre.
Et à l'autre bout du spectre, éloigné de ses filiations qui sonnent frenchie, on pourrait citer Iggy Pop (à qui Mell a emprunté Toby Damnit, l’ex-batteur de l'iguane, pour la production de l'album « Western Spaghetti », en deux mille onze), Nick Cave (pour le côté classe du costume sans cravate, mais un nœud coulant autour de la gorge quand la mauvaise graine d'Australie saigne la bête qui s'ébat en lui) ou encore un paquet d'autres sources majeures mais pas forcément évidentes à la première écoute.
Et on pourrait ajouter Kerouac pour l'esprit aventureux et libre des lyrics, cet esprit vagabond qui hante cet elpee.
Cette référence littéraire n'est pas fortuite, puisque l'artiste se fend de trois ouvrages écrits.
C'est donc à un personnage de caractère qu'on est confronté.
Pour preuve, on notera que ses débuts musicaux sont nés d’un pari.
À l'écoute de ce disque, louons donc celui ou celle qui lui aura jeté ce défi comme un pied dans la face (« Un Pied Dans La Face », premier album sorti en deux mille trois sur le label indé A.N.D. Music)
Sous des allures débonnaires, « What's Your Name Again » entame donc la découverte de l'univers atypique de Mell.
A premier abord on s’amuse des textes ('… Comme un travesti au Pakistan / Je sors de ma cachette de temps en temps...') et on est séduit par cette nonchalance qui se décline sur un air Rockabilly, plus Burnette que Johnny.
Mais déjà, on décèle que quelque chose de différent se trame là-dessous.
Les titres se succèdent et il paraît évident qu'on y reviendra vite.
De fait, l'album s'achève à peine, qu'un désir irrépressible d'y retourner vous envahit. De replonger la tête la première dans ce bain bouillant.
Et il serait stupide de s'en priver.
Ainsi on se délecte de ses subtilités qui tentent de vous échapper à première écoute (tant musicales qu'au niveau de l'écriture) et deviennent bien vite évidentes, puis indispensables.
« Relation Cheap » est donc crapuleusement addictif et divinement jouissif de bout en bout. Un opus décalé (la cover de « Succès Fou » de Christophe), intelligent, osé, drôle, tendre, subtil, et...
Bref, ce genre de disque qu'on se passe en boucle et vers lequel on revient en cas de blues ou les jours de fêtes.
Indispensable !
Le dictionnaire de l'Académie Française nous apprend que vicissitude se dit de toute révolution, changement par lequel des choses différentes se succèdent les unes aux autres.
Évolution plus que révolution, en fait, puisque comme la queue d'une comète, le projet de James Chapman trace sa voie dans la constellation Maps en suivant un corps astral appelé à s'éteindre dans un futur plus ou moins proche (et au vu de la distance qui nous sépare, cette comète s'est peut être déjà éteinte sans que nous le sachions).
Suivant un chemin balisé dans un ciel bercé d'une aurore boréale.
Un peu légère, cette électro pourrait cependant servir de bande sonore pour la prochaine nuit des étoiles...
Un rayon de chaleur descend et vient caresser une peau ornée de roseaux tatoués. Un sourire s'étire généreusement en travers d'un visage baigné d'une douce lumière comme un lever de soleil sur une nouvelle Aube.
Si la joie s'invite sur ce cinquième album, comme jamais auparavant, elle revêt des atours scintillants mais n'oublie à aucun moment qu'elle est le fruit de noces ténébreuses entre blessures d'hier et délicieuses promesses de demain.
Mise à nu dans une perception pleine du bonheur, Aube L continue son chemin, loin de toute balise, libre comme l'air et reconnaissante envers la vie.
Un chemin intérieur qui à la croisée des doutes, se fait fort d'appeler en renfort l'Amour.
Universel tant que personnel, celui-ci est le soleil qui guide les notes, les intonations de l'extraordinaire voix de cette artiste en tout point différente et d'une générosité hors du commun.
Pas de sensiblerie de pacotille, mais autant de témoignages sincères que de chansons formidables ici.
Aux 8 titres s'ajoute la production gourmande d'une jeune femme qui au travers de sa musique transcrit parfaitement le cheminement intérieur la conduisant aujourd'hui à cette sérénité.
Chaque plage est un hymne à la joie, une ode au bonheur, comme une leçon tirée au suc de la vie. Un suc parfois amer, mais qui mûrit en des fûts de scènes, celles que parcourt cette artiste aujourd'hui comme hier elle arpentait les allées du métro parisien.
Au fil de ses albums Aube acquiert de l’expérience et cette confiance se traduit par une production sobre mais en exacte harmonie avec ses chansons.
Et quand retentit les intonations graves et les envolées déchirantes de « Hold Me », à la fin de l’opus, on reste encore un long moment étreint dans une douce félicité.
On ne vous fera pas l'injure de vous présenter BRNS, the next thing to be qui-l'est-déjà.
Fort de sa réputation acquise en 'live', restait à graver sur galette tout le potentiel scénique, cette énergie brute mêlée à des mélodies imparables ; bref, à ne pas se louper lors de la confection de ce premier album.
Si on ne dénombre que sept titres (ce qui est un peu mince), ceux-ci sont à la hauteur des attentes.
On retrouve donc avec bonheur « Deathbed » et son entêtant refrain ('I Love You So'), l'incontournable « Mexico » qui nous emmène sur des montagnes aztèques fichtrement russes, ou « The Story Of Bible » dont la ritournelle obsédante et les vagues chatoyantes d'ondes électriques s'échouent en cascades tout en se rappelant joyeusement à nos mémoires.
Et si le band jouit d'un succès amplement mérité en Belgique, mais aussi de plus en plus au-delà, s'il est encensé par les critiques étrangères, loué par ses pairs et pointé comme l'un des groupes à découvrir urgemment par sa Sainteté la BBC, ce n'est que justice, en regard du talent de ces jeunes gens.
Les rythmiques fracturées qui construisent des ponts dorés vers des cieux lumineux de « Our Lights » achèvent ce trop court périple en pays d'excellence.
En résumé, si vous l'ignoriez encore, BRNS est la sensation à ne manquer sous aucun prétexte !
En premier lieu, on est accueilli par une fort charmante voix. Alors on pousse le pas de la porte et on lui emboîte le pas.
L'intérieur est plongé dans la pénombre et il y fait poussiéreux.
Et pour tout dire, il flotte comme un parfum d'ennui.
Caractérisé par son rythme claudiquant, le deuxième titre, « Bite », nous invite à reconsidérer mon opinion.
On s'installe dans un vieux sofa et on se saisit de la bio qui traîne dans un coin.
En guise de « Questions And Answers », on n'en apprend guère sur cette maison, basée quelque part entre Copenhague et Berlin.
Le temps passe et on se met à bâiller.
On se dit qu'en haut, c'est peut être un peu plus remuant.
L'escalier est trop vétuste.
On prend donc la cheminée.
À tout hasard, on gratte un peu le conduit, à la recherche d'un peu de suie.
Mais le ramoneur est passé récemment.
Arrivé sur le toit de ce long playing, un petit vent vient un peu nous secouer. Nous arrivons à la fin de « Random Picking », mais pas de quoi s’affoler.
Au loin, les canards sauvages traversent le ciel...
Le producteur gallois Rhys Adams est de retour sous le sobriquet de YesKing. Il vient ainsi de pondre un nouvel album pour le compte du label BBE (The Last Skeptik), maison toujours très attachée à la culture urbaine. Dans un canal naviguant entre dub, trip-hop, hip-hop et reggae boosté par une technique de studio particulière attachée au son des 60’s, l’Anglais n’est cette fois plus accompagné de son compère Mark Rae… Mais le résultat n’en n’est pas moins convaincant ! « Re-Record Not Fade Away » voit les participations du guitariste des Soothsayers, du chanteur togolais Kodjovi Kush sur l’afrobeat « One More Time », du vétéran anglais dancehall Kenny Knotts, mais aussi des stars montantes du même mouvement comme Toddla T et Sticky. Tous les morceaux possèdent cette ravissante saveur enfumée (« Raise Up ») et une production dub rappelant The Black Seeds. D’une autre envergure et bien plus authentique que le dernier Snoop Lion…
Si on comprend bien le titre de l’elpee, certaines choses ont été mises en avant, quitte à en recouvrir d'autres… Un peu comme si la somme d'expériences, accumulées au fil du temps et d’aventures vécues au sein de différentes formations musicales, avait permis de donner naissance à un album d'excellente facture.
De La Vierge Du Chancelier Rolin dans la première partie des nineties à Ceili Moss depuis 96, Laurent Leemans a forgé sa voix grave dans un Folk sombre et tourmenté.
Un besoin d’émancipation le pousse aujourd'hui à extrapoler et trimbaler cette valise imaginaire emplie de rêves et d'illusions volatiles.
Dans un registre différent mais pas éloigné.
La biographie fait état de nombre de références que j'avoue ne pas avoir retrouvées, mais l'essentiel procède justement de l'originalité du projet.
Théâtral et hanté, très varié, cet opus voyage au cœur de paysages souvent plombés par un ciel orageux, mais où quelques éclaircies sont les bienvenues.
Si « Frozen Feathers » aurait pu, par exemple, naître de la fusion charnelle entre les Levellers et Wovenhand, on songe parfois aussi aux Virgin Prunes.
Soignée, la production enrobe, tel un écrin soyeux, des compositions qui flottent comme un banc de brume au dessus d'Avalon.
Et Laurent de nous guider en barque au milieu des roseaux comme le ferait la dame du lac.
Tout au long de cette troisième et dernière journée, les organismes émoussés tentent de retrouver vigueur et enthousiasme au fil d'une affiche démarrant sagement pour se terminer en feu d'artifice, comme le veut la tradition.
Une affiche toujours répartie sur huit scènes et imposant bien sûr quelques choix cornéliens.
Day 3
Pauvre Regina Spektor !
Et pauvres fans désabusés.
Victime de problèmes sonores récurrents, la chanteuse ne pourra offrir que trois titres à celles et ceux venus l'applaudir ; et encore, en formule voix/piano uniquement qui, en l’occurrence, la loge plus près du spectre de Tori Amos que d’An Pierlé.
Sensibles, ces chansons pour filles soulèvent néanmoins, en l'espace de ces dix minutes, quelques poils rescapés de toute récente épilation.
Un pétard mouillé mais qui n'altère pas l'humeur générale.
Ainsi l'arrivée d’Alabama Shakes est accueillie chaudement, non seulement par un ciel à présent parfaitement dégagé, admis par une assistance qui doucement s’amasse devant la Main Stage.
Brittany Howard possède un savoir-faire digne d’un vieux crocodile issu du bayou, et suscite l'admiration. En témoigne quelques bouches figées en un 'O' béat.
La Sudiste a du coffre et tout en réveillant quelques vieux démons féminins, elle ferait bien frémir les plus sceptiques.
Certes l'originalité n'est pas l'élément principal de cette musique aux accents très Roots, mais porté par la voix de sa chanteuse, charismatique sans être belle, elle nous transporte vers les horizons dégagés de l'Alabama où souffle quelques fantômes séculaires chuchotant l’une ou l’autre histoire depuis longtemps oubliée.
De quoi gommer la déception provoquée par le forfait de Neil Young, la veille.
Comparativement, les jeunes de Kodaline ne sont guère transcendants, et leurs compositions outrageusement Pop sont juste bonnes à contenter les amateurs de Coldplay délavé.
Recette éculée et sans inventivité qui suffit à me faire bâiller.
La musique de Holy Other est certes contemplative mais dégage nettement plus d'émotion, quant à elle.
Bien qu'un poil statique, le set du jeune homme élève l'auditoire dans un état de grâce, grâce ( ?!?!) à ses sonorités sensuelles et charnelles.
À l'image de ces mains qui en arrière-plan se saisissent de différentes matières (de la soie à l’aluminium), les malaxent, les triturent, et les froissent lentement.
Par analogie, les sons prennent ainsi forme et se matérialisent sous nos yeux.
Une subtile expérience qui laisse rêveur.
Quelques enjambées plus loin, première incursion dans le Dance Hall pour assister à la prestation ludique des !!! dont les déhanchés so sexy du leader suscitent l'amusement. Moulé dans son petit short Rolling Stone, Nic Offer s'offre en spectacle sans peur du ridicule.
On nage clairement dans le Disco Funk à tendance Pop, et l'attitude débonnaire du chanteur tranche radicalement avec le sérieux des autres membres du band.
Leur set hédoniste se partage entre fans et non fans. Il évolue à la croisée d’une multitude de chemins tout en se jouant des codes en vigueur.
Mais le temps presse, et les aiguilles de mon GPS (Groupes Principalement à Suivre) s'affolent alors que les noms se chevauchent sur le mur de mes désirs.
Puisqu'il choisir, je reviens vers The Soft Moon qui m'avait personnellement déçu lors de son concert au Magasin 4.
Celui de ce soir va démentir ma première impression.
Soit une prestation hermétique oscillant entre une Cold Wave pornographique (en référence bien entendu à l'album de Cure) et une distance digne de Jesus And Mary Chain (bien que Luis Vasquez semble plus timide qu'animé d'une quelconque volonté d'ignorer le public) mais qui génère de véritables secousses de plaisir.
Scellé dans un moule austère, la musique se cristallise et ses éclats teintés d'un gris sépulcral figent l'air chaud emprisonné dans le Castello, jusqu'à lui donner des allures de mausolée.
Comme un long tunnel dont la lumière scintillante au bout vacillerait et menacerait de s'éteindre à tout moment.
Où quand le Rock se fait linceul et vous drape dans son étreinte glaciale.
Pour me réchauffer, je cours vers le Marquee où Bat For Lashes allume les premiers feux d'une féerie enchanteresse.
Enrobée d'une combinaison aux apparences hippies, Natasha Khan va émouvoir (oui, j'ai vu des larmes couler sur les joues de mon voisin) et ravir toutes celles et tout ceux qui se pressaient sous l'immense tonnelle.
D'un naturel déconcertant, elle se révèle drôle et touchante mais surtout extraordinaire.
À l'instar de Björk, son registre vocal et sa technique imposent l'admiration, mais n'étouffent en rien la richesse musicale des arrangements.
Sorte de prisme chamanique conduisant l'oreille jusqu'aux pavillons lointains de rêves contenus dans une petite boîte à musique dont seule l'artiste possède la clé.
Et quand elle-même se perd dans les méandres de ce jardin secret (« Moon And Moon », interrompu faute de s'en rappeler) son sourire guide alors nos pas et nous invite à l'excuser, ce qui du reste nous paraît particulièrement évident.
Absorbé, je mets entre parenthèses la prestation de Crystal Castles qui semble retardée selon un message communiqué sur les écrans géants bordant la scène.
C'est donc Franz Ferdinand qui va prendre le relais en ce qui me concerne.
Un show difficile à aborder, vu de la distance qui me sépare de la grande scène.
Mais ce n'est sans doute pas là l'unique point noir sur le visage éternellement juvénile de ce groupe écossais.
« Walk away » pris en marche, le constat semble le même tout au long de leur discographie. Et si le propos est certes sympathique et que les talons frappent encore volontiers le sol à l'écoute de l'incontournable « Take Me Out », il n'en reste pas moins que FF n'a rien de plus à proposer aujourd'hui qu'en 2004. Se reposant donc sur leurs lauriers, il est donc flatteur pour eux d'occuper encore actuellement une place aussi privilégiée (constat valable pour The Prodigy argueront certains d'entre vous, à la différence près que ces derniers, s'ils n'ont pas d'activité récente, signaient hier un retour remarqué).
Une position qu'il leur faut laisser à l'événement majeur de la soirée ; et pour certains, l’avènement même de ce Pukkelpop 2013.
Mais avant cette apothéose, un petit regard curieux s'impose du côté du Marquee où The Knife Shaking The Habitual Show secoue les mines sceptiques autant qu'il divertit.
Pour leur retour après sept années d'absence, Karin Dreijer Andersson et Olof Dreijer misent sur le show Arty balancé entre avant-gardisme et mauvais goût prononcé.
Pour le peu que j'ai pu en voir, je reste circonspect (NDR : normal, lorsqu’on débarque au moment où est enseigné un énigmatique cours d'aérobic annoncé en grande pompe tout au long du jour) et ne peux condamner un concept à peine entrevu.
Reste une impression colorée et foutraque de joyeux bordel articulé autour d'un bien étrange projet aventureux.
Mais place à la grâce et à la majesté de The XX.
Attendu comme les messies par certains, ignoré pour l'absence de spectacle par d'autres, le trio avait pour mission de justifier sa place sur la Main Stage, en programmation nocturne.
Le fait que la plupart des morceaux bénéficiaient d'une relecture complète jumelée à l'intime connivence palpable entre d'une part Olivier et d'autre part Romy, soit les deux voix qui s'entrelacent comme deux corps épris d'un amour non charnel, ne tardent pas à apporter la réponse à cette équation à deux inconnues.
Car non, définitivement, ceux-là ne forment pas un couple dans la vie ; et si leur entente parfaite dessine en ‘live’ des arabesques suaves, il ne faut en rien négliger le travail du troisième larron, à savoir Jamie Smith qui se réserve les rythmiques synthétiques.
Ces trois musicos tissent donc la trame d'un univers délicat où les mélodies simples se couchent encore brûlantes sur le corps d'une basse aux cordes nouées et sensuelles.
Et au travers du jeu des voix entrelacées mais aussi des regards profondément ancrés dans un désir refoulé, c'est là que se déroule le spectacle.
Plus encore que dans un light show savamment étudié soulignant habilement la richesse de ce spectacle.
Quatorze titres et un épilogue en forme de ‘happy birthday’ pour la chanteuse visiblement émue et qui l'espace d'un instant abandonne sa réserve étudiée cachant mal une timidité maladive.
Un show bouleversant. Et au bout d’une heure dix, il faut reconnaître que le succès était amplement mérité.
Enfin, il restait aux Courtraisiens de Goose à refermer le chapitre.
Balançant sans vergogne son Electro Rock formaté pour plaire au plus grand nombre.
Qu'on ne s'y méprenne. La finalité de cette prestation n’est pas de rejoindre l’inaccessible étoile, car le contrat est rempli haut la main.
Efficace en diable, elle assure un épilogue tout en énergie contrôlée.
Sans doute trop contrôlée.
Une puissante décharge parfois émaillée de sonorités foireuses. Malheureusement. Mais judicieusement rattrapée par un savoir-faire épatant.
Enfin, comme un dernier trait éclatant dans le ciel, cette édition va s’achever dans un bouquet final scintillant de mille feux, dessinant la voie d'une vingt-huitième anniversaire tandis que les derniers fêtards vont s’entasser au sein du Boiler Room…
Organisation Pukkelpop
Spaceheads est un duo originaire de Manchester et le moins que l’on puisse dire, c’est que leur nouvel Ep, « Sun Radar », est des plus prometteurs. Entièrement instrumental, ce premier labeur tourne autour du combo trompettes/grosses caisses, que quelques bidouillages électroniques viennent ponctuellement rehausser. L’approche, à la fois expérimentale, jazzy et funky, est aussi originale que les mélodies qui l’étayent.
Déjà responsable d’une chiée de disques autoproduits (pas moins de 9 LPs en 12 ans !) et en activité depuis 1989 (!!), Spaceheads est probablement le secret le mieux gardé de Manchester. Emballé en 14 minutes, « Sun Radar » laisse violemment ses adeptes sur leur faim. « Atomic Clock » et autres « Miles To Go » sont des compositions atypiques tout en subtilité. En quatre morceaux, les deux hommes démontrent qu’ils sont beaucoup plus qu’un simple Brass Band. Les amateurs auraient franchement tort de passer à côté de ce disque.
Pas étonnant de retrouver au gouvernail de ce « Guilty Pleasure », l’une des têtes pensantes de Das Pop : le barbu Reinhard Vanbergen ! Il s’est ainsi entouré de 4 musiciennes de talent pour son (notre ?) plus grand bonheur. Isolde Laosen, percussionniste et chanteuse chez Daan, Naima Joris d’Isbells, Charlotte Caluwaerts (la sœur de la soprano Elise Caluwaerts) ainsi que la très jeune –à peine 16 ans !– Janne Vanneste, la frangine du leader de Steak Nr.8. Ces quelques BV issus de l’univers musical du Nord de la Belgique nous proposent, tout au long de cet elpee particulièrement convainquant, une ravissante collection de hits pop-rock sucrés, mélodiques et vaguement rétros puisqu’enracinés dans les années 70. Dès l’inaugural et irrésistible refrain d’« Another Day », on est littéralement emporté par des torrents de chœurs et de violons. Variées, les compos oscillent entre ballades et titres davantage uptempo, à l’instar de l’efficace « Life » ou de l’imparable et euphorisant « Young Grils ». Un plaisir coupable donc ? Sans hésiter une seconde, si on est fan de B52’s ou de Blondie. Une chose est sûre, non seulement ce projet est particulièrement ambitieux, mais il tient la route.
En concert dans le cadre des Lotto Vibes le 29 août, au Crammerock le 7 septembre et à l’AB le 26 octobre.
Après avoir publié un Ep prometteur, mais qui affichait encore trop clairement ses influences, les Parisiens de Face Down transforment aisément l’essai tout au long de « The Long Lost Future », un premier album qui, s’il est la conséquence logique de « The Runaway », marque aussi le passage du groupe dans la cour des grands. Difficile en effet de reprocher quoi que ce soit à ce brûlot southern metal mâtiné de thrash qui, s’il reste marqué par l’influence de Pantera, Down ou Black Label Society (qui ne l’est pas dans ce genre de musique ?), se démarque malgré tout de l’ombre des instigateurs du genre. Le (nouveau) chanteur ne singe pas Phil Anselmo, le guitariste ne reprend pas à son compte le son unique de Dimebag ou de Zakk Wylde, seuls comptent ici la puissance, le groove, sans oublier un sens de la mélodie omniprésent. De quoi rendre l’ensemble d’une cohérence impressionnante. La production est aux petits oignons, le son énorme, les compos solides et sans temps mort, une totale réussite, qui rivalise sans peine avec ses modèles. C’est à se demander pourquoi une grosse maison de disques (ou même une petite, genre Big Vin Records, le label de Vinnie Paul) ne les a pas encore repérés !
Ce qui est chouette dans le rock n’roll, c’est qu’il n’est pas nécessaire d’en débattre pendant des heures. La guitare en avant, l’ampli à lampes bien chaud sur onze, la bière qui coule à flots, 1-2-3-4, et c’est parti ! C’est exactement dans cet état d’esprit que réagit Dirt Box Disco. Zéro prise de tête, pas de complications ni de bla-bla, pas de revendication, mais du fun à l’état brut. Alors certes, c’est brut de décoffrage et pas novateur pour un sou, le look des musicos est pourri, la pochette raiment naze, mais ça envoie le bois ! Donc on fait pas son difficile, on affonne sa Cara, et on retourne dans le pogo ma p’tite dame !
Le club ‘Djoon’, situé à l’Est de Paris se coupe en deux pour faire découvrir son style de prédilection, l’Afro Deep House. Mixé par le DJ New-Yorkais Joe Claussell ainsi que Black Coffee, superstar dans son Afrique du Sud natale, « The Djoon Experience » constitue la double compile ultime de l’été. Les deux disques font la part belle aux découvertes. Et quelques morceaux valent franchement le détour, remixés ou pas. A l’image des vibrants « Kel Kweyo » de Geoffrey Oryema, « 1960 What » de Gregory Porter, « Making Memories » de Martin East Project, du « For Dem Eyes » de Seun Kuti & Egypt 80 ou le « With More Love » tribal de Joe Claussell.
D’aucuns taperont le clou sur le côté un peu trop ‘lounge’ des deux compilations. Mais force est d’avouer que « The Djoon Experience » aurait pu très facilement rehausser l’affiche de festivals comme Couleur Café. Au bout des 2h20 d’Afro Deep House distillée par ce double recueil, un petit tour du côté du Djoon peut devenir pressant. A condition d’adhérer à 100% au style. A moins de 100%, « The Djoon Experience » passe sans souci en fond sonore, dans le cadre d’une journée cocktails-barbec’ ensoleillée. A la vôtre !
Difficile de résumer la carrière de Jello Biafra en quelques lignes. Véritable icône punk de la contestation, très à gauche et toujours aussi remonté contre son gouvernement, ses projets sont tout aussi politiques que musicaux. Laissons la politique de côté, et concentrons-nous sur la musique. Si l’esprit punk libertaire est indissociable du personnage, The Guantanamo School Of Medicine explore une facette plus rock de l’univers musical su frontman. Un rock survitaminé, lancé à toute berzingue, aux morceaux courts, simples et efficaces, mais au final plus varié et digeste qu’un punk rock de base ‘1-2-3-4 hey ! hey ! hey !’ certes amusant, mais souvent répétitif. On retrouve des influences rockabilly, surf et country tout au long de l’album. A ce détail près, figure sur cet elpee tout ce qu’on est en droit d’attendre d’un disque estampillé Biafra : son timbre particulier, ses textes militants mais toujours humoristiques, des brûlots composés et enregistrés à l’arrache (« Road Rage », « Mid East Peace Process »). Pas de révolution musicale dans l’univers de Jello Biafra donc, mais un long playing bien plus digeste et accessible que la plupart de ses autres projets.
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