Les 18 compos les plus populaires du boss, enregistrées entre 1973 et 2012, réunies sur cette compile. Il doit d’agir déjà de la septième. Bref, si vous ignorez tout de Bruce Springsteen, ce disque constitue la meilleure manière de se familiariser avec son style bien yankee. Mais si vous êtes un inconditionnel, seul le booklet peut vous sembler intéressant. En ce mois de septembre l’artiste et son E Street Band tournent en Amérique du Sud (‘Wrecking ball tour’), puis feront un break avant d’accorder toute une série de dates aux Antipodes, soit en Australie et en Nouvelle-Zélande, à partir de février 2014.
Il est toujours agréable de recevoir des nouvelles de vieux amis qu'on avait un peu perdu de vue. Le duo Spaceheads se rappelle à notre bon souvenir en sortant "Sun Radar", un maxi 4 titres qui sera suivi de deux autres dans le courant de l'année. Andy Diagram et Richard Harrison, membres d'une formation post-punk mancunienne, Dislocation Dance, dans les années 80, ont lancé ce projet à la fin de la même décennie qu'ils décrivent comme ‘un jazz-band avec des boucles électroniques’ tantôt dansant et mélodique, tantôt bizarre et plus expérimental. On a pu également entendre la trompette de Diagram sur des morceaux de Durutti Column, A Certain Ratio, Howard Devoto, Black Francis et même Squarepusher et il a d'autre milité au sein de groupes très estimables (James, The Pale Fountains, David Thomas & Two Pale Boys).
La dernière trace discographique des deux compères remontaient à 2007 et leur collaboration avec Max Eastley sur le très apaisé "A Very Long Way From Anywhere Else" qui suivait "Low Pressure" (2002), dernière production en duo.
Dix ans plus tard, la musique de Spaceheads n'a pas évolué. Hors du temps, hors des modes, elle reste originale car difficilement comparable, même si l'influence de Sun Ra n'est jamais loin. On retrouve donc cette trompette passée à travers des machines d'écho, créant des nappes de sons et des boucles, épaulée par la batterie acid-jazz savante et aérienne de Richard Harrison.
Les quatre morceaux proposés sont à classer parmi les compositions les plus abordables du duo. En effet, même si la production est parsemée d'effets en tout genre, elles groovent sec et communiquent avant tout une envie de bouger. On espère d'ailleurs que le groupe passera prochainement dans nos contrées histoire de suer intelligemment (NDR : les deux concerts auxquels j'ai assistés restent parmi mes meilleurs moments musicaux). Vivement le prochain maxi car quatre plages de trois minutes trente (NDR : j’aurais tant aimé qu’elles se prolongent ; c’est d’ailleurs le principal reproche que l'on puisse leur adresser), c'est bien trop court. Première sortie de leur label Electric Brass créé pour l'occasion, "Sun Radar" est, espérons-le, l'ébauche du retour gagnant des Spaceheads et soyons fous, d'une reconnaissance d'un plus grand public. Ce ne serait que justice.
Soirée de rentrée, ce vendredi 9 septembre, au Botanique. Et pour débuter cette saison, qui propose une programmation de haute volée, les organisateurs ont choisi la formation canadienne, Braids. Une valeur sûre, vu la qualité du concert accordé, il y a déjà deux ans. En outre, c’est une belle opportunité offerte au band de présenter son deuxième album, « Flourish//Perish ». Résolument tourné vers l’électronique, cet opus a déjà été salué par la chronique spécialisée. Et il revenait au Belge Ssaliva d’assurer la première partie…
Confronté à un problème de transport, je débarque 30 minutes en retard, au Botanique. Le temps de récupérer ma place et de me diriger vers la Rotonde, je croise le public qui vide les lieux pour prendre un rafraîchissement. Ssaliva, ce sera donc pour une autre fois. Dommage…
Un bon quart d’heure plus tard, les spectateurs reprennent le chemin de la Rotonde. La salle est cependant loin d’être pleine à craquer. Il faut dire que Braids ne jouit pas encore d’une notoriété suffisante, chez nous. Vers 21h, le désormais trio (NDR : depuis le départ, l’année dernière, de Katie Lee) monte sur l’estrade. Raphaelle Stadell-Preston (guitare, claviers, voix), Austin Tufts (batterie) et Taylor Lee (claviers, basse) s’installent derrières leurs instruments. Ils y resteront plantés, quasiment tout le concert. Qui démarre d’emblée par des morceaux issus du dernier elpee. Vu la température qui règne à l’extérieur, on peut affirmer que leur cold-wave détonne. Des nappes sonores réverbérées planent au-dessus de l’auditoire. On a l’impression d’entrer en lévitation. Pourtant, le band maîtrise parfaitement son sujet. La voix de Raphaelle Stadell-Preston impressionne, même. Björk n’a qu’à bien se tenir ! Si les premiers titres sont plutôt lents et s’installent progressivement, la suite prend davantage de relief. Le set passe alors à la vitesse supérieure. Ainsi sur l’excellent « In Kind », la vocaliste montre littéralement les dents (façon de parler !) Mais la setlist n’a pas oublié le premier long playing, « Native speaker ». De quoi ravir les aficionados. Malheureusement, le jeu de scène m’a paru un peu trop statique. Autrement dit, on ne peut pas dire que les musicos soient des showmen. Manifestement, c’est un aspect à améliorer, si le combo souhaite prendre de l’envergure. Tout comme leurs jeux de lumières, un peu trop ternes à mon goût. Bien sûr, leur musique ne prête pas à la rigolade ; mais on attend d’un spectacle qu’il dépasse la dimension de l’enregistrement studio, et pas simplement le reproduire, même à la perfection…
(Organisation Botanique)
Plus de vingt et un an après que les aiguilles de l'observatoire Royal de sismologie se soient mise à danser au son du légendaire groupe emmené par l'énigmatique Kevin Shields, l'AB accueillait à nouveau une horde de fans désireux de se faire perforer les tympans.
Suscitant autant d'enthousiasme que de mines circonspectes, le concert de ce mardi trois septembre a relancé l'éternel débat qui déjà divisait l'opinion en avril 1992.
Soit : que penser de ce bruit qui se répand comme la lave, figeant l'auditoire ou l’incitant à fuir selon les circonstances et les conditions d'écoute.
Adulés par certains, honnis par d'autres, My Bloody Valentine ne fait certes pas l'unanimité et le concept de ce mur du son qu'ils ont bâti comme une forteresse autour de leurs personnalités renfermées divise les avis autant qu'il n'a(ba)sourdit.
Mais après un retour chahuté où ce concept avait été poussé à son paroxysme (cf. leur prestation au Pukkelpop accordée en 2009 au cours de laquelle la puissance développée en décibels allait, pour de nombreux spectateurs, au delà du supportable), le groupe semblait avoir compris que les spectateurs étaient en droit d'attendre autre chose qu'un magma sonore inaudible susceptible de mettre en péril leur intégrité organique.
Mur du son, certes, mais dont les brèches permettent aux mélodies de se faufiler.
Sauf que...
Sauf qu'on ne change pas les habitudes.
Il est vingt heures quarante-cinq et le set va bientôt débuter.
En arrière-fond de la scène, un message du band déplore que notre pays soit le seul à s'enorgueillir d'une loi visant à limiter les nuisances sonores.
Et oui, Kevin, depuis les nineties, le vent à tourné...
Soit dit en passant, la formation savait à quoi s'attendre, puisque je me suis laissé dire qu'il était question un moment que le Cirque Royal les accueille dans le cadre des Nuits Botanique, avant qu'ils ne refusent de se plier à cette même ordonnance.
Donc, revenu sur cette décision et décidé à néanmoins s'offrir au public belge, le quatuor entame son concert par « I Only Said », non sans égratigner cette politique de protection de l'ouïe par le biais d'une remarque caustique en guise d'introduction.
De la voix de K. Shields, c'est quasi tout ce qu'il nous sera donné d'entendre.
Pas de surprise.
En effet, il est communément admis (du moins par la frange fidèle de ses fans) que le combo met en avant le son des guitares (oui, LE son) au détriment des mélodies vocales qui elles, sont mâchouillées à l'extrême et à peine perceptible dans le boucan électrique.
Si ce sous-mixage a de quoi étonner, il paraît quand même logique que ce qui est produit en studio –et met en valeur ces mélodies– soit en ‘live’ mis entre parenthèse pour des raisons techniques évidentes (essayez de chanter sans vous entendre et vous comprendrez).
L'idée n'étant pas de reproduire une copie plus ou moins conforme de ce qui existe sur album, il est alors fait appel à nos mémoires affectives.
Ainsi, au delà de cette chape écrasante et de ce tumulte assourdissant, les mélodies se fraient une place non pas depuis la scène, mais en toile de fond, quelque part dans notre subconscient.
Car avant toute chose, un concert de My Bloody Valentine reste une expérience.
Éprouvante, qui se joue de la facilité, intègre et fidèle au précepte du bruit élevé au rang sacré.
Sans fioritures.
Un pavé lancé en plein figure.
Il faut donc être un minimum préparé et se montrer conciliant.
Et donc venir en connaissance de cause.
Restent donc ces vagues successives qui viennent nous harponner sans relâche, nous faisant tanguer (et certains sombrer).
Aux classiques « When You Sleep », « You Never Should », « Honey Power » et « Cigarette In Your Bed » vient se greffer « Only Tomorrow » qui en réalité ne sera qu'un des trois titres extrait de « MBV » leur dernier opus en date.
Une sorte de ‘Best of’ donc, qui bien sûr, enchante les jeunes quadragénaires constituant une grande partie de l'auditoire.
Souvenirs d'une époque glorieuse mais qui vit une nouvelle jeunesse et dont MBV restera à jamais le fier étendard, assurant la filiation avec bien des mouvements d'aujourd'hui.
À ce jeu d’échanges, remarquons que le groupe insuffle à ses nouvelles compositions quelques pertinentes inflexions en territoires audacieux.
Comme cette Drum'Bass qui tapisse « Wonder 2 » dont la version ‘live’ malheureusement, est à mon sens quand même fort brouillonne et pataude.
Au final, « You Made Me Realize » et son intermède sonique tant redouté (une montée en puissance qui ferait passer un ensemble de moteurs de F16 pour une chorale pastorale et s'échelonne selon les prestations entre une poignée de minutes jusqu'à une demi-heure d'un insupportable vrombissement) sera ramené ce soir à sa plus simple expression, étouffé sans doute par les impératifs cités plus haut.
Les avis criés plus que chuchotés après le show (surdité oblige) continuant d'alimenter le mythe My Bloody Valentine pour les deux prochaines décennies…
Setlist :
1. I Only Said
2. When You Sleep
3. You Never Should
4. Honey Power
5. Cigarette In Your Bed
6. Only Tomorrow
7. Come In Alone
8. Only Shallow
9. Thorn
10. Nothing Much To Lose
11. Who Sees You
12. To Here Knows When
13. Wonder 2
14. Soon
15. Feed Me With Your Kiss+
16. You Made Me Realize
(Organisation: AB)
Lorsqu’on jette un coup d’œil à la pochette de cet album, on se doute instantanément qu’on va se farcir du lourd, voire du très lourd. Et les références gothiques de l’artwork ainsi que ses tonalités sombres, sont accentuées les textes morbides qui figurent à l’intérieur du livret. Une impression que le patronyme du groupe, Ufomammut, ne va certainement pas alléger. A priori, je ne suis pas friand de tout ce qui touche à cette mouvance ténébreuse. C’est sans doute la raison, plusieurs mois m’ont été nécessaires avant de me décider à écouter cet opus.
En signant chez le label notoire Neurot (Neurosis, Amenra, Akimbo, …), ce trio italien jouit évidemment d’une plus grande visibilité ; et en particulier depuis la sortie de leur précédent elpee, « Oro-Opus Premium », un disque qui avait fait l’unanimité auprès des amateurs du genre. « Oro-Opus Alter » constitue la suite logique. Et d’après la presse spécialisée, il était très attendu…
L’elpee démarre littéralement sur les chapeaux de roues. Les Transalpins dressent rapidement un mur de son. La guitare sature. La basse vrombit. Les riffs sont puissants, lents et hypnotiques. Dès le deuxième morceau, les cris font leur apparition. A cet instant, on pense clairement à leurs compagnons de label, Akimbo. On l’avait suspecté, Ufommamut ne fait pas dans la dentelle.
Et si en bout de course, on ressort complètement lessivé de cette épreuve et les oreilles bourdonnantes, reste l’impression d’avoir découvert un groupe qui en vaut la peine. On n’écoutera pas « Oro : Opus Alter » et son petit frère tous les jours mais, lorsque le temps deviendra maussade, on s’imagine bien se déchaîner en sa compagnie…
Malgré son jeune âge, ce chanteur/guitariste s’est déjà forgé une certaine notoriété. Et pour cause, il a décroché le 4ème titre de 'King of the blues" organisé par le Guitar Center. Randy cite volontiers Robben Ford, Freddie King et Albert Collins comme principales références. Il est originaire de Detroit. Ses parents écoutaient du blues. Sa mère était pianiste au sein de l’Eglise Pentecôtiste. Il a appris à jouer de la guitare dès l’âge de 11 ans. Mais rapidement, il émigre à Hollywood où il fréquente le LA Guitar Institute. Mais curieusement, il abandonne alors la musique pendant une dizaine d’années, pour se consacrer à l'informatique. Ce n’est qu’après avoir participé au concours ‘Guitar Center’, qu’il décide de revenir à ses premières amours… Sa victoire va lui permettre d’enregistrer cet album. C’est également son premier. Los des sessions d’enregistrement, il a reçu le concours du drummer Gary Novak, du bassiste Travis Carlton (Robben Ford Band) et du claviériste Jeff Babko (Larry Carlton Band). La production a été confiée à Pete Anderson (Roy Orbinson, Jackson Browne, Buck Owens, KD Lang, …)
Des cordes acoustiques ouvrent "Ramblin' man blues", avant que l'amplification ne soit branchée. Nerveuse, la plage ne maque pas de charme. L'orgue de Jeff est à l'avant-plan. La voix de Randy passe bien la rampe. Elle n’est pas vraiment puissante et me fait penser à celle de Robben Ford. Le quatuor affiche une belle cohérence. "Whiskey from the bottle" est toujours aussi vivace. Jeff est passé au piano. Randy opère une première sortie remarquée sur les cordes, dans un style emprunté au jazz, avant que le piano ne le relaie. "Nothin' but a thang" épouse un profil davantage funk. Travis adopte le mode slappin' sur sa basse. Le jeu aux cordes est très fluide et inspiré. Gary martèle ses fûts afin de canaliser les interventions des autres instrumentistes. "Can't quit on you" est un blues lent de bonne facture. Mais manifestement, Scott est davantage un adepte de la technique pure que du feeling exacerbé du blues ; néanmoins, il n’a pas à rougir du résultat. "Never enough" bénéficie d’arrangements plus complexes. Les changements de tempo sont savamment structurés. La dextérité du jeu de Randy est vraiment impressionnante. Enlevé, "Mean hearted woman" est un blues plus classique. L'envol est superbe. L’impact franc et direct. Mais c’est Albert Lee, invité pour la circonstance, qui en est le responsable. Il signe d’ailleurs deux soli dans son style inimitable. "Don't call it love" est une composition qui accroche immédiatement l'oreille ; et c'est bien dans ce style que Scott se révèle le plus personnel et même le plus brillant. Ballade blues indolente et particulièrement mélodieuse, "Kisses like cherries" nous réserve une superbe partie de guitare. Belle à en pleurer ! Exercices de style instrumentaux, "Out of the blue" et "Talking my maby down" mettent en exergue la virtuosité de Scott ; des morceaux au cours desquels il a tout le loisir de s’aventurer dans l’univers du jazz. Excellente plage, "Fire" met bien en valeur les différents musicos. Très rock, "Hell to pay" déménage littéralement. Les interventions de Jeff Babko aux ivoires sont détonantes. Albert Lee assure la part rythmique et se réserve le premier solo, tout en picking. Acoustique, "Tommy's tune" clôt l’opus. Un morceau instrumental au cours duquel Scott est seul avec son blues…
Né en Californie, Jeff écoute, dès son jeune âge, la musique des années 50, 60 et 70. Du blues, du rock'n'roll, mais aussi du funk, du punk et du jazz quand ils s’y mêlent. Depuis l’âge de 11 ans, il joue de la guitare. En 2003, il fonde, en compagnie de Chris Sabie, la Santa Clarita Blues Society. Santa Clarita est la commune la plus au Nord du Comté de Los Angeles. En 2004, Jeff met sur pied le Jeff Jensen Band et commence à écumer les scènes californiennes. Son premier opus, "Jeff Jensen", sort en 2007, un elpee pour lequel il reçoit le concours de l’harmoniciste John 'Juke' Logan à l'harmo. Il embraie par "I'm coming home", en 2009. En 2011, il se fixe à Memphis où il collabore étroitement avec la nouvelle sensation de l'harmonica, Brandon Santini.
C’est son nouveau JJ Band qui a mis en boîte ce "Road worn and ragged". Le backing group réunit le bassiste Bill Ruffino, le drummer James Cunningham et l’organiste Chris Stevenson. Et parmi les invités, figurent le pianiste notoire Victor Wainwright et son nouvel ami Santini à la musique à bouche.
Jeff propose des compositions qui sont autant d'expériences de sa propre vie. Il y injecte une passion dévorante. "Brunette woman" démarre en force. Un morceau d’ouverture idéal. La voix est un peu élimée, mais le coup de tonnerre est réservé à l'harmonica de Santini. Implacable, irrésistible, il offre une rampe de lancement judicieuse aux cordes de Jensen. Une plage particulièrement dense. Ballade roots, acoustique, "Goodbye Portland" opère déjà un changement radical de style. Guitare et piano dialoguent. La voix de Jensen prend toute sa dimension lors de la reprise du "Heart attack and vine" de Tom Waits. Elle donne du relief au texte. La mise en place des instruments est parfaite. Les interventions de Santini sont bouleversantes. Il constitue manifestement un des nouveaux souffleurs les plus sollicités, aux côtés de Jason Ricci et Dennis Gruenling. Le jeu de Jeff est très complexe, mais brillant et novateur, tout au long de "Pepper", un instrumental particulièrement vif et nerveux. Probablement un Freddie King des temps modernes. Blues très lent et dépouillé, "Gee baby ain't I good to you" laisse filtrer des intonations jazz. La voix est à l'avant. Caractérisées par leur feeling intimiste et saisissant, les notes de guitare sont aussi parcimonieuses qu’inspirées. Jensen adapte un des classiques de Willie Dixon, "Little Red Rooster", sur un tempo inhabituellement rapide. Il y injecte beaucoup de swing. Très personnelle, cette version met bien en exergue les différents instruments, et notamment l'harmo de Santini, la guitare bien franche de Jeff et l'orgue Hammond aux propriétés enveloppantes de Chris Stephenson. Brandon tire une nouvelle fois son épingle du jeu sur la reprise du "Crosseyed cat" de Muddy Waters. Il souffle en puissance, à la manière de James Cotton. L'introduction aux cordes sur "Raggedy Ann" est extrêmement raffinée. La complicité entre la guitare de Jeff et le piano de Victor est tout à fait remarquable. Minimaliste, "River runs dry" est une ballade empreinte de tendresse et de désespoir. Une compo bouleversante, sentiment accentué par le vécu de la voix. De toute bonne facture, "Thankful" achève le long playing. La voix est impeccable. L’instrumentation excellente. Une piste ponctuée par une dernière envolée de guitare classieuse…
L'IBC, l'International Blues Challenge se déroule chaque année à Memphis. Il consacre les nouveaux espoirs du blues. Les sociétés du style y envoient ainsi ces ‘nouveaux noms’ prêts à décoller. L'Atlanta Blues Society avait délégué Little G Weevil, un artiste qui se produit en acoustique. En février dernier, il remporte les catégories ‘artiste solo’ et ‘guitariste’. Ce jeune chanteur/compositeur est âgé de 36 ans. Il avait débuté sa carrière comme batteur, avant de passer à la guitare, à 17 ans. Ses dieux répondent aux noms de John Lee Hooker et Lightnin' Hopkins. En 1998, il monte un groupe et tourne en Europe. Inlassablement ! Il publie "One" en 2004, un album pour lequel il reçoit le concours d’un groupe européen, Pure Blues. La même année, il s’établit à Memphis où il joue dans les clubs de Beale Street. Il décide de poursuivre son aventure en solitaire. Et il publie son premier elpee sous son nom en 2007, "Southern experience". En 2009, il émigre en Georgie. A Kennesaw, très exactement. Son dernier elpee, "The teaser", était paru en 2012.
Dès "Shook it and broke it", un frisson nous parcourt l’échine. Haut perchée, étrange, la voix de Little G est capable de vous glacer le sang. Il s'accompagne à la Dobro Resonator. L'artiste est directement placé sur orbite ; ce qui lui permet de dispenser son blues si personnel, qu’il aborde le plus souvent armé d'une guitare Epiphone Acoustic. Il est toujours seul pour attaquer "On my way to Memphis", "Boogie through my troubles" ainsi que "Let someone else do all the work", un titre très dépouillé, secoué de frêles percussions, proche d'une work song. Mais également les plus rudimentaires "Deep bow" et "Advice". La prise de son opérée sur "Let's talk it over" est imparable. On jurerait écouter Little G en face de soi, à moins d'un mètre ; et on entend même ses doigts caresser le Dobro, pour en extraire des sonorités métalliques irrésistibles. Mr Weevil me rappelle le regretté Robert Lucas ; cet ex-Canned Heat excellait dans le blues basique, en servant d’une slide et en chantant d’une voix unique, proche de notre Little G. Episodiquement, il reçoit le concours de son trio ; soit l’harmoniciste Maurice Nazzaro, le bassiste Dustin Sergent ainsi que le drummer Adam Goodhue. Et en particulier tout au long du superbe "Mean and dirty". Une plage qui reflète la couleur delta du Mississippi d'une autre époque. Autoritaire, ravagée, la voix semble même hantée par Howlin’ Wolf. Excellent, "Moving" évolue sur une trame blues très primaire. Sa sortie sur les cordes acoustiques est une véritable démonstration ! Le long playing s’achève par "Swing in the middle", une piste évidement chargée de swing, mais conduite comme un boogie nerveux, par l'harmo de Nazzaro.
Rentrée en force et anticipée au Magasin 4 qui propose une triple affiche couronnée par Big'N, groupe ricain dont les plus anciens de nos lecteurs se souviennent peut-être des premiers enregistrements opérés il y a une petite vingtaine d'années.
Mais commençons par le début ou presque car faute d’avoir pu assister au tour de chauffe de Made in Canada (qui en réalité nous vient de l’Hexagone), je débarque alors que Mont-Doré s'apprête à entrer en piste. Première et heureuse constatation, le public a répondu présent au coup d'envoi de cette nouvelle saison. Car même si la salle est loin d'être remplie, on compte une bonne centaine de personnes ; ce qui est respectable pour un jour en semaine et sans groupe hype à l'affiche.
Mont-Doré est un quintet bruxellois qui a choisi la voie d'un screamo assez complexe et épique pour s'exprimer au travers de compositions qui alternent passages saccadés et 'downtempo'. Le tout est interprété en puissance, mais aussi parfois avec un trop plein d'émotions propre au style emo et à ses déclinaisons (NDR : la voix typique entre cris et 'pleurs', susceptible d’irriter). Néanmoins l'ensemble est assez recherché et plutôt maîtrisé pour garder notre attention pendant la durée de leur set.
Puis place à Big'N qui, comme je le précisais en début d'article, n'en est pas à son coup d'essai puisque si son premier LP date de 94, le suivant est paru en 96, avant que le groupe ne se sépare peu de temps après la sortie de ce dernier.
C'est par le biais du label italien Africantape (Pneu, Marvin, Oxes ou encore les incroyables Electric Electric) qu’il publie, en 2011, l'Ep "Spare the horses" et la compile "Dying Breed - A collection of singles & unreleased songs" ; de quoi attester la bonne santé du combo étasunien. Et l'épreuve de la scène va s'avérer des plus concluantes vu les traces de doigts qu'on porte encore sur la joue en souvenir de cette claque magistrale. On retrouve chez Big'N tout ce qu'on a pu aimer et qu'on aime encore dans le noise rock US façon early Helmet, Unsane ou Pissed Jeans (mais on pourrait en citer bien d'autres). Le côté direct, crade et viscéral qui vous agrippe et ne vous lâche plus pendant une bonne heure. Au-delà, on risquerait l'asphyxie! Le sens du riff répétitif asséné jusqu'à l'obsession et l'aspect malsain dans les dissonances. Tout y est et on connaît la chanson par cœur mais on ne s'en lasse jamais pour autant que l'intention et l'intensité soient bien présentes. On appelle cette conduite de l'authenticité et le moins qu'on puisse dire c'est qu'ils n'en manquent pas, cherchant la proximité avec le public (le chanteur descendra un moment prendre un petit bain de foule) mais tout en gardant le contrôle de leur barque. Et pour ma part ainsi que pour les autres spectateurs, encore une traversée rondement menée à partir de l'Avenue du Port...
(Organisation Magasin 4)
Le 6 février 1993, Giant Sand se produit au Conservatoriumplein de Bissegem. A l’issue du concert, votre serviteur réalise l’interview de Howe Gelb (voir ici) et de Chris Cacavas (voir là). J’ai emmené mon fils, Jeremy, alors âgé de 14 ans. Il a assisté au concert et m’accompagne lors de l’entretien, qui se déroule à l’étage du club De Kreun. John Convertino et Joey Burns assistent aux entrevues, ce dernier y participant même épisodiquement. Depuis, John et Joey ont fait du chemin et ont surtout monté leur Calexico, une formation qui a pris une fameuse envergure. A cause de leur americana habilement teinté de références latino (mariachi, conjunto, cumbia, tejano, mambo), africaines, mais aussi de rock, de pop et de jazz.
Mais revenons à nos moutons. Ce 14 juillet 2013, la formation étasunienne (NDR : elle nous vient de Tucson, en Arizona, tout comme Giant Sand) se produit dans le cadre du festival Cactus à Bruges (voir review ici). J’ai bien tenté d’obtenir un rendez-vous, via le label, mais malgré les efforts de l’attaché de presse, les demandes sont restées lettre morte. Bref, au-cours de l’après-midi, je rejoins le stand VIP pour prendre un rafraîchissement. Je croise Jacob Valenzuela, le trompettiste et John, le drummer. Nous taillons une bavette et je leur fait part de mes illusions perdues. Ils interpellent leur tour manager, qui me demande d’attendre la fin d’une longue entrevue que Joey est occupé d’accorder à un collègue néerlandophone. Après 45 bonnes minutes (NDR : heureusement, le concert de Michael Kiwanuka n’est pas ma priorité), les deux hommes se serrent la pince. Soudain, Joey se lève et vient à ma rencontre. J’avais quand même l’impression qu’il jetait de temps à autre, un coup d’œil dans ma direction, pendant son interminable tête à tête. Je lui remémore la réunion à laquelle il était présent, il y a 20 ans. Incroyable, il s’en souvient. Le tour manager nous rejoint, et il est décidé que 15 à 20 minutes nous seront accordées. C’est déjà ça. Faudra mettre la gomme…
Le dernier album de Calexico a été enregistré à la Nouvelle-Orléans. Dans une église baptiste reconvertie en studio d’enregistrement. Un peu comme celle de Woodstock, en bois celle-là, au sein de laquelle John Agnello a accueilli de nombreux artistes pour leurs sessions. Mais quel sentiment ressent-on quand on investit un lieu autrefois sacré ? Joey confesse : « J’ai adoré ces moments-là. Lorsque je suis arrivé sur place, j’ai immédiatement constaté que c’était une ancienne église. Elle a été rebaptisée ‘The living room’. Et les aménagements qui ont été opérés par le propriétaire et les ingénieurs sont remarquables. Incroyables, même. Malgré les travaux de rénovation on ressent toujours les vibrations de ce qui a été un lieu de culte. Et c’est devenu un espace de créativité musicale. Un Hammond a été installé. Et quand tu entends ce qui en sort, c’est comme si tu entendais de l’orgue d’église. Tu as l’impression de disposer de l’endroit pour toi-même. D’en jouer comme tu le ressens dans ton cœur. C’est le rêve caché de tout claviériste. De grandes fenêtres inondent l’édifice de lumière. On y remarque également de nombreuses structures en bois. Et dans cette église, quand je me suis assis derrière le piano, je savais que j’allais écrire de bonnes chansons… »
Lorsque j’ai appris que le groupe se rendait à la Nouvelle-Orléans pour enregistrer, j’ai immédiatement pensé à une collaboration avec un ‘brass band’, comme le groupe l’avait réalisé en compagnie d’un ensemble mexicain. Mais après avoir lu de nombreuses interviews réalisées par des confrères, il est apparu que c’était tout simplement l’esprit de ce port louisianais que le band voulait communiquer à sa musique, pas ses racines. Joey précise : « Egalement l’écriture. Quand vous vivez dans un autre endroit, quand vous bossez au sein d’un autre studio, la perspective est totalement différente. Même si on pense souvent à son chez soi. Mais on souhaitait rester en Amérique, à la limite de l’hémisphère Nord et Sud, à sa frontière culturelle. Dans le Nord, l’accent est surtout porté sur le 1-2-3-4, tandis que dans le Sud, c’est davantage 6/8. C’est plus afro. Evidemment, je suis un grand fan de musique afro-cubaine. L’hémisphère Nord est plus anglo-saxon, le Sud, plus espagnol. Le Nord est plus protestant, le Sud plus catholique. La country pour le Nord. Le blues pour le Sud. Par nature. Ce que je te raconte est superbement décrit dans un livre rédigé par Ned Sublette qui s’intitule ‘The world that made New Orleans’. Je l’ai lu avant de me rendre à la Nouvelle Orléans et également pendant que j’y résidais. Il foisonne de références culturelles et historiques et j’avoue qu’elles m’ont pas mal influencé. » Manifestement, les emplacements où il enregistre et les voyages inspirent notre interlocuteur. Mais quelle sera la prochaine destination du combo ? La Guyane ? Un pays d’Afrique ou un autre pays du Golfe du Mexique ? A moins que de nouvelles idées ne se soient développées durant leurs périples à travers le monde… Joey confirme « Oui, s’il vous plaît. Toutes les destinations que tu viens de citer me bottent (NDR : il ajoute même en néerlandais, ‘alstublieft’ !) Ce sont tous des endroits de rêve. Mais tout dépend du temps dont on dispose. Les histoires sont tellement importantes. Elles sont parfois fragiles et exigent beaucoup de créativité, de patience, avant d’aboutir. J’espère que nous pourrons retourner à Cuba, nous rendre au Sénagal, au Mali, au Nigéria, en Afrique du Sud, au Maroc. Et puis j’aimerais passer plus de temps en Europe. J’aime les groupes belges. Zita Swoon. On est assez copains avec les musiciens… » Girls In Hawaii ? « Non, je ne connais pas. » dEUS ? « Oui, bien sûr. Sur scène, ils sont excellents… »
La musique de Calexico est devenue le fruit d’un croisement entre influences multiculturelles et multi linguales. Existe-t-il une explication rationnelle à ce phénomène ? Joey réagit : « Non, je n’ai pas d’explications. Toutes ces influences sont des histoires d’amour. Aujourd’hui, en Arizona, les autochtones manifestent des attitudes hostiles et agressives vis-à-vis des immigrants, prônent une philosophie de rejet à l’égard des autres langues et cultures. Je ne comprends pas ce repli sur soi. Comment est-il possible d’aimer la nourriture mexicaine, mais pas la langue, ni la chanson hispanophone ? C’est si beau, si romantique, si passionné. Il y a des individus qui ont des œillères. Un constat qui nous ramène à l’amour et au respect… » Calexico aurait un pied dans la tradition et un autre dans le monde contemporain ou, en d’autres termes, un pied dans l’Amérique et l’autre en Europe. Mais pourtant, l’Europe semble bien plus traditionnelle que l’Amérique. Il conteste : « Non, non ! Tu sais l’herbe est toujours plus verte ailleurs. Il existe ici quelque chose de nouveau. Une ouverture dans l’acceptation d’une autre culture et d’une autre langue. Bien sûr, dans l’univers du football, c’est différent (rires)… c’est une exception… En Europe, on accepte de panacher les genres musicaux. On se permet de défier la définition des styles. Notre musique est mieux acceptée sur le Vieux Continent qu’aux States. C’est pas vraiment noir et blanc, mais l’atmosphère est différente ici. Il y a une autre philosophie. Davantage de largeur d’esprit… »
La colonisation, les conquêtes et l’immigration sont pour Joey des sujets brûlants de conversation, mais certainement de grandes sources d’inspiration. Il parle le plus souvent des Latino-américains, mais les Indiens –ou ce qu’il en reste– ne sont-ils pas les plus à plaindre ? Il se justifie : « Je pense que nous sommes tous dans le même bateau. Je ne spécifie pas un groupe culturel en particulier. C’est plutôt une histoire humaine. C’est ce que cherche à exprimer. Je devrais demander à mon ami Randall, un Navajo, ce qu’il en pense. Encore une fois c’est à propos des histoires. Parfois elles sont descriptives et parlent de certaines régions. On peut traduire toute l’histoire dans n’importe quelle langue ou la transposer dans n’importe quel décor ou toile de fond. Parce qu’elle est universelle. C’est pourquoi nous aimons l’histoire. Elle est l’origine de ce que nous sommes devenus aujourd’hui… »
En 10 mois, j’aurais donc assisté à trois concerts du même groupe. La première fois, en septembre, à l’AB. La seconde à l’Aéronef de Lille. Et ce soir ce sera la troisième. Mais comment organiser sa setlist pour donner davantage de variation à ses shows ? Joey a son explication : « Chaque fois que vous atterrissez dans un nouvel environnement, vous regardez ce qui se passe autour de vous. Vous essayez de sentir la direction que le public souhaite emprunter. La musique est un peu comme une forme de thérapie. Elle nous rassemble. C’est comme un voyage, un voyage spirituel. Elle te propulse dans un autre monde. Elle atteint différents niveaux de l’expérience humaine. Sur scène j’essaie d’être ouvert. Aussi, en cours de show, je regarde parfois la setlist. La conduite du concert. Et il m’arrive de penser à insérer une autre chanson, de m’éloigner du canevas affiché. Mais, ce n’est pas toujours possible. Car tous les musiciens jouent des tas d’instruments différents. Ils jonglent aussi bien avec l’accordéon, la trompette, les claviers, le xylophone, la contrebasse, la double basse, etc. Aussi, avant de modifier le parcours, je dois tenir compte de ces paramètres. Au début de la journée, j’ai assisté au set d’un fantastique groupe belge, Isbells. Et leur prestation m’a donné envie, ce soir, de jouer des compos plus calmes (NDR : finalement, le combo optera pour un set endiablé !) Parfois l’ambiance en ‘live’ t’incite à injecter du rythme et à te plonger dans l’énergie festive (NDR : c’est ce qui va se produire en soirée !) Je considère le show comme la construction d’une dynamique d’émotions et de sensations… »
Lors de leur set à Lille, en rappel, Calexico a été rejoint par The Dodos pour attaquer le ‘Little black egg’ des Night Crawlers, une compo datant de 1965. Une jam particulièrement réussie, me rappelant les Byrds, voire les compiles ‘Pebbles’ ou encore ‘Nuggets’. Il était donc d’abord intéressant de savoir qui lui avait donné l’idée de reprendre ce titre. Puis si Calexico avait l’intention, notamment ce soir, de réserver au public, ce type de surprise. Joey semble à court d’arguments : « Je ne sais pas. On a rencontré les musiciens de Bonnie Raitt. Et puis on a assisté à leur prestation en marge du podium. Ce sont des musiciens fantastiques. Je suis très honoré d’être sur la même scène que tous les autres groupes et artistes présents aujourd’hui à Bruges. Et tout particulièrement Bonnie Raitt… En fait Al Perry & The Cattle en avaient déjà fait leur version, début des nineties. Ils sont également issus de Tucson, en Arizona, comme nous. Lorsque j’ai entendu cette chanson, je me suis dit qu’elle était géante, rare même. Et la première fois qu’on l’a adaptée, c’était en compagnie de Yo La Tengo. A l’époque nous avions beaucoup tourné ensemble. Lors de la dernière date, c’était à Saint Louis, je pense ; nous l’avons jouée, sans l’avoir répétée. Ira, Georgia et moi. Georgia Hubley, la drummeuse, a un projet qui répond, en outre, au nom de Little Black Egg. Et puis j’en ai conclu que si on pouvait l’interpréter avec Yo La Tengo, on pouvait aussi le faire avec The Dodos. C’est une chanson bizarre, mais terriblement contagieuse… »
La dernière création en date de Calexico a bénéficié de la collaboration du Louisville Orchestra, un orchestre symphonique. Les prises ont été immortalisées en ‘live’. Publié en édition limitée et notamment en vinyle, le box, intitulé ‘Road Atlas’ est paru en juin dernier. Joey commente : « Une aventure extraordinaire. C’était la première fois qu’on jouait en compagnie d’un orchestre symphonique. Eux, dans le passé, avaient déjà réalisé cette expérience. Donc, ils en connaissaient un bout. Notamment dans le domaine technique et électronique à mettre en place, sur scène. Le box set est le résultat d’un travail de passionnés. Ce sont des titres qui ont été enregistrés lors d’une de nos dernières tournées. Nous l’avons réalisé pour nous, pas pour le public. La musique vire parfois au jazz, sans que ce soit vraiment du jazz. On a pris beaucoup de plaisir à concrétiser ce projet. Et il est important pour nous de continuer à prendre du plaisir. Le résultat va au-delà du classique ou de ce que nous proposons généralement. C’est aussi la raison pour laquelle je fais de la musique… »
En nous quittant, Joey me remercie et me demande si c’est votre serviteur qui a concocté le questionnaire. Je lui réponds par l’affirmative et lui explique succinctement ma méthode de travail. Il me dessine une Cadillac sur le dos de la pochette de l’album ‘Algiers’, avant de la dédicacer, et me salue à nouveau, avant de rejoindre les loges en compagnie du tour manager…
(Merci à Vincent Devos)
Pour sa 11ème édition, le festival Rock en Seine proposait une affiche variée de quelque 56 groupes ou artistes, dont plus de la moitié venaient présenter un premier Ep ou album. A l’instar des années précédentes, il investit le vaste domaine de Saint-Cloud, au sud-ouest de Paris. En constante progression depuis sa création, le festival a, une fois de plus, battu son record de fréquentation, alignant deux jours à guichets fermés (vendredi et samedi), soit 40 000 personnes à chaque fois, plus de 38 000 personnes le dimanche, soit un nombre total de 118 000 visiteurs. A l'affiche du samedi, une belle brochette de formations confirmées (Phoenix, Vitalic et surtout Nine Inch Nails, dont c'est le grand retour), mais également quelques unes très prometteuses, qui opèrent leurs quasi-débuts dans un festival de cette envergure.
C'est le cas pour le premier combo auquel nous nous sommes intéressés, In the Valley Below. Ce duo américain, réunissant Angela Gail et Jeffrey Jacob, doit son nom à une chanson de Bob Dylan ("One More Cup of Coffee") et ne compte à son actif qu'un Ep et un single. Mais il manifeste déjà une belle maîtrise. Il pratique une ‘dream pop’ psychédélique, un peu mélancolique, comparable à celle de The Beach House. Sur le podium ‘Pression’, une petite scène 'découverte' lovée à flanc de colline, le couple va séduire un public venu déjà nombreux à quatre heures de l'après-midi. C'est bien entendu la belle Angela qui attire les regards. Dans sa robe en dentelle, couleur blanc cassé, elle remue tout en douceur et grâce ; et sa voix un peu grave fascine. Elle et Jeffrey Jacob se partagent les parties vocales. Et son attitude vis-à-vis de son compagnon est plutôt aguichante. Elle le caresse ainsi sensuellement dans le cou. Après un premier inédit, "Stand Up", très convaincant, la setlist fait la part belle à l’Ep "Hymnal", notamment à "Palm Tree Fire" mais surtout "Last Soul", ma chanson préférée, une petite merveille acidulée, qui évoque bien sûr The Beach House, mais aussi Bat For Lashes, Ladyhawke, voire même Cock Robin. Le son est un peu déséquilibré. Les basses synthés de Jeremy Grant et la batterie de Joshua Clair accaparent trop l'espace sonore, au détriment des très belles harmonies vocales. Pour "Devil", un autre nouveau titre, Angela se fait diabolique, utilisant des chaînes comme élément de percussion. ‘C'est notre premier show en France’, précise-t-elle ensuite, avant d'entamer le très beau "Lover". Puis, place à la chanson la plus connue, "Peaches" ; et le public, assez passif jusqu'alors, se met à taper dans les mains et chanter le refrain. La setlist se referme par un dernier inédit, "Neverminders" et la formation se retire. Un concert en tous points prometteur, qui laisse augurer un premier album de très grande qualité. Je suis devenu fan! Ne les ratez pas en première partie des White Lies fin novembre à l'AB!
Regardez ici l'interprétation de "Peaches": http://youtu.be/nWJ4qOCBkJA
(Setlist: Stand Up, Last Soul, Palm Tree Fire, Devil, Lover, Dove, Peaches, Neverminders.)
Plus tard, sur la ‘Cascade’, la 2ème plus grande scène du festival, située au centre du domaine, c'est l'effervescence car c’est un ensemble français qui va s’y produire : La Femme. Ce combo créé au départ à Biarritz cultive le mystère. Ses membres sont à peine âgés de 20 ans, mais ils ont déjà écumé les salles et publié un 1er album, "Psycho Tropical Berlin". Ils se présentent comme une bande de six potes, juste là pour le plaisir de jouer... et pour boire des bières! Leur expression sonore est le fruit d’un mélange de surf/punk et de pop électro à la française. On pense à Indochine, Taxi Girl, Jacno, Lescop, Daho ou Marie Et Les Garçons, mais en plus déjanté, en plus festif. Live, on est frappés par les trois claviers Nord qui sont alignés au devant de l’estrade. Le leader de la formation, Marlon Magnée, est un chanteur à belle gueule et un excellent claviériste, qui déborde d'énergie. A ses côtés, Clémence Quelennec, également aux voix et aux claviers, apparait comme ‘La Femme’ typiquement française et très attachante. Coiffée d’un petit béret, elle dessine des déhanchements façon 'Twist à Saint-Tropez". Le concert démarre sur les chapeaux de roues par "Amour Dans le Motu" et "Packshot". Chez La Femme, pas d'ordis, pas de séquenceurs : tout est en direct. Même les basses super rapides à l'octave sont réalisées aux synthés par Sam Lefèvre. Dans "Nous Etions Deux", le second single du combo, le rythme est plus lent et on a droit à un slow archétypique, voire même kitsch. Magnée n'hésite pas à fourguer un son d'orgue de foire : ça marche ! Leur morceau éponyme, "La Femme", évoque la musique de Pulp Fiction et le public danse avec délectation. Sacha Got, multi-instrumentiste de talent, exécute ensuite une démonstration au thérémine (NDR : créé en 1919 par le Russe Léon Theremine, cet instrument étrange est constitué d'une antenne verticale). Dans le morceau "Sur La Planche", il démontre également son aptitude au... surf en surfant sur une planche au sein du public : un stage-diving original! Au final, un concert plein d'une saine énergie, un peu fourre-tout mais ce n'est pas grave : on a passé un excellent moment!
(Setlist (tbc): Amour dans le motu, Packshot, Nous étions deux, La Femme, Françoise, Hypsoline, Sur la planche, Télégraphe, Antitaxi, La cabane perchée, Welcome America, La femme ressort.)
Juste à côté, sur le podium ‘Industrie’, c'est un projet belge qui prend le relais : Kid Noize. Son membre principal entretient un mystère à la Daft Punk en apparaissant toujours masqué, tel un primate, échappé de la ‘Planète des Singes’. Mais les mélomanes perspicaces savent très bien qu'il s'agit du leader d'une formation pop-rock belge bien connue... Je n'en dirai pas plus... A ce jour, il ne compte à son actif que quelques mixtapes, des prestations remarquées et un Ep. Energique, son électro véhicule des accents dub. Son set est très dépouillé à la lumière du jour : juste le personnage et ses machines. Dommage qu’il ne soit pas soutenu par un show ou la projection de vidéos, car après quelques tracks, l'attention finit par retomber. Heureusement, la reprise d’"Eisbaer", en milieu de parcours, restitue un peu de punch à l'ensemble. En tout cas, pour les fans d'électro, massés devant la scène, ce sera un réel succès. En attendant Vitalic…
Plutôt que d'aller voir Wavves, nous décidons de camper au plus tôt devant la grande scène, dont Nine Inch Nails doit prendre possession à 20h40. Nine Inch Nails à Saint-Cloud, ça ne s'invente pas... (nail = clou) Pour celles et ceux qui ne connaissent pas, NIN (ou NIИ) est un groupe légendaire, crée en 1988, dont Trent Reznor est le leader et seul membre permanent. C’est un des pionniers du rock ‘industriel’ (tout comme Ministry) ; mais au fil des années, sa palette musicale s'est étendue pour inclure électro-rock, ambient, trance et synth-pop. En 2009, après avoir gravé 8 albums studio et vendu au total 30 millions de disques, Reznor a décidé de s’accorder une pause pour se consacrer à un nouveau projet en compagnie de sa femme, How To Destroy Angels. Il a coécrit des musiques de films, ce qui lui a valu de décrocher un Oscar, excusez du peu. Mais, en février dernier, à la surprise générale, Reznor ressuscite NIN et annonce rien moins qu'une tournée mondiale et un nouvel album, « Hesitation Marks », dont la sortie est prévue pour le 2 septembre.
Vu la réputation de ‘killer live act’ établie par Nine Inch Nails, les très nombreux fans rassemblés devant la grande scène manifestent leur impatience. Heureusement, il ne pleut pas et il fait déjà assez sombre, ce qui permettra de mettre en valeur le light show. C'est que Monsieur Reznor ne fait pas les choses à moitié : il a emmené sept énormes écrans LED amovibles, qui sont disposés à l'arrière du podium. Quand retentit l'intro de "Somewhat Damaged" dans un vacarme indescriptible, on découvre une toute nouvelle formation sur les planches. Reznor a recruté le bon vieux compère Robin Finck (guitare), Josh Eustis de Telefon Tel Aviv (basse), Alessandro Cortini (claviers) et Ilan Rubin (batterie). Le choix de cet 'opener' vient à propos : plutôt que d'ouvrir par "Copy of A", comme pour d'autres dates de la tournée, Reznor décide de frapper fort dès le début. Pas de chipotage électro, c'est d'emblée le coup de poing dans la gueule. ‘Too fucked up to care anymore!’, éructe Reznor sous un déluge de guitares saturées. On ne peut être plus clair. NIN est de retour et ça va chier!
Après "The Beginning of the End", le band embraie par un "Terrible Lie" lourd et violent. Reznor a l'air en pleine forme et plus énergique que jamais. Pendant "March of the Pigs", le public se lance dans un pogo d'enfer et quelques intrépides se font porter par la foule. Après "Piggy", le spectacle connait une très courte pause et l'énorme classique "Closer" entame la seconde partie, plus sophistiquée, du concert. C'est maintenant que les meilleurs effets lumineux de haute technicité se déploient sur les écrans LED. L'ambiance se calme de plus en plus et en particulier pour "Me, I'm Not" et surtout "Find My Way", le seul extrait du nouvel opus dans la setlist. On passe même à de l'ambient, lorsqu’est abordé "What If We Could?", un extrait de la bande originale de "The Girl With The Dragon Tatoo", suivi du très beau "The Way Out Is Through". Mais le final explosif de ce passage du double elpee culte "Fragile", marque la fin de la partie paisible et on repart plein pot dès "Wish", qui est une tuerie totale (http://youtu.be/luQWjWEKR5c). Les écrans LED répandent des éclairs de lumière éblouissants et toute la plaine de Saint-Cloud explose littéralement sous les hurlements de Trent Reznor.
Moment très rare, à la fin de cette chanson, il remercie le public et les organisateurs : ‘It's nice to be with cool and civilized people’. On ne sait si la pique indirecte est adressée au public du Pukkelpop en Belgique (les fans d'Eminem avaient gâché le concert de NIN) ou aux organisateurs du festival de Reading (qui ont empêché NIN d'utiliser son propre light show). Ce light show fait d'ailleurs merveille sur "Only". Les images pixelisées suivent Reznor en fonction de ses déplacements sur scène. Une technologie signée Moment Factory. La suite, on la connaît : comme d’hab’, NIN termine ses prestations par les hits absolus que sont "The Hand That Feeds" et "Head Like A Hole" (http://youtu.be/nrdNz_jwbms).
L'ambiance atteint son paroxysme lorsque Reznor demande au public de taper dans les mains et qu'un océan de bras se tend devant lui. Un final impressionnant ! Après quelques minutes, NIN revient pour une interprétation inédite, très belle du chef-d’œuvre "Hurt", soutenue par une magnifique vidéo très 'organique'. On n’entend même pas une mouche voler quand Reznor murmure doucement les paroles, déchirantes... ‘I hurt myself today...’ Revivez ce moment magique ici
Un concert amplement réussi. Un nombre impressionnant de fans dans l’auditoire ont pu communier avec ce groupe hors du commun, que l'on est heureux de revoir comme un vieil ami. Une setlist presque parfaite, un best of imparable, dans lequel manquaient quand même un ou deux nouveaux morceaux ("Copy of A" et "Came Back Haunted"), pour éviter ce petit sentiment de nostalgie. On attend impatiemment l'album et une tournée comme tête d'affiche en 2014…
(Setlist: Somewhat Damaged, The Beginning Of The End, Terrible Lie, 1.000.000, March of the Pigs, Piggy, Closer, Gave Up, Help Me I'm In Hell, Me I'm Not, Find M Way, What If We Could?, The Way Out Is Through, Wish, Only, The Hand That Feeds, Head Like A Hole. Encore: Hurt.)
Après un tel orgasme sonore, nous nous sommes retirés quelque temps dans l'espace VIP pour nous reposer un peu et suivre sur les écrans la prestation de Pascal Arbez, alias Vitalic. Rien de bien particulier à signaler, sinon une succession bien rôdée de hits électro, soutenus par un light show gigantesque, pour le plus grand plaisir des nombreux 'electroheads' qui ont transformé la ‘Cascade’ en énorme nightclub. Au passage, on reconnaît les classiques "La Rock 01", "Terminateur Benelux" et "My Friend Dario". Ils alternent, plus ou moins judicieusement, avec des extraits de la dernière plaque du Dijonnais : "La Mort sur le dancefloor", "No Fun", "Rave Kids Go" et "Stamina".
Sur la grande scène, c'est Phoenix qui a la lourde tâche de succéder à Nine Inch Nails. Bien sûr, la formation versaillaise emmenée par Thomas Mars (le mari de Sophia Coppola) joue ‘à la maison’ et c'est donc devant un public conquis d'avance que se déroule ce concert, dans l'ensemble très réussi. Pour ceux que la voix nasillarde de Bruno Mars dérange, comme votre serviteur, cette expérience sera plus difficile à supporter ; mais les allers-retours entre le site principal et le bar VIP ont eu l'heur d'adoucir l’épreuve. Musicalement, Phoenix pratique une pop assez sophistiquée, combinant rythmiques compressées, guitares vintage, synthés glacés et cadences funk. Les fans se sont régalés à l’écoute de la succession de hits comme "Entertainment", qui évoque beaucoup M83, un autre projet hexagonal d'envergure mondiale, "Lasso", "Lisztomania” ou “Run run run”. Pendant la reprise finale de "Entertainment", Bruno Mars entreprend de surfer sur la foule jusqu'à la régie et de grimper sur l'échafaudage pour remercier ses aficionados. Une cascade qui apparait comme déplacée car Mars n'a ni le charisme ni l'énergie communicatrice d'un Bono! Enfin, à chaque génération ses héros...
Epuisés par cette longue soirée, nous n'avons plus le courage d’accomplir le très long déplacement à pied nécessaire pour assister au concert, très attendu, de Fauve. Il faut dire qu'ils sont programmés sur la petite scène ‘Pression’ à flanc de colline et je n'ose imaginer la cohue qui a dû se presser dans cet espace confiné afin de voir ces petits génies du 'slam' à la française. En plus, la pluie a décidé de faire son apparition et de voler la vedette au ... Blizzard... Une prochaine fois, certainement!
En conclusion, un excellent festival, très bien organisé, que nous recommandons chaudement. Seule ombre au tableau, les files interminables aux bars à houblon, qui ne servaient même pas de bière belge. Une lacune à combler l'année prochaine!
Nine Inch Nails + Phoenix + Vitalic + La Femme + Kid Noize + In The Valley Below
Organisation: Rock-en-Seine
Presse: agence Ephélide
Derrière ce pseudo, peu aisé à prononcer, se cache Andi Otto, éminent chercheur et professeur ès son et nouvelles technologies à Berne mais aussi violoniste, batteur et compositeur de musique électronique. Il est aussi connu pour ses installations sonores et pour avoir mis en musique plusieurs classiques du Cinéma muet ("Metropolis" de Fritz Lang, "Le dernier homme" de Murnau, "La grève" d'Eisenstein).
"Where We Need No Map" constitue le troisième album du citoyen d'Hambourg et le premier où il utilise le Fello, une sorte de violon de son invention qui est raccordé à un processeur et dont les mouvements de l'archet amplifient ou modulent les sons. Pour mieux comprendre, je vous invite à regarder des vidéos de live immortalisées au Japon sur Youtube (voir ici). Jusqu'alors, en effet, Otto ne se servait de son Fello qu'en concert et on avait un peu peur que le disque ne tourne en démonstration de savant fou. Il n'en est rien. On remarque certes une certaine complexité dans quelques compositions, mais les morceaux ne sont jamais hermétiques et le propos est plutôt varié.
En effet, si certaines plages lorgnent vers le néo-classique contemplatif, d'autres se révèlent plus électro-jazz, notamment lorsque se profilent les claviers vintage. On rencontre également des compositions plus influencées par ses séjours au Japon (il a résidé trois mois à Kyoto) et en Inde. Le morceau le plus évident de l'album, "Bangalore Kids", propose une house orientalisante quasiment ‘transique’. A cause de ce sample du chant d'un écolier local et des sonorités électroniques tourbillonnantes. Enfin, on épinglera encore deux plages suavement chantés par Sasha Pereira (du groupe berlinois Jahcoozi) qui pose sa voix sur une électronique abstraite légèrement chaloupée, traversée par l'archet magique d'Andi Otto ("Bullets" et "Dizzy Heights").
Si de prime abord, "Where Need No Map" peut rebuter par son aspect intello, il s'avère un agréable album d'après-midi. Les quelques fulgurances soniques justifiant amplement son écoute.
A première vue, ce tigre de papier mâché semble bien inoffensif.
Son folk rock voudrait parfois montrer patte blanche et laisser percevoir les événements sous un autre angle, mais il n'arrive pas pour autant à réellement décoller.
Oui, quelques sonorités recherchées laissent circonstanciellement transparaître une volonté certaine de se détacher d'une chanson française formatée, mais si les bonnes idées sont présentes, le résultat lui, laisse sur sa fin (faim ?)...
Bienvenues, certaines digressions (comme ces ambiances, par exemple, qui enrobent « Animal ») sont hélas contrebalancées par des travers gauches du genre mielleux (NDR : « A La Bouche », dont l’intonation de voix me fait grincer des crocs) ou de quelques mélodies d'une vilaine banalité (« Ailleurs »).
Clairement, « Polaris » n'est pas pour autant un mauvais album. Il souffre juste d'un trop grand besoin de bien faire et de plaire.
Cependant, si vous avez aimé le duo Bauer -Zazie, vous pourriez y trouver votre compte...
En se servant d’un jeu de dialogues brisés entre instruments et voix, les Nantais de Papier Tigre tracent leur voie sinueuse au cœur du paysage français sans feindre de se retourner. Faut dire, qu’ils émargent au Math Rock.
Énergique en diable et brutal comme une montée de sève dans un conduit cérébral, « Personal Belongings » crève en douceur les tympans communiquant ce plaisir immédiat qu'on ressent à l'écoute de quelques attaques basiques de guitares conjugués à des montées mélodiques branlantes sous les assauts d'une batterie rageuse.
« The Difficult Age » poursuit dans la lignée de cette traînée de poudre, et à intervalles irréguliers, se libère en explosions juvéniles.
Signés sur Sick Room Records et distribué par Africantape, le band devrait voir grossir le rang de ses fans dans les mois à venir.
En attendant, ce seven inches devrait ravir les a(math)eurs du genre.
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