Avant d’incarner la notion de groupe, The Paranoïd Grill est avant tout le projet de Joachim De Stercke. Originaire de Tournai, il n’en est pas à sa première expérience. Dans le passé, il a milité au sein d’un cover band de Nirvana en compagnie duquel il a d’ailleurs bourlingué à travers le plat pays et la France. L’écriture de « Leaves », premier album de The Paranoïd a nécessité deux années de travail. Et notamment afin d’arrondir les angles, à l’aide du producteur Rudy Coclet (Sharko, Arno, An Pierlé,
Paranoïd Grill puise essentiellement ses influences de l’autre côté de l’Atlantique. Si l’opus s’ouvre par deux titres pop rock aux accents psychédéliques, certains titres sont très susceptibles de virer dans l’univers du folk blues, à l’instar de « Drops in a River » ou de « Honest Voices ». Des morceaux au cours desquels la voix d’écorché vif du chanteur, propice aux épanchements de mélancolie, fait merveille. Joachim De Stercke s’y livre totalement. Mais si les mélodies tiennent parfaitement la route, il faut reconnaître que l’intensité des compos s’essouffle progressivement. Probablement à cause de cette voix. Alors qu’en début de parcours, elle constitue un atout, au fil du temps, elle se mue un obstacle. Elle devient même envahissante. N’est pas Jeff Buckley qui
Dommage, car « Leaves » laisse transparaître un fameux potentiel chez Paranoid Grill. Faudra gommer les imperfections lors de la confection du second essai. A suivre donc…
Le 16 septembre prochain, Lebanon Hanover, une des formations les plus en vue pour l’instant sur la scène cold-wave/minimal wave, accordera un concert exclusif à Bruxelles sur la Péniche Fulmar 1913. Elle viendra présenter son nouvel opus, le troisième, intitulé "Tomb For Two", à paraître en septembre chez Fabrika Records.
Composé d'un couple : Larissa Iceglass, originaire de Suisse, au chant, aux guitares et aux synthés et William Maybelline, d'Angleterre, au chant, à la basse et aux synthés, Lebanon Hanover propose une musique froide, dominée par des voix sombres, hantée par une basse lugubre et déchiquetée par des guitares acérées. Une sorte de pop synthétique apocalyptique, qui rappelle Siouxsie & The Banshees, The Cure, Bauhaus voire Xmal Deutschland.
Au cours d'une interview réalisée en avril dernier à Gand lors du REWIND festival, Larissa et William ont confié avoir choisi le patronyme de leur groupe en référence à un endroit sis dans le Vermont, en Amérique du Nord. "C'est un coin très esthétique. Nous ne voulions pas une appellation du style ‘The Something’, donc nous avons opté pour ce nom, car il ne sonnait comme aucun autre". Il reflète également la dualité anglais-allemand qui est le fondement tant du couple que de la formation.
Pour produire leurs disques, le couple adopte une démarche très DIY, Do It Yourself, très ‘minimale’. "Les sentiments sont plus importants que la production", souligne Larissa. "C'est pourquoi j'aime la musique des années 40, 50, 60 et 70. Elle recèle tellement de chaleur. Après 80, ce n'est plus intéressant pour moi. Il y a trop de fréquences aiguës, difficiles à supporter. Mes oreilles sont habituées à la musique ancienne."
On l'a compris, Larissa et William ne sont pas comme les autres. Ils ne recherchent en aucun cas la célébrité. Il m'a d'ailleurs fallu pas mal de temps, et une première tentative (manquée) à Amsterdam avant de les convaincre d’accorder une interview. C'est qu'ils attribuent une importance primordiale à leur authenticité. "Le plus important au sein de notre groupe, c’est d'exprimer notre point de vue par rapport au monde actuel", poursuit Larissa. "Nous sommes plongés au sein d’un monde très rapide et très dangereux. En fait, notre manière de vivre est différente de celles des autres. Nous n'avons pas de job, ce qui nous donne beaucoup de temps pour penser et écrire. C'est bien de prendre le temps de s'arrêter et de profiter de la vie."
Le couple partage son emploi du temps entre l'Allemagne (Bochum) et l'Angleterre (Newcastle). William préfère l'Allemagne à l'Angleterre, car la population est plus tolérante. "A Newcastle, les gens vous insultent parce que vous êtes vêtus de noir. Ils éloignent même les enfants de nous! (rires). Comme si on était satanistes ou quelque chose comme ça. En Allemagne, c'est différent, vous êtes juste un ‘Grufti’ comme tant d'autres..."
Organisation: Mad About Music
Première partie: Luminance (Belgique, new-wave crossover cold)
Adresse:
PENICHE FULMAR 1913
22 Quai des Péniches 1000 BRUSSELS
Tickets:
€8 en prévente (ELEKTROCUTION Record Shop, 37 Rue des Pierres - 1000 Bruxelles) ou 10€ at the doors
Lien: https://www.facebook.com/events/179654118878431/
Károly Gerendai, cofondateur du Sziget, nous confie, une pointe de nostalgie dans la voix, ses ambitions pour la vingtième édition du désormais célèbre festival hongrois : ‘Il y a 20 ans, nous formions un groupe de jeunes enthousiastes ayant envie d’une semaine non-stop de fun, ensemble dans un endroit où tout est possible et rien n’est obligatoire. C’est ainsi que l’île de la Liberté est née, en 1993. Cette année nous aimerions accentuer ces souhaits et libérer l’imagination de nos festivaliers plus que jamais’. Un projet qui marque une intime volonté de se ressourcer dans le passé pour saisir le présent et s’ouvrir à la modernité, de préserver le souffle, si libertaire et dru, des origines et le canaliser vers les Arts contemporains… Un vent d’anarchie qui ne serait pas révolu et suivrait les courants incessants du Danube pour vivifier tous les méandres et embrasser toutes les cultures. Une belle utopie qui se matérialise et à laquelle communient plus de 362 000 festivaliers (szitizens) affluant de 69 pays différents (outre d’Europe, ils nous viennent d’Australie, d’Argentine, d’Aruba, du Bahreïn, d’Ethiopie, de Gambie, d’Inde, du Kenya, du Mali, du Pakistan, de Singapour, d’Afrique du Sud, d’Uruguay…). Cet Island of Freedom, ‘endroit où tout est possible et rien n’est obligatoire’, prend corps sur la magnifique île d’Óbuda, située au centre de Budapest. 78 hectares de pur bonheur où les musiques du monde se croisent et s’entrecroisent, se jettent vers l’estuaire mouvant d’une pléthore d’activités culturelles issues de tous les horizons : arts de la scène (danse, théâtre, cirque…), arts graphiques (peinture, sculpture, photo…), architecture… Une organisation titanesque qui s’articule autour de 50 scènes sur lesquelles vont se dérouler plus de 400 concerts à raison de 12 heures de live quotidien et accueillir 200 spectacles pendant une semaine. Le Sziget n’est pas seulement un événement musical, c’est également un rassemblement d’artistes venus du monde entier. Un voyage culturel unique qui a d’ailleurs été élu Meilleur Grand Festival d’Europe par les prestigieux European Festival Awards, en 2012. Et c’est franchement pas volé !
Un statut légitime que les organisateurs devaient confirmer pour fêter dignement le 20ème anniversaire du plus grand festival ‘open air’ d’Europe. Ainsi, l’édition 2013 s’est parée encore de plusieurs nouveautés inédites et originales et a acquis le statut officiel d’île de la Liberté. Une organisation qui a décidé d’accentuer encore cette notion originelle de liberté tant sur le plan artistique qu’individuel. Le nouveau concept du Sziget 2013 est une redéfinition de ces souhaits originaux : l’île de la Liberté est née, elle devient une république le temps d’une semaine, imposant ses propres règles et arborant son propre drapeau. D’ailleurs, dès son arrivée, chaque visiteur reçoit la copie exacte d’un vrai passeport faisant de lui un authentique ‘Szitizen Of The Island Of Freedom’. Un document précieux comprenant toutes les informations permettant à chaque festivalier de passer un excellent séjour (line up, plan, activités, animations, soirées…) Une fois complété et estampillé au Sziget Immigration Office, on vous remet une Sziget Green Card faisant de vous un membre officiel de l’île de la Liberté (une opération totalement symbolique et facultative). Plus que jamais, cette année, la nouvelle République indépendante constitue une expérience multiculturelle qui met l’accent sur la défense des droits de l’Homme et la justice sociale. Un objectif commun : ‘L’île de la Liberté est une république démocratique sans leader où chaque membre, aborigène ou immigrant, a les mêmes droits et les mêmes devoirs’.
Alors que les discriminations ne cessent de grandir et frappent, chaque jour, de plus en plus fort à nos portes, deux podiums présents sur le site sont à saluer :
La ‘Yenki Raki Roma Tent’ existe depuis 11 ans et reste certainement l’une des scènes les plus festives et les plus conviviales. Lieu incontournable du festival, cet espace pluriculturel fait danser, s’enlacer et suer des dizaines de nationalités différentes sur les plus belles musiques tziganes jusqu’au bout de la nuit. Bras dessus, bras dessous, la foule fait corps et se laisse emporter, comme un seul homme, dans un voyage exceptionnel aux rythmes envoûtants de ce monde magique de la culture gitane venus des quatre coins de l’Europe (Lituanie, France, Bulgarie, Espagne, Roumanie, Pologne, Serbie, Pays-Bas…) Un espace exceptionnel totalement réservé aux musiques tziganes dont le sol ne s’arrête jamais de vibrer et transcende âme et corps. Une expérience et un moment de fraternité uniques. Ici encore, les Szitizens nous confirment que l’événement est plus qu’un festival : un véritable concentré de cultures !
Intolérance zéro ! Alors que l’homophobie fait rage dans de trop nombreux pays du monde, l’espace ‘Magic Mirror’ nous offre sans complexe un bel éventail de la culture gay et lesbienne européenne. Au programme : cabarets, débats, projections de la Berlinale, films du festival international de Berlin, talk-shows thématiques, soirées disco-funky-beat et spectacles de danse jusqu’au petit matin. Le lieu le plus gay et le plus haut en couleurs du Sziget !
Il est évidemment impossible de décrire chaque endroit tant la diversité des activités proposées est importante. Soulignons toutefois quelques dernières initiatives intéressantes comme la présence de nombreuses ONG, le Sziget Civil, traitant de façon ludique et informative des thèmes majeurs tels l’écologie, la santé, la prévention drogue ou SIDA, l’HANDIPARC, parc d’aventure interactif. Un environnement ludique ouvert à tous contribuant à faire évoluer l'attitude sociale des gens à travers des expériences qui font appel à l'odorat, à l'ouïe et au toucher... Et, finalement, le ‘Culture Zone’, un cadre extraordinaire pour la scène polyvalente, la Fête Foraine d’Europe de l'Est, le Quartier des Musées, le Labyrinthe, le Parc de Lecture, les installations ‘Bonjour le Bois’ et le workshop beaux-arts de l'Agora. On rencontre ici du théâtre contemporain, de la danse contemporaine, des projets d'art appliqué, du design, de la musique classique, du jazz de nuit, du slam, du stand-up, des acrobates, des jongleurs, mais aussi des stages de recycling design, des tables rondes, des workshops, des flashmobs, du yoga, du tai-chi, des ateliers de massage… Une zone qui va occuper sans relâche les journées et les nuits des festivaliers hyperactifs.
Parmi les nouveautés majeures, les organisateurs ont également fait la part belle à l’univers magique du cirque, du théâtre et de la lumière, l’un des grands acteurs de cette dernière édition. Sans oublier l’aménagement d’une plage artificielle installée sur les rives du Danube.
Le monde du cirque est l’invité d’honneur de la vingtième édition du Sziget Festival. Onirisme et poésie sont les hôtes quotidiens de la Cirque Sziget, une nouvelle scène spécialement dédiée à la fine fleur des saltimbanques.
Ainsi, on pourra se régaler les sens, en avant-première, sur ‘Recirquel’, la dernière création époustouflante de Vági Bence qui met en scène une troupe exceptionnelle dont les acteurs principaux sont issus du célèbre Cirque du Soleil. Un spectacle à vous couper le souffle qui s’amuse à mixer les atmosphères uniques des théâtres ambulants typiques des représentations de la fin du XIXème siècle à l’aide d’une musique et une mise en scène résolument modernes. Ajoutez-y le talent de la costumière Kasza Emese qui réinvente avec bonheur l’imaginaire rêveur de Tim Burton et le spectateur est emporté pour un long moment de pure poésie en mouvement. Extrait : http://www.youtube.com/watch?v=ExRC7BPeRzk
Outre ces représentations exceptionnelles, le nouvel espace mêle structure hors-normes, haute-voltige, acrobaties et trapèze : https://www.youtube.com/watch?v=ccNFxsd467E
Day 0
Un jour avant l’ouverture officielle du festival, la mécanique infernale du Sziget est finement rôdée pour accueillir les premiers festivaliers. Et quel accueil !
Dès l'entrée du pont-K, et jusqu'à la Main Stage, les visiteurs sont plongés dans le monde fantastique de Lewis Carroll. En immersion totale dans le pays des merveilles du Sziget, ils sont invités à louvoyer entre cirque, acrobaties, théâtre visuel, littérature, concerts acoustiques, musiques du monde, danses folkloriques et poésie avant de rejoindre la Main Stage où les attend leur premier rendez-vous musical. Une première journée spécialement dédiée à la musique hongroise et, principalement, aux deux groupes nationaux cultes : Quimby et Muzsikás.
Après la thématique Carroll, la première performance scénique se déroule sur la Pop-Rock Main Stage et met en exergue les stars du rock alternatif hongrois. Quimby, les Noir Désir locaux (NDR : comparaison reposant sans doute sur la légère ressemblance physique des deux chanteurs), accompagnés d’un combo de cuivres et de deux danseuses à tutu rouge, vont transmettre effectivement une énergie digne d’une fanfare affolée dont, personnellement, je ne possède pas tous les codes.
Par contre, la musique traditionnelle magyare de Muzsikás qui résonne plus tard sur la World Music Main Stage surprend l’ouïe dès les premières notes et vous plonge spontanément dans les contrées d’Europe centrale. Célébrant les 40 ans d’existence du groupe en signe de bienvenue ce concert d’ouverture invite l’âme au voyage et nous oriente, nous aimante vers le cœur même de la Hongrie. En effet, Muzsikás est soutenu par des virtuoses tels Alexander Balanescu au violon ou le groupe Amadinda aux percussions, mais aussi de musiciens et de chanteurs amateurs originaires de petits villages indigènes qui insufflent une authenticité touchante aux mélodies colorées. Soulignons également la générosité du groupe rock américain Wovenhand venu tout droit des Etats-Unis souffler la chansonnette et les 40 bougies de ce groupe légendaire hongrois.
Ce premier bref aperçu est une parfaite indication de ce qui nous attend pendant cinq jours consécutifs. Aussi nous vous donnons d’ores et déjà rendez-vous demain pour l’ouverture officielle du vingtième anniversaire du Sziget qui s’annonce totalement déjanté…
(Voir aussi notre section photos ici)
Pour la seconde journée du Micro festival, nous savons déjà que Holograms a déclaré forfait. La formation suédoise a été remplacée par un band catalan : Mujeres. Du froid du grand nord, on passera donc à la chaleur méditerranéenne. Et de chaleur, il en sera encore question toute la journée…
A peine séchés, la tête encore embuée, nous sommes accueillis dès 15h15, par la pop 60's des Generationals. Les mélodies sont jolies, les voix agréables mais on ne voit pas ce que le live apporte par rapport au récent et très recommandable album « Heza ». On sent le groupe pas encore tout à fait à l'aise sur les planches. Est-ce de la timidité ou juste un cruel manque de charisme ? Seuls les morceaux où les mélodies synthétiques dominent le sujet décollent vraiment (« Put A Light On », « You Got Me »). A revoir quand il aura acquis un peu plus de bouteille.
Arrive alors Frank Shinobi et son math-rock alambiqué, mais non rébarbatif pour autant. Le quatuor s’amuse à conduire les auditeurs, encore parsemés, dans les méandres d’un bruit blanc et sec comme la plaine de l’espace 251 Nord, brûlé par le soleil.
Au menu de cette conduite en état d’ivresse mais sans ébriété ; s’arrêter net sur la bande d’arrêt d’urgence pour un Sirtaki, et flirter avec un moudjahidine de l’Amour.
Héros sans visage et musique au final sans étiquette, le combo liégeois s’affiche comme à l’accoutumée, sans prétention mais en affichant un savoir-faire grandissant.
Présentant au passage quelques nouveautés à découvrir prochainement, les protégés du label Honest House remuent les premiers membres engourdis par ce climat digne du Zoulkistan.
En parlant Zoulk, petit détour au sortir de la tente devant les enceintes du Sound System qui nous abreuvent de doucereux larsens sous la houlette du magnifique DJ Kool Strings, nous rappelant l’importantissime mission qu’il s’est donné sur les ondes de 48 FM.
Avalanche de noise et cascade de delay pour conduire nos sens au mur du son où nous attend le trio Peter Kernel. Son post-punk minimaliste ne va pas faire l'unanimité, mais reconnaissons au groupe helvético-canadien le mérite de chercher l'interaction avec le public, connexion qui manquait un peu jusque-là. L'humour et la gentillesse du couple, qui restera par la suite de longues heures à discuter et boire en compagnie des festivaliers, feront oublier les imperfections techniques.
Soulignons néanmoins le mérite du batteur que nous apercevrons plus tard devant Die ! Die ! Die ! arborant timidement sa main fracturée.
L’après-midi se tasse et nous abreuvons nos canalisations sèches sur une pente diagonale dont la bande-son est assurée par Christophe Showstar, autre crème locale.
Et nous attendons.
De fait, on attendait peut être trop des Berlinois de Camera. Leur album « Radiate » renouant avec la grande tradition du kraut, Neu et Can en tête. Malheureusement, quelques problèmes techniques et l'arrivée impromptue d'un inspecteur du son tatillon vont en décider autrement. L'occasion de constater que nos oreilles martyrisées par des années de concert exigent plus de décibels que les 90 autorisés. Est-ce pour ces raisons que le groupe a paru extrêmement énervé (le batteur quittant la scène pendant plusieurs minutes et le groupe ne daignant même pas saluer à la fin du set) ? Ce qui s’est soldé par un concert en dents de scie émaillé de larges plages ambient - post-rock évoquant plus le label Kranky voire le Tortoise des premiers albums que la trance krautienne. Un goût de trop peu donc. Il faudra attendre le prochain passage du trio allemand pour se faire une idée (il se chuchote que l'on ne devrait pas patienter trop longtemps...)
La soirée prend ses quartiers et les premiers regards embués commencent à scintiller quand la vague déferlante néo-zélandaise débarque avec force et fracas sur l’estrade.
Si l’on excepte un énième problème technique ; en l’occurrence le pédalier d’Andrew Wilson, le charismatique leader, qui vient à faire défaut d’une manière impromptue –quoique brillamment suppléé par ses deux acolytes– le set ne souffrira d’aucun temps mort ! Mort ! Mort !
La tension est palpable et les pogos qui sentaient la cour de récré viennent à prendre une tournure plus menaçante, la faute à une paire de trous-du-cul.
Dans cette effervescence testostéronisée et heureusement canalisée, les morceaux de Die ! Die ! Die ! s’exécutent rageusement et, descendant à plusieurs reprises dans la foule, le chanteur finit d’instaurer une ambiance abrasive mais au demeurant résolument positive.
Une décharge d’ions qui ébranlent nos sens et nous met en appétit pour les Espagnols de Mujeres. Ils assurent la partie festive de l’affiche, mais broutent rapidos les testiculos de la nombre d’entre nous.
Après cinq morceaux qui n’auraient pu n’en être qu’un seul nous laissons les remplaçants d’Hologram (Ô déception !) finir comme ils ont commencé. Au loin, nous entendons une cover du « Run Run Run » du Velvet, ce qui semble une brève embellie dans la brume ibérique et nous apercevons le chanteur surfant sur une vague d’incompréhensible engouement.
Enfin, on ne s'étendra pas trop sur la prestation de The Suicide Of Western Culture. Il est pertinent de terminer un festival par des sonorités électroniques et les compositions sur album du duo catalan, même si elles sombrent parfois dans le pompier, ne sont pas inintéressantes pour peu qu'on aime un tantinet le monde de M83, par exemple. Mais avec la meilleure volonté du monde, il est difficile de défendre le live proposé. Structures de morceaux peu compréhensibles, sonorités de fête foraine et utilisation franchement loupée de la saturation nous poussent vers la sortie. La tente se vide d'ailleurs au fil des morceaux, expulsant par petites grappes des spectateurs aux commentaires plutôt caustiques. Fin décevante pour un festival qui dans son ensemble ne l’a pas été. Et qui déjà profile sa silhouette sur les pavés de deux mille quatorze.
Même heure, même endroit ?
Organisation : JauneOrange.
(Voir aussi notre section photos ici)
Selon le manuel du parfait petit snobinard en jeans noir et cuir laminé (NDR : autrement dit ma bible), je m’apprête donc à pénétrer en terre exotique, un territoire absolument dénué de toute hostilité, où l’autochtone, paré d’un saroual, chaussé de sandales et riche d’une gourde en peau de chèvre, viendra m’accueillir.
Ensemble, nous irons traire les chèvres, adopter l’un ou l’autre enfant du tiers monde, avant d’aller fumer du chanvre dans les allées d’une abbaye au passé foisonnant.
Au détour, nous discuterons malbouffe, société de consommation, et tenterons de freiner l’élan rotatif du consumérisme à outrance.
En passant, nous nous délecterons de saveurs Bio, boirons de la pisse de houblon et discuterons le coup en contemplant quelques charmantes amazones se déhanchant voluptueusement aux sons de fanfares venues du monde entier.
Imagerie fantasmagorique ?
Pas si sûr, tant l’image baba cool et l’esprit altermondialiste colle à ce sympathique festival depuis ses débuts.
Mais si je n’y ai jamais mis les pieds, c’est simplement parce que la programmation ne m’a jamais vraiment passionnée.
Au diable les considérations de tout ordre si ce ne sont celles musicales, car cette année, l’affiche propose bien plus qu’un condensé (qui a dit dansé ?) de World Music.
En route pour une journée au bout du monde !
Bon ! Le petit manuel n’avait pas tort sur la tenue vestimentaire de rigueur ici. 73 degrés à l’ombre, des senteurs de fennec se propagent et pas un souffle de vent. Aussi, je commence à me demander si Floreffe se situe dans la zone chaude intertropicale, lorsqu’un étrange petit être barbu et surmonté de dreadlocks plus hauts que sa taille me propose de m’abreuver en sa compagnie.
Par politesse, j’accepte et l’eau rafraîchissante me fait gagner cinq points de vie.
Je suis donc au mieux de ma forme pour apprécier le set de seize heures tapantes.
Soit les onze (11, comme une équipe de foot !) membres de The Peas Project.
Beaucoup de positif à retenir de ce moment en compagnie d’une des valeurs sûres du syndicat de la bonne humeur.
D’abord l’enthousiasme est communicatif.
Si je reste impassible sous le soleil de plomb (on ne change pas un rebelle farouche de mon espèce avec de l’eau minérale), tous autour de moi semblent trouver matière à danser et faire la fête.
Et c’est vrai que Marc Zinga et sa chanteuse tirent habilement les ficelles.
Bien sûr, le vieux renard que je suis ne tombe pas si facilement dans le panneau.
La connivence entre les musiciens est évidente et leur jeu de scène parfois stéréotypé. On arrête la musique, on stigmatise le public et on repart de plus belle. Une recette éculée mais certes toujours efficace en pays conquis Néanmoins, le savoir-faire est indéniable et force même mon respect.
Les rythmiques tribales secouant « Question Of Death Or Life » (NDR : en fait, je n’ai pas la moindre idée du titre vu que j’ignore la discographie du groupe et suis trop paresseux et/ou débordé pour me renseigner) mettent une partie de mes neurones en fête tandis que les autres préfèrent opter pour la mode veille (NDR : afin d’éviter toute éventuelle surchauffe du système).
Un rappel (à cette heure ci ?) soulève un sourcil étonné (le droit, car le gauche est noyé depuis longtemps).
Quittant le côté cour, je me lance donc à l’attaque de l’ascension du jour qui doit me mener au sommet des jardins de cet endroit que je me dois de qualifier de superbe écrin.
La particularité de ce festival veut donc qu’en chemin, je croise un coiffeur botaniste exerçant ses ciseaux sur de volontaires cobayes qui ne rechignent pas à ressembler à des pots de fleurs, un cinéma niché dans une alcôve de fraîcheur, et quelques militants pour mille et une causes communes comme des fosses.
Une chorale de Noël chantant des psaumes arabes ou encore une tribu africaine martelant furieusement des troncs de séquoia.
Manifestement, c’est super chouette ces activités prévues pour les bobos.
Mais elles manquent cruellement de mascara et de cheveux crêpés ; car l’étranger, ici, c’est moi.
Donc, placé à côté d’un quidam endimanché comme Jack Sparrow pour le mariage de sa tante, je décide de reluquer The Soul Jazz Orchestra.
Le soleil étincelle et ruisselle sur le cuivre des instruments, et c’est comme si les notes s’y baignaient.
Consonances Afro Jazz Funk qui devraient me saouler mais qui au contraire me Soul.
Clin d’œil appuyé à James Brown par ci, petit air de Reggae par là, tout finit par se ressembler ; mais bon, je ne suis un expert du genre.
Je m’allonge alors et écoute la fin de ce sett qui se termine, ami lecteur, si toi tu es connaisseur, par « Mister President », un titre vachement entraînant.
Redescendant le long des remparts, je m’arrête au coin des saveurs ; en fait, un vrai village.
J’échange mes euros contre quelques jetons de monnaie locale et me décide à aller voir le Teuton Patrice qui, comme son nom ne l’indique pas, n’a rien d’un blanc-bec français.
Ce petit gars qui a travaillé notamment en compagnie de Cameron McVey (Massive Attack) présente donc « The Rising Of The Son », son album pressé dernièrement, un disque dont la sortie est prévue pour la fin du mois ; le septième de sa discographie étalée sur quinze années de carrière, excusez du peu.
Un Vibe très Roots mais mâtiné d’un esprit Punk, c’est ce qui pourrait résumer l’univers de Patrice.
Une casquette orange fluo comme couvre-chef et des jambes élastiques qui le mèneront sur les rebords du mur longeant la scène, emmenant dans son sillage quelques paires de jambes elles, plutôt extatiques. Du punch à revendre et des morceaux au Dub canaille, ces quelques recettes assureront le succès de celui qui s’était illustré par la reprise de Nina Simone, « Ain't Got No (I Got Life) ».
La présence sur les planches d’une miniature à son effigie (peut être son fils ; mais j’étais placé un peu loin pour définitivement statuer sur cette hypothèse aventureuse) et quelques passages mid tempo parfaitement placés finiront de fixer mes attentes (fort peu nourries au demeurant, mais largement comblées).
L’heure de la remontée venue (mais pourquoi n’y a-t-il pas de téléphérique ???) et le moment de grâce arrive enfin.
Les corps déchirent la nuit, triomphalement. Les chérubins se pressent dans les cieux pour contempler le spectacle.
C’est que le projet Woodkid a tout sur disque pour faire craindre sur scène une grandiloquence prétentieuse et pompeuse (voire pompière).
Ramené à une formule simple en festival (il ne reste que tambours et trompettes), l’équipage de Yoann Lemoine garde fière allure mais va d’emblée rassurer sur l’envergure de sa musique sans sombrer dans la gaudriole.
Alors que colonnes et troncs d’arbres se marient dans le fond en images projetées (le visuel a une part prépondérante dans l’univers Woodkid, support évident quand on connaît le talent de vidéaste de sa tête pensante), le vent souffle de plus belle sur la plaine, comme pour insuffler une dimension encore plus tragique à la pièce qui se déroule sous nos yeux.
Le navire fend les océans et trouve son rythme de croisière dès le troisième titre, celui qui donne son nom à l’album.
« The Golden Age ». Comme le vestige d’une époque qui aurait été (vague souvenir mélancolique) mais appelée à ne plus jamais être, se rappelle à notre délicieux souvenir.
Un peu cabotin, Yoann nous réserve une vraie-fausse déclaration ensuite, nous livrant « I Love You » avant de ressortir de ses valises « Brooklyn » et de définitivement larguer les amarres.
Bien sûr, le show est rôdé et laisse peu de places aux éventuelles surprises.
La chorégraphie consacrée à « Iron » est un copier-coller sur chaque date de la tournée et on y voit le génial auteur enfourcher comme monture l’un de ses musiciens (rien de sexuel, néanmoins).
Mais ce serait là faire la fine bouche (et la mienne est enflammée par un met thaï un rien épicé).
Scandant son nom sur un air de foot (tiens, c’est pas conforme aux préceptes du hippie campagnard ça, si ?) la foule gagnera deux rappels, dont un « Run Boy Run » au galop enivrant.
La messe est dite, mais une bien belle messe, célébrée dans un cadre monastique lui allant à ravir.
Enfin, fourbu mais pas repu, je dégringole les allées pavées qui finissent d’abîmer mes pauvres chaussures (où ai-je rangé la paire de tongs que Jack Sparrow m’a offertes ?) et finis les quarante-six tickets boissons qu’il me reste en compagnie d’éleveurs de bétail du Larzac ; et nous nous délectons de jus de prune équitable tout en restant attentif au set des Français de Rocky.
Un retour aux années 80, version back to life, mais pas back to reality puisqu’il m’est encore offert de contempler quelques joyeux aborigènes sapés comme pour la Bar Mitzvah d’un boucher cubain sédentaire.
Des influences certes datées mais savamment égrenées qui confèrent un côté House à des compositions plutôt Pop, dans un mélange bien dosé.
Le son vintage des claviers, le groove des guitares et la voix puissante et autoritaire d’une chanteuse aux allures de pygmée (effet semi-trompeur des autres musiciens, eux, placés sur des estrades) assurent une fin de spectacle et de nuit réussies.
Sans compter sur les drôles de poissons de Goldfish dont le DJ Set achèvera les zozos du coin, alors que votre serviteur quitte ce lieu exotique, un collier de fleurs de jasmins sur la tête et du tabac créole dans la pipe.
Organisation : Esperanzah.
(Voir aussi notre section photos ici)
Pour sa quatrième édition, le Micro Festival proposait une affiche particulièrement alléchante, malgré le désistement de dernière minute des Suédois d'Holograms, remplacés au pied levé par Mujeres. Et en dépit de quelques problèmes techniques, de sets pour la plupart un peu trop courts et d'un désastreux bouquet final, on a beaucoup apprécié ce festival à taille humaine, réputé pour son atmosphère familiale et décontractée.
Les hostilités s’ouvrent, alors qu'une chaleur accablante a transformé le Belge moyen en forme molle, rouge et suintante. Pas la température idéale pour s'exciter sur du rock. La majorité de barbus présents se demandent si c'était vraiment une bonne idée de suivre cette mode en été. Les premiers festivaliers rampent donc jusqu'au podium où malgré une première coupure de courant, Scrap Dealers fait son job en balançant son garage-rock à la Ty Segall. Rien de très original mais efficace et bien en place.
Prix de la patience à Shannon & The Clams qui après deux interruptions attendra une grosse heure que les organisateurs trouvent une solution aux problèmes d'électricité avant de reprendre son set en manifestant la même bonne humeur et la même énergie. L'imposante Shannon Shaw fait le show. Elle donne de sa personne mais la chaleur est définitivement trop accablante pour se remuer et la longue pause a un peu tétanisé l'assistance. La pop sixties aux relents garage de ces citoyens de San Francisco fait donc moyennement recette.
Metz est bien plus attendu par le public. La tente se remplit et l'atmosphère est suffocante. Alex Edkins, chemise roulée au dessus des biceps et tronche de nerd, hurle tant et plus, monte sur la batterie, dégouline de sueur et donne des grands coups de gratte rageurs. Un pogo se constitue. Il sent la testostérone. Le trio cherche avant tout l'efficacité et les quelques mélodies post-punk sont noyées sous une déferlante rageuse hardcore.
Les oreilles décapées, nous sommes prêts à accueillir Moon Duo. Ce sera un des grands moments du festival. Le concert démarre telle une séance d'hypnose qui contraste évidemment avec le shoot d'énergie que Metz vient de nous asséner. La voix chamanique de Ripley Jonhson suscitant fatalement plus la transe et la rêverie que le quasi screamo d’Edkins ; un climat sonore entretenu par une batterie kraut métronomique et ses tambourins très Spacemen 3. Mais progressivement, le groove de la basse du moog de Sanae Yamada nous rappelle que le plaisir n'est pas que mental. « Circles » et « I Been Gone » nous entraînent dans le space boogie qui a fait la réputation de ces cow-boys lunaires. La foule commence à dodeliner. Pas pour longtemps malheureusement. La formation, vu le retard accumulé en début de festival et la peur du gendarme, doit cesser après une petite quarantaine de minutes. Frustration du public, frustration des musiciens habitués à des shows bien plus longs. Mais à quoi bon râler ? On a passé un bon moment, les commentaires autour de nous sont élogieux et il est de toute façon grand temps de prendre une douche (NDR : on vous a dit qu'il faisait chaud ?)
Organisation : Jaune Orange
(Voir aussi notre section photos ici)
A la l’instar du légendaire Bo Diddley, Omar Kent Dykes est né à McComb, dans le Mississippi. Agé de 67 ans, il s’est établi, depuis fort longtemps à Austin, au Texas, où il a réalisé l'essentiel de son parcours. Il y a d’ailleurs fondé son groupe, Omar & the Howlers, en 1973. Une période au cours de laquelle il a publié toute une série de superbes albums. L'an dernier, il a célébré ses 50 ans de carrière. Ses dernières réalisations se sont toutes avérées d’excellente facture. Tant "On the Jimmy Reed Highway", publié en 2007, pour lequel il était associé à un autre excellent gratteur issu d'Austin, Jimmy Vaughan, que "Big town playboy", en 2009. L’année 2012 sera même particulièrement prolifique. Il grave ainsi "I'm gone" et "Too much is not enough ainsi qu’un autre tribut à la mémoire de son ami disparu, l'harmoniciste Gary Primich, "Just a little more". Sans oublier son best of, "Essential collection".
Il est donc de retour. Et de nouveau pour rendre hommage à son idole de toujours, Howlin' Wolf. Il mesurait près de 2m et pesait 300 livres, environ 135kg! Décédé en 1976, il n'avait que 65 ans. 14 des 15 plages de ce "Runnin’ with the wolf", sont issues du répertoire de Big Foot (NDR : c’était un des sobriquets de Chester Burnett) ou de Willie Dixon, le plus grand compositeur du Chicago blues. Les versions originales étaient parues en 45tours, entre 1951 et 1965.
Omar s'échauffe sur le titre maître de l’opus. Il aligne des jeux de mots d’une voix féroce, empruntée au Vieux Loup. Le Texan Ted Roddy s’y réserve l'harmonica. L’adaptation de "Killin' floor" est primitive et explosive. Elle est attaquée sous la forme du trio. Soit en compagnie de Ronnie James et du vétéran d'Austin, Mike Buck (ex-Fabulous Thunderbirds, Leroi Brothers). L’exercice de style vocal est remarquable et le grattage de cordes corrosif. Les Rolling Stones ont décroché un numéro 1 dans les charts, grâce à leur adaptation de "Little Red Rooster". Un classique du blues lent qu’Omar vit intensément. Sa six cordes pousse même les cris du coq! Autre blues lent, le véritablement fumant "Tell me what I've done". Omar se concentre sur le chant pour "Howlin' for my baby". A l’origine, ce morceau avait été baptisé "The wolf is at your door" et il était sorti en 1952. La cover est imprimée sur un tempo familier à Wolf. Eve Monsees (Mme Mike Buck dans la vie) s’y révèle très compétente à la gratte. Dykes se révèle plus Wolf que nature sur l’inévitable "Spoonful", une piste au rythme soutenu. Plus confidentiel, "Ooh baby, hold me" est un morceau curieux. Les interventions de gratte sont trafiquées, et le saxophone n’est pas crédité. "Riding in the moonlight" est attaqué sous le format trio, comme un shuffle à la texane. Bruce Jones et Wes Starr (autrefois membres des Howlers) sont de la partie. Une excellente version, livrée à l’état brut. "Riding in the moonlight" est certainement une de mes compos favorites de Burnett. Le rythme est syncopé et exotique. Buck, Monsees, Nick Connolly à l'orgue, et deux saxophones dont celui de Kaz Kazanoff, participent aux débats. Un line up qu’on retrouve sur "Do the do". L’ex-Leroi Brothers Casper Rawls est venu donner un coup de guitare à la version passionnante du "Back door man". Et le tandem embraie sur le très rock'n'roll "Worried all the time", une piste au cours de laquelle, les acteurs prennent leur pied. "Smokestack lightning" est un blues caractérisé par un riff hypnotique, maintes fois repris par des blues bands issus des sixties. Derek O'Brien se réserve les cordes et Ted Roddy l'harmonica, sur cette reprise très réussie. Autre shuffle à la texane, "I'm leavin' you" casse littéralement a baraque. Enfin pour notre plus grand plaisir, Omar termine cet opus par "Wang Dang doodle", une compo imprimée sur le rythme du boogie. Excellent!
Le west coast est manifestement un des courants du blues contemporain les plus populaires. Il nous vient de la Californie, et tout particulièrement de Los Angeles, une mégalopole qui a enfanté successivement Hollywood Fats, Rod Piazza et ses Mighty Flyers, William Clarke ainsi que James Harman, pour ne retenir que les plus illustres ! Et c'est à Long Beach qu’est apparu The Mighty Mojo Prophets. La naissance remonte à 1997. A l’origine, le line up se résumait à un duo ; c’est-à-dire le chanteur Tom 'Big Son’ Eliff et le guitariste Mitch 'Da Swith' Dee. Leur premier elpee est paru en 2011, chez Rip Cat. Il est éponyme et est particulièrement bien reçu puisqu'il est nominé pour les Blues Music Awards de Memphis. Ce qui leur permet d’attirer l’attention du gourou local, Randy Chortkoff qui les signe sur son label, Delta Groove.
Tom et Mitch ont écrit treize chansons de l’opus. Lors des sessions d’enregistrement, qui se sont déroulées au studio The Compound, ils ont reçu le concours d’une solide section rythmique, en l’occurrence le drummer Alex Schwartz et le bassiste Dave Deforest. Mais également de quelques invités.
"Sweetness" ouvre le feu. Une 'killer' song imprimée sur un bon rythme. La voix de Tom est excellente. Elle est talonnée par l'harmonica d'Alex 'Lil' A' Woodson qui souffle dans les aigus. Mitch Dee en profite pour opérer une première sortie brillante sur ses cordes. Ce dernier prend les commandes sur "The gambler" en insufflant un ton jazz clair et concis, alors que Tom chante d’une voix qui me fait énormément penser à celle du vieux John Mayall. Une piste au cours de laquelle Mike Malone se réserve l’orgue, dans un style proche de Jimmy Smith et qui s’achève par un riff cher à Magic Sam. "Lucky man" trace un axe musical entre Chicago et LA, une direction chère à Lester Butler voire Rod Piazza ; et c’est San Pedro Slim qui souffle souverainement. L’elpee est éclectique. "I can't believe" nous transporte à Memphis et embrasse le R&B local, une piste qui met en exergue le sax ténor de Mark Sample, la trompette de Johnny Vet et l'orgue de Malone. Direction Chicago à l’aide du riff institué par Elmore James pour "The 45". Woodson est à l'harmo, Dee à la slide et Malone aux ivoires. Rien que du bonheur! Le circuit transite alors par le west coast jump, et notamment sur "California" ; en fait un remake chargé de swing du "Caledonia" de Louis Jordan préparé à la sauce ‘angelinos’. Chicago southside, "Remember me" bénéficie de la participation bienveillante de Muddy Waters. Woodson, Dee et Malone sont au sommet de leur art, et le résultat est superbe. Remuant et nerveux, "One for me" trempe dans le pur rock'n'roll. "Strong medecine" emprunte le rythme cher à Bo Diddley ; et pour la dernière fois, Lil' A Woodson embrase son harmonica. Plage acoustique "She's gone" adresse un clin d'œil au Delta du Mississippi, tout en lorgnant vers le rockabilly. L'orgue de Malone est hanté par Booker T sur "Street corner preacher", une plage qui prend congé de Memphis. Superbe, cet opus s’achève par "Whatchulookinfor", un titre proche des racines et dont la mélodie semble inspirée par le classique "Key to the highway"…
Agé de 37 ans, Lightnin' Guy Verlinde est probablement devenu le bluesman belge le plus populaire. Il partage son temps entre l'aventure solitaire en acoustique et ses occupations en groupe. Et son agenda en est le plus beau témoignage. Il se produira ainsi huit fois en compagnie des Mighty Gators et cinq fois en one man band, de la mi-juillet à la fin août! Et ajoutons qu'il n'a pas abandonné ses autres projets. Dont les hommages qu’il rend à Hound Dog Taylor, sous la formule trio et son ‘Blues in schools’, un programme d'éducation musicale, qu’il accomplit en duo ou trio. Son dernier opus remonte à février 2013. Concocté en solo, il s’intitule "Blood for Kali" et est paru chez Blue Sting. Et en 2012, il avait gravé "Lightnin' Guy plays Hound Dog Taylor Live" pour Dixiefrog. Afin d’enregistrer "Inhale my world", il a reçu le concours de ses Mighty Gators ainsi que de quelques invités, dont différents cuivres ; mais cet elpee nous entraîne surtout à la découverte de Guy, comme compositeur et roots singer.
Superbe titre, "Mr Maxwell street" est imprimé sur un rythme nonchalant. La voix est bien posée. La slide s’intègre parfaitement à l’ensemble et notamment aux cordes électriques de Little Chris Van Nauw (Howlin' Bill) et Tom Beardslee. Impressionnant ! Mélodieuse, soucieuse de l’esthétique, "Inhale my world" est une plage très roots qui bénéficie à nouveau de la collaboration de guitaristes ; en l’occurrence celles de Chris Van Nauw et Thomas Vanelslander (K's Choice, Gorki). Le climat de l’elpee est particulièrement serein. Plus folk, "Cages paradise" évolue paresseusement. L'orgue Hammond de Patrick Cuyvers occupe bien l'avant-plan. Le feeling des cordes est irrésistible. Et ce sont les interventions limpides et lumineuses des guitares, soulignant les vocaux éclairés, qui façonnent la beauté des compositions. "Start to dance" en est certainement une des plus belles illustrations. Le premier changement de tempo est réservé à "Powered by the blues", un blues particulièrement funkysant. Enrichie de cuivres, cette plage dansante est ponctuée par une sortie saisissante de la slide. Ballade R&B spécialement lente, "Here I am baby" est forgée dans le style Stax. Passionnée et intense, la voix affronte orgue et cuivres. Caractérisées par les sonorités élimées de la résonator, "Four hands" opère un retour dans l’americana. Superbe ! Et celles de "So much love inside" libèrent une énorme dose de sensibilité. Guy est rejoint par les voix de Patrick Cuyvers et Ibernice McBean tout au long de la très jolie chanson "Silent violence", une plage dont les lyrics sont empreints de gravité et de désespoir. Splendide ! "Breakin' out" autorise un duel entre la guitare weissenborn acoustique aux accords subtils de Guy et les cordes largement amplifiées de Thomas Vanelslander, au sein d’un univers étrange, tapissé de chœurs féroces et audacieux. Lightnin' Guy nous rappelle qu'il n'a pas oublié le blues et achève l'opus, armé de sa guitare résonator, sur un "St. Raphaël blues" empreint d’émotion.
Cette Californienne est très populaire en Europe et tout particulièrement en Belgique où elle s'est régulièrement produite. Chanteuse de blues, elle est également une activiste féministe. Au cours des dernières années, elle a rencontré de solides problèmes de santé et a été opérée, semble-t-il, avec succès d’un cancer du pancréas, en 2012. Elle est aujourd’hui âgée de 47 ans. Suite à cette intervention chirurgicale, elle a perdu énormément de poids. Faut dire qu’autrefois, elle affichait des formes très généreuses. Et cette métamorphose physique lui sied plutôt bien. Elle a toujours cherché à se produire en compagnie d’instrumentistes talentueux. A ses débuts, elle a ainsi pu compter sur le concours de la pianiste Polly Palmer. Une concitoyenne, puisqu’elles sont toutes deux originaires de San Diego. Elle a d’ailleurs participé aux sessions de cet opus. Et depuis quelques années, elle est soutenue par la jeune guitariste Laura Chavez.
Cet opus est judicieusement baptisé "Coming out swingin'". L’elpee s’ouvre par le titre maître, du pur jump à la sauce rétro swing. Et le "Rock me to sleep" de Benny Carter embraie dans le même style. Entraînant et nerveux, "I'm the reason why you drink" trempe dans l’authentique blues rock west coast. Les interventions des musicos sont excellentes. Tant l’harmonica de Billy Watson que la guitare de Laura. Celle-ci a bien assimilé la technique de ses maîtres, dont Jr Watson et Kid Ramos. Magique ! Orgue et cuivres dominent "When tomorrow comes", un R&B dansant. Du northern soul ! Au micro, Candye ne se débrouille pas trop mal, même si parfois on a l’impression quelle force sa voix. Encore un titre dansant : "Rise up!" Miss Chavez est intenable tout au long de ce Memphis R&B limpide. Dommage ce chant affecté. Blues lent, "Invisible woman" est caractérisé par une superbe sortie de Lara, digne des meilleurs contemporains du style. Parfait ! "You ain't all that" effectue un retour au west coast jump. Imprimé sur le rythme du cheval au galop, "I wanted to walk" est un morceau que j’apprécie tout particulièrement. Nous sommes transportés sur les pistes du Far West. Subtilement réverbérée, la guitare adopte des accents surf. La présence d’un harmonica accentue cette empreinte filmique. "Darling baby" est issu de la plume du trio magique de la Tamla Motown, Holland–Dozier–Holland. Un blues passionné évoluant sur un tempo indolent, au cours duquel le saxophone baryton de Johnny Viau crache littéralement des flammes. Plus surprenant, "Barbed wire mouth" suinte de roadhouse blues texan. Laura emprunte rigoureusement ses riffs à Jimmie Vaughan, alors que Candye opte pour un timbre de fillette un peu fausset. Ballade R&B lente, "What can love do" est une composition écrite par le brillant souffleur Rick Estrin. Lady Kane chante impeccablement cette plage dont le style Memphis est bien rappelé par les interventions d’orgue Hammond. Nouveau changement de répertoire, puisqu’"Au Revoir y'all" nous entraîne vers la Nouvelle Orléans. Les mots sont exprimés dans un assemblage de français et d’anglais. Sue Palmer brille aux ivoires. Percussions et cuivres tapissent, en arrière-plan, le décor sonore. Et Candye ne pouvait clore les débats, sans revenir au jump boogie. Elle a donc choisi pour cette finale, le "Marijuana boogie" du regretté Chicano, Lalo Guerrero. La cover est interprétée dans la langue de Cervantès. La guitare est prise d’accès de folie alors que le piano de Sue Palmer entre en effervescence.
Agée de 37 printemps, Dana est plutôt jolie. Chanteuse, compositrice et actrice, elle est originaire du New Jersey mais a toujours vécu en Floride. Son premier album, "Lonely for a lifetime", remonte déjà à dix ans. Elle a également publié "Live in NYC" en 2008 et "Love to beg" en 2011. Son guitariste, Jon Diamond, elle le côtoie depuis l’époque où elle galérait à New York City. Depuis, ils ne sont plus quittés. Ils ont écrit les douze plages de cet elpee.
Le titre maître ouvre l’opus. Un blues au un riff très caractéristique. La voix semble lasse, rocailleuse, proche de feu Janis Joplin. La gratte crache le feu. L’intro de "How did things get this way" évoque les Stones ou plutôt les Faces, lorsque Ronnie Wood sévissait comme guitariste. Dana assure le rôle de Rod Stewart. L'orgue de Glenn Patscha s'intègre bien dans le rythme. Et le refrain est contagieux. "Handful too many" s’ébroue dans le country blues, avant d’adopter un profil plus élaboré et plus exactement en virant vers le boogie rock bien ciselé par les chœurs et l'orgue, empruntant au passage les accents familiers au "Wang dang doodle" de Willie Dixon. Ballade pétillante, rythmée, "Livin' on sunday" est découpée dans les cordes de guitare acoustiques. La voix de Dana est puissante. Les arrangements vocaux se convertissent élégamment au gospel alors que l'orgue de Patscha semble guetter sa proie. Mrs Fuchs chante distinctement et d’un timbre terriblement expressif "So hard to move", une plage bluesy, indolente, caractérisée par une fort jolie mélodie. Sculpté dans le country rock, "Daddy's little girl" est parcouru de guitares rythmiques chaleureuses et raffiné par des accents pop réminiscents de Tom Petty. Nonobstant ses effluves country, "Rodents in the Attic" trempe davantage dans le rock. Colportant une certaine férocité naturelle, la voix accroche instantanément. Elle fait même merveille. La section rythmique imprime parfaitement le mouvement du galop, alors que la guitare de Diamond emprunte une sonorité très ‘morriconesque’. Le début de "Baby loves the life" (NDR : une ballade ?) nous renvoie de nouveau aux Stones, mais à l’époque de "Gimme shelter", avant que les cordes de Jon ne commencent à déraper puis de carrément déjanter ; si bien qu’on se retrouve dans un univers digne de Neil Young. Et c'est superbe! "Nothin' on my mind" baigne dans la country. Il y a du piano, des cordes de gratte acoustiques et électriques, mais ces dernières adoptent les sonorités de la steel guitar. Une plage limpide, mélodieuse que chante à la perfection, Lady Fuchs. La batterie de Shawn Pelton impose un tempo rock, légèrement funky à "Keep on walkin", une piste fiévreuse au cours de laquelle Diamond frétille comme un poisson dans l'eau. Tapissé par l’orgue Hammond et balayé par la guitare sublime de Jon, "Vagadond wind" est une plage dylanesque que Dana chante avec classe, passion et persuasion. Un des sommets de l’album ! Voyage psychédélique, "Long long game" clôt l’elpee. Tout au long de ce morceau, Dana est suivie à la trace par les tonalités acides de la guitare, un peu comme à l’époque du Paisley Underground. Excellent !
Le Ruff Kutt Blues Band est davantage un projet qu’un groupe. Il s’agit surtout d’un collectif de musicos notoires qui rejoignent ponctuellement le remarquable guitariste de blues, Anson Funderburgh. Le Texan se charge également des arrangements et de la production. En 2011, il avait publié "Mill Block blues", un album aujourd'hui épuisé. Anson remet le couvert cette année, et partiellement, pour aider financièrement son ami Finis Tasby, qui traverse de solides ennuis de santé.
Le line up de base réunit donc le chanteur Finis Tasby, le guitariste Anson Funderburgh et le gratteur/chanteur Zac Harmon (NDR : il est issu de Jackson, dans le Mississippi). Sans oublier le bassiste James Goode. C’est également ce dernier qui se charge de la composition. Il a milité chez les Excels, un groupe de rockabilly.
Empreinte d’émotion, la guitare d'Anson ouvre l’elpee. La voix du vieux Finis est chargée de passion. Ron Jones se réserve le saxophone, sur "Deep elam blues", un blues lent tout bonnement remarquable. Anson est au top de sa forme. Il me rappelle le BB King des jeunes années ou le brillant Mike Bloomfield. "Blues in my blood" est un titre lourd de signification. Car c’est bien le blues qui coule dans les veines de Finis. Le feeling est à son paroxysme. Les cordes fument de toutes parts. Pas de changement de tempo pour "Don't it make you cry", même s’il s’agit d’un R&B tapissé par l'orgue Hammond au cours duquel le saxophone est bien mis en exergue, alors que Zac et Steven Richardson assurent les chœurs. Le rythme s'élève pour "Oh Woman! " ; et c'est au tour de Zac Harmon d'assurer le chant de son timbre naturellement soul. Finis est au micro pour "Down so low", un blues illuminé par les cordes de Funderburgh, ainsi que pour "Barefoot blues", une plage qui commence lentement avant d’accélérer le tempo, dès l’arrivée de John Street aux ivoires. Zac se réserve les vocaux sur les six pistes suivantes. Soit "Blues ain't a colour, un superbe blues imprimé sur un mid tempo, mais par la section rythmique constituée du bassiste Goode et du drummer Wes Starr (ex-Omar & the Howlers). Ce qui permet à Zac de décoller à la six cordes. "That's when the blues begins" ensuite. On nage alors dans la soul la plus pure. Même les voix émargent à ce courant. "That woman gives me fever" encore. Une piste funkysante. Starr en assure le diddley beat. "I'm over you woman" toujours. Un excellent Memphis blues, rehaussé par la présence d’un orgue et du saxophone, au cours duquel la gratte emprunte ses accents à Albert King. Et enfin "Touched by her flame", une ballade soul à la ligne mélodique soignée. Finis revient chanter "Let's dance". Sa voix est invariablement saturée d'émotion, alors qu’Anson excelle aux cordes. Et en finale de ce superbe long playing, Zac assure à nouveau les parties vocales pour "When a blues goes to heaven", une compo qui adopte le rythme cher au regretté Jimmy Reed. Et qui donc rencontre-t-on au paradis ? Et bien Robert Johnson, Jimmy Reed, Sam Myers, Freddie et Albert King et même, Albert Collins…
RNDM (lisez Random) est un projet imaginé autour d'un verre, il y a plusieurs années, par Jeff Ament, le bassiste de Pearl Jam, Joseph Arthur et Richard Stuverud, un batteur qui a usé ses baguettes dans quantité de groupes issus de Seattle. "Acts" concrétise ce désir de collaboration et les trois hommes ne se quittent décidément plus puisque Stuverud et Arthur avaient déjà participé à l'enregistrement de l’album solo d’Ament, "While My Heart Beats", quelques mois auparavant. Comme les compositions sont généralement articulées autour de la basse d'Ament, il n’est pas étonnant de retrouver plusieurs morceaux évoquant Pearl Jam ; et la production du fidèle Brett Eliason ne pouvait évidemment qu'y contribuer. Mais à l'exception du morceau titulaire, "Modern Times", qui aurait pu se retrouver sur n'importe quel album de l'époque dorée du grunge et deux courtes plages plus rock ("Look Out", "Throw You To The Pack"), le propos n'est pas très électrisé. L’elpee privilégie les ballades rock de facture assez classique ("What You Can't Rock") ou la pop rock nineties ("The Disappearing Ones" et "Hollow Girl" sont sans doute les morceaux les plus réussis). Le but ici n'est certainement pas l'originalité. "Acts", qui se révèle au fil des écoutes, plaira certainement aux fans assagis de Pearl Jam et de Joseph Arthur mais n'élargira probablement pas le cercle des fidèles.
Comme pour souligner le fossé qui sépare le Nord et le Sud du pays en matière d’investissement consacré aux Arts et à la Culture, Anvers accueillait à nouveau, ce samedi soir, dans le (magnifique) cadre du domaine provincial de Rivierenhof, les Tindersticks, alors qu’en fin de nuit, j’assistais aux funérailles du Fiacre, un des derniers endroits dédié à ces disciplines, dans le centre de Liège, disloqué par les mâchoires stupides du pouvoir en place.
Sans revenir sur ce débat, je constate tout simplement, en m’asseyant dans les travers de ce petit amphithéâtre, que tout est prévu pour nous permettre d’assister, dans les meilleures conditions possibles, à quelques concerts de très, très bonne facture.
Même les orages retiendront leur souffle jusqu’à la note finale d’un spectacle majestueux, comme c’est souvent le cas pour ce groupe fêtant bientôt ses vingt et un ans de bouteille et nos vingt années d’ivresse, depuis la sortie de leur premier opus éponyme.
« If You’re Looking For A Way Out » entame donc le set, sous la moustache frémissante de Stuart Staples, enchanté de se retrouver à nouveau dans ce cadre seyant si bien à son groupe.
Tout semble être en harmonie avec la musique ce soir.
Le ciel, chargé mais tout en retenue, l’air, les arbres qui surplombent la scène, et le public, attentif et respectueux.
La formation ne s’y trompe pas et marque son plaisir dans chaque intonation.
Avant de s’atteler à des représentations spéciales marquant les 20 ans de la sortie de « Tindersticks », et qui passeront le mardi 22 octobre au Cirque Royal dans le cadre de l’‘Across Six Leap Years Anniversary Tour 2013’, le band revient principalement sur les titres de son dernier opus en date, « The Something Rain ».
Oui, une pluie, qui jusqu’au bout, se contiendra dans les lourds nuages menaçants au-dessus de nous.
Un premier rappel ponctué du frissonnant « Tiny Tears », un second entamé par un « If She’s Torn » dédié aux nombreuses femmes enceintes de l’assistance (cette chanson a été écrite en pleine grossesse de l’épouse de Stuart) et un « Goodbye Joe, éclairé par les flashes de plus en plus nombreux des anges au firmament.
Enfin, le déluge pouvait s’abattre, ainsi que nous tentions de rejoindre nos véhicules.
Qu’importe ! Bientôt, les Tindersticks seront de retour.
Tindersticks
(Organisation : Openlucht Theater Rivierenhof)
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