Sterling Koch est un excellent joueur de ‘lap steel’ guitare, une guitare posée sur un support horizontal que l’on frotte à l’aide d’une barre en acier. Comme c’est un adepte du Chicago blues, il fait sonner sa lap steel comme une guitare slide. Une technique qu’il utilise lors de l’enregistrement de ses disques. Et tout particulièrement sur ses quatre derniers elpees. En l’occurrence, " Steel guitar blues", "Steelin' home", "How I spent my summer vacation" et "The slide ruler", en compagnie de Tommy Shannon à la basse (ex Double Trouble) et Chet McCracken (Doobie Brothers) à la batterie. Les spécialistes qui se servent de cet instrument l’apprécient beaucoup. Que ce soit Darick Campbell (des Campbell Brothers) ou Freddie Roulette.
Ce "Let it slide" a été réalisé sous un format trio. Koch est donc ici soutenu par le bassiste Gene Babula et le drummer John Goba. L’opus s’ouvre par le "Shape I'm in" de Marc Benno et des Doyle Bramhall, père et fils, tout d’abord sous une version paisible et acoustique d’un peu moins d’une minute, avant de glisser vers un boogie amplifié. Et la nouvelle mouture est excellente. L’artiste maîtrise parfaitement son instrument. Très rock, le style me rappelle même George Thorogood et ses Destroyers, au sommet de leur art! Koch conserve un tempo remuant pour attaquer "Wrong side of the blues", un blues au cours duquel on prend un plaisir évident à l’écouter décoller sur sa lap steel au son si métallique. Il n’est donc pas surprenant qu’il ose défier un monument du style, en l’occurrence le "Mercury Blues" de KC Douglas. Imprimée sur un mid tempo, la cover est superbe. Sa steel gémit saigne, bref elle est merveilleuse… Il nous réserve deux plages composées en compagnie de Miss Freida Gantt. Tout d’abord "Blow my mind". En torturant ses cordes, dans le style de Chicago, il y injecte une intensité dramatique. Et enfin, en finale, "Working man's blues" une piste qui rocke et boogie. Il devient plus Elmore James que nature sur l’indolent "It hurts me too". Du travail de maître! Et il nous plonge dans un texas rockin’blues digne de ZZ Top sur le "Too sorry" de Doyle Bramhall. Rick Vito a milité chez le Fleetwood Mac, une formation qui, au cours des premières années d’existence, privilégiait la guitare slide. Il reprend son "My baby's hot". Rien n'est à jeter sur ce long playing. Une véritable leçon d'efficacité dans la simplicité. Excellent!
Parmi les jeunes chanteurs/guitaristes de blues/rock, Joe Bonamassa est probablement celui qui a rencontré et rencontre encore le plus de succès. Et il commence à prendre de la bouteille, puisqu’il affiche désormais 36 balais. Il avait à peine 12 ans, lorsqu’il tape dans l’oreille de la légende BB King. Son emploi du temps est particulièrement chargé. Ainsi, l’an dernier, il avait participé à trois projets différents. Il avait ainsi gravé son 13ème elpee, "Driving towards the daylight", un disque pour lequel il avait reçu le concours du gratteur d'Aerosmith, Brad Whitford. Publié deux Dvd. En ‘live’. Tout d’abord "Beacon Theatre : Live from New York", au cours duquel il avait bénéficié de la participation de quelques invités de marque, dont Paul Rodgers, John Hiatt et Beth Hart. Ensuite "Live from the Royal Albert Hall", en compagnie d'Eric Clapton. En mars 2013, il a encore commis un opus enregistré en public, "An acoustic evening at the Vienna Opera House". Sans oublier sa coopération au Black Country Communion, auprès de Glen Hughes et Jason Bonham, une expérience qui semble avoir pris fin.
Chanteuse, Miss Beth Hart est âgée de 41 ans. A 27 ans, elle avait assuré le rôle de Janis Joplin, dans une comédie musicale. Elle a longtemps dû affronter ses démons et traversé de nombreuses dépressions. Mais c’est Joe Bonamassa qui l'a remise sur le droit chemin. Elle a ainsi participé à la confection du long playing de Buddy Guy, "Rhythm & blues", en 2012. Et puis Beth et Joe avaient déjà réalisé un LP en duo, "Don't explain", en 2011.
C’est le "Them there eyes" de Billie Holiday qui ouvre la plaque. Tout au long de ce R&B largement cuivré, Beth révèle la puissance naturelle du timbre de sa voix. Caractérisé par la présence discrète de cuivres, "Close to my fire" trempe dans le blues. Joe assure son rôle de soliste en conjuguant autorité et sensibilité. La version du "Nutbush City limits" d'Ike Turner ne manque pas de panache. Miss Hart démontre qu’elle est capable de reprendre le rôle de Tina Turner, générant une excitation digne de la grande dame. "I love you more than you'll ever know" est imprimé sur un tempo lent. La tessiture vocale de Beth est remarquable. Malheureusement, cette compo est surchargée de cordes. Joe se réserve la slide sur "Can 't let go", une plage au rythme plus rock'n'roll. L’accordéon communique une atmosphère très roots et radieuse. C’est dans ce style que la voix de Beth prend toute sa dimension, oscillant entre douceur et tourmente. Et manifestement, elle a du tempérament à revendre. Le rythme est toujours bien présent pour "Miss Lady". L’orgue Hammond s’infiltre dans la solution sonore dominée par les cuivres. Ballade folk roots, "I tell you I love you" ne manque pas de charme ; une chanson issue de la plume de Melody Gardot, une auteure-compositrice issue de Philadelphie. L’accordéon colore joliment ce morceau fluctuant entre bossa nova et valse, alors que quelques mots d’amour sont prononcés dans la langue de Molière. Beth chante à la manière d’Etta James, "Rhyme", un bon R&B découpé dans un riff stonien. Elle nous réserve alors "A Sunday kind of love", une ballade blues signée par même miss James. Le titre maître adopte un tempo très dansant, lorgnant même vers le style du label Stax et de son égérie Aretha Franklin. L'album s’achève par "Strange fruit", une plage très lente dont les effets dramatiques sont causés par les interventions de Joe…
Comment rebondir, lorsqu’on a plus de 40 ans et quand on a été l’un des piliers du Wu-Tang Clan, formation tutélaire et inégalable du rap ‘East Coast’ US ? Dennis Coles, alias Ghostface Killah, y parvient remarquablement tout au long de « Twelve Reasons to Die », un nouvel album fascinant, qu’il a écrit en compagnie du jeune producteur soul et multi-instrumentiste, Adrian Young. MC surdoué au flow unique, Ghostface mène une brillante carrière solo depuis 1996, soit depuis la sortie d’« Iron Man », un elpee encensé par la critique. « Twelve Reasons to Die », son 10ème chapitre solo, produit par son acolyte de toujours RZA, est une œuvre conceptuelle qui doit être écoutée comme la BO d’un film d’épouvante italien… Sortie sur Soul Temple, le label du même RZA, elle agrège les sonorités soul et hip hop du Wu-Tang et les ‘soundtracks’ d’Ennio Morricone, au sein d’un climat angoissant, presque trip-hop. Bénéficiant du concours de William Hart des Delfonics ainsi que de la participation d’autres membres du Wu-Tang, comme Masta Killah, Inspectah Deck, Cappadonna et Killa Sin, cette collection de vignettes cinématographiquement référencées fait mouche à plus d’une reprise (« The Rise of the Ghosface Killah »). Le flow imparable de Tony Stark (oui oui, Iron Man), aka Ghostface Killah’, n’a rien perdu de son efficacité lorsqu’il est appuyé par de judicieux samples vintage made in 60’s ou 70’s… The Wu is rising again!
Generationals n’est sans doute pas destiné à incarner le groupe d’une génération, mais démontre une nouvelle fois, après l’éclosion de Woods et Real Estate, que la scène folk yankee est en bonne santé. Si vous appréciez ce style conjugué aux mélodies pop (« Awake ») ou dispensé sous une forme plus contemporaine (« Extra Free Year »), vous serez fatalement comblés et surtout ne risquez pas de sombrer dans un état neurasthénique souvent propre au genre. Issu de la Nouvelle-Orléans, ce duo réunit Ted Joyner et Grant Widmer ; et il a le bon goût de se démarquer de l’expression sonore proposée, en général, du côté de la Louisiane. « Heza » constitue son troisième elpee, une œuvre au charme discret mais également à la rage euphorisante. Les harmonies vocales glissent sur des rythmiques trépidantes à la limite de la surf-music, mais dans l’esprit de The Drums (« Say When »), une mini-chorale entame un refrain imparable (« You Got Me ») avant que des samples ne propulsent Generationals aux côtés de The Radio Dept. ! Et comment résister au funk mutant de « Put a Light On » ? Un opus proche de la perfection, donc…
Dans l’histoire du blues, James Cotton est l'un des plus grands harmonicistes. Né à Tunica, dans le Mississippi, il est aujourd'hui âgé de 78 ans. Début des années 50, il avait entamé sa carrière, au sein du backing band du mythique Howlin' Wolf. Ses débuts discographiques remontent à 1953. Chez le label Sun. Quelques années plus tard, il succède à Little Walter au sein du Muddy Waters Band. Il y restera jusqu'en 1966. L'année suivante, il fonde son James Cotton Blues Band, formation qui se produit alors régulièrement au Fillmore. Tant celui de New York que de San Francisco. Il a enregistré une belle panoplie d’albums. Fin des années 90, on lui diagnostique un cancer de la gorge. Et il va finir par gagner son combat contre la maladie. Son dernier enregistrement vocal date de 2000. Un disque intitulé "Fire down under the hill" et paru chez Telarc. Depuis, il se concentre sur son harmonica.
Pour concocter cet elpee, le label chicagolais Alligator a mis les petits plats dans les grands. Il a ainsi invité une belle palette d’invités notoires. "Cotton Mouth Man" a été enregistré à Nashville, sous la houlette de Tom Hambridge (Buddy Guy, Joe Louis Walker, Susan Tedeschi). Hambridge et son ami Richard Fleming ont pratiquement écrit toutes les plages. La base instrumentale est assurée par Hambridge, aux drums, Glenn Worf à la basse, Chuck Leavell aux claviers et Rob McNelley à la guitare rythmique. Des partenaires issus de son Blues Band ont également participé aux sessions, dont Tom Holland, Noel Neal et Jerry Porter. On les retrouve sur l’une ou l’autre plage. Et de nombreux vocalistes sont venus prêter main forte au mythique bluesman…
La plaque s’ouvre par le titre maître. Un boogie détonant balisé par le quinquagénaire texan, Darrel Nulisch. Le vieux James souffle comme un possédé dans sa musique à bouche. Le solo du jeune Bonamassa aux cordes est particulièrement coloré. De sa voix ravagée, Cotton annonce l’arrivée imminente du "Midnight train", et sous les coups de boutoir de son instrument, la compo emprunte le rythme du chemin de fer. Gregg Allman y assure le chant. Autre membre des Allman Brothers Band, Warren Haynes guide le boogie "Something for me", de la voix et de sa slide. "Mississippi mud" nous ramène dans le Delta. Un excellent blues lent chanté par le bluesman noir californien Keb Mo, face au piano inspiré de Chuck Leavell. Keb Mo se réserve le micro, mais aussi la six cordes sur "Wasn't my time to go". Darrel Nulisch est régulièrement préposé au chant. Normal, puisqu’il remplit ce rôle au sein du James Cotton Band. Dans le passé, Nulisch a milité chez les Rockets d'Anson Funderburh, le Mike Morgan Crawl et les Broascasters de Ronnie Earl. Excusez du peu! Il chante encore cinq titres, dont les superbe blues "He was there", au cours duquel Cotton est au sommet de son art, ainsi qu’une merveilleuse version du "Bird nest on the ground" de Doyle Bramhall. Mais également le sémillant "Saint on Sunday", un "Yound bold women" inspiré par la Nouvelle Orléans et le funky "Blues is good for you". Texane, Ruthie Foster est une vocaliste de blues et de gospel talentueuse. Elle interprète élégamment un autre blues lent, "Wrapped around my heart". Les interventions de James sur son harmo sont belles à pleurer ! Delbert McClinton est un autre Texan. Il est aux commandes de l'excellent "Hard sometimes", soutenu par la slide de McNelley, pendant que l'harmonica gronde. Une dernière surprise nous attend en finale. James chante "Bonnie Blue", une compo acoustique interprétée en duo avec Colin Linden. A ce jour, ce « Cotton Mouth Man » constitue le meilleur album de blues paru en 2013…
Plutôt que d’enregistrer un long playing, Alt a préféré choisir la sécurité. Comment ? En décidant de publier quatre Eps. Pas en même temps, mais l’un à la suite de l’autre. De manière à financer le suivant. Une démarche originale, mais également prudente. « I’m a Dancer » constitue le premier essai. Un disque découpé en quatre pistes.
La formation parisienne qualifie sa musique de ‘damaged rock’. On ne sait pas trop ce que le combo a voulu exprimer en collant une telle étiquette, mais une chose est sûre, la solution sonore n’est pas léchée…
Bourrée de testostérone, elle ne manque, en outre, pas de singularité. Alt puise clairement ses influences dans le punk et l’indus. Pensez à Nine Inch Nails. Mais, pas seulement. La voix du chanteur a de quoi déstabiliser ; mais au fil du temps on s’y habitue. A tel point qu’on finit par apprécier pleinement « I’m a Dancer ».
Vu la durée de l’Ep, pas la peine de perdre de temps. Dès « I Amnt’t », place à un riff électrique et obsessionnel. Omniprésent, il évoque paradoxalement le bruit d’une tronçonneuse ! Sur « The Important Ones » la voix devient ténébreuse, voire gothique. Perso, cette forme vocale me laisse sceptique ; et heureusement qu’un break bien senti vient régulièrement nous préserver d’un accès de déprime. Enfin, les deux dernières plages brillent par la constance de leur intensité.
Bref, sur cet Ep, Alt souffle le chaud et le froid. Néanmoins, en choisissant un tel rythme de croisière, le band hexagonal a pris la bonne décision. Parce qu’il n’est pas encore prêt à publier un LP. Et que cette cadence lui permettra de progresser. A voir maintenant comment il va gérer ce planning…
Pour ceux qui connaissent Thalia Zadek, notamment au travers de Come, cet album ne changera pas la donne, tant il est marqué de son inégalable empreinte.
Pour les autres, que dire de « Via » ?
Si l’on écarte l’historique de cette artiste underground, ce qui implique mettre entre parenthèses une part du respect poli dû à son parcours, force est de constater que cet album est somme toute assez insipide (NDR : et si on s’est levé du mauvais pied, on pourra même le taxer franchement de ‘pelant’).
Surtout quand l’instrumentation se fait lourdingue et plombe du coup des chansons honnêtes mais qui mériteraient sans doute d’être traitées plus sèchement.
Et puis, bien sûr, il faut s’accommoder de cette voix à la limite androgyne, qui n’en fait jamais trop mais semble toujours avancer dans le noir, à tâtons. Et dont le dernier souci est de vous prendre par la main.
On reste donc un peu dans la boue, les pieds englués, et on avance tout en essayant de ne pas se vautrer.
Thalia, elle, déjà loin devant, ne nous a pas attendus.
Tombée, elle s’est relevée. Et puis, elle connaît la chanson, vu qu’elle nous la ressert depuis des années, maintenant.
Du coup, reste à se débrouiller seule avec ses neuf titres éparpillés à la surface d’eaux plutôt troubles.
Décevant si l’on excepte le dernier titre « Want You To Know » qui semble enfin réveiller la bête tapie quelque part au fond de la tourbe.
Trop tard…
Lorsqu’ils ne font pas couler de l’encre au sujet de leurs frasques scéniques et délires du quotidien, les membres du collectif Odd Future, aka OFWGKTA, publient des albums. De très bons albums. Certes, l’un d’entre eux, a largement tiré son épingle du jeu, à savoir le désormais incontournable Frank Ocean. Mais les autres s’en sortent pas mal non plus en matière de prod, même si le buzz n’a pas la même ampleur. Ainsi, en attendant le très attendu premier LP d’Earl Sweatshirt et les nouvelles compos de The Internet, c’est le créateur, Tyler, qui nous balance du gros son pour la seconde fois en version physique. Mais pour le compte de Sony. Deux ans après « Goblin », la créature montre ses crocs sur « Wolf ». Un LP résolument Hip Hop old school et beaucoup plus affiné que le précédent. A l’image des terribles « Pigs », « Parking Lot », « Cowboy » ou des délirants « Tamale » et « Awkward ».
Au rayon des invités, le chef du (golf) wang ne se casse pas trop la tête, conviant la clique OFWGKTA au complet, bien que disséminée à travers tout le disque. Tyler ‘The Creator’ Okonma se paie également quelques convives de choix, n’ayant pas un lien direct avec sa meute. Et pas des moindres : Pharrell Williams, dont l’influence est à peine dissimulée, Laetitia Sadier (Stereolab) ainsi qu’Erykah Badu et Coco Owino (NDR : chanteuse de la formation Soul danoise Quadron, à voir dès la rentrée au Botanique) pour la touche Soul.
Côté textes, Tyler, The Creator reste fidèle à lui-même. Sexe, Guns, Name Dropping, … Tout y est. Y compris une captivante lettre ouverte à son père biologique, « Answer », pierre angulaire d’un LP de 71 minutes qui n’en compte quasi aucune à jeter. « Wolf », entièrement produit par le loup en chef lui-même, relègue le bordélique « Goblin » aux oubliettes. Un grand disque Hip Hop s’il en est.
Les planches de la scène « The Barn » de Rock Werchter trembleront au gros son de Tyler et ses potes, le samedi 6 juillet. Après Earl Sweatshirt en milieu d’aprèm’, et avant Frank Ocean prévu en clôture, c’est en compagnie de toute la troupe Odd Future que le turbulent Creator s’y produira. A ne pas rater si vous en êtes.
STRFKR (prononcez Starfucker !) marche allègrement sur les traces de MGMT (prononcez Management !) à travers son acronyme mais aussi grâce à son rock psyché aux très forts relents synth-pops et dansants. Au départ, il s’agissait du projet solo de Joshua Hodges. Fondé en 2007 à Portland, dans l’Oregon, il répondait au nom de Pyramiddd. Puis, en 2010, il a changé de patronyme, choisissant celui de STRFKR, soit le titre d’une compo de Grateful Dead. Enfin, phonétiquement. Et est passé à un quatuor
« Miracle Mile » constitue le 4ème opus STRFKR et, vu son efficacité immédiate, il devrait rencontrer un certain succès et même affoler les pistes de danses des festivals estivaux où le groupe excelle –enfin… dans un monde parfait– tant l’album regorge de tubes potentiels (« While I’m Alive »). Mais, tout semble superficiel et inoffensif chez STRFKR (comme leur envie de ‘starfucker’ d’ailleurs) mais qu’est-ce que ça fait du bien (comme leur envie de ‘starfucker’ d’ailleurs - bis) même si leurs lyrics sont, paraît-il, tout à fait affligeants, à contrario de ceux de Passion Pit, auquel le band ressemble pourtant de plus en plus ! Les 7 minutes du dernier morceau « Nite Rite » laissent toutefois entrevoir une ouverture vers d’autres horizons. Plus sophistiqués, ils semblent même emprunter les visions hallucinées d’Of Montreal…
Difficile de se dépatouiller de cette sensation de déjà étendu sur ce « Welcome Oblivion ».
Projet parallèle, perpendiculaire et transversal de Trent Reznor, How To Destroy Angels ne se résume pourtant pas qu’à la seule identité du gaillard. Mais son influence autant que sa patte ne pouvaient qu’imprimer, sur disque, sa vision distordue de la réalité.
Quand on sait que sa compagne de tous les jours est le pendant féminin de ce projet, on comprend alors pourquoi on nage dans les mêmes eaux troubles, même si moins oppressantes que NIN.
On sent néanmoins un désir de se détacher de l’univers habituel, et quelques coups de lames acérées viennent déchirer ça et là des pans de ciel gris pour laisser entrevoir quelques rayons de lumière bienvenus.
Sur « How Long », on approche même d’un format chanson plus traditionnel.
Une sorte de calme de surface qui masque les bouillonnements intérieurs et empêche toute teinte sombre d’éclater au contact de l’air.
Le résultat reste néanmoins mitigé. Pas à la hauteur de l’éponyme Ep de 2010, mais supérieur à « Au Omen », paru l’an dernier
Entre apaisement et angoisse, on se retrouve au final tournoyant au milieu d’une clairière bordée d’arbres séculaires menaçants, scrutant le ciel qui défile à vive allure.
Il ne s’agit donc pas ici d’un Nin Inch Nails édulcoré, mais bel et bien d’un projet ouvert aux expériences et éloigné de tout mercantilisme, même si à présent signé sur une Major.
Et dont il est difficile de dire à l’heure actuelle s’il laissera une quelconque trace.
L’histoire de Wild Boar & Bull Brass Band remonte à 2006, suite à la rencontre entre Sebastien Van Hoey, préposé aux trombones, et Herbert Celis, MC de son état. Deux Bruxellois. Sept ans plus tard, les deux hommes, rejoints par cinq acolytes, proposent « Consume This ! » un premier LP tous cuivres à l’avant. Un disque qui n’est pas sans rappeler les travaux du Youngblood Brass Band, l’expérience en moins. Musicalement, la troupe nous envoie, d’un coup de pied bien placé, dans les rues de la Nouvelle-Orléans. Côté vocalises, les frasques hip hop de MC ‘Herb Cells Da Mic Jagga’ peuvent autant taper dans le mille (« Brass War », « Stone » ou la salve finale de « November ») que sur les nerfs (« Mr Pink », « End Of the Month Party »).
« Consume This ! » dessinera un large sourire sur les visages des inconditionnels de Brass Bands et surtout ceux qui prendront le temps d’aller les applaudir sur scène. Car le full potentiel d’une formation de ce genre n’est réellement palpable que lorsqu’elle prend possession des planches. Et, à l’écoute de leurs mélodies estivales, nul doute que Wild Boar & Bull Brass Band est de celles qui secoueront le public avant même de verser la moindre goutte de sueur. Ce ne sont pas les spectateurs qui ont croisé leur route aux Nuits Botanique et au Brussels Jazz Marathon qui diront le contraire.
Il est donc déconseillé de manquer WB&BBB si vous traînez du côté de Dour ce 18 juillet ou de Bruxelles-Les-Bains le 2 août. D’autres dates sont également prévues cet été à Liège, Flémalle, Havelange, Tournai et Sint-Niklaas.
Jenny Hval est considérée comme une des artistes majeures du songwriting scandinave. D'abord découverte sous le pseudonyme Rockettothesky, elle sort son premier album « To Sing You Apple Trees » en 2006, un opus qui propose un folk encore relativement classique mais interpelle déjà les fans de voix particulière. Suit l'onirique « Medea » (2008) aux compositions plus complexes qui l'installe définitivement dans la catégorie des artistes atypiques. « Viscera », première réalisation sous son vrai nom pour le compte de Rune Grammofon, lui succède en 2011. Mieux distribué et distillant une minimal folk hantée produite par Deathprod, il est encensé par la presse spécialisée. On ne peut que recommander l'écoute de ces trois elpees ainsi que celle de Nude On Sand, un projet en duo avec Håvard Volden, sorti l'année passée.
Parallèlement à sa carrière de musicienne, Jenny a aussi écrit deux romans qui ont connu un certain succès en Norvège. Les mots sont d'ailleurs particulièrement importants dans l'œuvre de la Scandinave. Chuchotés, récités, scandés, hurlés, tourbillonnants, ils délivrent une poésie crue et provocatrice (le disque s'ouvre sur un perturbant ‘That night, I watch people fucking on my computer, nobody can see me looking anyway... a black vegetable soup of hair and teeth’). Des paroles sombres, volontairement cruelles sur le sexe, les sexes, la psycho-géographie d'Oslo ou Anders Breivik (le massacre d'Utøya est survenu pendant l'écriture et a fatalement influencé fatalement l'atmosphère du disque) portées par une voix cristalline aux modulations étonnantes.
« Innocence Is Kinky » constitue certainement l'album le plus audacieux de la citoyenne d'Oslo. Tellement audacieux qu'on peut facilement s'y perdre. Et pour cause, plus expérimental, son long playing a bénéficié du concours de John Parish à la production, qui semble avoir pris un réel plaisir pour aider la Scandinave à concrétiser ses improvisations. En effet, un certain nombre de morceaux ont été composés à la base pour des performances : une installation son et lumière proposée dans un centre d'art et une bande-son imaginée pour accompagner la projection d'un film muet français de 1928 "La passion de Jeanne d'Arc". On se promène donc à travers différents univers et même au sein d'une même chanson, le propos est rarement linéaire. Comme une montagne russe, les notes de Jenny s'emballent puis s'apaisent, sa voix nous cajole puis nous bouscule sans répit tour à tour trafiquée, étirée, distordue par le malicieux Parish.
Jenny Hval voue une admiration sans borne à Blixa Bargeld. Le titre de l'LP adresserait un clin d'œil au "Silence Is Sexy" d'Einstürzende Neubauten et la chanson éponyme évoque d'ailleurs les atmosphères de ce grand album. Parmi ses autres héros figurent Kate Bush, Nick Cave, Michael Gira et Patty Smith. Tous ces spécialistes de la tension poétique hantent incontestablement "Innocence Is Kinky", mais c’est avant tout une œuvre personnelle, hors des modes, atypique comme le visage de sa conceptrice. Passant de la féérie vénéneuse à la Björk et CocoRosie de "Mephisto In The Water" aux guitares saturées de "I Called" (qui commence comme du Breeders premier album) et "I Got No Strings" puis se dirigeant vers des paysages synthétiques éthérés, peuplés de drones, qui justifient les nombreuses comparaisons avec Julia Holter et Julianna Barwick pour se conclure en folk onirique ("Death Of The Author", "Amphibious, Androgynous") plus proche de ses compositions préalables.
Album à tiroirs, foisonnant, "Innocence Is Kinky" nécessite un temps de digestion. Une fois apprivoisé, le monde de Jenny Hval peut se révéler amical. Essai sans concession qui parle de nos fêlures (‘When I speak, i catch your disease’), il exige juste l'attention due à la poésie.
Surnommé ‘Bontit’, Tohpati Ario Hutomo est originaire de Jakarta. Il est aujourd’hui âgé de 42 ans. Il a appris très tôt à jouer de la guitare. Mais dans des styles en constante évolution. Ainsi, il est passé de la musique classique au rock, avant d’atterrir dans l’univers du jazz. Il a fondé le Tohpati Band, en compagnie de ses deux frères. Il a enregistré ses deux premiers elpees, "Tohpati" en 1998 et "Serampang Samba" en 2002, sous sa propre identité. Depuis, il a milité au sein de différentes formations, et notamment Simak Dialog ainsi que Trisum.
Sous son nom, il publie encore "Tohpati Ethnomission". En 2010. Et enfin ce "Riot", il l’attribue à Tohpati Bertiga. Les sessions d’enregistrement se sont déroulées en Indonésie. Il a reçu le concours de musiciens locaux, en l’occurrence le bassiste Indro Hardjodikoro et le drummer Adityo Wibowo. Immortalisé live, mais en studio, cet opus était d’abord sorti en 2011, sur le label indigène Demajors. Il vient donc d’être réédité sur l’écurie américaine, Moonjune! Sa musique est le fruit d’une fusion entre jazz, rock et musique ethnique.
Dès les premiers accords d’"Upload", la guitare de Bontit est largement amplifiée. Il boute littéralement le feu à la compo. L’artiste indonésien est un brillant technicien et il aime nous en mettre pleine la vue (NDR : les oreilles ?). L'amplification est importante, car elle permet de multiplier les artifices. Sa vitesse d'exécution sur le manche est assez prodigieuse. Pendant près de 8’, son attaque est quasi permanente. Mais il s’exprime ici dans un registre davantage plus rock que jazz. Le dialogue de cordes opéré tout au long d’"I feel great" lorgne davantage vers le jazz, moderne bien sûr, même si l’esprit rock est toujours bien présent. A cause de ces changements de rythme et d'échelle qui plairaient sans aucun doute à Robert Fripp. Sur le titre maître, Bontit semble lancer des phrases sans véritable liaison entre elles. Cette forme décousue est sans aucun doute voulue, mais pas forcément facile à suivre pour la section rythmique. Adityo cherche à combler les espaces libres, à l’aide de ses percussions. "Middle East" est certainement la plage la plus remarquable. La guitare est constamment sur l’offensive. La rapidité reste primordiale. Les segments de connexion sont impeccablement combinés. Les motifs sont utilisés comme les groupes de jazz rock progressifs issus des 70’s, capables de faire sonner la guitare comme un orgue, dans l'esprit du jeu de David Greenslade chez Colosseum, par exemple. "Pay attention" mêle jazz plus classique et arrangements davantage ethniques via les percussions. Une liberté totale d’action est laissée au bassiste Indro, autonomie à nouveau accordée sur "Absurd". Quoique superbe exercice de style, "Rock camp" est un peu trop court à mon goût. Tout en développant son aspect rock, cette piste adresse quelques clins d'œil appuyés à Robert Fripp, Allan Holdsworth et Ollie Halsall. Quelques gadgets électroniques introduisent "Disco Robot". Une atmosphère s’installe, mais les parties de synthé ne sont pas ma tasse de thé. Je préfère la sagesse de "Lost in space", un morceau caractérisé par des interventions de guitare plus accessibles, proche de Jeff Beck et parfois de Bob Fripp, surtout dans la progression des climats. La finale "Bertiga" nous ramène dans leur style fusion, plus rituel chez ce trio.
Ils avaient pris tout le monde par surprise lors de la sortie de leur « Zeroes QC », publié il y a trois ans. Et « Images du Futur » confirme l’immense potentiel des Montréalais de Suuns. Le titre de ce second LP, tiré d’une ancienne compétition d’art numérique de Montréal, dévoile toute l’ambition du quatuor. Et les dix ‘images du futur’ proposés par les Canadiens tapent dans le mille. Moins obscur que le précédent, le second LP de Suuns est orienté dancefloor. Mais un dancefloor crasseux, au sol collant et jonché de bestioles tantôt rampantes, tantôt biscornues. Une piste qui déroule le tapis rouge troué pour les riffs de guitares ronflantes et sur lequel Clinic aurait déjà foutu le bordel la veille. Car, a l’instar de « Zeroes QC », l’influence principale de ces « Images du Futur » se relève (encore plus) clairement être la formation de Liverpool. Un parallèle évident dès l’entame du disque, « Powers of Ten ».
Ce deuxième opus laisse une place de choix aux vocalises de Ben Schemie, beaucoup plus présentes que sur le premier essai, qui mettait l’accent sur les instrumentaux. « Images du Futur » tourmente, questionne et ne ménage pas le mélomane. De la déflagration guitaristique de « 2020 » à la rythmique insidieuse de « Bambi » et la douceur des accords d’« Edie’s Dream » et « Holocene City », « Images du Futur » intrigue jusqu’à l’obsession.
Les quatre Canadiens de Suuns seront sur les planches du festival de Dour le samedi 20 juillet.
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