Etabli à St Louis, dans le Missouri, Mike Zito est chanteur, guitariste et compositeur. Agé de 41 balais, il a longtemps roulé sa bosse sur les routes de sa région. Il est en outre, responsable de cinq albums autoproduits. En 2008, il signe chez Eclecto Groove. Dans la foulée, il y publie "Today", un opus mis en forme par David Z. Il embraie l’année suivante par "Pearl river". Et le titre maître, qu’il a coécrit et interprète en compagnie du musicien issu de la Nouvelle Orleans, Cyril Neville, devient chanson de l’année ! En 2011, il grave "Greyhound". Mike participe également à l’aventure du Royal Southern Brotherhood, tout comme Devon Allman, le fils de Gregg, et Cyril Neville. En 2012, Zito fonde son nouveau groupe, The Wheel. Il est alors entouré du bassiste Scot Sutherland, du drummer Rob Lee et du saxophoniste Jimmy Carpenter. "Gone to Texas", est une expression qui remonte au début du XIXème siècle. Elle définissait les personnes endettées ou responsables de délits qui se réfugiaient au Texas –alors sous régime espagnol– afin d’éviter la corde. Mike Zito a lui aussi quitté sa maison natale de St Louis pour émigrer au Texas, afin de tourner le dos à ses addictions et de rencontrer un nouvel amour, ce qui, avoue-t-il, l'a sauvé! Sa conquête vit (vous ne le croirez pas) à Nederland, près de Beaumont, sis près de la frontière louisianaise. "Gone to Texas" reflète son affection pour l'Etat à l'étoile solitaire (Lone star). L’elpee a toutefois été enregistré en studio, à Maurice, en Louisiane.
Le titre maître ouvre la plaque. Du roots rock blues relax qui emprunte l’itinéraire qui conduit au Golfe du Mexique. Puissante, la voix caractéristique de Mike dirige les débats. La guitare concède des accents acides, alors que le sax de Carpenter entre déjà en lice. "Rainbow bridge" emprunte un style semblable, même si plus enlevé. Il nous conduit sur les routes du pays cajun en direction de New Orleans. L’expression sonore ne manque pas de relief. En particulier à cause des interventions prestigieuses de Sonny Landreth à la slide qui balise les voix. Superbe ballade, "I never knew a hurricane" évoque les grands espaces texans. La voix de Zito et celle de Susan Cowsill s’entrelacent. L’orgue Hammond de Leigh Stephens tapisse judicieusement l’ensemble, au sein duquel émerge le sax. La voix graveleuse, proche d'Howlin' Wolf donne le ton à "Don't think cause you're pretty", un blues/rock qui met en exergue des accès de slide sanglants, dévastateurs, saccageurs, terrifiants… "Death row" trempe dans le blues acoustique, une piste dépouillée au cours de laquelle les sonorités métalliques de la National steel affrontent les lourdes percussions dispensées par Rob Lee. Sculpté dans le pur funk, "Don't break a leg" évoque James Brown. "Take it easy" est une chanson issue de la plume de Delbert McClinton, un célèbre auteur texan. Lente, la version oscille entre country et blues. La voix de Mike est empreinte de passion. Superbe ! Signé par l’ami Devon Allman, "The road never ends" est un blues plein de verve destiné à la route. Imprimé sur un tempo ‘honky tonk’, il a été écrit en compagnie de l'ami Devon Allman. Zito et McClinton se partagent les vocaux, même si c’est ce dernier qui souffle dans son harmonica. Rythme syncopé et ivoires évoquent inévitablement la musique de la Nouvelle-Orléans tout au long du nerveux "Substraction blues". "Hell on me" lorgne carrément vers l’Allman Brothers Band. Ravagée, la voix semble hantée par Greg Allman. Un orgue s’infiltre dans l’ensemble alors que la gratte est remarquablement déjantée. Mike traite de son addiction sur "Voices in Dallas", lors d’une valse appuyée par le sax baryton. Cette belle fresque roots s’achève par une compo acoustique ; en l’occurrence, le "Let your light shine on me" du mythique Blind Willie Johnson, qui a vécu à Beaumont.
SØLYST c’est le patronyme choisi par Thomas Klein pour publier son second album solo. L’artiste est surtout notoire comme drummer au sein de Kreidler, un groupe allemand qui milite plutôt dans l’univers du rock et a vécu ses heures de gloires, à la fin des années 90. Thomas cherche aujourd’hui à explorer de nouveaux horizons sonores. Ce qui explique pourquoi ce « Lead » évolue au sein d’un style électro atmosphérique.
Si le résultat se révèle à première écoute singulier, je dois avouer qu’il ne m’a guère enthousiasmé. Malgré ses sonorités cristallines (gouttes d'eau, cascades, etc.), sonorités qu’il traduit également à travers le visuel de la pochette, on a l’impression que SØLYST a oublié le fil conducteur. Qu’il patauge dans un fouillis d’idées. Pas toujours très inspirées. En outre, faute de parties vocales, l’ensemble n’est vraiment pas fait pour me séduire. D’un titre à l’autre, les rythmes ne diffèrent guère et les boucles nous conduisent vers un infini privé de spontanéité ...
Thomas Klein a manqué sa cible. Il aurait tout intérêt à se refaire une santé chez Kreidler…
C’est avec un scepticisme teinté d’ironie que je me suis lancé à l’écoute de « Reincarnated », le premier album de Snoop Dog sous le patronyme de Snoop Lion, c’est-à-dire réincarné dans la peau d’un Bob Marley de Long Beach. L’addiction aurait-elle eu raison du cerveau de l’ami Snoop ? Et que vaut réellement le 12ème elpee de l’autoproclamé nouveau dieu rastafari ? S’agit-il d’une surprenante réussite ou l’essai d’un artiste perdu dans sa propre mégalomanie, après avoir effectué un séjour en Jamaïque, au cours duquel il a prétendument étudié la culture locale, qui a manqué sa cible ?
Pour concocter cet elpee, le vétéran californien a bénéficié du concours de quelques invités prestigieux. Et notamment Drake, Chris Brown, Cori B (sa propre fille) et même Miley Cyrus, l’idole de Disney en compagnie duquel il nous refourgue l’ignoble « Ashtrays and Heartbreaks ». Des musiciens jamaïcains ont également participé à cette fumisterie (ah !ah !) dont Mavado et Popcaan (« Lighters Up »). Alignant une kyrielle de producteurs, dont Diplo, Dre Skulls et surtout Major Lazer, « Reincarnated » est de facture plutôt inégale. Entre l’horrible « Get Away », piqué aux Black Eyed Peas, et le très réussi « No Guns Allowed » (impliquant Drake et Cori B), qui emprunte même un sample à Beirut, on ne sait pas trop sur quel pied danser ! Désormais adepte de la non-violence et décidé à se couper de la culture gangsta, Snoop semble s’être quelque peu ramolli. Ce qui explique pourquoi notre intérêt pour sa musique a tout autant faibli, malgré quelques éclats au cours desquels il parvient à mêler adroitement reggae, dub et hip-hop ; et le plus souvent lorsque la mise en forme est assurée par Major Lazer (« La La La », « Here Comes the King »).
Le nouvel album de Yew devait sortir au printemps, il paraîtra finalement en automne. En attendant la formation nous propose un single. Intitulé « Between up and down », il a reçu le concours d’Arno, et a été enregistré au Studio 5 à Liège et à l'ICP de Bruxelles. Le groupe a été récemment rejoint par Jérôme Magnée, nouveau chanteur du groupe, et également membre fondateur et guitariste/chanteur de Dan San. Faudra donc s’attendre à davantage de vocaux sur les compos du band. Arno y pose la sienne lors d’un duo que Jérôme chante un peu à la manière d’Axl Rose (NDR : ce timbre). En outre, si la structure est demeurée folk rock, la guitare s’autorise, lors de ce morceau, une envolée floydienne. On devrait en savoir plus lors de la sortie du long playing…
Savoy Brown est incontestablement une des meilleures formations de blues, née au cours des sixties, lors de l’explosion du British Blues Boom. Si les Rolling Stones fêtent leur 50ème anniversaire en 2013, Savoy Brown n'en est plus loin, puisque sa naissance remonte à 65/66. Mais seul l’incontournable leader, Kim Simmonds, participe encore à l’aventure. Il y a pas de temps qu’il s’est établi aux States. Au sein de l’arrondissement d’Oswego County, dans l’Etat de New York, pas loin du Canada. Et il est le dernier insulaire au sein du line up, Un Gallois pour être plus précis, qui participe à l’aventure.
Les enregistrements qui figurent sur le cd et le dvd ont été immortalisés en mai 2012, au Musiktheater Pïano de Dortmund. Kim Simmonds assure la guitare et le chant. Il est soutenu par Joe Whiting (saxophone, vocaux), Pat DeSalvo (basse) et Garnet Grimm (batterie). Depuis, Whiting s’est fait la malle, et la formation est aujourd’hui réduite à la formule du trio.
Le cd réunit 12 plages, le dvd 14, pour un total de 112'. Joe Whiting n'est pas un débutant, il a milité chez Jukin Bone, participant à l’enregistrement de 2 albums, début des 70’s. Il va ensuite se produire en compagnie de Mark Boyle, avant de fonder son propre groupe. Il ne faut pas attendre plus de 10 secondes pour confirmer le talent de Kim Simmonds à la guitare. En l’occurrence, lors de l’introduction instrumentale, baptisée "24/7". Au saxophone, Joe est tout à fait respectable ; en outre, il apporte une touche originale au son de Savoy Brown. "Looking in" est le titre maître d’un elpee paru en 1970, le premier sur lequel Kim devenait le seul membre originel du combo. Tout en créativité, son jeu de cordes est impressionnant. Le dernier opus studio de SB s’intitule "Voodoo man". Il date de 2011 et implique les mêmes musicos. Ce disque sert de base au concert, car six plages en sont extraites, soit le rock'n'roller "Natural man", "She's got the heat", caractérisé par une extraordinaire partie de slide exécutée par Kim, "Voodoo moon", une piste qui ne manque pas de charme au cours de laquelle Kim et Joe se partagent les vocaux, le hard rocker classieux "Meet the blues head on" et le boogie blues "Shockwaves". Simmonds se réserve en personne le micro sur "Street corner talking", le titre maître d’un LP gravé en 1971, morceau devenu son plus grand hit, mais également le long playing le mieux vendu de sa carrière. Trois compos sont issues du même album. Tout d’abord "Time does tell", titre atmosphérique à l’approche jazzyfiante très technique, "Tell Mama", et enfin, en guise de premier rappel, une version explosive du "Wang dang doodle" de Willie Dixon, que chante autoritairement Joe Whiting! La version live de "Hellbound train", plage phare de l'album du même nom, publié en 1972, se transforme en boogie passionnant, les changements de tempo rappelant une grande époque. Enfin, le Dvd propose, en bonus, le classique "Little Red Rooster", un blues lent signé de nouveau par Dixon et que Howlin' Wolf avait traduit en hit. En finale, le Savoy Brown attaque le fameux "Louisiana blues" de Muddy Waters, une composition qu’il interprétait déjà en 1969, sur son premier elpee live, "Blue Matter".
Ana est de nationalité serbe. Jolie, la silhouette féline, une paire de jambes sans fin, elle est âgée de 37 ans. Et elle sévit dans l’univers du blues depuis un bon bout de temps. Comme chanteuse et guitariste. Elle a monté son propre groupe, le Mo' Better Love, au sein duquel militent un guitariste rythmique, un claviériste et une section rythmique expérimentée, puisqu’elle réunit le drummer Tony Coleman (BB King Band) et le bassiste John Williams (Al Green Band). "Can you stand the heat" constitue son 9ème elpee.
Elle ouvre la plaque par le titre maître. Du pur funk dispensé dans l’esprit de Chic voire Tower of Power et destiné à la danse. Ana s'éclate déjà sur ses cordes. Et la petite pointe de jazz qu’elle injecte dans son jeu, n'est pas pour me déplaire. Elle embraie par "Can't you see what you're doing to me", un R&B nerveux introduit par une guitare flamboyante, mais malheureusement surchargé de cuivres. De toute évidence, l’atout majeur de la native des Balkans procède de sa manière très percutante d’attaquer les cordes, bien plus que son chant, qu’elle force parfois un peu trop. Elle ralentit le tempo pour aborder "Mo' better love". Des chœurs féminins et un piano souverain épaulent la voix d'Ana, sans toutefois faire de l'ombre à son instrument. "Boy' Night out" poursuit dans le registre funk/R&B ; cependant, les voix féminines sont un peu trop criardes, à mon goût. Imprimé sur un tempo bien enlevé, "Hot southern night" revient au blues. Ana et le grand Lucky Peterson partagent les parties vocales. Un des meilleurs morceaux de l’elpee. Et Lucky a aussi ramené sa guitare. De quoi assister à un duel de très bon niveau, tout se référant au regretté Albert Collins! Signé par l’ex-Free Andy Fraser, "Every kind of people" a permis à Robert Palmer de décrocher un hit, en 1978 ; une autre ballade légère, caractérisée par des arrangements soignés, mais au cours de laquelle, la voix n’est guère transcendante. L'ombre d'Albert Collins plane sur "Ana's shuffle", un exercice de style instrumental de haute volée, au cours duquel Frank Ray Jr se libère enfin, à l’orgue. "Blues for Mrs Pauline" est un blues lent à la structure quasi-parfaite. En fait, Miss Popovic excelle davantage dans le blues plutôt qu’au sein du funk basique. Son jeu est à la fois très inspiré et personnel. Il n’est jamais calqué sur les grandes étoiles du blues, même si, pour la circonstance, c’est le spectre Buddy Guy qui se met à planer. Lorsque sa voix devient sauvage, vivace et passionnée, elle se révèle beaucoup plus convaincante. Funk/blues indolent, "Leave well enough alone" est dispensé sans mise en forme envahissante ; et c'est bien mieux ainsi! Très rockin' blues, l'intro de l'instrumental "Tribe" est illuminé par la slide et le jeu de pédales, avant que ne débarquent les cuivres et percussions… Une cover des Stones : "Rain fall down". Elle figurait sur l’album "A bigger bang", gravé en 2005. Le long playing est enrichi de deux bonus tracks. Tout d’abord "Growing up to soon", une piste qui s'étire prudemment, avant qu’un imposant chœur d’enfants ne fasse son apparition, concours qui apporte à la compo un charme indéniable. "Mo' better love" bénéficie d’une seconde version. Tommy Sims, batteur, auteur et producteur est venu en renfort pour collaborer à ce titre dépouillé, plus roots…
Quelques mois après avoir publié « Slave to Modern Age », un album qui puisait aux sources essentielles de la musique indépendante des 90’s –et notamment Wilco, Pavement et Sonic Youth– Moslyve vient de graver un nouvel Ep. Intitulé « NTL REV », il a été produit par Nicolas Leroux (Overhead) et bénéficie d’une sortie en vinyle sur l’honorable maison parisienne Mind Riot, limitée à 500 exemplaires. Identifiant toujours 3 voix qui se conjuguent à merveille, la musique de ce trio français est relativement complexe. Une forme de pop/rock teinté de noise et de shoegaze. Toutes guitares dehors, Moslyve nous propose des titres aux mélodies puissantes. Mes coups de cœur ? « Prague ». Caractérisé par ses grattes bruitistes et son refrain scandé, il remporte tous mes suffrages. Mais, dans un style moins rageur, « On Plane » est également très réussi. Ep particulièrement percutant « NTL REV » est une bonne mise en bouche, avant la sortie de « Nothing to Lose Revisisted », remise en forme du premier opus de la formation française, annoncée pour novembre, et un tout nouvel elpee, dont la parution est prévue pour 2014…
Issue de New York City, cette formation est drivée par le chanteur/harmoniciste/producteur/compositeur Little Mike Markowitz. A la fin des 70’s, il avait eu le bonheur de côtoyer des légendes issues de Chicago comme Pinetop Perkins, Jimmy Rogers ou Hubert Sumlin. Depuis le début du nouveau siècle, il s'est établi à Gainesville, en Floride. Il compte déjà une importante discographie en compagnie des Tornadoes. Tout d'abord en 1988, pour soutenir Pinetop Perkins, sur "After hours". Puis, en 1989, pour épauler Hubert Sumlin, sur "Heart and soul". Il aligne ensuite sept albums, dont "How long", qui paraît en 2003. Puis les Tornadoes disparaissent curieusement de la circulation avant de refaire surface grâce à la sortie de ce "Forgive me". Pas vraiment un nouvel elpee, car les sessions d’enregistrement remontent à 2000. On lui pardonne volontiers ce retard, car ce disque a été concocté aux studios Kingsnake de Sanford, en Floride. Une partie de l’histoire de ce label, dont le responsable n’était autre que Bob Greenlee, refait surface ; et sa disparition précoce en 2004 a empêché la publication de ce long playing, à l'époque. Mais aussi de quelques autres albums. Il semble donc que Frank Roszak, promoteur très actif, ait décidé d’exhumer ces œuvres tout en leur réservant une campagne de promotion nationale et même internationale.
L’elpee s’ouvre par "Opelousas rain", un titre nonchalant réminiscent des marais louisianais. Une compo instrumentale signée par le guitariste, Troy Nahumko. Harmonica et slide guitar semblent y disserter dans le divertissement. Imprimé sur un mid tempo, "Wait a minute baby" ne manque pas d’élégance, un blues discrètement coloré par l'orgue Hammond et les cuivres, au cours duquel Troy se réserve un solo particulièrement subtil, alors que Mike peut enfin mettre le nez à la fenêtre en soufflant dans son harmonica. Mike chante "Nothin I wouldn't do", une ballade soul empreinte de tendresse. Enrichie de cuivres, elle bénéficie du concours de Warren ‘King Fish’ King, également disparu en 2010. "Tell me baby" nous aiguille à nouveau sur l'axe Delta-Chicago. Sonny Rhodes est préposé à la lap steel guitare et Mike nous réserve un excellent solo sur sa musique à bouche, lors de ce superbe blues auquel avait participé Ace Moreland aux vocaux. Cherokee d'origine, ce fidèle musicien de studio s’est aussi malheureusement éteint en 2003. Le long playing regorge de splendides morceaux. A l’instar de "Walked all the way", de "Fool too long", au cours duquel la guitare de Nahumko et le piano de Jim McKaba sont en verve, le slow blues "You don't love me", sans oublier le shuffle "Forgive me", caractérisé par de délicieuses interventions à l’harmo. Blues lent et dépouillé, "My little Therese" dépasse les 11'. Little Mike y souffle à la manière de Sonny Boy Williamson II. Autre instrumental, "The hit" est un swamp blues illuminé par Troy Nahumko et Little Mike. "Traveling blues" clôt l’œuvre. Un Texas roadhouse blues percutant qui me rappelle les débuts des Fabulous Thunderbirds. Remarquable !
DJ Koze est également producteur allemand. De son véritable nom Stefan Kozalla, il a effectué ses premiers pas, à la fin des années 80. Après avoir sévi sur le label Kompakt, il a décidé de lancer sa propre boîte en 2010, Pampa.
Quand on observe l’illustration de la pochette, on se demande si l’artiste n’est pas un petit plaisantin. En effet, elle est représentée par un homme vêtu d’un peignoir, coiffé d’un casque de parapente, chevauchant un renne, dans un décor montagneux de couleur rose fuchsia ! Flashy, n’est-ce-pas ?
Vu le graphisme, je m’attendais à un contenu marginal. Tant côté sonorités, effets spéciaux que lyrics. L’opus défend-t-il un concept humoristique, satirique ou tout simplement décalé ? Bref, j’espérais devoir me farcir une œuvre créative. Qui sorte de l'ordinaire, si vous préférez…
Bref, pour une plaisanterie, elle est plutôt de mauvais goût. Pratiquer l’autodérision est une arme terriblement efficace. Pourvu qu’elle soit utilisée intelligemment et sans tomber dans le ridicule. Elle peut même se révéler très amusante. Malheureusement, Stefan est totalement passé à côté de son sujet. Mielleuse, fade, exaspérante, sa musique trahit un manque total d’inspiration. La voix est chargée (NDR : et le mot est faible) d’effets électroniques. Et ils sont tellement artificiels, qu’ils entretiennent une véritable cacophonie indescriptible. Un bordel douteux plutôt que joyeux, comme je l’avais espéré, au départ. J’ai du mal à comprendre pourquoi un artiste de la trempe de Kozalla se lance dans des expérimentations aussi hasardeuses. Entre drôle et grotesque, il aurait dû choisir, et à mon humble avis, il n’a pas bien saisi la différence...
Il y a déjà quelques semaines (voire mois) que cet album végète au beau milieu de ma pile de cd’s à chroniquer. Sans paraître particulièrement sexy, sa pochette n’est pourtant pas affreuse. Ce qui explique sa place centrale au sein du monticule. Et finalement, par rapport à certains artistes qui se surpassent quand il s’agit de faire preuve de mauvais goût, il faut reconnaître que l’artwork est plutôt sympathique. Mais sans doute pas assez séduisant, pour remonter la pente…
Après avoir opéré quelques recherches sur la toile, il appert que le combo nous vient de Suisse. Un quatuor drivé par une certaine Joan Seiler.
Dès le premier morceau, on constate que sa voix domine le sujet. Et ce malgré la présence de chœurs. Cette polyglotte (espagnol, français, anglais) me fait même parfois penser à Björk. En début de parcours, l’expression sonore des Sailors se révèle surtout langoureuse. Les arpèges se superposent élégamment. Les accès de violon comblent judicieusement les espaces vides ; et caoutchouteuse, la basse stimule l’excellent « En Guantes Blancos ». Et la suite nous réserve encore de nombreuses surprises. Le band est ainsi capable d’élaborer des structures plus complexes, d’entretenir un climat hypnotique ou de développer de magnifiques crescendos. Tout en mélangeant les styles. Ainsi « Puzzle of Feeling » évolue sur un tempo soutenu et accablant alors que « La Réalité » baigne dans l’ambient.
Bref, pas le temps de s’ennuyer à l’écoute de cet opus. Ces petits Suisses (NDR : désolé pour le trait d’esprit !) débordent d’idées et le démontrent tout au long de leur second essai. Une belle découverte ! De quoi espérer encore dénicher d’autres bonnes surprises dans ma pile de disques…
JJ Grey & Mofro est un band américain établi à Jacksonville, au Nord de la Floride. Une formation de southern rock, mais au sens large du terme, puisqu’elle intègre d’autres courants musicaux, comme le blues, funk, soul ou R&B. Leur formation remonte à la fin du siècle dernier. Chanteur, guitariste, pianiste et harmoniciste, JJ Grey en est le leader. Le combo a publié son premier elpee en 2001, "Blackwater". Un disque suivi par "Lochloosa", en 2004. Le band signe alors chez le notoire label de blues chicagolais, Alligator. Il y grave alors "Country ghetto" en 2007, "Orange blossoms" en 2008, "Georgia Warhorse" en 2010 et "Brighter days" en 2011.
JJ est soutenu par Andrew Trube à la guitare, Todd Smallie à la basse, Anthony Cole aux drums, Anthony Farrell aux claviers, Art Edmaiston au saxophone et Dennis Marion à la trompette. JJ a composé neuf des dix plages.
"You're lady, she's shaddy" ouvre la plaque. Un funk R&B bien nerveux. "Somebody else" embraie dans le même registre, mais diffère par ses vocaux percutants, clairs, et par une plus grande présence de la guitare. Audacieuse, réverbérée, elle adopte un style swamp. "Tame a wild one" est une très belle composition. Empreint de délicatesse, ce R&B met en exergue la voix pure et soul de JJ, soutenu par les chœurs de ses musicos. "99 shades of crazy" évolue sur un tempo plus enlevé. Guitare et piano électrique entrent en osmose pour créer une mélodie dansante et suave. Et lorsque les cuivres débarquent, c’est pour mieux libérer la six cordes qui s’appuie sur les sonorités poussiéreuses d’un orgue. Probablement un Farfisa. Excellent! Comme son titre le précise, "The ballad of Larry Webb" est une ballade. Sculptée dans le folk roots, les cordes acoustiques sont progressivement et discrètement rejointes par les interventions d’orgue et de gratte électrique. "Florabama" se réfère à l'Alabama ; et en particulier à son sanctuaire de la musique soul, les studios Muscle Shoals. Parcouru épisodiquement de cuivres et caractérisé par des cordes acoustiques en folie, ce morceau baigne dans une ambiance funk et jazz. Plus électrique, "Standing on the edge" s'écoule sur un tempo indolent. Du blues ou plus exactement du swamp funk à la Grey. Et les vocaux se révèlent un peu plus sauvages, tout au long de cette piste, ma foi, très agréable à écouter. Soulignée par une jolie ligne mélodique, "Write a letter" est une chanson au profil roots voilé. La voix est envoûtante et la guitare parachève le travail. "Harp and drums" s’ouvre par une longue introduction instrumentale. L'harmonica, la batterie et puis les cuivres investissent l’espace sonore avant qu’il ne se métamorphose en funk dansant. D’excellente facture, cet opus s’achève par "This river", une ballade R&B à coloration Stax, d’une extrême douceur…
L’occasion est belle, en ce samedi, de visiter les environs du festival polonais. Gdynia appartient à la ‘Tri-cité’ (Trój-miasto) : Gdansk – Sopot – Gdynia. Trois cités proches mais aux spécificités très différentes. Et qui réunissent, à elles seules, plus d’un million d’habitants.
Gdansk (Dantzig pour les Allemands) est une magnifique ville portuaire qui a un passé, un futur certain et surtout une âme. Une terre de contrastes, entre d’affreux paysages où s’érige l’industrie lourde, le cadre bucolique de la vieille ville et les abords de la Moltawa. Pas étonnant qu’elle ait posé sa candidature pour devenir capitale européenne de la culture, en 2016. Sopot constitue (toutes proportions gardées) le Saint-Tropez polonais. Une station balnéaire qui revient sur le devant de la scène. Une grande jetée en bois (molo) de plus de 500 mètres prolonge la rue principale jusque dans la mer baltique. C’est également une destination très prisée par les nightclubbers. De quoi permettre aux festivaliers de faire une ‘after’ jusqu’au petit matin. Quant à Gdynia, il aurait fallu disposer d’un peu plus de temps pour pouvoir poser un avis pertinent.
Car depuis la veille, une rumeur persistante circule. Après 20 heures, aujourd’hui, se déroulera un concert à ne manquer sous aucun prétexte : celui de Crystal Fighters. Suivant les échos recueillis, en 2011, il avait littéralement mis le feu au festival. Et votre serviteur, avait pu vérifier, l’an dernier, dans le cadre du Sziget, l’engouement que suscite le groupe, auprès des populations issues des pays de l’Est. Crystal Fighters s’empare de l’alterklub stage en plein air, et ne va plus nous lâcher. Ce combo anglo-hispanique pratique un mélange improbable entre pop et electro/dance. En extrapolant, on pourrait imaginer le chaînon manquant entre Metronomy et CoCorosie. Encore que pour les sœurs Casady, c’est plutôt l’attitude hippie qui inspire les musicos. Leur premier elpee, « Star of love », est paru en 2010 et a connu un fameux retard à l’allumage. C’est la diffusion d’un spot publicitaire pour un smartphone, utilisant comme bande sonore leur single « Follow », qui va véritablement lancer leur carrière. Ce n’est d’ailleurs pas une première ; ce phénomène est même plus courant qu’on ne l’imagine. « Cave rave », leur second long playing, est paru il y a à peine deux mois. « Sola system » puis le tube « Follow » permettent au band de démarrer sur les chapeaux de roue. Sur les planches, les musiciens bougent dans tous les sens. Et sur le site, les spectateurs aussi. « I love London », « You and I » ou encore « At home » boostent l’ambiance. Sebastian, c’est le leader. Il a un look de maître Krishna. Sa voix et celle d’Eleanor, aux backing vocals, se complètent à merveille. Lors du final, « Xtatic truth », les spectateurs sont invités à s’assoir pour mieux bondir de joie ensuite…
Un petit grief que l’on pourrait adresser au festival, c’est la présence de cette ‘Beatstage’, située à une cinquantaine mètres, derrière la scène principale, sur la gauche. En fait, elle renvoie régulièrement des retours de basses. Et pendant les concerts en plein air, c’est assez désagréable. Je décide cependant, d’aller y jeter un œil. Il y a peu de monde. Pourquoi dès lors les DJs ou ingénieurs du son ne réduisent-ils pas leur consommation de décibels, en fonction du passage des autres artistes ? La question mérite d’être posée…
Bref, cette remarque ne doit pas gâcher la prestation de la tête d’affiche, prévue ce samedi, Kings of Leon. La toute grande foule se masse devant l’Open’er Stage. Si bien qu’il est difficile de s’approcher à moins de 50 mètres. Et dans la série ‘on prend les mêmes et on recommence’, la famille sudiste (NDR : issue du Tennessee, très exactement) participe, presque chaque année, aux plus grands festivals. Pas de changement majeur, cependant, dans leur musique. Les morceaux s’enchaînent, sans émotion ni coup d’éclat, et sont repris en chœur par un public conquis d’avance… (Set list : Crawl/ Four Kicks/ Taper Jean Girl/ My Party/ Molly's Chambers/ The Immortals/ Fans/ Back Down South/ Pyro/ Be Somebody/ It Don't Matter/ The Bucket/ Cold Desert/ Closer/ On Call/ Notion/ Knocked Up/ Use Somebody. Rappel : Radioactive/ Sex on Fire/ Black Thumbnail).
J’aurais voulu assister à la fin du set de Devendra Banhart, mais il ne lui reste qu’un gros quart d’heure à prester, et la Tent stage sous laquelle il se produit est située à une bonne dizaine de minutes de marche de la scène principale. Pas grave, car il revient dans deux semaines au festival de Dour.
Je reste donc près de la main stage, pour finir la soirée en douceur. Y est programmé Steve Reich et l’ensemble moderne. A 76 ans, le musicien et compositeur new-yorkais n’a plus grand-chose à prouver. Durant les 15 premières minutes, Jonny Greenwood (membre de Radiohead) vient interpréter « Electric counterpoint », une longue compo signée Reich, datant de 1987. Le tout sans grand artifice. Seul un light show inonde l’estrade d’une gamme de teintes bleues. Place ensuite à l’ensemble moderne et le « Music for 18 musicians ». Il me semble même qu’ils sont bien plus nombreux... Bientôt 2 heures du matin, le public commence à déserter les lieux ; faut dire que ce type de concert serait mieux adapté en salle, et à une autre heure de la journée.
Sur la route du retour, l’heure est au bilan de ce festival
On épinglera donc
Comme points forts :
- de grands espaces sur le site
- la possibilité de visiter en journée la tri-cité polonaise (cf. ci-dessus)
- les prix d’entrée et des bières, moins chères pour un demi-litre que 25cl en Belgique
- les navettes de bus permanentes et les trains de nuit vers Gdansk
Et comme points faibles :
- la tolérance zéro et les fouilles minutieuses
- le nombre limité de W.C.
- le froid qui tombe rapidement le soir
- la programmation de Steve Reich le samedi soir
Nouveau trajet Gdansk-Gdynia pour la seconde soirée de festival. La foule est beaucoup plus dense en cette veille de week-end. 50 000 spectateurs sont annoncés… Mais je ne me souvenais plus que la fouille était aussi minutieuse à l’entrée. Amis belges et hollandais, soyez sur vos gardes : même les paquets de cigarettes sont examinés minutieusement. Seules les clopes ordinaires sont tolérées. Et sur le site, des agents de sécurité contrôlent les jeunes lorsqu’ils sont assis en groupe… Côté météo, la grisaille de la veille a cédé le relais à un soleil généreux.
Skunk Anansie termine son show sur la grande scène par « Charlie Big Potato » et « Little Baby Swastikkka ». Le groupe compte déjà près de 20 années de carrière. Et sa charismatique chanteuse Skin, plus de 45 balais. Mais elle se dandine comme une jeune première, moulée dans un pantalon qui laisse clairement transparaître des sous-vêtements sportifs. En outre, elle ne craint toujours pas les bains de foule. Faut croire que le temps ne semble pas avoir de prise ni sur elle, ni sur ses fidèles musiciens, que ce soit le bassiste Cass ou le guitariste Ace. Le groupe aurait néanmoins intérêt à publier un album percutant, s’il souhaite remonter au sein de l’affiche.
La musique de These New Puritans, qui se produit sous la ‘Tent stage’, est beaucoup moins facile à cerner. D’ailleurs leur dernier album, « Field of reeds », brouille encore davantage les pistes. Il y a de la pop et du post-punk, mais pas seulement. La voix de Jack Barner passionne autant qu’elle excède. Travaillée, indolente, elle évolue à la limite du faux. La formation dispense de longs morceaux qui découragent une partie du public, déjà pas très nombreux, face au podium (NDR : un petit millier de personnes). Puissantes, les compos sont galvanisées par les drums de George, le frère jumeau de Jack, mais également parfois balayées par une section de cuivres qui tantôt les rend encore plus ténébreuses, tantôt rallume soudainement rallume la flamme, en empruntant une nouvelle direction. Une expression sonore intrigante qui exige une oreille avertie…
Retour vers la grande scène pour un set bien plus prévisible : celui de Queens of The Stone Age. Il nous balance un « Feel good hit of the summer », alors que des images rappelant le clip vidéo défilent sur des écrans installés derrière le groupe. Des corbeaux et des routes américaines y seront régulièrement projetés. Sculpté dans le stoner, « You think I ain't worth a dollar, but I feel like a millionaire » incite la foule à se remuer. « No one knows » embraie, dans le même ordre que sur l’album « Song for the deaf », gravé en 2002. Et dès les premières notes de ce titre-phare, l’enthousiasme du public monte d’un cran. Paradoxalement, le combo n’est vraiment pas pressé d’interpréter les titres de son dernier opus, « Like clockwork ». Il faudra même attendre la fin de parcours pour entendre « My God Is the Sun » et « The Vampyre of Time and Memory ». Des compos nettement moins métalliques mais au cours desquelles Josh Homme peut démontrer toute l’amplitude de ses vocaux. La prestation s’achève par « A song for the dead », encore une plage issue de « Song of deaf »…
Place ensuite à The National. Et à l’instar de Nick Cave, qui s’était produit la veille, leur dernier elpee, « Trouble will find me », n’est guère transcendant. Le climat mélancolique est parfois un peu trop ténébreux. Mais en ‘live’, The National est capable de prendre une toute autre dimension. Tout comme The New Puritans, cet après-midi, une section de cuivres soutient le line up de base. Les frères jumeaux Dessner sont toujours aussi difficiles à différencier. D’autant qu’ils sont les deux guitaristes du band. Et les autres frangins Devendrof sont extrêmement complémentaires, à la basse et à la batterie. Matt Berninger affiche une attitude (faussement ?) éthérée. Sa voix de baryton s’étend sur la plaine comme la brise fraîche et légère de cette fin de soirée. D’entrée de jeu « Fake empire » met tous les spectateurs d’accord. LA grande messe du dimanche matin a commencé. Si « Bloodbuzz Ohio », « Sea of love », « This is the last time » (tous deux issus du dernier opus) ou encore « Sorrow » constituent les moments-clé du set, le reste ne souffre d’aucune faiblesse. Et lors du final, « Terrible love » Matt descend, comme c’est la tradition, une dernière fois allumer le public. C’est sûr The National reste une valeur sûre… en ‘live’ du moins.
Il est déjà deux heures du mat’ ; il est donc grand temps de regagner sagement son appart’. Avec déjà des souvenirs plein la tête, en attendant la suite…
Une fois n’est pas coutume, une petite touche de géographie s’impose avant d’attaquer mon compte-rendu. L’Open’er festival se déroule à Gdynia, au (centre) Nord de la Pologne, en bordure de mer Baltique. Des vols low-costs relient Eindhoven ou Cologne à Gdansk (2 heures). Et la compagnie régulière scandinave vous propose même des vols à prix modérés vers Gdynia ou Gdansk, au départ de Bruxelles, avec escale en pays nordique (3 heures y compris cette escale). Seulement voilà, il faut s’y prendre à l’avance, et je ne reçois mon accréditation qu’après d’âpres négociations (merci à Johan), et moins d’une semaine avant le jour ‘J’ ! Je suis donc encore parti pour un long chemin de croix, et un nouveau voyage ‘à l’arrache’, en compagnie de deux acolytes. Après s’être levé à 4h30 du mat’, il a fallu combiner voiture, avion (via Varsovie), train (comptez 6 heures pour le trajet Varsovie-Gdynia), bus, tram et de longues marches, pour atteindre le site du festival. Soit le jeudi soir vers 20 heures. Mais si l’affiche s’aligne sur celle de Werchter, la desserte des lieux est bien plus organisée. Navettes de bus en permanence, débarquement des festivaliers à proximité de l’entrée du site, et surtout de grands espaces qui ne donnent jamais l’impression de devoir vivre dans une boîte à sardines. En fait, l’événement se déroule en bordure de l’aérodrome Kosakowo.
Ma soirée débute par la fin du set de Tame Impala. A l’instar de leur fameux clip « Elephant », le jeu de lumière est plutôt flashy et kaléidoscopique. Tout comme pour leur dernier album, « Lonerism », la musique oscille entre rock expérimental et psychédélisme. Un concert qui aurait gagné à se dérouler sous un chapiteau plutôt que sur ce podium central. La chaleur de l’après-midi a laissé place à des averses incessantes. Mais c’est surtout une pluie d’applaudissements qui s’abat en fin de parcours…
Les techniciens s’activent sur l’estrade (NDR : il n’y a que peu de temps mort entre chaque prestation). Deux grands pylônes d’éclairage à l’arrière de la scène forment un A et un M inclinés. Pas de doute donc, les Arctic Monkeys vont débouler sur les planches. Et l’entamer par un « Do you wanna know », issu du dernier opus. Enchaînant aussitôt par deux tubes qui remontent à leurs débuts, en 2007, « Brianstorm » et « Dancing shoes ». De quoi se rendre compte de l’évolution du groupe, en ‘live’, sur 5 ans. Un show beaucoup plus mature et posé, à l’image de son leader, Alex Turner. Un petit incident technique causé par la guitare durant « R U mine » ne perturbera même pas le déroulement minuté du concert.
Car les surprises, elles se dénichent ailleurs. Comme sur l’Alterklub stage, où Matisyahu termine sa prestation. Il s’est produit, il y a quelques jours, en Belgique, dans le cadre du Couleur Café. Et comme lors du festival bruxellois, l’ambiance y est plus conviviale. Quelques milliers de personnes assistent au spectacle, devant cette seconde scène en plein air, contre quelque dizaines de milliers sur la principale. La formation propose un savant mélange de reggae, dub et hip-hop. Les interventions du guitariste sont particulièrement solides ; il nous balance même des riffs capables de prendre le relais de la beatbox. Le leader, Matthew (Matisyahu en hébreu), nous réserve une véritable démonstration au chant, passant d’un registre à l’autre avec puissance et décontraction à la fois. En outre, l’aspect religieux (juif hassidique) n’est pas trop pompeux. Bref, un artiste à redécouvrir.
Mais il est déjà minuit, le moment choisi par Nick Cave pour s’emparer de la scène principale. Il a publié, il y a quelques mois un LP intitulé « Push the sky away », qui m’a laissé mi figue-raisin. Et le line up est aujourd’hui orphelin de pions majeurs, comme Mick Harvey et Blixa Bargeld, même s’il a été compensé par le renfort d’Ed Kuepper. Néanmoins, l’Australien va une nouvelle fois démontrer qu’il reste une bête de scène. En nous réserver un véritable best-of. Le quinquagénaire se dépense comme un beau diable. Il ne reste pas figé au milieu de l’estrade, et vient le plus souvent chanter en front-stage, auprès de ses fans. Il n’hésite pas à demander aussi à son auditoire quel titre il souhaite entendre. Lui répondant meme par un ‘OK, we’ll play “Red right hand” for you, it’s a song from the Arctic Monkeys’. De quoi clôturer sur une note humoristique, cette soirée déjà bien chargée, sachant que les jours suivants ne seront pas davantage de tout repos, pour les jambes et les oreilles.
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