Alors que l’Orangerie était sold out pour accueillir la formation française Dyonisos, le sous-sol du Botanique, et plus explicitement le Witloof Bar, programmait au même moment The Cast of Cheers, dans le cadre de la campagne ‘New Talents, cool prices’. Peu connu chez nous, le groupe dublinois venait présenter en avant-première son second opus, dont le titre sera éponyme. Il devrait paraître en juin.
Le public est réduit à une trentaine de personnes. Ce qui n’est pas pour me déplaire, vu l’architecture de la salle, dont les plafonds sont soutenus par des piliers en briques. Si l’endroit est particulièrement esthétique, la visibilité est souvent réduite, surtout pour celles et ceux qui ne trouvent place qu’à l’arrière de la pièce. Quoiqu’il en soit, aujourd’hui, l’assistance restreinte permet de voir l’intégralité de la scène.
Le combo irlandais entame les hostilités à 20h30 par un morceau bourré d’énergie, augurant ainsi un set débordant de fougue punk. Les deux guitaristes gesticulent dans tous les sens frôlant à plusieurs reprises la collision. Les compos s’enchaînent rapidement et ne dépassent que très rarement les 3 minutes. Leur mélange de math-rock et d’indie rock est percutant. Un style que le quatuor maîtrise parfaitement en ‘live’, haussant le ton lorsqu’il le faut. Le traklisting est puisé au sein de leurs deux opus. Et épingle l’inévitable « Family », premier single qui tout en lorgnant vers The Rapture, démontre que le combo peut également afficher une face pop. Ainsi que leur nouveau, « Animals », chanson également plus radiophonique. En fin de parcours, The Cast of Cheers embrasse même une forme plus électro, dans l’esprit d’Errors.
Après une demi-heure de prestation, le combo vide les lieux, pour y revenir quelques secondes plus tard. Leur intention : accorder un rappel. Malheureusement, il ne se produira jamais. Motif ? Un problème technique réduisant le bassiste au silence. Les musicos vont s’excuser à plusieurs reprises. Ce qui ne changera pas grand-chose à la situation. Pas de chance ! Et le public de quitter la salle, un arrière-goût de trop peu dans la bouche, malgré leur mini set convainquant. Vivement la sortie de l’album !
(Organisation Botanique)
Mathias Malzieu redéploye ses ailes après quelques années d’absence scénique, pour le plus grand bonheur des fans de l’animal curieux qu’est Dionysos. Pour fêter la sortie de « Bird’n’Roll », le nouvel album concept de la troupe, et leur retour sur scène, les Français ont planté leur décor sur celle de l’Orangerie du Botanique (NDR : il s’agissait de leur seconde date de leur tournée) afin d’y donner le top départ d’un long périple qui s’arrêtera lors du second semestre aux Ardentes et à l’Ancienne Belgique. L’occasion de démontrer qu’ils n’ont rien perdu de leur incomparable cocktail d’énergie et bonne humeur.
Quatre ans se sont écoulés depuis la dernière fois où les drôles d’oiseaux de Dionysos ont mis les pieds sur des planches belges. Pourtant, il n’a pas fallu plus de quinze jours pour que les tickets s’évaporent dans la nature. C’est qu’ils sont au taquet les fans de Dionysos. Ainsi à 21h, la salle est plus que comble tandis que les six enfants terribles prennent place sur la grande scène du Bota. Derrière eux, une enseigne aux couleurs du titre de leur dernier LP se tient toute prête à scintiller.
Presque 20 ans et toutes ses dents, Dionysos casse la baraque dès son entrée. On se prend les foudres de John McEnroe et la tonitruante « McEnroe’s Poetry » en pleine face. C’est bon, rien n’a changé. Mathias et ses potes sont à fond, le rock’n’roll dans les veines. Ou plutôt le « Bird’n’Roll », concept extrait des membranes cervicales du leader de la bande. Un concept qui occupera d’ailleurs les trois-quarts du set. La formation prend donc la température de la mouture live des nouveaux morceaux. Ils tapent souvent dans le mille mais l’attente du public est manifestement tournée vers les anciens morceaux, comme l’indiquera l’accueil réservé aux « Don Diego 2000 », « Song For Jedi » et autres « Métamorphose de Mister Chat », durant lequel s’entremêlaient d’ailleurs miaulement de joie et hystérie collective. Près de 700 personnes qui attendent impatiemment de pouvoir hurler ‘ta gueule le chat !’, ça doit s’entendre jusqu’au bout du couloir.
Fidèle à lui-même, Malzieu s’envole au-dessus du public et y plante son nid le temps d’un morceau, mégaphone à la main, devant les yeux amusés de la toujours aussi charmante Babet et de ses autres collègues. En guise de rappel, la bande de Valence nous présente son « Roi en Pyjama » avant d’enchaîner sur les riffs à la perceuse de l’ultime et bouillonnant « Wet », dédié aux fans de la toute première heure. Après un tel spectacle, il serait idiot de ne pas Bird’n’Roller avec McEnroe, Don Diego, Mister Chat, June Carter, Spidergirl, Tom Cloudman, le pire cascadeur du monde, et les autres Monsters in Love, lors des prochaines étapes belges de la bande de volatiles !
Aux Ardentes le 5 juillet et à l’AB le 1er novembre.
(Organisation : Botanique)
Difficile de le croire, mais Twin Arrows est une formation parisienne. Pourquoi tant d’incrédulité ? Parce que bien qu’issue de la ville lumière, elle pratique un blues/rock crasseux, poisseux, légèrement noisy et particulièrement excitant. Et parce qu’elle puise ses principales influences chez Royal Trux (NDR : enfin c’est le plus souvent à ce groupe que l’on pense, lorsqu’on écoute cet album). Enfin, les chansons ne sont pas interprétées dans un anglais dont l’accent est à couper au couteau.
Pour toutes ces raisons, Twin Arrows se démarque de ses compatriotes évoluant dans la sphère rock. Tout en lorgnant vers le rock yankee (NDR : celui de White Stripes, de Dead Weather et bien sûr de Royal Trux), leur premier opus est d’une efficacité redoutable. Faut dire que le sens mélodique des compos est particulièrement soigné. Et si les guitares sont omniprésentes, elles balisent parfaitement la conjugaison des deux voix, des vocaux à la fois impeccables et puissants.
Seule la production semble approximative. M’enfin, c’est peut-être ce manque de propreté qui fait le charme de leur musique.
Déjà un an que ce cd est paru ; mais apparemment, il n’a guère suscité d’intérêt auprès des médias, à cette époque. Il ne risque d’ailleurs pas de provoquer un nouvel engouement, aujourd’hui. Et pourtant…
Pourtant, ce constat se révèle un peu tristounet, car Cécile, Guillaume, Bernard, Jérôme et Didier nous proposent une création, ma foi, originale et qui ne doit rien à personne. Ce quintet réalise un mix entre folk /blues yankee et chanson française. L’Orchestre du Vent, ben finalement, c’est pas vraiment du vent !
Sept chansons seulement peuplent ce premier disque autoproduit et entièrement réalisé par nos valeureux compatriotes de Tchantès. De l’écriture des textes à la pochette, en passant par les compositions, l’enregistrement, le mixage et même l’illustration très réussie de l’enveloppe cartonnée.
Côté musical, les guitares et le banjo alimentent le climat folk-blues-rock américain, un climat entretenu par un harmonica, un accordéon, un violon ou un clavier, ostensiblement optimistes ! « Mon timing », plage phare, illustre parfaitement ces accords instrumentaux parfaits.
Côté lyrics, L’Orchestre du Vent nous parle du quotidien où l’on rencontre des gens ordinaires, petites histoires tantôt tragiques, tantôt caustiques mais toujours touchantes. Mais les mots sont subtilement choisis et racontent de façon poétique des événements émouvants et authentiques. Des textes bien pensés et bien dits…
Un petit disque soigné et discret !
Chocolate Pain est un trio grenoblois et « Bliss » constitue son deuxième album. En comptant le nombre de titres, je ne débordais pas d’optimisme avant d’écouter ce disque. Vingt et un morceaux, c’est déjà un peu beaucoup pour un groupe que l’on apprécie ; mais si l’artiste ou la formation est inconnue, l’enthousiasme est réduit à sa plus simple expression. D’autant plus que ni le patronyme du band ni l’artwork de la pochette ne sont de nature à renverser la vapeur. M’enfin, quand faut y aller, faut y aller…
L’elpee nécessite plusieurs écoutes et de nombreuses recherches sur la toile pour bien comprendre la démarche du combo. Le climat de ce long playing est ténébreux. Nous sommes en présence d’un concept album : ‘un concept qui retrace l’histoire de deux âmes perdues à la recherche d’un bonheur fantasmé et intouchable, de ceux qui essaient de les retenir, de ceux qu’ils entraînent dans leur folie’. Ainsi de nombreuses plages ne sont que des intermèdes destinés au cours duquel une histoire est racontée. Et finalement, malgré le nombre de pistes, le disque ne dure pas une éternité, comme on aurait pu le supposer. Musicalement, Chocolate Pain me fait surtout penser à At the Drive In voire à Fugazi, surtout lorsque la voix du chanteur se fait déclamatoire. Une tension permanente, suspendue aux existences de ces deux personnes, règne tout au long de l’œuvre. L’émotion est également palpable ; mais elle est uniquement relayée par la voix ; à tel point que parfois, elle en perd de sa justesse. Heureusement, les guitares tiennent la route. Grâce à de sublimes arpèges mélodiques et à des riffs aussi puissants qu’efficaces.
Bienvenue dans l’univers sombre et plutôt déprimant, mais paradoxalement passionnant de « Bliss »…
Chaque année, à pareille époque, on assiste immuablement au même rituel.
Deux mille douze ans que ça dure.
De passage parmi les hommes, je me sacrifie (sic !) à la tradition et je fais bonne figure.
Ce sacrifice ne me dérange pas. Je crois que je l’aime, dans le fond.
Hier, mercredi onze, votre serviteur avait un peu de temps libre devant lui, après les festivités du week-end.
Informé par un tract, il s’est retrouvé un peu par hasard dans cette arrière-salle, quelque part à Liège.
Depuis il est sourd. Et en totale harmonie avec l’humanité.
La cène, non, pardon, la scène se situait tout dans le fond.
Tellement exiguë que tous les musiciens ne pouvaient s’y tenir ensemble.
Du coup, seul le batteur trônait là, derrière ses fûts.
Au milieu du public, clairsemé en ce début de soirée, se produisaient un guitariste survolté, une bassiste exaltée et une chanteuse qui sans payer de mine démontrait l’étendue épatante de sa tessiture vocale.
Derrière un nom improbable se cachait la première bonne surprise de la nuit.
Katawumpus, quatre pèlerins issus d’Ardèche dont le Rock incisif et à première vue brouillon s’avérait en fait d’excellente facture.
Magma improbable et électrifié qui amplifiait au fil du set pour se terminer en orgie bruitiste sous les cris conjugués d’un saxophone possédé et les onomatopées gutturales sorties tout droit des gorges du mont Golgotha.
Tout en sueur sous ma robe de bure, mes membres s’entrechoquaient à chaque assaut du combo en pleine ascension.
Après cette salve jouissive, je me suis tourné vers le bar et je me suis fait servir une coupe de leur meilleur vin de messe.
Discutant le coup avec quelques autochtones, j’ai pu constater que mon enthousiasme était largement partagé.
Il n’a pas fallu longtemps pour que le second groupe, français lui aussi, donne l’assaut.
Naturellement réticent aux égosillements infatigables, toute performante que soit la voix empruntée par le prêcheur de Coubiac, celle-ci me ramena naturellement vers le calice qui m’attendait. De là où je me tenais, je pouvais apprécier la prestation scénique et Ô combien énergique des fils spirituels de Black Flag.
Cependant, un petit bonhomme étrange suscitait ma curiosité.
Sautillant, semblant sous amphétamines, et apparemment très en forme, ce petit lutin arborant un drôle de T-shirt à l’effigie du pape Jean Paul II faisait le pitre et semblait ne plus tenir en place.
Impatient d’entamer la grand-messe qui allait suivre, le leader de Gnod trépignait.
Et puis soudain, le plafond de la salle s’est envolé.
Le ciel s’est assombri, et le vent a commencé à souffler, tandis que des éclairs déchiraient l’obscurité.
Le sol s’est mis à trembler. Sans doute éventré par ces deux basses qui semblaient faire jaillir la vérité ultime des tréfonds de la terre.
Littéralement happé par une transe qu’il ne semblait nullement contrôler, le drôle de personnage qui présidait à cette eucharistie se roulait aux pieds des fidèles, se relevait, tremblait sur ses jambes qui ne semblaient plus le soutenir, se vautrait dans la fange et appelait à lui quelques démons ou anges que seul lui semblait voir.
Cris de damnés étranglés dans d’infinies réverbérations, soutenus par des giclées de bruit blanc crachées par une guitare sous acide.
Le visage maculé de sang, l’improbable orateur psalmodiait des paroles incompréhensibles sous le regard hagard de ses disciples entourés d’une aura lumineuse dont les spirales hallucinées s’enroulaient et s’entrelaçaient dans l’espace déchiqueté.
Suspendu entre l’infini et l’éternité, je me suis envolé dans les hautes sphères de l’absolu et j’ai touché l’éternité.
De là, je vous écris ces quelques lignes, qui devraient vous inciter à découvrir au plus vite Gnod et à vous ouvrir à eux.
Oui, comme l’indique l’un de leur grands faits d’arme, « In Gnod We Trust ».
(Organisation : Carlo Lévi)
Nonobstant un patronyme pas vraiment ‘sexy’, Breton est à la pointe de la ‘hype’ depuis quelques mois. Et ce n’est pas une formation bretonne, comme on aurait pu l’imaginer, mais bien anglaise. Il n’est donc guère surprenant de voir la Rotonde pleine comme œuf, pour ce concert. Après avoir gravé 3Eps passés plus ou moins inaperçus, le combo a publié « Other People’s Problems », il y a quelques semaines. Un opus paru sur l’excellente maison Fat Cat et bien reçu par la critique.
Le groupe monte sur l’estrade vers 20h30, le chanteur/guitariste Roman Rappak, en tête. Il semble éméché et a ramené une bière et sa bouteille de Jameson. Tellement rock n’ roll ! Il est flanqué de quatre comparses, respectivement préposés à la batterie, la basse, les claviers et autres obscurs engins de programmations. Derrière le quintet, soucieux d’être de son temps, un écran reçoit les projections des belles vidéos du groupe. Faut dire que Breton est le groupe multimédia par excellence ! A l’origine, il considérait sa musique comme un support destiné à sonoriser leurs films réalisés dans leur squat londonien (NDR : on se doute cependant que l’aventure musicale est devenue rapidement prépondérante…) Le son est puissant. Le groupe est solide et bien en place. Il aligne les titres issus de son elpee. Il nous livre une sorte de version dansante de la rage adolescente manifestée par Wu Lyf : toutes guitares et basses dehors ! Et ce sont les sonorités électro subtilement tribales qui allègent l’expression sonore. Les titres sont accrocheurs (« Pacemaker », « Electrician », « The Commission », « Edward the Confessor »), à défaut d’une présence scénique remarquable des musicos. Le groupe communique très peu avec son public, mais quand il le fait, c’est dans un français sans accent.
Malheureusement, au bout de 35 minutes, donc après avoir épuisé son court répertoire, le gang insulaire laisse maladroitement tomber son public, juste après un bref rappel. Bref si le set était efficace, on ne peut pas dire qu’il deviendra inoubliable. Le groupe a certainement beaucoup de talent et marche peut-être sur les traces des fantasques Foals. D’autres sales gosses… Seul l’avenir nous le dira…
(Organisation Botanique)
Du hardcore de Poison The Well à la folie pop de Sleigh Bells, Derek Miller n’a pas pour habitude de faire dans la dentelle. Après « Treats », un premier essai aussi réussi qu’horripilant, le duo de Brooklyn a récemment signé chez Sony et en a profité pour dévoiler une nouvelle collection qui porte son titre à merveille ! Difficile, en effet d’écouter « Reign of Terror » d’une traite. Maintenant, tous les goûts sont dans la nature. Si vous appréciez les murs de guitares sursaturées et explosives, déstructurés par les pédales de distorsion, pourquoi pas. D’autant plus que la voix d’Alexis Krauss n’est pas de nature à modérer le climat. Perso, après avoir écouté « Crush » et « Leader of the Pack » (NDR : des hits ?????), je suis largement rassasié. Mais davantage comporte des risques. Mon cerveau se met alors à bouillir et mes tympans à fondre. Trop spartiate ! C’est une certitude, le ‘règne de la terreur’ s’imposera lors de la bande-son jouée non-stop par les allumés de Sleigh Bells ! Un concept original mais éreintant comme doit l’être Kate Perry sous ecstasy !
WTF ? Le hip-hop psychédélique ! A l’heure où OFWGKTA publie son « The OF Tapes, Vol. 2 », deux membres du turbulent collectif tirent leur épingle du jeu en proposant un premier LP original, rétro et planant à mort. The Internet, collaboration entre la gamine Sydney Bennett, alias DJ Syd Tha Kid et le producteur Matt Martians, se démarquent largement de leur bande de potes tout au long de ce « Purple Naked Ladies » hallucinogène alliant un Hip Hop langoureux à des sons R’n’B plutôt orienté fin des eighties et un Trip Hop vaporeux à souhait aux relents jazzy. Syd Tha Kid, seule demoiselle de l’équipée Odd Future, en a autant dans le ventre que ses camarades (et une tout aussi grande gueule). On est ici loin de l’Urban music commercial à deux balles. The Internet fournit un travail de recherche manifeste qui risque fort d’en influencer plus d’un.
« Purple Naked Ladies » souffre tout de même de quelques remplissages (« Lincoln », « Gurl »). Mais ces défauts donnent d’autant plus de valeur à des morceaux trippants comme « Ode To A dream », « Cocaine » ou « Fastlane ». La voix fluette de Syd Tha Kid communique autant de sensualité à l’ensemble que les beats lascifs de son partenaire. En publiant une galette dont toute la force réside en son originalité, The Internet fait la nique aux autres membres de la troupe, Tyler, The Creator en tête. Le duo signe d’ailleurs dans « The OF Tapes, Vol. 2 », l’un des morceaux les plus intéressants de la compile. S’ils continuent sur cette lancée, Tha Kid et Martians ont de quoi changer les règles du genre.
Cet été, les sales gosses d’OFWGKTA, et par conséquent The Internet, sont à l’affiche du Pukkelpop. A manquer sous aucun prétexte !
Que ceux qui se languissent inlassablement d’une seconde collaboration entre Alison Krauss et Robert Plant lèvent la main ! Ceux qui ne jurent que par ce duo ou les combos paritaires du genre The Swell Season, Angus & Julia Stone ou encore Damien Rice et Lisa Hannigan vont mouiller leurs culottes. La relève s’appelle The Civil Wars et propose un premier LP honnête et quasi irréprochable., rendant ainsi ses lettres de noblesse à la country, genre snobé –souvent à juste titre– par le public européen. « Barton Hollow », l’œuvre d’introduction de Joy Williams et John Paul White, est initialement apparue dans les bacs américains en février 2011. Buzz grandissant oblige, Sony et le couple –sur les planches et pas à la ville– rééditent le disque cette année pour le plus grand bonheur des Européens qui ont droit à 7 morceaux bonus.
Souvent chantés à l’unisson, les mélopées country-folk de The Civil Wars jouent la carte du romantisme, mais pas trop. Le duo fait donc vibrer la corde de l’émotion, notamment lors des délicats « C’est La Mort » et « Girl With The Red Balloon » (NDR : référence au fameux graff de Banksy) ou un « Poison & Wine » d’excellente facture bien qu’un poil moins poignant que le « Falling Slowly » de The Swell Season, dont il se rapproche pas mal. Mais les deux points forts de « Barton Hollow » sont sans conteste le colossal americana du titre-maître et l’instrumental « The Violet Hour », taillés pour épouser la touche ‘replay’. De quoi renouer avec la Country sans discuter.
En guise de bonus dans cette nouvelle mouture de « Barton Hollow », The Civil Wars propose un petit hommage à Michael Jackson lors d’une reprise plutôt correcte de « Billy Jean » et une autre plus originale d’« I Want You Back ». Le duo enchaîne ensuite avec une jolie réinterprétation du « Dance Me To The End Of love » de Cohen.
Le duo se produira en concert le 13 novembre à l’AB. Pas à l’ABClub où ils devaient jouer initialement, mais à l’AB Flex. Et pour sûr qu’on y sera.
La Californie était le terrain de prédilection, fin du XIXème siècle, des groupes de punk-pop responsables d’une musique entraînante et ensoleillée. Un concept parfaitement illustré par Blink 182 et consorts. Enfin, c’est ce que l’Europe a toujours imaginé. Les clichés ont la vie dure ; et pourtant, cet Etat sis à l’Ouest des States a également enfanté des formations de punk garage aussi malsaines que révoltées, à cette même époque…
Et Ceremony, combo issu de Rohner Park (NDR : c’est près de San Francisco) en est un parfait exemple. « Zoo » constitue leur troisième opus, mais le premier publié par le label Matador (Spoon, Guided by Voices, Stephen Malkmus, …) Le band puise notamment ses influences chez les Cramps et Gang of Four pour régurgiter une expression sonore frénétique, qui sent la sueur et flirte avec le hardcore. Les guitares crissent. La basse est caoutchouteuse, hypnotique. Il règne un climat menaçant tout au long de cet elpee, un climat entretenu par la production de John Goodmanson (The Blood Brothers, Girls, Weezer, …) Sans oublier les interventions vocales de Ross Farrar qui oscillent entre chant et hurlements. Pour y dénoncer nos structures sociales, au sein desquelles il n’est pas facile de s’échapper. Ce qui explique le titre du long playing.
L’œuvre ne dure que 36 bonnes minutes et concède l’un ou l’autre titre dispensable ; mais elle recèle également quelques morceaux d’excellente facture propices au défoulement. A l’instar du survitaminé « Quarantine » ou du languissant « Hotel ».
Danny est sans aucun doute l’un des leaders du blues rock anglais. Son Redeyeband est au sommet de sa popularité, alignant plus de 150 concerts sur l’année. Il est encore bien jeune, puisqu’il vient seulement de fêter ses 31 balais. Son expérience, il l’a forgée au fil du temps. Il confesse avoir été inspiré par Eric Clapton et Walter Trout ; mais avoue volontiers que le légendaire BB King tient aussi sa place! Ses débuts datent de 1998. Et c’est son père, Ken Bryant, qui se charge de la basse depuis cette époque. Danny compose la majorité de son répertoire, et comme il est prolifique, il compte déjà une belle brochette d’albums à son actif. Il avait déjà publié un “Live”, en 2007. Il remet donc une fois encore le couvert en gravant ce “Night life” immortalisé à Rosmalen, aux Pays-Bas.
Il est à peine monté sur les planches, que ses cordes libèrent un flot de notes incandescentes. L’intensité est dramatique. La voix puissante du jeune homme colle bien à ce rockin’ blues largement amplifié. Lorsqu’il attaque “Tell me”, tout le public est déjà derrière lui. Il torture les sonorités de sa gratte en usant et abusant de ses pédales de distorsion. Mais manifestement, il est au sommet de son art sur les plages imprimées sur un tempo lent. A ce moment là, il peut communiquer tout son ressenti, toute sa souffrance, en conjuguant sa voix menaçante et ses cordes maîtrisées à la perfection. Et il le démontre tout au long de “Just as I am”, le titre maître de son dernier opus studio, paru en 2010. Une recette qu’il applique à “Love of angels” ainsi qu’au final aussi bouleversant que dépouillé “Always with me”. On ne peut pas dire que Danny fasse dans la dentelle. Sa musique est puissante et directe. Pas étonnant qu’il ait beaucoup écouté Walter Trout. Un exemple ? “Heartbreaker”, qui déclenche une véritable tornade. Son talent d’écriture étant limité par son style, Danny s’autorise plusieurs reprises, toutes bien saignantes : le “Master of disaster” de John Hiatt, le “My baby’s a superstar” de Buddy Guy et une bonne version mais sans surprise du “Knockin’ on heaven’s door” de Bob Dylan.
« Natives » est sans surprise un excellent album ! Sans surprise ? Le multi-instrumentiste Kelly Pratt, l’unique tête pensante de Bright Moments, son projet solo, est en effet le magique et mystérieux trompettiste qui a accompagné quelques fleurons de la scène ‘indie’, au cours de ces dernières années. Et notamment Beirut, Arcade Fire, St Vincent, LCD Soundsystem (en live) ainsi que la Française Emilie Simon…
En solo, les compositions de Bright Moments –enregistrées cet hiver dans son appartement de Brooklyn– mélangent d’ailleurs les mélodies slaves arrache-cœurs de Beirut (« Travelers ») et la dextérité folk des compositions d’Andrew Bird (« Tourists »). Les arrangements sont soignés et discrets malgré le recours au piano, à l’accordéon, au cor ou encore aux ‘cavaquinho’, instruments d’origine portugaise à quatre cordes, sorte de guitares à pincer.
« Natives » où la naissance au grand jour d’un génie caché jusqu’alors (à qui on demanderait juste de légèrement se détacher de ses illustres connaissances...)
“Schyzopolis” constitue le troisième elpee de Bo, auteur/compositeur/interprète parisien trentenaire.
Mais qui se cache derrière ces deux lettres ? Hormis Bo Derek, actrice à la plastique superbe qui a marqué les seventies, rien ne transpire quant à l’identité véritable de notre homme sur la toile. Faudra donc s’en contenter et on ne parlera que de sa musique, puisqu’au final, c’est principalement ce qui nous intéresse, n’est-ce pas ?
Bo s’est illustré en 2004 lors de la sortie de son premier album « 323 zap Shangaï baseball ». Bien reçu par la critique, son premier clip « Vegetable » est diffusé sur MCM et MTV. Trois années plus tard, Bo remet le couvert en publiant « Koma Stadium » et un nouveau clip qui cartonne : « Yokohama ». Il est diffusé sur MTV, Virgin TV, France 3... et le net (Youtube).
Intéressant à plus d’un titre, cet artiste mystérieux manifeste un humour très second degré et concentre sa musique sur des rythmes pop/électro. Et le résultat est aussi vivifiant qu’amusant. Mélangeant les langues anglaise et française (parfois dans la même chanson), Bo marie légèreté et consistance dans ses textes.
Inaugurant une série de 12 chansons ‘farfelues’, « Je suis Dieu » annonce clairement la couleur : on va nager en plein délire durant une bonne grosse demi-heure. Et rien à dire, ce titre est un remarquable concentré des ingrédients utilisés par Bo : humour et style !
Seconde plage du CD et actuel morceau promo du disque, « No More Mister Nice Guy » (NDR : excepté le titre, ce morceau n’a strictement rien à voir avec une chanson du vieil Alice Cooper datant de 1973, qu’on se le dise une bonne fois pour toutes) impose une musique rock rétro entraînante. « Lou Reed » est un concentré de bonne humeur et d’humour décalé et là, le parallèle peut être établi, car l’allusion au « Perfect Day » de l’ex Velvet Underground est bien audible.
Agrégeant les styles, Bo décline ses envies, les langues et les hommages aux gens qu’il aime et à qui il vous une admiration palpable : les Beatles (pour la couleur musicale pop), Dutronc père (pour son côté humour décalé) et plus explicitement à Brigitte Bardot et Gainsbourg (« Tokyo ») ou à Tom Jones (« Hello »).
Riche de ces influences, Bo nous sert un album riche et ambitieux où les mélodies sont du plus bel effet. L’instrumentation riche et originale se met au service de la volupté, de la variété et de la folie de ce ‘Bo chanteur’, personnalité plus qu’originale qui mérite que l’on se penche sur son nouveau-né en manifestant autant de curiosité que d’intérêt…
En résumé, jetez-vous sur ce petit bijou de french pop plein de sensibilité et de second degré !
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