La pop de Chairlift a définitivement ‘Quelque chose’! Ancrée dans les années 80, elle affiche cette légère originalité qui lui permet d’être également parfaitement de son temps… L’ex-trio new-yorkais est aujourd’hui réduit à un duo. Au sein duquel on retrouve Patrick Wimberly et Caroline Polachek. Aaron Pfenning, l’ex-petit ami de Caroline P. a rompu et s’est barré. « Something » constitue leur second elpee. Il fait suite à « Does You Inspire You », un disque publié en 2008 qui recelait l’imparable single “Bruises”.
Sur ce nouvel effort, la synth/pop de Chairlift délaisse son côté relativement hermétique tout en s’offrant le luxe de conserver sa touche mystérieuse. La voix éthérée et protéiforme de Caroline Polacheck appuie élégamment l’instrumentation électro-pop élaborée par Wimberly (producteur de Das Racist), une expression sonore (sur)produite par Dan Carey (Hot Chip, Franz Ferdinand) et Alan Moulder (Depeche Mode). Très peu de radios devraient résister à des singles de la trempe de « Sidewalk Safari » ou encore « Ghost Tonight » ! La ‘quality pop’ de Chairlift a définitivement ‘Something’…
Amour est un projet qui réunit les trois membres du Singe Blanc, Mr. Verdun (moitié de Thee Verdun) et Mr.Marcaille (moitié de Violon Profond). Un concept qui implique donc deux basses, une batterie, un violoncelle et une contrebasse. Qui dit mieux ?
Cette concentration d’adeptes de post-math-jazz-rock expérimental ne pouvait déboucher que sur un pot-pourri musical décalé. Pourtant, on ne peut pas dire que la musique d’Amour sombre dans un univers aussi impénétrable que chez les formations susvisées. Les influences du Singe Blanc sont certainement les plus marquées, mais un peu comme si son style était devenu maniéré. D’ailleurs, exit les onomatopées, c’est dans la langue française que sont écrits les textes. Enfin, quand on les comprend. C’est d’ailleurs une marge que je n’oserai franchir. Sans quoi chez Amour, on retrouve ces breaks si caractéristiques des formations hexagonales du style. Interventions de basses et contrebasse forment la texture, pendant que la ligne de violoncelle ondule au-dessus du flux sonore
Perso j’aurais espéré davantage de surprise chez Amour. « Rayé, Chaloupé » était une occasion unique pour y parvenir. Surtout vu l’originalité de la formule. Conclusion, ce disque s’adresse surtout aux fans du style. Pas davantage. Dommage !
Vous reprendrez bien un peu de bon Krautrock made in Norway ? Les gamins de 120 Days reviennent six longues, très longues années après leur premier album éponyme. Un LP percutant qui rassemblait sous une même enseigne des influences telles que Kraftwerk, The Cure, Joy Division et New Order. Pour son second labeur, que l’on pensait ne jamais voir arriver, le quatuor reprend les ingrédients principaux du précédent essai en leur assénant une dose homéopathique de Space Disco. Ainsi, des morceaux comme « Osaka » ou « Dahle Disco » sont clairement taillés pour les pistes de danses. Un petit changement de cap plus que bienvenu, la formation évitant efficacement la répétition tout en restant fidèle à elle-même.
Tout simplement baptisé « 120 Days II », toujours en référence à l’œuvre de Pasolini, la galette devrait faire bander, entre autres, les fans de Primal Scream ou The Orb. Ne serait-ce que pour le triptyque « Lucid Dreams », un titre découpé en trois partie tout en crescendo, qui s’achève sur un voyage hallucinogène dans les méandres de l’espace. Ils ont pris leur temps pour nous pondre un tel disque, mais le long processus d’écriture a porté sa cargaison de fruits. Impeccable de bout en bout, « 120 Days II » promet un bel avenir aux Norvégiens qui, à l’époque du premier LP, jouissaient déjà d’une belle réputation ‘live’. De « SF » (pour San Francisco) à « Osaka », 120 Days se taille graduellement une jolie place au soleil. A suivre de très, très, très près.
Live : En première partie de Islet au Witloof Bar du Botanique, le 16/04.
Shelley Short est né aux Etats-Unis. A Portland dans l’Oregon, très exactement. Dès sa tendre enfance, la jeune fille baigne dans le milieu musical. Très jeune, elle apprend la basse puis la guitare. Au lycée, elle écrit ses premières chansons. Shelley s’inspire de tout ce qui l’intéresse au quotidien : la littérature, le cinéma et bien entendu la musique. Bref, tout ce qui peut développer son imagination. Influencé par le folk et tout particulièrement l’americana, elle enregistre ses premières compos en 2003. Elle publie, ensuit quatre albums sur le label Hush (Laura Gibson, Loch Lomond, …) Ce qui lui permet de tourner aux States, mais aussi sur le Vieux Continent. Elle a notamment assuré la première partie du dernier périple de M.Ward. Et c’est à cette époque, qu’elle a composé les chansons de ce nouvel elpee, « Then came the after ».
Je dois avouer ne pas très bien connaître cette Shelley Short. Mais j’ai vraiment été surpris d’apprendre qu’elle avait signé chez Africantape, une écurie au sein de laquelle on ne rencontre pas vraiment d’artistes pratiquant ce style musical. Faut croire que le label français a décidé d’élargir son champ d’action.
Pour concocter cet opus, l’Etasunienne à quand même reçu le concours de vielles connaissances. Et en particulier Alexis Gideon, Nate Query (aperçu auprès de The Decemberist) ainsi que Rachel Blumberg (M.Ward, The Decemberist). Du beau monde, en perspective, donc… Et le résultat est plus que satisfaisant. Ses compos sont recherchées mais aussi parfois bouleversantes d’émotion. Les mélodies ne se dévoilent qu’après plusieurs écoutes. La production est soignée. L’instrumentation diversifiée : depuis la harpe à la trompette, en passant par l’ukulélé ainsi que les grattes électrique et acoustique.
Lorsqu’on écoute la musique de Shelley Short, on ne peut s’empêcher de projeter dans son esprit les images des paysages verts et paisibles de l’Oregon.
Au sein d’un genre qui se mord trop souvent la queue, « The came the after » est manifestement une bonne surprise.
Alors là, on a fait fort chez mon rédac’chef…
Ce disque est sorti depuis plus de deux ans. Une éternité donc ! A sa décharge, je comprends qu’un cd cartonné puisse aisément passer entre les mailles du filet ; car après avoir dégusté ce petit service 5 plats, ma vie n’en a pas été bouleversée, loin de là !
M’sieur 13, est un quintet constitué de m’sieur 13 himself au chant, mirliton, charleston, shaker, cymbales & brol à bruits ‘aucazou’, m'sieur Jean-Loup aux guitares, grosse caisse & bruits d'bouche, m’sieur Pat à la contrebasse, m’sieur Eddy aux percus restantes et enfin m'sieur Christophe qui cumule les fonctions de chauffeur, garde du corps & accessoirement ingénieur du son (si le temps le lui permet). Bref, vous l’aurez compris, on nage dans le loufoque… et même plus…
Les Liégeois ont visiblement puisé leur inspiration chez Dutronc (surtout père) pour les paroles, Sanseverino, les accents musicaux tziganes et Renaud, la façon de s’exprimer dans un accent parigot à couper au couteau. Leurs petites chansons au style mini-trip jazzouillard punk-musette version champagne-circus (dixit M’sieur 13 lui-même) est idéal pour mettre en musique les petites histoires rigolotes qu’ils racontent.
Amusant mais pas convaincant, M’sieur 13 est resté en rade sur les quais mosans de sa belle principauté.
Dommage, car on décèle malgré tout un potentiel intéressant et surtout un humour décapant où la dérision et une certaine gouaille sont de bon aloi pour un tel répertoire, sans parler des p’tites musiques sympas et entraînantes.
Quid de la suite ? Faudra que je demande à mon rédac’, s’il n’en a pas un deuxième perdu chez lui ?
Pour se laisser convaincre par Beth Jeans Houghton et ses Hooves of Destiny, un seul titre suffit. « Dodecahedron » dans les écouteurs, et toutes les oreilles se tournent vers la demoiselle. A 22 ans, la petite Anglaise a le charisme des grandes et une voix caméléon irrésistible. « Yours Truly, Cellophane Nose », guillemets inclus, est le premier chapitre d’une saga mystérieuse où pop, folk et opéra s’entremêlent comme si les trois genres y étaient destinés depuis toujours. De cette fusion sont nés dix morceaux riches et élégants. L’univers classieux des compositions signées Beth Jeans Houghton épouse à la perfection les harmonies véhiculées par les quatre membres de son backing band.
La demoiselle originaire de Newcastle a frappé fort en mai 2011 en publiant le vaporeux « Dodecahedron » comme mise ne bouche. Près d’un an plus tard, elle tient les promesses d’un titre qui visait déjà haut. En témoigne « Liliputt », un second single assez représentatif du reste de « Yours Truly, Cellophane Nose » et au sein duquel elle s’exclame ‘I’m Not Done With You Yet’. On espère bien. Un premier LP tout en classe et en finesse qui ne souffre qu’un seul défaut : sa durée. 34 minutes après nous avoir plongés dans son pays des merveilles, Beth Jeans Houghton invite ses Hooves of Destiny à nous flanquer à la porte de son microcosme d’un bon coup de pied punk, en la forme d’un morceau caché. Pour nous accueillir encore plus chaleureusement la prochaine fois ?
Live : au Witloof Bar du Botanique ce 30/03.
Pias organisait un showcase privé de Rover à l'Archiduc afin de permettre aux médias de découvrir un artiste en pleine ascension. Et on n'a pas été déçu.
Jouant seul de sa Rickenbacker branchée sur un ampli Fender, ce Français expat' répondant au nom de Timothée Régnier, a littéralement enchanté son auditoire. Tout d'abord, il y a son look unique. Un visage de gros bébé joufflu un peu espiègle, des cheveux en bataille et un gabarit taillé dans une armoire à glace. Mais c'est surtout sa voix qui étonne. Aussi à l'aise dans les graves que dans les aigus, son timbre évoque tout à tour Bowie, Elbow ou Muse ; mais révèle d'emblée une très forte personnalité artistique. La musique est le fruit d’un mélange torturé et hypnotique entre folk et rock, plongé au cœur d’une ambiance mélancolique un peu sombre.
Après un court set à la guitare, Rover a accepté de prolonger le plaisir et a rejoint le piano pour interpréter une magnifique version de "Silver". N'hésitez pas à découvrir cet artiste qui devrait logiquement devenir très important dans un futur proche... A voir absolument le 18 mai aux Nuits Botanique !
Organisation PiaS
Du line up initial, il ne demeure plus chez Shearwater, que le seul Jonathan Meiburg. Pour rappel, la formation avait été fondée en 2001, par Jonathan et Will Sheff, alors tous deux encore impliqués chez Okkervil River. Pour être plus clair, Shearwater est devenu le projet de Meiburg, et Okkervil River, celui de Will. Ce n’est pas la première fois que Shearwater se produit à Bruxelles. En ce jeudi 28 avril c’est le Botanique qui l’accueille. Et la Rotonde est pleine comme un œuf pour assister au concert de ce combo texan venu présenter son huitième album, « Animal Joy ».
Il est 21h lorsque Jonathan Meiburg monte sur l’estrade flanqué de son backing group. De nouveaux musiciens, mais qui vont démontrer, tout au long du set, une solide expérience scénique. Le concert s’ouvre par les excellents « The Snow Leopard » et « Animal Life ». La voix de Jonathan Meiburg est sublime, fascinante ; et l’auditoire est littéralement sous son charme. Sculptées dans la pop, ses compos sont empreintes de lyrisme et chargées d’intensité émotionnelle. Meiburg peut, en outre, s’appuyer sur des musicos particulièrement talentueux. Même lorsque le band propose des versions très électrifiées de plages issues du dernier opus. Et franchement, ces adaptations sont très réussies. Et libèrent une puissance surprenante. Bien plus impressionnante que lors de ses dernières prestations accordées dans la capitale. Shearwater ne va évidemment pas négliger ses classiques, dont une interprétation magistrale de « Rooks ». Un superbe concert !
(Organisation Botanique)
Pâques est proche: les grandes ministres du culte débarquent ! Précédant de peu Florence + The Machine, qui s’y produira ce samedi, The Jezabels ont enflammé l'Ancienne Belgique. Et la voix puissante et divine de leur prêtresse, Hayley Mary, n’y est pas pour rien. Issu d'Australie (Sydney), ce quatuor est injustement méconnu dans nos contrées. Il pratique pourtant un pop/rock mélodique à tendance symphonique de toute bonne facture, évoquant tout à tour Coldplay, Florence + The Machine (évidemment !), The Killers et Arcade Fire.
Sur scène, la présence scénique de Hayley Mary est impressionnante. Physiquement, elle me fait un peu penser à Sharleen Spiteri (Texas) ; et le moins qu'on puisse dire, c'est qu'elle ‘dégage’! Outre Hayley, The Jezabels implique la belle Heather Shannon au piano et aux claviers, Nik Kaloper à la batterie et Samuel Lockwood à la guitare. Dans l'ensemble, leur prestation est sans faille. Le son, parfait, laisse une large place à la sublime voix de Hayley, qui se révèle aussi à l'aise dans les ambiances intimistes que lors des envolées épiques incantatoires.
La grande majorité de la setlist est puisée au sein de leur premier opus: "Prisoner", paru en octobre dernier. Des compos comme "Endless Summer", le premier single, "A Little Piece", "City Girl" et surtout "Try Colours" sont très bien accueillies par le public ; mais ce sont deux plus anciens titres: "Easy To Love" et "Hurt" qui déclenchent le plus de réactions. Le groupe clôture son set par "Hurt Me", une chanson balisée par les superbes accords des ivoires qui se déroulent jusqu'au final hypnotique.
En rappel, Hayley nous confie que ce concert est le dernier de leur tournée européenne, une bonne raison de tout donner au cours des deux derniers morceaux ; et en particulier lors du très doux "She's So Hard", et enfin, le jouissif "Dark Storm", que vous pouvez découvrir en vidéo ici .
La prestation divine du combo augure peut-être la plus belle surprise musicale venue d'Australie, depuis bien longtemps!
(Organisation AB)
Publié en 2011, le premier album de Connan Mockasin, « Forever dolphin love », avait littéralement défrayé la chronique. Flanqué de son band, il se produisait ce lundi 26 mars à l’Orangerie du Botanique. Et il reviendra, mais cette fois au Cirque Royal, ce 19 mai, dans le cadre des Nuits Botanique, en compagnie de Charlotte Gainsbourg. Pour accueillir le Néo-Zélandais et sa troupe, la salle est bourrée comme un œuf. Quand on pense qu’au départ, le concert devait se dérouler à la Rotonde ; preuve que cet artiste est en passe devenir une ‘star’ incontournable. Pas de supporting act. Le set démarre à 20h30…
Lorsque le team monte sur les planches, leur accoutrement a de quoi faire sourire. Le drummer, situé à gauche du podium, porte une perruque. Il ressemble à Ringo Starr, mais en moins primaire. Le bassiste est plutôt bel homme. Baraqué, revêtu d’une chemise de soie aux motifs indiens, il est élégamment coiffé d’un turban comme les Maures, dans la série de longs métrages, « Angélique ». Chevelure traitée par un brushing comme à la belle époque des 70’s, le claviériste (parfois second gratteur) a enfilé un pantalon aux motifs psychédéliques et une chasuble de couleur bleue. Pas n’importe qui, puisqu’il s’agit de Sam Eastgate, le leader de Late of The Pier. On ne décernera cependant pas le prix d’élégance au percussionniste. Faut dire qu’il a enfilé une robe rose fendue, partiellement recouverte d’un mini-peignoir de couleur jais, parsemé de paillettes scintillantes. Il a bien des chaussettes de sport rayées, mais ses jambes sont particulièrement velues. La classe ! Heureusement, il restera planqué derrière un pupitre, à droite de l’estrade, pratiquement toute la soirée. Il s’est cependant remonté les cheveux en chignon, qu’il dénouera après deux ou trois morceaux. Connan a un look bien plus soigné. Sa petite moustache lui confère un petit air latino. Il est coiffé d’un superbe chapeau, mais surtout est vêtu d’une chemise abricot dont le col est fermé par un nœud papillon de même teinte.
Dès le début du set, on est plongé dans un univers atmosphérique, presque shoegaze. Subtile et douce, la voix de Connan épouse parfaitement la mélodie sinusoïdale. Sa guitare libère des sonorités éthérées, qui me rappellent quelque part celles dispensées par Garce, lorsqu’il sévissait chez Sad Lovers & Giants. Et Sam vient enrichir cet univers semi-psychédélique, en se concentrant alors sur ses cordes. Puis, après une intro a cappella, caractérisée par la conjugaison de leurs voix angéliques, les musicos attaquent le superbe « Faking jazz together ». A cet instant, on n’a déjà plus les pieds sur terre. Passé un bref instrumental, « Egor Hosford », donne un premier coup d’accélérateur. Empruntant un tempo tribal, il s’achève même sur un mode déstructuré. « Uniform in uniforms » nous propulse à nouveau dans la stratosphère. Mais à partir de cet instant, on ne sait plus trop bien quand commence ou s’achèvent les morceaux. Il y a bien une nouvelle chanson (« I wanna roll with you »), imprimée sur un mid tempo, soulignée de chœurs falsetto, et abordée dans l’esprit de Prince, puis une autre épique, emphatique que n’aurait pas renié Mercy Rev, des breaks inattendus, interrompus de conversations entre Connan et le public, ponctuées d’éclats de rires, des relances fulgurantes, un accès de clavier cathédralesque, un drumming convulsif, presque floydien, et en final une immersion dans l’univers aquatique de « Forever Dolphin love », le titre éponyme de l’opus, dont l’apothéose en crescendo, même au niveau des vocaux, est aussi frénétique que superbe…
Après cinq bonnes minutes d’attente et d’applaudissements, le groupe revient sur les planches. Connan Mockasin les rejoint un peu plus tard. Il porte une perruque blonde, a remis son chapeau, porte des lunettes fumées, et a enfilé un gant. Michael Jackson est de retour ! Il se lance alors dans un pastiche de feu le King de la Pop en interprétant son « Remember the time », tout en réussissant quelques pas de danse caractéristiques. Hilarant ! Lors du titre ultime, « Lizard », un morceau qui devrait figurer sur leur projet commun, Soft Hair, Connan et Sam, se mettent à déclamer et même à rapper, avant de descendre dans la fosse pour entamer une sarabande, en compagnie du public, ravi de défiler comme lors d’un concours de mode. Puis les deux compères remontent sur l’estrade, aidée par leur roadie, dans un climat de bonne humeur communicative. Le quintet prend alors congé de l’auditoire, le sourire jusqu’aux oreilles, et nous aussi…
(Voir aussi notre section photos)
Organisation Botanique
Monde enfantin sous ecstasy électronique, l’univers du Liégeois Xavier Gazon se traduit par un voyage entre candeur et New Wave synthétique.
Au-delà d’un second degré plus qu’évident, la qualité reste le principal atout de ses compositions, au travers de ses différents projets.
« Needs » et son gimmick dansant, irrésistible appel au dancefloor, et « Caroline » intrigante plongée dans les fantasmes d’une poupée, composent donc cette sortie annonçant l’album à venir.
Deux orientations mais une homogénéité bien présente, qui ouvrent les portes d’un monde bien personnel qu’on a hâte de visiter plus en profondeur.
Triturant les puces de différents jouets, ce génie touche-à-tout réussit l’exploit de créer une musique éminemment ludique et addictive à la fois.
On en redemande.
Le vocaliste italien Joe Lynn Turner est connu essentiellement pour son travail opéré chez Rainbow. Il y avait succédé à RJ Dio. Il s’est également forgé une belle notoriété en opérant diverses collaborations ; et notamment en compagnie de Yngwee Malmsteen.
Mothers’Army est un ce ses nombreux projets. Autour du chanteur, on ne retrouve que de vieilles connaissances. Bob Daysley, Carmine Appice, Ansley Dunbar, Jeff Watson. Les trois albums du combo de power rock metal ne sont pas simples à dénicher. La sortie de ce coffret trois Cd’s, en forme d’intégrale ne pouvait donc mieux tomber. Un premier album a vu le jour en 1993 déjà, avec un son hard racé et toujours d’excellentes performances du Sieur Turner. Certains titres plus soft, caractérisés par la présence d’un harmonica, s’éloignent des stéréotypes du genre.
Il faudra attendre 97 avant que ne sorte « Planet Erath », une petite déception pour un combo qui s’oriente vers un rock nettement moins inspiré. Heureusement, « Fire on The Moon » rectifie le tir un an plus tard et nous offre une succession de compos cinq étoiles, formidablement habillée d’un son puissant mais toujours clair. Ce n’est pas ce que Turner a pu enregistrer de meilleur, mais je recommanderai ce coffret aux adeptes de Whitesnake, Rainbow et Deep Purple.
Votre serviteur n’est, en général, pas très friand de remixes. Ces exercices de style n’apportent le plus souvent, pas grand-chose de plus, à la version originale. Il y a des exceptions, mais elles ne sont pas légion. En fait, plutôt que d’être remixés, certains albums mériteraient une totale remise en forme. La nuance est subtile, mais elle établit une différence fondamentale entre production et bidouillage. Le bidouillage n’a le plus souvent qu’un seul objectif : faire danser sur les nightfloors.
« Faking jazz Together » est incontestablement la meilleure plage issue du tour premier elpee de Connan Mockasin, « Forever Dolphin Love », un superbe opus publié par le Néo-Zélandais, l’an dernier. Cette piste fait aujourd’hui l’objet d’un Ep trois titres.
La première piste est une version ‘extended’ du morceau originel. Rien de révolutionnaire à l’horizon ! La seconde a été retravaillée par Michael Mayer. Et elle correspond parfaitement à ce qu’on attend d’une compo destinée à une piste de danse. Enfin pour la troisième, c’est Tom Furse, le bassiste de The Horrors, qui est derrière les manettes. L’adaptation est apparemment plus cool, mais l’apport de percus et de rythmiques confère au morceau un aspect plus tribal, presque hypnotique.
Connan Mockasin se produira ce lundi 26 octobre à l’Orangerie du Botanique, et reviendra le 19 mai au Cirque Royal, afin d’épauler Charlotte Gainsbourg, dans le cadre des Nuits Botanique.
Le plus Européen des trios s’est donc fixé à Bruxelles pour écrire ses deux derniers albums. Quoi de plus normal, puisqu’il s’agit de la capitale du Vieux Continent. L’Autrichienne Tanja Frinta, l’Espagnol Marc Melia et le Français Clément Marion (qui a remplacé l’Italien Georgio Menosi) ont en effet décidé de donner une suite à leur aventure entamée en 2008, sous le patronyme de Lonely Drifter Karen, un nom inspiré du film ‘Les Idiots’ du fantasque réalisateur danois Lars Von Trier, en publiant un troisième opus, intitulé « Poles »
A l’instar de ses deux précédents elpees, l’expression sonore de L.D.K. est issue de la rencontre entre pop et folk, mais un folk au sens large du terme, s’ouvrant également et surtout aux musiques de l’Est. La voix de Tanja est toujours aussi puissante. Le ton constamment allègre. Les synthés et les percussions électroniques sont judicieusement dispensés. Mais dans l’ensemble, les compos de cette œuvre, quoique jamais désagréables à écouter, manquent de mélodies imparables. Si bien qu’il est parfois bien difficile de nous extraire d’un certain ennui. D’autant plus que la mise en forme est un peu trop polie pour ne pas dire trop propre. Heureusement, l’une ou l’autre compo nous rappelle quand même que l’Euro-trio ne manque pas de talent. A l’instar du plus pop, rafraîchissant et entraînant, « Comet », qui aurait pu figurer dans le répertoire d’une Cindy Lauper indie !
Lonely Drifter Karen se produira ce 10 mai, au Dok Arena de Gand.
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