Taylor Kirk, alias Timber Timbre, était de retour au Botanique de Bruxelles, pour une nouvelle prestation en solitaire. Tout au long de ses deux premiers opus, le Canadien (NDR : il est né à Brooklin, une commune de la ville de Whitby, dans l’Ontario) était parvenu à démontrer son talent de songwriter. Cependant, lors de ses dernières visites dans la capitale, Timber Timbre a soufflé le chaud et le froid. A cause de sets sans doute psychédéliques, mais surtout trop expérimentaux. Néanmoins, le public ne semble pas lui en porter grief, puisque ce soir, la Rotonde est pleine à craquer.
C’est donc dans un cadre minimaliste que le Canadien se produit aujourd’hui : il est seul et ne s’accompagne que d’une gratte et d’une grosse caisse. Le climat est ténébreux et le public concentré. Tailor Kirk a clairement gagné en charisme et confiance. L’ombre d’un Léonard Cohen plane dans la salle. Quoiqu’énigmatique, son blues-rock est efficace. Il passe comme une lettre à la Poste… Quelques notes de guitare tout en nuances suffisent pour subjuguer l’assemblée. Voire pour la bouleverser. Sa voix fait monter la tension tandis que la grosse caisse claire accentue les crescendos. La petite salle de la Rotonde est vraiment parfaite pour accueillir ce type de concert. Au cours de sa prestation qui va durer une bonne heure et demie Timber Timbre va interpréter ses meilleures chansons, et notamment « Under Your Spell », « Demon Host » ou encore « I Get low ». L’auditoire va même avoir droit à un nouveau morceau « Coming to Paris to Kill You », qui augure un futur et excellent nouvel elpee, ainsi qu’une reprise de Screamin’ Jay Hawkins, « I Put a Spell on You ».
Face à un public, certes conquis d’avance, Kirk Taylor a de nouveau démontré qu’il était un remarquable compositeur, mais également un excellent interprète en ne se servant pourtant que du minimum syndical… Chapeau bas !
(Organisation Botanique)
Charlie Winston est un cas un peu spécial dans le paysage musical contemporain. Né de parents hôteliers, il apprend seul le piano avant d’intégrer une fac de musique à Londres, dès 17 ans. A 20, il plaque tout pour découvrir l’Inde et élargir les connaissances de son art. Il en revient un premier album sous le bras, « Make Way ». Un disque autoproduit, même si l’artiste est déjà suivi de près par Peter Gabriel. Il l’a rencontré en 2007, dans les studios de son label, RealWorld ; et l’Archange l'a emmené en tournée pour accomplir ses premières parties. En 2009 sort « Hobo » fabuleux opus, collection de hits directs. C’est la consécration. Plus de 600 000 albums sont vendus à travers le monde. Paradoxalement, c’est en France que sa cote de popularité est la meilleure. Nul n’est prophète en son pays ! Fort de cette estime bien méritée, Charlie s’installe à Paris. Après une tournée mondiale, le plus Français des Britishs se prend quelques semaines de congé en Australie où il continue à écrire des chansons destinées à son troisième essai, « Running Still », paru l’an dernier. C’est cet ouvrage qu’il présente lors de sa seconde tournée mondiale.
L’Aéronef, on ne le dira jamais assez est une excellente salle de concert. L’acoustique y est bien supérieure au Zénith et autres salles ‘monstrueuses’ du même acabit. Et lorsqu’il est plein, les 2 000 personnes qui garnissent son antre garantissent chaleur et communion tellement nécessaires à la réussite d’un concert.
Medi et sa petite troupe ont pour mission de chauffer le public dès 20h00 tapantes. Tâche loin d’être insurmontable pour le batteur et meilleur pote de… Charlie Winston. Hé oui ! Non content de se réserver les drums pour la vedette du soir, Medi troque les baguettes contre le micro lorsqu’il est à la tête de sa propre formation. Là, ce sont ses deux frères qui assurent le tempo. Le quintet français a de l’allure et Medi effectue le boulot proprement et efficacement. L’influence de son ‘patron’ et ami ne sont pas bien loin. Il n’empêche, la veste et le pull sont vite ôtés tant l’ambiance monte de quelques degrés, à chaque morceau.
La petite demi-heure est très (trop ?) vite passée et c’est au tour du boss d’assurer le spectacle. Hélas, une panne d’alimentation de micro retarde la mise à feu d’une bonne dizaine de minutes. Mais tout vient à point à qui sait attendre et vers 21h15 l’obscurité envahit la salle, le temps pour Medi de reprendre sa place derrière les fûts et aux autres –ils sont cinq au complet– d’occuper l’espace qui leur est dévolu.
C’est « Wild Ones » qui a la charge d’inaugurer le set. On a déjà, à ce moment-là, un petit aperçu de ce que Charlie Winston est capable de créer à l’aide de sa bouche ; car il ne se contente pas seulement de chanter. Il est également un spécialiste de la ‘human beat box’, imitation vocale d’une boîte à rythmes, de scratches et de nombreux autres instruments (principalement de percussion). Vous l’ignoriez ? Moi aussi !!! Mais c’est tout bonnement génial de voir et d’entendre ce gars commencer seul au micro un morceau avant d’être rattrapé par ses musicos… Dès cet instant, l’homme à la cravate et au petit chapeau (mais étrangement pas coiffé de son couvre-chef, ce soir) entretiendra le feu qu’il a mis dès le départ. Le public, immédiatement sous le charme, réagit au quart de tour et tape des mains, pogote ou reprend les refrains (connus) à l’unisson. Bien secondé par ses troupes au sein desquelles on épinglera la prestation cinq étoiles de Ben Edward, son harmoniciste, le frère de Tom Baxter (hé oui !) enchaîne les 20 titres que compte la setlist de son set. Grâce à un jeu de lumières constitué de cinq ‘arbres’ comprenant une dizaine de spots changeant de couleur au gré des morceaux choisis et un rideau variant son teint grâce à une rampe placée au bas de son dos, l’impression de fête, de feu d’artifice est partout et constamment présente. Ce qui ne fait qu’ajouter au bonheur des aficionados.
Charmant, charmeur, Charlie a vraiment tout pour plaire. Il est sympa, poli, comique et on en passe, mais non seulement, il gratifie l’assemblée de ses meilleures compos, et il y en a un paquet, mais en outre, il converse allègrement dans la langue de son pays d’adoption. Il a tous les atouts dans son jeu et il s’en sert magistralement. Les 2 000 fans présents le lui rendent bien, jouant le jeu lorsqu’il le demande ou battant la mesure quand le préposé aux claviers le propose. Bien que ne comptant que deux ‘véritables’ elpees à son actif (le 1er reste anecdotique) tout qui a un jour allumé son poste de radio a déjà entendu « In Your Hands », « Like a Hobo », « I love your Smile » « Generation Spent » issus de son pénultième long playing ou « Hello Alone », « Where I can buy Happiness » de sa dernière publication.
C’est lors de l’interprétation d’« In your Hands » que Charlie descendra de son estrade pour venir chanter avec et parmi ses fans. Il ira même jusqu’à se mettre debout sur les barrières de sécurité délimitant le périmètre des pupitreurs afin d’être vraiment au cœur de son public pour partager son bonheur.
« Hobo » clôture la première partie, après une heure passée à la vitesse de l’éclair. A ce moment, Charlie nous demande d’applaudir à la japonaise, c'est-à-dire les mains près de la poitrine dans le but de voir tous les visages sur les photos qu’il postera sur sa page Facebook.
La série de rappels débute par une ballade interprétée au piano, « Lift me gently » avant de, émotion garantie, reprendre somptueusement et d’une façon rageusement incroyable « Au suivant » de l’immortel Brel.
Deux hits « I love your Smile » et « Generation Spent » seront ses deux dernières compos personnelles mais pas encore la fin de son concert. Réclamant Medi au micro et ses acolytes avec lui sur scène, nous aurons encore droit à deux reprises, « Alright » de Supergrass et pour mettre un point final à cette soirée endiablée, « Wake up » d’Arcade Fire.
Quand je vous disais que Charlie Winston et Medi étaient les meilleurs amis du monde… Ils s'amusent bien et en font de la musique. Avant de se retrouver sur la tournée, ils viennent d'enregistrer une série de reprises pour le plaisir. Il s'agit de quatre titres: les deux compos interprétées lors de son rappel ainsi que "Who's gonna save My Soul" de Gnarls Barkley et "Lonely Boy" des Black Keys.
Vraiment un mec bien ce Charlie Winston. L’avez pas vu ? Tant pis pour vous car son concert prévu à l’AB le 26 mars prochain affiche complet… Mais peut-être reste-t-il des places deux jours avant, le 24, au Belzik de Herve ?
Ou alors, il vous faudra attendre son retour, mais au Zénith de Lille, le 22 septembre prochain.
(Organisation Vérone Productions)
15 mars 2012, première escale pour le sexagénaire Horace Andy, dont la petite tournée française démarre à Lille. On ne présente plus l’artiste au vibrato vocal aussi impressionnant que son parcours. Originaire de Kingston où il a enregistré plusieurs perles reggae, il décide de s’exiler aux Etats-Unis (NDR : et oui, le rêve américain). Plus tard, il prend le large vers Londres pour enfin revenir en Jamaïque. Musicalement, c’est tout aussi diversifié. En Jamaïque, les débuts sont difficiles mais après trois audits chez le grand Coxsonne Dodd, il décoche sa première production. Son aventure ne fait que commencer. Et, à aucun moment, il n’hésitera à profiter des différents producteurs qui s’arrachent son talent. Il collabore avec divers musiciens, chanteurs et dj’s dont Jah Shaka, King Tubby et bien d’autres. Dans un autre registre, il prête sa voix au groupe notoire de trip-hop anglais Massive Attack qu’il accompagne pour 2 tournées internationales.
Ce soir, le concert n’est pas sold out et Papy Andy est flanqué d’un band français qui lui apporte régulièrement son concours, le Homegrown Band. Le ton est donné dès l’intro « multi-riddim » : ce sera du reggae classique. Malheureusement, les trois premiers morceaux sont gâchés par des galères techniques qui sont à la limite de la négligence. Gros larsens, micro HF foutu et retours mal réglés. Et la voix d’Horace peine à se faire entendre... Argh ! Ça démarre fort. Heureusement pour l’assemblée (plutôt défoncée voire rastafarienne), « Skylarking » arrive afin de mettre tout le monde d’accord. Quoi que…
L’artiste présente son dernier album « Serious Times ». Il en enchaîne les morceaux qui ne sont autres que des copies-conformes des versions enregistrées. Peu d’âme dans le live band ; d’ailleurs, un cruel manque d’organisation vient jusqu’à mettre à mal la beauté du timbre que nous offre les cordes vocales du chef au sourire charmeur. Durant la prestation, Horace salue l’assemblée et ne semble oublier personne. Il est clair qu’il nous donne du bonheur à l’état pur, mais musicalement, il manque quelque chose ce soir. Chance qu’il soit capable de tenir un public (malgré quelques déserteurs) en haleine à lui seul. La seule critique qu’on pourrait lui adresser, c’est de se conformer à la tradition du Pull Up qui oblige les musicos à s’y reprendre à deux fois avant de commencer réellement un morceau. Quelle drôle d’idée ! Surtout quand on sait que c’est pour faire monter la pression à peine perceptible, jusqu’à présent.
L’Aéronef décolle enfin lors de l’incontournable « Cuss Cuss » qui fait un bien fou aux aficionados du genre. L’homme de la situation en profite pour présenter ses musiciens ; mais ils n’ont pas tous l’air enchantés à l’idée de devoir produire un solo. L’homme nous quitte et ses musiciens lui emboîtent le pas, une fois leur tâche accomplie. Et c’est à ce moment que le tromboniste (seul Anglais sur scène) vient secouer la salle en nous réservant un « Do you want some moooore ? ». Okay, l’affaire est déjà pliée, les musiciens remontent sur les planches pour une sorte d’interlude avant de proposer un dernier morceau de l’album « Serious Times » et de finir en beauté par l’excellent « Ain’t no sunshine » qui réanime la foule et adoucit l’atmosphère. Ce qui est clair, c’est qu’Horace Andy a toujours la pêche. A 61 ans, il assure un set qui dépasse l’heure et demie et sa voix est proche de la perfection. Il est parvenu à communiquer de bonnes vibrations au public, mais à mon humble avis, il manquait quelque chose. Sa représentation spirituelle n’a jamais décollé, sa prestation live était intéressante, mais ne s’est jamais révélée impressionnante. Nous en ressortons, malgré tout, ravis et enrichis en se disant que nous ne le verrons peut-être plus de si tôt.
Nicolas Jaar est un artiste américain, DJ et producteur de musique électronique depuis 2008. Agé de 22 ans, ce jeune homme n’a rien à envier aux plus grands du genre. Il est repéré grâce à son premier Ep, « The Student », et consacré suite à la sortie de « Space is only noise ». Ce dernier lui a d’ailleurs valu, à peu de choses près, un petit tour par la case justice pour l’utilisation d’un sample non déclaré de Ray Charles. Nous retrouvons beaucoup de références françaises dans son répertoire. Explication : sa mère est issue de l’Hexagone. Doucement mais sûrement, il abandonne la house music et file vers un registre qui tend vers une sorte de downtempo intemporel.
Bref, venons-en à cette belle plaque ! Quel bonheur de satisfaire ses oreilles d’un opus (proche du concept-album) aussi cohérent, original et addictif que « Space is only noise ». L’ambiance est posée dès le premier « Être » qui introduit une conversation entre Jean-Luc Godard et Serge Daney sur fond aquatique. De quoi faire la part belle au côté planant que dégage d’ores et déjà cette œuvre. Ensuite et toujours au rythme de l’eau qui coule, le sublime « Colomb » nous plonge tout droit dans l’univers décalé de Nicolas Jaar et c’est là que l’on s’imprègne de la sublime spiritualité omniprésente. Une minute de répit, le temps d’un interlude floral (« Sunflower ») et on s’accroche sans tarder à ce track aux accents dub qu’est « Too Many Kids Finding Rain In The Dust ». Si vous tentez alors de décrocher, c’est raté, car débarque alors « Keep me there », et il vous faudra rester en compagnie de Monsieur Jaar ; et quelle compagnie ! Voix nonchalante, saxo mélancolique et beat colossal à la basse transcendante. Je vous abandonne un instant dans l’univers anecdotique « I go A »… Woman !?
Chhhhhuttt ! On délaisse alors le synthé pour partir à la rencontre des « Problems with the sun » qu’évoque Nicolas Jaar. Le titre de l’album vous interpellait, je vous laisse vous dépatouiller avec les nappes hypnotiques plutôt rockeuses, plutôt rêveuses de l’excellent « Space is only noise if you can see ». Seen ? « Almost fell » annonce le retour du ruissellement pour céder la place à la douceur de « Balance her in between your eyes » qui pourrait presque évoquer la fin de l’aventure. Un chuchotement vient nous rassurer en annonçant « Specters of the futur ». Un moment envoûtant mais puissant, sucré mais amer, intriguant mais pourtant clair comme de l’eau de roche. Rien de plus logique… Suivi d’un interlude composé de percussions baptisé « Trace », l’artiste peut reprendre sa route avec une de ses meilleures créations qui n’est autre que « Variations ». Le petit dernier, « ^tre » perd son ‘E’ afin de clôturer magistralement ce très réussi « Space is only noise ». Et maintenant, je peux vous dire that I can see. Quelle claque !
En 2002, Indochine publiait « Paradize », un album qui allait marquer le retour à l’avant-plan du groupe, après une traversée du désert d’une bonne décennie. Pour célébrer cet événement, ainsi que les trente années d’existence de la formation une édition spéciale intitulée "Paradize + 10" vient de voir le jour. Celle qui nous a été transmise réunit trois disques. Le premier propose tous les titres de l'album sous leur version remasterisée.
Le second, 10 remixes signés rinôcérose, Tricky, Trisomie 21, Cassius, Oli de Sat, etc. ainsi que trois morceaux inédits. Et enfin la troisième plaque est consacrée à un Dvd partagé entre deux interviews (l’une accordée en 2001 et l’autre en 2001), mais surtout à une session studio particulièrement soignée, au cours de laquelle la bande à Nicola Sirkis reprend de manière magistrale le « Lips like sugar » d’Echo & the Bunnymen, même si la voix du chanteur n’est pas aussi percutante que celle d’Ian McCulloch. Et le tout est illustré par deux superbes ‘booklets’…
Un Belge, un Américain et un Français… On dirait une blague belge ! Les Hoquets proposent un premier album au titre évocateur : « Belgotronics » (en hommage à Konono N°1 et à la série Congotronics). Ce projet complètement décalé s’articule autour de textes polyglottes, des chansons destinées à faire l'apologie de notre beau pays, au son d'instruments faits maison, appelés ‘hoquets’ eux aussi. Le combo est signé sur le label belge Crammed Discs.
La belgitude à l'état pur. Une sacrée dose d'autodérision et de second degré: deux qualités propres à notre plat pays. Un hommage (évidemment) surréaliste à la Belgique et à ses spécificités culturelles, politiques et gastronomiques, comme en témoignent les titres et paroles des chansons : « 1815 », « Stoemp », « Brussels is the », « Béni B », « Cha-Cha-Charleroi », etc.
Beaucoup de percussions, des rythmes presque R’n’B (le drôlissime tube potentiel « Couque de Dinant »), des sons presque africains, tribaux. On se s’ennuie pas et on s’étonne de ce qu’ils sont parvenus à créer à l’aide de leur matériel de récup’ : bouts de bois, de ficelle et de métal.
Le CD est accompagné d’un livret façon journal et présente les différents morceaux, leur histoire ou les délires qui les ont alimentés. Dans la langue de Shakespeare, pour ne fâcher personne, bien entendu.
Cette musique ne ressemble à aucune autre. C’est déjanté, festif, drôle, insolite, innovant, fédérateur. La bonne humeur du trio est communicative. Alors, ne vous prenez pas la tête, dansez le « Chaud boulet » et tout ira bien !
De son véritable nom Camille Ballon, le multi-instrumentiste français Tom Fire (pianiste, contrebassiste, producteur, …) affiche déjà un long parcours derrière lui… Il a participé à la confection d’albums de McSolaar, Java, Yael Naïm et de No One Is Innocent mais, il tient aujourd’hui sa revanche perso en publiant son premier elpee solo.
Tout au long de « The Revenge », le Parisien nous propose une collection de morceaux enfumés inspirés des musiques urbaines (dub, reggae, hip-hop). Enregistré dans son studio près du Père Lachaise, l’opus ne flaire certainement pas la naphtaline, car il parvient le plus souvent à mêler habilement modernité et esprit pop. Parfois, il lui arrive cependant de frôler l’univers de la lounge (« The Candle »). Pour enregistrer ce disque, il a reçu le concours de toute une série d’invités, et notamment Matthew McAnuff (« Brainwash »), McSolaar (« Marche ou Rêve ») ainsi que Jaqee (« Get Baptised »). Signé sur Chapter Two, le nouveau label des fondateurs de Makasound, le projet rappelle tour à tour le Peuple de l’Herbe (NDR : en plus aseptisé, néanmoins, à l’instar de « Legalize it ») et un Gotan Project plus jamaïcain qu’argentin (« The Candle », « The Revenge »). Si Tom Fire n’est pas parvenu à mettre le feu sur « The Revenge », sa musique est quand même ensoleillée, douce et plaisante à écouter…
Depuis plus de 20 ans, Geoff Farina s’est illustré au sein de groupes indie cultes et dans des styles différents, que ce soit le math-rock de Karate ou le folk de The Secret Stars. En outre, l’artiste a également entamé une carrière solo, il y a quelques années. Mais en règle générale, tout effort en solitaire implique un passage par la case acoustique. Et le Chicagolais ne déroge pas à la règle…
« The Wishes of the Dead » constitue le premier album solo de Geoff Farina depuis 6 ans car, entretemps, le vétéran est devenu prof de musique à l’Université DePaul à Chicago. Ses nouvelles compositions ont été enregistrées le long de la rivière Kennebeck (dans le Maine) et la culture locale influence son écriture : « Hammer and Spade » raconte les batailles des premiers habitants de la région pour leur survie et « Scotch Snaps » son voyage pour dénicher des musiciens dans de petits festivals bluegrass régionaux. Mais, l’Américain ne se limite pas aux frontières du Maine et s’ouvre au monde sur « Prelapsarian » qui relate la vie à travers les yeux d’une droguée ou « Prick Up Your Ears » qui décrit la peur des habitants d’une petite ville face au départ de leurs proches pour partir à la guerre en Irak ou en Afghanistan…
Côté musical, pas de fioritures, Geoff Farina opte pour une instrumentation au plus près de l’os. Sa voix grave rappelle tantôt Leonard Cohen ou Tony Joe White et son toucher de guitare est inspiré du picking cher au ‘Piemond Blues’, technique assimilée auprès des vieux briscards du cru…
Une œuvre austère et digne qui atteint son sommet sur le magnifique « Twilit ».
Christophe Cirillo, ex ‘Monsieur Clément’ nous revient pour son troisième album, publié cette fois sous sa véritable identité. Amateur de pop anglaise et de chanson française, cet auteur/compositeur/interprète a déjà une belle petite histoire à raconter…
Sa formation, il ne la doit qu’à lui-même, aucun cours de chant, encore moins de solfège, juste les Beatles et Jimmy Hendrix qui lui donnent envie de se mettre à la guitare à tout juste 18 printemps. Balbutiant quelques mots d’anglais, ses premières compos faciles et naïves voient le jour. Elles seront rapidement oubliées, même si Cabrel le repère. La licence de socio en poche et une année dans une école de jazz plus tard, Christophe écrit l’ébauche d’un premier album qu’il envoie à Louis Chédid. En bon samaritain qu’il est, celui-ci guide ses premiers pas. En route pour les premiers cachets reçus lors des préambules des concerts de Calogero et Marc Lavoine. C’est parti !
Sous le pseudo de ‘Monsieur Clément’, il publie ses deux premières réalisations. Tout d’abord un opus éponyme en 2005 et deux ans plus tard « Comme un enfant ».
Il lui aura fallu cinq années avant de remettre le couvert. Bye bye ‘Monsieur Clément’, bonjour Christophe Cirillo. Plus besoin d’un groupe pour s’exprimer, il veut faire son numéro seul, comme le funambule sur son fil !
Passée la plage inaugurale un peu trop ‘footeuse’ à mon goût, on découvre un auteur responsable de chansons tout en finesse, en lumière et en émotion. Ses textes, mélancoliques et sensibles font mouche dès la première écoute. L’amour est le thème central de ses compos. Mais pas de panique, le miel ne coule pas entre les notes, Christophe décline de façon simple ce sentiment à tous les niveaux. Il a les idées claires et ses mots sont justes. Des expériences vécues sans doute, heureuses ou peut être un peu moins.
L’habillage de ses chansons est confié à une pop anglaise sur laquelle viennent se greffer quelques petites notes folk. Les guitares, acoustiques pour la plupart, donnent un relief doux et varié. Les mélodies évidentes, légères et directement accessibles transforment ce disque en une collection de morceaux inspirés, amusants et directs.
Sur ces sonorités pop vient se poser une voix juvénile qui sied merveilleusement à ce projet.
Un album intimiste, varié et vachement réussi pour ce jeune trentenaire qui n’a plus de leçon à recevoir de personne. Il a bien eu raison de prendre de la hauteur, ce funambule chantant…
C’est reparti ! Les allumés du Balkan Beat Box dégainent à nouveau leurs armes chargées de munitions faites de cuivres, de samples, de scratches et de beats électro énervés… Sans le concours habituel d’une multitude de guests, le trio américain d’origine israélienne s’est enfermé en studio pour composer ses nouvelles bombes –un peu plus rock que d’habitude–mais toujours aussi engagées politiquement (« Political F*ck », « Enemy in Economy »). Ori Kaplan (ancien membre de Gogol Bordello) et Tamir Muskat habitent à New-York mais ont les yeux et les oreilles tournées vers le reste de la terre, ce qui leur permet de concocter un cocktail original et détonant entre musiques traditionnelles (méditerranéenne, balkanique, klezmer) et urbaines (hip-hop, dancehall, dub). « Give », leur 4ème album, ne déroge pas à la règle en s’adressant tant aux pieds qu’à la tête : M.I.A. (l’amusant « Part of the Glory » ou les plus ennuyeux « Money » et « Suki Muki ») rencontre Asian Dub Foundation (« Political F*ck ») ou un Goran Bregovic hip-hop (« Urge to be Violent ») !
Difficile de résister à la bonne humeur politique de Balkan Beat Box ! Et pourquoi ne pas danser de façon responsable cette année ?
Comment en faire des caisses pour vraiment pas grand-chose ? Demandez aux Britons de Nedry. Ils m’avaient laissés une relativement bonne impression lors de leur prestation en ouverture du concert de 65Daysofstatic au Botanique en 2010, mais reviennent à la charge par la (toute) petite porte. Le contenu de « In A Dim Light », le second LP du trio, se caractérise en un seul mot : épouvantable. En cause, la Mimi Geignarde de la bande, Ayu Okakita.
La chanteuse, certainement inspirée par les nombreuses –et pas forcément justifiées–comparaisons avec Björk, en fait des tonnes. Mais des tonnes ! Et c’est le travail de composition de ses deux sous-fifres qui en pâtit largement. Seul le titre instrumental « Land Leviathan » évite les ondes vocales parasitaires de la demoiselle. Au terme des dix morceaux, t’as juste envie d’hurler ‘Ta gueule !’. Si ce n’est pas déjà le cas après l’affreux « I Would Rather Explode » qui ouvre la galette…
Le nom de Nadéah n’évoque à priori pas grand-chose. Mais les fans de Nouvelle Vague ont une longueur d’avance. Cette Australienne, qui a déjà publié deux LP très confidentiels en compagnie de son ancienne formation, The Lovegods, a en effet prêté sa voix au collectif français entre 2007 et 2010. C’est donc à Paris que la trentenaire, originaire de Melbourne, s’est installée pour faire décoller sa carrière. Et Nagui ne sera pas resté insensible à son charme puisqu’elle sera invitée à deux reprises sur le plateau de l’émission ‘Taratata’, en 2011. Et en septembre de la même année paraît « Venus Gets Even », son premier essai solo.
Entourée du compositeur Nicola Tescari (qui a reçu une nomination aux derniers Grammy Awards) et de musiciens de Babylon Circus, la chanteuse propose un disque tiédasse qui hésite entre plusieurs genres, du Jazz à la Pop en passant par le Folk. Mais à vouloir être trop éclectique, Nadéah en oublie la cohérence de l’ensemble. « Venus Gets Even » sonne souvent comme une version 100% british des Brigitte (« I Burned A Cowboy At The Melbourne Airport », « Scary Carol », « Song I Just Wrote », « Whatever Lovers Say » etc.) Le disque, finalement quelque peu anecdotique, plaira certainement aux fans de ces dernières et donnera de l’urticaire à ceux qui ne peuvent plus les sentir.
En live au Cirque Royal aux Nuits Botanique (avec La Grande Sophie et Anaïs) le 18/05 et juste avant, le 24/04 dans le cadre du Printemps de Bourges.
Quand j’ai entendu sur les ondes et vu à la TV, Julien Doré dans son premier clip « Les limites », je me suis intéressé à lui. Sachant que le garçon avait participé et remporté une émission qui fabrique (soi-disant) les futures stars du paysage musical, j’avais quelques doutes… Mais il faut avouer que le gaillard ne laisse pas de marbre. J’ai donc entamé des recherches sur le net et jeté un œil sur son parcours dans ladite émission. Et là, surprise, le mec a non seulement un talent certain pour l’adaptation mais une forte personnalité. Elle est même hors du commun. Les morceaux ‘pourris’ qu’on lui demandait d’interpréter, il les réarrangeait à sa sauce et à tous les coups, c’était bingo ! Allez donc voir sur Youtube comment il est parvenu à transformer ces titres minables, c’est complètement ahurissant.
Quatre ou cinq ans plus tard, ce Méditerranéen compte déjà deux albums à son actif, « Ersatz » publié en 2009 et « Bichon » sorti deux ans plus tard.
Si son premier ouvrage suscitait la curiosité, il laissait l’auditeur quelque peu sur sa faim. Par contre son second et génial elpee ressuscite la sève d’une variété française seventies. Ce disque est d’excellente facture, très recherché, et hyper varié ; Julien y laisse déborder son imagination.
C’est pour « Bichon » et surtout pour voir ce gars sur les planches, et bien sûr ce qu’il a dans le ventre, que je me suis déplacé ce soir, à Bruxelles.
Quelques 1500 fans et/ou curieux étaient présents pour découvrir ce ‘prodige’ de la reprise décalée.
En attendant ‘la nouvelle star’, c’est à Waterllillies qu’incombait la tâche de faire patienter les francophones venus des 4 (?) coins de notre pays. Avouons in petto qu’ils se sont réellement très bien débrouillés, ces petits Français. Au sein de leur répertoire orienté pop/rock du meilleur acabit, ils chauffent la salle, à température idéale, pour la suite des événements.
Bien soutenus par l’équipe de Julien Doré, ils ont pu compter sur l’appui des pupitreurs et de la sonorisation prévus pour la vedette du soir. Rarement on voit une telle collaboration, voire complicité entre la ‘tête de série’ et les non-classés. Et ce ne sera pas tout…
Vingt et une heures, tout est prêt. Le décor est à l’image du personnage, trois lampadaires ringards sortis d’un grenier, un écran de télévision ne diffusant qu’un fond blanc et un panneau sur lequel est écrit ‘Julien Doré Orchestra’. Le second degré et le ridicule sont poussés à outrance. C’est du meilleur effet et vraiment marrant ! Les musiciens prennent possession de l’espace scénique pour une introduction d’une petite minute qui s’achève par de puissants coups de gong. Au dernier coup, apparaît le ‘papa du bichon’ dans une tenue complètement noire, parsemée de paillettes qui scintillent sur une veste recouvrant son marcel (noir aussi).
Julien présente d’emblée sa face cachée dès « Baie des anges », une splendide ballade sensuelle plus parlée que chantée, dans un style fort proche de Biolay. Pas rigolo, rigolo, mais tout en jeux de mots et musicalement très forte, cette compo démontre le talent d’écriture et la diversité musicale dont il est capable. Ensuite c’est armé de deux cymbales qu’il entame « Piano lys » où il assure le rythme avant de s’écrouler 4 minutes plus tard, visiblement au bord de l’épuisement. « Golf Bon Jovi » marque un retour à la case départ ; mais à la différence de Biolay, quand celui-ci nous semble parfois dans sa bulle, Doré est d’un comportement diamétralement opposé, sa gestuelle exubérante donnant une impression de ‘rigolade’ tout en énonçant des propos qui ne le sont pas vraiment.
C’est le début du show Julien Doré !
Le ton est donné et le véritable spectacle peut commencer. « Laisse avril », dernier hit en date, débute par un lancer de confettis géants. Cette superbe plage pop 5 étoiles est efficacement soutenue par des guitares omniprésentes et une voix excellente et puissante. La première partie du concert s’achève par « L’été summer » et le magnifique « First Lady » qu’il termine au balcon du premier étage avant de descendre parmi ses fans au risque de se casser le cou et il regagne son domaine de prédilection pour terminer cette chanson d’amour à l’humour décapant. Un moment fort !
Changement de décor pour la seconde partie du spectacle. Coiffé d’une couronne de fleurs du meilleur effet, Julien revient armé de sa mandoline pour entamer, en acoustique, la suite et la fin de son set. Contrebasse, guitare sèche, petite batterie portable et autre flûte à bec donnent le change. Les morceaux interprétés en anglais en toute simplicité, sans artifice mais avec l’aimable collaboration vocale de ses acolytes font mouche. On reste dans un registre amusant où la bonne humeur devient terriblement contagieuse.
Second grand moment de communion totale avec le public, « Winnipeg » fait danser et chanter tout le monde lors du refrain. Durant près de 10 minutes, on se régale de ce chassé croisé entre musiciens, public et chanteur.
L’heure du tube a sonné et c’est paradoxalement le moment le moins amusant de la soirée. Heureusement que « Kiss me forever » et ses deux danseurs délicieusement ridicules ont vite succédé aux « Limites » devenues un peu fades sans Yvette Horner, Remy Bricka, le danseur barbu ou la grosse dame blonde au petit chien.
« Campari », « Bleu canard » et « Glenn Close » rappellent ensuite que Julien Doré est un excellent parolier et non moins bon arrangeur avant d’être l’amuseur public qu’il donne l’impression d’incarner en permanence.
Mission accomplie pour ce fou chantant du 21ème siècle. Le public est dans sa poche, conquis par ces deux facettes d’une des personnalités les plus improbables de la chanson française.
Cerise sur le gâteau pour terminer cette soirée d’anthologie, Julien Doré débute « I need someone » le titre final, seul à la guitare. Mais rapidement, c’est la voix de David Bartholomé du haut de son balcon qui surgit pour épauler son ami avant d’être soutenu pour les chœurs par les musicos montés au balcon d’en face. Bel hommage de ce bougre de clown à un chanteur belge qui ne l’est pas moins…
Quand je vous disais que ce type avait un je ne sais pas quoi de spécial…
Ah oui, j’allais oublier de reparler des Waterllillies !
Et bien sachez que Julien Doré n’est pas un ingrat et qu’il sait très bien d’où il vient et comment il y est arrivé. C’est sans doute pour cette raison qu’il a convié ceux qui avaient pour tâche de ‘préparer’ son public à venir le rejoindre sur l’estrade pour interpréter ensemble (ils étaient une dizaine sur les planches) « Murder on a range rover ».
Quand j’vous l’disais qu’il avait un p’tit quelque chose de spécial…
Si vous l’avez raté, il ne vous restera plus qu’à courir la France, car sa dernière date prévue pour la Belgique, c’était ce 15 mars à Liège !
(Organisation Nada Booking)
La passion comme rail, parallèle à celui de la curiosité, et le train m’embarque vers ce point à l’infini où ces deux lignes ne se rejoindront jamais.
Un voyage semé de belles surprises, comme hier soir, à L’Escalier.
Venu un peu par hasard, par la grâce d’un clip posté par un ami sur un certain mur, je posais mes chaussures fatiguées sous les lumières tamisées au devant de la scène.
La soirée accueillant aussi des étudiants Erasmus, la salle était envahie d’un brouhaha général qui sourdait de leurs gorges déployées et de leurs gosiers assoiffés.
Ignorant ce manque cruel de bienséance, le combo français exilé à Londres, depuis maintenant six ans, campait en face et laissait déferler la rage de ses compositions.
S’enchaînaient des brûlots qui au moment même où j’écris ces lignes se dévoilent plus précisément au milieu des craquements du vinyle.
Guitare/basse/batterie, la Sainte trinité d’un Rock hargneux et sauvage qui maîtrisé de la sorte, suscite mon engouement.
Aucune référence évidente ne permettant de leur accoler une quelconque étiquette, cette fraîcheur et cette véracité affichée dans leur musique les distingue de la majeure partie des sorties d’aujourd’hui.
Le groupe prenait plaisir sur scène, et cette générosité affichée décuplait la puissance de leur jeu, finissant de convaincre les éventuels sceptiques.
Contrairement à la veille, le concert pouvait se terminer dans un dernier assaut bruitiste, sans alerter les forces de l’ordre (petite mésaventure ayant fortement frustré les spectateurs du DNA).
Sortant des souterrains londoniens, Underground Railroad devrait bientôt être exposé à des projecteurs plus puissants et à la curiosité de bien plus qu’une poignée de passionnés et d’étudiants en goguette.
Et vous, vous devriez être là, la prochaine fois !
(Organisation : Honest House)
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